Lexa Gates – I Am

Ganz in der Tradition vieler großartiger Artists aus Queens erzählt Lexa Gates gekonnt Geschichten aus ihrem Leben über sehr smoothe Beats. Samplelastige, meist eher soulige Musik begleitet Gates, wie sie fast genauso smooth zwischen Rap und Gesang wechselt. Thematiken sind dabei scheinbar alles, was sie so erlebt und ihr durch den Kopf geht, ohne dabei ein Blatt vor den Mund zu nehmen. Neben Samara Cyn gehört sie gerade für uns zu der nächsten Generation an Hip-Hop-Artists, die wir auf jeden Fall im Auge behalten. Das neue Album »I Am« ist seit heute draußen.

Leikeli47 – Bad Guy

“Ring Ring say hello to the bad guy”, singt Leikeli47 im Refrain von ihrem neuen Track
»Bad Guy« und mehr braucht sie dann auch nicht für einen weiteren Ohrwurm.
Sehr “simpler”, aber super catchiger Beat, geile Lyrics und Leikelis Formel geht wie immer perfekt auf. Dazu kommt, dass der Song eine ganz klare Ansage dafür ist, dass die Zeit der Nettigkeiten vorbei ist. Leikeli47 betritt ihre bad bitch Ära! Der Beginn ihrer Villain Origin Story und wir sind absolut hier dafür.

Tkay Maidza – Must Be

Die Dritte im Bunde und laut eigenen Aussagen ebenfalls der Beginn einer neuen Ära (und hoffentlich auch der Beginn eines Album-Rollouts) ist die neue Single »Must Be« von Tkay Maidza. Das letzte Album der Australierin »Sweet Justice« ist nun auch schon gute zwei Jahre her und seitdem gab es außer einigen Features auch keine neue Solo-Musik. Wir wollen uns aber nicht beschweren, denn gut Ding will Weile haben und wenn »Must Be« das Ergebnis ist, weilen wir gerne noch ein wenig länger.

Jessie Reyez – $TILL PAID

Eine Afro-Beats-inspirierte Kollaboration zwischen Jessie Reyez und Stormzy hatten wir dieses Jahr nicht auf unserer Bingo-Karte. Aber wenn eine den UK-Artist aus seiner musikalischen Pause locken kann, dann ja wohl sie. Reyez hat erst vor einem Jahr ihr letztes Album
»PAID IN MEMORIES« rausgebracht und die neue EP »$TILL PAID« fühlt sich ein bisschen an wie Ideen und Demos, die es nicht ganz aufs Album geschafft haben. Wir bekommen vier neue Tracks mit Reyez, wie wir sie lieben: eine Mischung aus Freestyles, Experimenten und dann dem sehr schönen Duo. Alles zusammen ein bisschen chaotisch, aber der grundsätzliche Vibe stimmt.

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Bricknasty – go get that blade

Dass ein wilder Genre-Mix durchaus funktionieren kann, zeigt die Band Bricknasty. Lyrics, die man nicht direkt versteht und zum Teil eher Laute als Worte sind, werden unterbrochen von Irisch und Englisch über einen fast disharmonischen Beat, der wie eine wilde Achterbahn die Richtung wechselt. Hört sich jetzt nicht so einladend an – und trotzdem schaffen die Künstler aus Irland es, daraus einen sehr geilen und spannenden Track zu machen. Das letzte Projekt »XONGZ አስቀያሚ ጡብ« hat schon einen sehr überzeugenden Eindruck von dem Stil gegeben. Die Band ist gerade dabei, international den Durchbruch zu schaffen, und war dieses Jahr bei einigen Shows von Kneecap als Support dabei. Absolute Empfehlung diese Woche für alle Fans von alternativem Rap, Jazz und den etwas experimentelleren Songs von Kendrick Lamars »untitled«-Projekt.

The Last Dinner Party – Here Comes the Killer

“good morning, good looking, this is the Killer speaking” singt The Last Dinner Party-Frontfrau Abigail Morris im neuesten Song der Band: »This is the Killer Speaking«. TLDP besteht neben Morris noch aus Emily Jane Roberts, Georgia Davies, Aurora Nishevci und Lizzy Mayland. Abgesehen vom Tour-Drummer haben wir volle Female Power, die mit ihrem Debütprojekt »Prelude to Ecstasy« letztes Jahr nicht nur die Charts, sondern gleich die ganze Welt erobert hat. »Nothing Matters« wurde bereits kurz nach Veröffentlichung in sämtlichen Indie-Clubs mitgegrölt.
Das Konzept? Großartige Songs, die allesamt Ohrwürmer sind – und das alles mit individuellen Looks, die mal nicht den Mainstream ansprechen sollen, sondern die Weirdos und die Mittelalter-Rüstungen-, Korsettkleider- und Hosenanzug-Fans. Also alle, die sich nicht so ganz mit den Kardashians identifizieren können. Wir sind Teil des Fanclubs und können den neuen Song bereits mitsingen. Umso mehr freuen wir uns auf das kommende Album »From The Pyre«, welches die Band bereits für den 17. Oktober angekündigt hat. Absolut mystisch, magisch und wunderbar.

Jim Legxacy – black british music (2025)

Jim Legxacy ist ein britischer Artist, der seit 2019 immer mal wieder Musik rausbringt und auch hinter den Kulissen als Writer auf Projekten wie »ten days« von Fred again.. beteiligt war. Sein neues Album »black british music (2025)« verfolgt nicht wirklich einen roten Faden, vielmehr probiert der Londoner Künstler sich in unterschiedlichen Genres. Das funktioniert mal mehr und mal weniger gut. Das Projekt hört sich eher wie eine EP an, der Mix aus Pop, Rap, R&B, Singer-Songwriter- und Dancehall-Einflüssen könnte fast wie ein ungeschliffener Edelstein sein.

Lieder wie »3x« mit Dave haben definitiv das Potenzial dazu. Insgesamt ist das Projekt aber trotz des wilden Genre-Mix etwas repetitiv und überzeugt nicht durch tiefe Texte. Wenn die vielen Genres ein Spiegelbild für die vielfältigen Einflüsse von Schwarzen Künstler*innen in den UK sein sollen, ist der Grundgedanke zwar cool, aber Artists wie V V Brown oder Ezra Collective haben das in ihren letzten Projekten noch etwas raffinierter hinbekommen.

J Balvin – Mixteip

Ein Artist, der neben Größen wie Karol G oder Bad Bunny dafür gesorgt hat, dass Reggaeton international zu einem der beliebtesten Genres gehört. Wie hört es sich aber an, wenn Medellín und London aufeinandertreffen? Das zeigen uns diese Woche J Balvin und Stormzy. Der Track »Uuu« ist Teil der neuen EP »Mixteip« und zeigt nicht nur, dass die beiden gut harmonieren, sondern: Nach den vielen Feature-Tracks ist Balvin zurück in Höchstform. Sehr schöne EP.

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Ravyn Lenae – »Bird’s Eye«

Auf ihrem neuen Album »Bird’s Eye« hat Ravyn Lenae aus der Vogelperspektive über alle Wege und Hindernisse reflektiert, die sie zurückgelegt hat, um bei diesem Projekt anzukommen. Es ist ein sehr schönes, oft auch ruhiges Album auf dem Lenae, nicht nur verarbeitet, wo sie herkommt, sondern auch wo es noch hingehen soll. Schon das Cover trägt viel mehr Bedeutung in sich als man auf den ersten Blick sieht.
Zu sehen ist die Spüle im Keller des Hauses ihrer Großeltern in Southside-Chicago. Die Spüle, in der sie sich das erste Mal die Haare rot gefärbt hat.
Die Haarfarbe, die mittlerweile ihre Signatur ist. Das Färben ihrer Haare war für Ravyn Lenae ein wichtiger erster Schritt der Selbstverwirklichung. Genau das bildet auch den roten Faden, wie diese Selbstverwirklichung erreicht werden konnte und auch was noch kommt. Das Album wurde exklusiv von Dahi produziert und mit jedem Song merkt man, dass es für beide ein besonderes Projekt war.
Für uns ist »Bird’s Eye« das Highlight der Woche.

Chase & Status, Stormzy – »BACKBONE«

Über den neuen Track von Chase & Status featuring Stormzy muss man eigentlich nicht viel schreiben. Das Produzenten-Duo aus London ist ihrem Stil aus Drum and Bass und Dubstep treu geblieben. Mit Stormzy als i-Tüpfelchen ist der Track eine gelungene runde Sache, der vor allem live ordentlich abgehen sollte.

Ambré – »i do this sh*t in my sleep«

Wenn Künstler*innen ihre vaults an unveröffentlichten Songs öffnen, sind wir meistens erstaunt, was es alles nicht auf ein Projekt geschafft hat. Es gibt uns diesen kleinen Einblick in den Arbeitsprozess der Artists. Auf dem Hauptprojekt wurde alles gesagt, übrig bleibt der Rest, der nicht mehr nötig war. Ein gutes Beispiel: Kendrick Lamar. »To Pimp A Butterfly« ist ein absolutes Meisterwerk, jeder Song folgt dem roten Faden und kein Track ist überflüssig. Es ist ein großartiges Konzeptalbum, dass die Reste davon aber trotzdem Gold wert sind, beweist »untitled unmastered«. Künstlerin Ambré kommt mit »i do this sh*t in my sleep« vielleicht nicht ganz an »untitled unmastered« heran, dennoch ist die EP eine sehr schöne Sammlung unveröffentlichter Songs, die wir nicht missen wollen.

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Jeden Freitag werden wir wieder aufs Neue mit Alben, EPs und Mixtapes überhäuft. Überfordert? Ja, definitiv. Aber keine Sorge, Mostdope schafft Klarheit im Dschungel der Neuerscheinungen mit einer Auswahl der besten internationalen Releases der vergangenen Woche.

Diese Woche wird es insgesamt etwas melancholischer und ruhiger bei den Internationalen Releases. Für alle, die sich von Nicki Minaj und ihrem Ensemble auf »FTCU (SLEEZEMIX)« nicht so wirklich abgeholt fühlen, empfehlen wir, sich mal ganz dem eigenen emotionalen Kosmos zu öffnen.

Headie One & Stormzy – Cry No More

Den Start machen diese Woche bei uns zwei unserer UK Lieblinge Headie One und Stormzy. Die beiden finden auf dem Track »Cry No More« erneut zusammen. Im Vergleich zu vorherigen Songs der beiden wie »Audacity« oder »Ain’t It Different« ist der Track deutlich ruhiger, aber durch die Produktion von Tay Keith und einem wirklich schönen Sample fehlt es dem Song nicht an Tiefe. Die Probleme in London sind nicht weniger geworden, aber zwei Vorbilder mehr gibt es hier auf jeden Fall. Eine erneut gelungene Kollabo der beiden, die das Wochenende bittersüß einstimmt.

PIP MILLETT – BETTER

Es wird zwar nicht wirklich fröhlicher dafür, aber noch etwas schöner auf dem neuen Song »Better« der Manchester Künstlerin Pip Millett. Zuletzt erschien ihre EP »Tell Jimmy« und wenn man sich das Cover der neuen Single etwas genauer anguckt, scheint diese auf ein größeres Projekt mit dem Namen »Tell Jimmy I’m Fine« hinzudeuten. Es geht um Herzschmerz, Selbstzweifel und einfach sehr viele Gefühle, die immer genau den Kern treffen. Aber genau deshalb gehen Pip Milletts Songs auch direkt unter die Haut, mit ihrer besonderen Stimme malt sie Bilder von Situationen, die nachvollziehbar sind und ganz große Emotionen beim Hören auslösen. Noch schöner am neuen Track ist die Live Version mit COLORS. Einfach mal die Kopfhörer aufsetzen und in Ruhe die Gedanken fließen lassen. 

BLUE LAB BEATS – BLUE ECLIPSE

Mal etwas anderes gibt es diese Woche vom künstlerischen Duo Blue Lab Beats und dem neuen Album »Blue Eclipse«. Entspannter Jazz, der genau das Richtige ist, um die Motoren der Woche mal einen Gang runter zu schalten. Mr DM & NK-OK die hinter Blue Lab Beats stecken überzeugen hier vor allem durch künstlerische Kollaboration und holen sich auf den meisten Tracks Unterstützung von bekannten und weniger bekannten Gesichtern dazu. Auch Nicht-Jazz-Fans können sich an den Songs mit IDK oder Kojey Radical erfreuen. Einfach mal ausprobieren und dem Album eine Chance geben. 

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Seit sechseinhalb Jahren warten wir gespannt auf den Nachfolger zu »Process«. Jedes Jahr fühlt sich an wie das Jahr, in dem es endlich so weit sein könnte. Dabei baut sich eine Erwartungshaltung auf, die fast unmöglich zu erfüllen scheint. Zu viel Abwesenheit kann einem Künstler jedoch manchmal auch schaden, wie Frank Oceans Auftritt beim Coachella zeigt. 

Am Freitag hat Sampha uns endlich erlöst und sein zweites Album »Lahai« veröffentlicht. Ein Album mit dem fast sofort jegliche Erwartungen übertroffen wurden. Viel mehr kann den positiven Rezensionen, die bereits kursieren, eigentlich nicht hinzugefügt werden. Am treffendsten formulierte es Tyler, the Creator in seiner Instagram Story zu Samphas Song »Evidence«: „Sampha, dude, how? Wow.“

Definition von Schwerelosigkeit

Aber ganz dabei können wir es dann doch nicht belassen. Sampha hat die letzten Jahre sinnvoll genutzt und seinen Sound bis in jede feine Schicht ausgearbeitet. »Lahai« fühlt sich vertraut an, eben weil man nichts von »Process« vermisst.

Die Melancholie ist noch da, aber dafür auch jede Menge Freude und Freiheit, die dem gesamten Projekt eine neue Leichtigkeit verleihen. Es ist immer noch experimenteller Elektro-Pop, es gibt immer noch Piano-Passagen und über allem schwebt Samphas einzigartige Stimme.

Es gibt aber noch viel mehr. Der erst große Unterschied ist schon das Albumcover: Ein bewölkter Himmel, dahinter strahlendes Blau. Sampha ragt in einer Robe in hellen Cremétönen in den Himmel empor. In einer Ecke eine junge Frau, vielleicht ein Mädchen, die selig die Augen geschlossen hält. Ihr Kopf scheint gespiegelt. Um Sampha schweben ebenfalls creméfarbene Perlen. 

Auch die Form, in der Sampha seine ersten Konzerte in den UK gehalten hat, war anders als zuvor. Anstelle der traditionellen frontal ausgerichteten Bandformation stehen Sampha und seine Band im Kreis, umgeben vom Publikum. Die Musiker*innen stehen sich gegenüber und scheinen miteinander und füreinander zu spielen. Neben dem Cover spielen auch die Titel der Lieder wie »Suspended« und »Satellite Business« mit dem Begriff der Schwerelosigkeit und der Unendlichkeit des Weltraums.

Une machine à remonter le temps

Ein weiteres großes Thema und wunderschöner Kontrast ist das Verhältnis zwischen Maschine und Geist oder auch der Technik und dem Spirit. Zum einen weil es scheinbar im krassen Gegensatz zueinander steht. Zum anderen aber auch weil Sampha Geräte wie MIDI’s nutzt, mit welchen er akustische Instrumente programmiert und diese dann wiederum mit echten Instrumenten überspielt. Er verwendet diese Technik, um eine tiefe Spiritualität akustisch erfahrbar zu machen. Dabei manipuliert er nicht nur den Klang der Instrumente, sondern auch immer wieder seine seine eigene Stimme. Der Track »Suspended« wird so zu einem ganz eigenen Hörerlebnis. Zeit spielt immer wieder eine Rolle, sei es in Bezug auf das Leben, Zeit mit der Familie oder geliebten Menschen, aber auch im Kontext von Zeitmaschinen und Zeitreisen.

Spirit, I’ve been tryna do some summoning (Summoning)/ Like why summon her, then you summon him?/ Time machine I built has been stuttering (Stut-stut-stut-stut)/ Foolish endeavours

Sampha »Can’t Go Back«

Gerne wird hier dann schnell mit dem Begriff Afrofuturismus um sich geworfen. Wobei ganz klar gesagt werden muss, dass es bei Sampha nicht nur um die Zukunft geht. Songs wie »Can’t Go Back« handeln auch davon, dass man die Zeit nicht zurückdrehen kann. Durch den Afrofuturismus wird eher deutlich, dass Sampha einen einzigartigen Sound kreiert hat, der eben nicht immer in Worte gefasst werden kann.

Stuck In Perfection?

Im Outro zu »Evidence« (Ja, Tyler, du hast absolut recht) singt Sampha darüber, dass er sich in Perfektion, Reflexion und Richtung verlieren kann. Musikalisch kommt dieses Gefühl nicht auf. Alle Songs harmonieren perfekt miteinander. Kein Lied langweilt oder wird von anderen überschattet. Die Produktion auf »Lahai« unterscheidet sich von »Process«, da insgesamt ein größeres Team hinter Sampha stand. Zwei Namen stechen da in der Produktion besonders hervor: Riccardo „Ricky“ Damian und El Guincho.

Ricky ist, ähnlich wie Sampha, ein Multitalent und als Engineer, Produzent und Mixer tätig. In letzter Zeit hat er insbesondere an den letzten beiden Alben von Jorja Smith gearbeitet, aber auch Namen wie Ezra Collective oder Ibeyi (auch auf »Spirit 2.0« zu hören) finden sich in seinen Credits.

El Guincho, bekannt als Co-Produzent von Rosalías Hits wie »CON ALTURA« oder »MOTOMAMI«, hat auch mit britischen Künstlern wie Headie One und FKA Twigs zusammengearbeitet. Die beiden sind neben Samphas Solo-Producersongs am häufigsten als Producer Credits erwähnt. Spannend ist das vor allem, weil beide Sounds kreiert haben, die moderne Pop-Musik mitgeprägt haben und daher perfekt zu Sampha passen.

My heart glows like TV, I’m needy, don’t you know?/
But the fam besides me is what I needed most

Sampha »Rose Tint«

Speech is a necessary magic sometimes

Es ist schwer, einen Höhepunkt des Albums auszumachen. Mit der ersten Single »Spirit 2.0« hat Sampha die Messlatte bereits ziemlich hoch gelegt. Ein Wendepunkt ist »Jonathan L. Seagull«, der entfernt an »Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club« erinnert, aber statt auf der Erde im Weltall stattfindet. Das Lied ist seinem Bruder gewidmet. Familie und Lebensfreude sind durchgehende Themen. Ob es nun seine eigene Tochter als Lebensgrundlage ist, die Geschwister, die trotz eigener Erfahrungen ganz anders sind oder der Albumtitel »Lahai«, der an seinen Großvater erinnert. Lyrisch überzeugen alle. Aber die zweite Hälfte mit »Can’t Go Back«, »Evidence« und den abschließenden Songs »What If You Hypnotise Me?« und »Rose Tint« erzeugen eine konstante Gänsehaut auf den Armen.

Sampha ist dieses Jahr auf Tour und macht am 4. Dezember einen Halt im Theater des Westens in Berlin. Tickets gibt es hier.

Tracklist: Sampha – Lahai

01. Stereo Colour Cloud (Shaman’s Dream)
02. Spirit 2.0
03. Dancing Circles
04. Suspended
05. Satellite Business
06. Jonathan L. Seagull
07. Inclination Compass (Tenderness)
08. Only
09. Time Piece
10. Can’t Go Back
11. Evidence
12. Wave Theory
13. What If You Hypnotise Me?
14. Rose Tint
15. Re-Entry (nur auf Vinyl)
16. Sensory Nectar (nur auf Vinyl)

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HEAVENLY MOTHER

Das Cleo Sol trotz ihrer berühmten Fans eher ein Untergrundtipp ist, liegt zum Teil auch an der Künstlerin selber. Cleopatra ist niemand, die sich selbst groß auf Instagram & Co in Szene stellt. Vielmehr lässt sie ihre Werke meist für sich selbst sprechen und sich damit umso sympathischer und mystischer wirken. Das letzte Album »Mother«, erschienen 2021, ist ein ergreifendes Werk, auf dem sich Cleo intensiv mit dem Mutterwerden auseinandersetzt. Quasi eine emotionale Studie zum Muttersein. Es gibt selten Alben, die einen so tief berühren, auch wenn die Thematik womöglich nicht einmal zum eigenen Lebensabschnitt passt. Wer noch an Cleo Sols Superkraft zweifelt, sollte sich anschauen wie tief Stormzy den Track »Don’t Let Me Fall« fühlt. Bei seinem Cover Shooting für das i-D Magazine wurde der Track laut gespielt und die Emotionen könnten die eigenen sein.

Spannend ist aber auch, dass Cleo Sol niemals versucht ein Mainstream Hit-Album zu machen. Es sind keine großen Radio Banger oder leichte Pop-Hymnen auf dem Album zu finden. Vielmehr erwarten einen ruhige aber raffinierte Beats, produziert von ihrem Langzeitproduzenten und Partner Inflo. Inflo ist schon Geheimwaffe von Künstler*innen wie Adele, Little Simz und Michael Kiwanuka gewesen – oftmals unterstützt von Cleo Sol. Irgendwo zwischen Jazz, Soul, R&B und weiteren Einflüssen geht ein Stern in Form von Sols Stimme auf.

Nun aber zum neuen Werk »Heaven«.

YOU WILL FIND YOU POWER LITTLE BIRD, WAIT

Die ersten Lieder erfüllen direkt die tiefe Sehnsucht, die wir seit »Mother« in uns tragen. Inflo zaubert hier wieder sehr ruhige Beats, denen es dennoch nicht an Tiefe fehlt. Als wenn man zufällig nachts an einem Studio vorbeigeht, in dem alteingesessenen Musiker*innen am Jammen sind.

»Self« eröffnet das Album, jazziges Piano trifft auf einen tiefen Bass und leichtes Rhythmus-Schlagzeug. Cleo Sol’s Stimme ist zugleich unglaublich zart und verliert sich trotzdem nicht zwischen den Instrumenten. Es wird eine hypnotische Harmonie erschaffen, auf die man sich voll und ganz einlassen sollte und es wird direkt klar: dies ist kein Album zum Nebenbeihören. Klar zu hören ist hier auch der Einfluss von Sault, dem Künstlerkollektiv von Inflo, dem auch Cleo Sol angehört.

Die nächsten beiden Songs sind nicht weniger intensiv. »Airplane« hat fast schon einen Country-Vibe. Beim Hören wünscht man sich fast unter klarem Sternenhimmel am offenen Feuer zu sitzen oder sich wenigstens mitsamt Plattenspieler an den Kamin kuscheln zu können. In dem Song singt Cleo Sol von der Wiederfindung der eigenen Stärke. Durch den Glauben an Gott, aber vor allem auch durch den Glauben an einen selbst. Themen, die wie ein roter Faden durch das ganze Album führen. Selbst für Nichtgläubige (wie mich selber) ist es aber kein Klischee-Album.

Cleo Sol predigt nicht. Beim Hören bekommen wir einen Einblick in ihren eigenen Glauben, über allem steht die Liebe an sich. Es geht um die eigene, innere Stärke. Cleo Sol beschreibt es auf Instagram (einem von drei aktuellen Posts, alle zum Album) selbst am besten: “I pour my heart and soul into the music and it is very sacred to me, we don’t play with music, it is a gift that I am grateful to God for.”

BUT I’M OKAY TO SAY THAT IT’S OVER

Der titelgebende Track »Heaven« ist ein Track, der beim Hören sofort Assoziationen zu D’Angelo & The Vanguard aufkommen lässt. Purer Soul für die Seele, der tief durch jede Körperzelle dringt und einen wohlig warm strahlen lässt. Absolutes Highlight ist der Track »Old Friends«. Denn friends can break your heart too und eine tiefe Freundschaft kann inniger sein als jede romantische Beziehung. Das ein Vertrauensbruch in einer Freundschaft auch wahnsinnig wehtun kann, besingt Cleo Sol hier so herzzerreißend, das es einem fast schon selber schmerzt.

MISS ROMANTIC

Die nächsten Tracks sind zwar nicht weniger ernst aber schaffen doch eine leichtere Atmosphäre. »Miss Romantic« erzählt die Geschichte von dieser einen Freundin, die gefühlt jede*r im Freundeskreis hat. Egal, wie offensichtlich die Zeichen sind, sie lässt sich nicht belehren, eine hoffnungslose Romantikerin. Cleo Sols Stimme ist klar und stark. Der Beat wunderbar verwoben mit leichten Hiyatus Kaiyote Gefühl aber eben in Inflos eigener Beatsprache. 

Richtig spannend für Vinyl-Nerds dürfte der Song »Nothing On Me« sein, Jazz aber nicht US-Jazz sondern wie Tony Allen schon sagte: “[…] I’m playing Jazz my way“ (sehr toll zu hören auf dem Track »No Confusion« von Ezra Collective). Es ist fast eher schon ein Instrumental Track mit wenige Worten von Sol der aber trotzdem extrem überzeugt. Etwas wehmütiger wird es dann wieder im Outro »Love Will Lead You There«. Der Song grenzt fast schon an Akustik-Kitsch, aber Cleo Sol klingt dabei so aufrichtig und glaubwürdig, dass man eher im Takt mitschwingt als ihr dafür böse zu sein. Selbst Zyniker*innen blüht da wieder etwas das Herz auf.

THEY’RE JUST JEALOUS `CAUSE YOU’RE KIND

Cleo Sol erschafft auf »Heaven« Musik, die tief in die Knochen dringt und die Seele berührt – selbst wenn man an sowas eigentlich gar nicht glaubt. Eine klare starke Stimme, aufrichtige Lyrics, die Cleo Sol wie eine alte Seele wirken lassen. Ein ganz eigener Sound. Das Album lebt in der Musikbubble, die auch Sault, Little Simz und Ezra Collective umfasst und lässt ein dann beim Auftauchen wundern, wieso nicht alle anderen genauso fasziniert und eingenommen davon sind. Gleichzeitig ist es aber auch ein Album für Liebhaber, das eben eine ganz bestimmte Nische anspielt. Man sollte dieser Nische und Cleo Sol im besonderem aber eine Chance geben und sich voll und ganz auf »Heaven« einlassen. Hoffentlich bringt es viele dann genauso zum Staunen. 

TRACKLIST: CLEO SOL – HEAVEN

01. Self
02. Airplane
03. Go Baby
04. Heaven
05. Old Friends
06. Miss Romantic
07. Golden Child (Jealous)
08. Nothing on Me
09. Love Will Lead You There

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Eine kurze Zusammenfassung, seit wir das letzte Interview hatten: Mahalia presents ist richtig durchgestartet, ihr hattet sogar zwei Shows in New York. Deine gemeinsame Single »Cheat« mit US-Sängerin JoJo hat sehr gute Rezensionen bekommen und auch Fans sind begeistert. Außerdem hast du gerade eine sehr erfolgreiche Performance auf dem Glastonbury Festival hinter dir… wie waren die letzten zwölf Monate für dich und wie erschöpft bist du zurzeit?
Ich bin definitiv erschöpft, aber ich plane, mir ab kommendem Samstag, also drei Tage nach unserem Interview, für fünf Tage Urlaub zu nehmen. Das wird ein richtig schöner Neustart. Aber die letzten zwölf Monate waren großartig. Seit wir das letzte Mal gesprochen haben, hat sich ‘Mahalia presents’ [Anm. d. Verf.: ein von Mahalia ins Leben gerufenes R&B-Newcomer-Showcase] in eine sehr schöne Richtung entwickelt. Wir haben erst im März letzten Jahres angefangen, von daher war es ein wirklich wirklich gutes Jahr. Wir haben gerade erst unseren Veranstaltungsort in London gewechselt, jetzt sind wir um 250 Gäste größer. Wir haben New York gestartet, was sehr anders aber auch wirklich sehr aufregend war. Und auch total schön, dass wir imstande sind, ‘Mahalia presents’ dort aufzubauen und es hoffentlich auch wachsen zu sehen.

Offensichtlich habe ich mein Album fertig gestellt, seit wir das letzte Mal gesprochen haben, das freut mich sehr. Zu dem damaligen Zeitpunkt war ich noch am Schreiben und hab einfach nur versucht, es fertig zu bekommen. Es war also wirklich richtig gut damit endlich über die Ziellinie zu kommen und jetzt beim Countdown zum Release angekommen zu sein. Ja, es waren einfach zwölf richtig verrückte Monate. Ende letzten Jahres war ich richtig enthusiastisch ins nächste Jahr zu gehen und alles zusammen- und fertig zu bringen. 
Glastonbury war unglaublich, wirklich unglaublich. Es war auch einfach eine schöne Art den Sommer einzuläuten.

Ich will gleich direkt in das Album einsteigen. Ich finde besonders beim Hören der ersten zwei Songs »Ready« und »In My Bag« – und ich spreche jetzt als Fan – klingen sie sehr anders an als alles, was du bisher veröffentlicht hast. Auf eine Art irgendwie größer. Wie war deine Herangehensweise bei der Arbeit an dem Album? War es „business as usual“ oder ganz anders?
Ich denke es war schon „business as usual“ im Sinne, als dass ich noch die gleich Person bin. Vielleicht etwas älter und ich hab mich mehr verwirklicht. Aber ich denke die Herangehensweise an das Album war, dass ich mir einfach viel mehr Zeit genommen habe um herauszufinden wie sich das Album anhören- und anfühlen soll. Ich denke das kann man wirklich hören. Auch wenn es sich anders als mein letztes Album anfühlt, glaube ich trotzdem, dass mit diesem Album alles zusammenkommt. 

Der Hauptunterschied war, dass ich beim Schreiben mit dem gleichen Kernteam zusammengearbeitet habe. Das hat mir quasi das Gefühl gegeben, als ob ich ich in jede Richtung gehen könnte, sei es nun akustisch, lyrisch, egal was. Aber ja, »Ready« ist auch eines meiner Lieblingslieder. Es erklärt einfach perfekt, wie ich mich fühle oder wie ich mich gefühlt habe als ich mit dem Schreiben anfing. Ich bin wirklich aufgeregt. Ich habe das Gefühl die Leute könnten enttäuscht sein, weil es sich nicht wie mein erstes Album anhört. Aber ich denke auch, dass es gut ist sich weiter zu entwickeln. Es war aber auf jeden Fall schwierig für mich herauszufinden wie ich möchte, dass es sich anhört.

Ja, und mir hat »Ready« wirklich gut gefallen, weil es mich sehr an die schwerelose, traumartige Atmosphäre von Frank Ocean’s »Seigfried« erinnert. Man möchte sich einfach in dem Song verlieren. Dann fängst du an mit – ich möchte nicht sagen mit der Kampfansage – aber du machst auf jeden Fall eine große Ansage, wenn du singst: „From now on I know I can take what comes my way and nobody can take that away“. Hier beginnt für mich auch dieser rote Faden, der sich durch das ganze Album zieht. Es geht um Selbstvertrauen: In deine Musik, in dich selbst und über die Bedeutung davon. Kannst du dazu mehr erzählen?
Das Motiv ist definitiv Selbstvertrauen und es ist auch definitiv Unabhängigkeit. Kurz bevor ich begann am Album zu arbeiten, habe ich mit einer Therapie angefangen. Ich war dabei viel über mich selbst herauszufinden und sogar über das Trauma in meinem Leben, mit dem ich mich vorher nie wirklich beschäftigt habe. Es hat wirklich eine Weile gedauert, bis ich wieder Selbstvertrauen in mich als Künstlerin erlangt habe. Besonders nach der Pandemie. Ich denke, in der Zeit sind wir alle ein bisschen zerbrochen und wir alle mussten uns danach wieder zusammen bauen. Ich glaube das Album war wirklich das für mich. Es war, als ob ich mich dadurch wieder zusammengefügt habe. Dieser Faden des Selbstvertrauens ist da, weil ich mich wirklich so gefühlt habe. Ich musste herausfinden, wie ich wieder Vertrauen in mich aufbaue, wie ich alleine unabhängig sein kann und wie ich eigenständig in einer Beziehung sein kann.

Ich habe das Album quasi mit meinem Partner zusammen geschrieben. Wir sind jetzt fast drei Jahre zusammen, von daher fühlt sich das Album auch deshalb anders an. Ich bin jetzt nicht mehr das Single-Mädchen, welches alle paar Monate das Herz gebrochen bekommt. Ich bin jetzt in einer langfristigen Beziehung mit eigenen Themen und Problemen und Dingen, über die man hinweg kommen muss. Von daher denke ich, dass das wirklich einer der Hauptunterschiede ist. 
Der Faden handelt auch von der Person, die ich gerade bin. Ich mag diese Person vielleicht nicht mehr auf meinem nächsten Album sein, aber jetzt gerade ist das die Person, die ich bin. Es ist das Vertrauen, welches sich durch alle Ebenen meines Lebens zieht: Mein Arbeitsleben, mein persönliches Leben. Einfach generell als Frau, da ist eine Menge Selbstbewusstsein.

Du führst diese Art der Geschichtenerzählung fort aber es geht auch viel darum „es endlich selbst in der Hand zu haben“. Wie auf dem Song »In My Bag«, wo du Zeilen hast wie „You ain’t blocking my shine“. Ist das etwas, mit dem du dich viel auseinandersetzen musst? Das Leute die Arbeit, die hinter deiner Karriere steckt, nicht sehen oder anerkennen können? Sprüche wie: „Du hast so viel Glück“ oder „Ich wünschte ich wäre das / Ich wünschte ich könnte du sein“?
Es geht sehr viel darum aber der Song handelt auch von einigen Leuten mit denen ich aufgewachsen bin, die niemals geglaubt haben, dass ich eine Künstlerin werden kann. Die mich auch immer wieder daran erinnert haben. Ich denke sogar, das ist ein Motiv auf dem Album: Eine Erinnerung an alle, dass dies nicht eine Sache ist, die über Nacht geschehen ist! Das hier ist etwas, das sich seit zwölf Jahren aufbaut und auch weiter aufbauen wird. Von daher war »In My Bag« auch ich, die sagt: Ich bin nicht hier wegen einem Glücksfall! Obwohl ich schon denke, dass du zu den Glücklichen gehörst wenn du Erfolg hast. Aber ich denke nicht, dass wir Erfolg haben nur weil wir Glück hatten. Da steckt eine Menge Arbeit hinter und viele Dinge die hinter den Kulissen geschehen um alles möglich zu machen. 

Und ich arbeite wirklich fucking hart! Selbst der Urlaub, den ich mir jetzt nehme.. für mich sind fünf freie Tage eine Menge! Das ist etwas, was ich sonst nicht mache. Von daher muss man wirklich an die ganze Arbeit denken, die in die Musik fließt. Und ein Artist zu sein ist kein Nine-To-Five, es ist 24/7. 
Ich hänge manchmal Sonntag nachts noch mit meinem Manager am Telefon. Oft habe ich eine Show an einem Samstag. Mein Leben ist nicht planbar. Ich meine, es ist planbar in dem Sinne, dass ich einen festen Zeitplan habe (schmunzelt) aber es ist eben nicht jeden Tag der gleiche Ablauf. Ich glaube, ich hatte nicht mehr als fünf Stunden Schlaf in den letzten zwei Jahren. Besonders jetzt. Zurzeit wache ich jeden Morgen auf und denke mir: Wow, ich bin so müde! Ich glaube die Leute müssen begreifen, was für ein Haufen Arbeit investiert wird, um ein Artist zu sein. Besonders heutzutage. Mit Social Media, TikTok, mit jeder kleinen Entscheidung. Alles was rausgeht muss durch mich kommen. Das ist extrem viel! Von daher ja, diese Welt ist nichts für feige Menschen. 

„Give me the wheel I drive it / give me the lemons I make you lemonade / No I ain’t the same / I came from where you came / but look at me, I did it when I made a change […] cause I’ve been at it since a baby now it’s my time / don’t know why you fixated on my life / tell me what you doing for your own grind / got you tongue tied / You ain’t blocking my shine“ 

Mahalia auf »In My Bag«

Das sprichst du auch auf dem Titeltrack »In Real Life« an, wieviel sich verändert hat seit deinem Debüt »Diary of Me«. Würdest du sagen, es ist jetzt schwerer geworden? Dadurch, dass du mit Musik angefangen hast als du noch so jung warst, wie viel hat sich seitdem geändert, in der Art wie du Musik veröffentlichst und wie du als Künstlerin performst?
Ich hab immer gedacht es wäre schwerer, als ich jünger war – auch, weil ich mich selbst noch nicht so gut kannte. Aber es ist mit Sicherheit heute härter! Als ich jünger war hatte ich zumindest noch Schule, an die ich denken musste und andere Ablenkungen. Aber jetzt.. jetzt ist das meine ganze Welt. Also ja, es ist heute schwerer. Aber es ist auf viele Arten auch einfacher, weil ich jetzt meinen ganzen Fokus darauf legen kann. Wohingegen ich damals noch Schule und Musik hatte und dann eben noch alle anderen Dinge, die man als Teenager durchlebt..

Sprechen wir über einen anderen Song, der bei mir auch sehr viel Kindheitserinnerungen ausgelöst hat. Auf der Single »Cheat« arbeitet du mit der US-Künstlerin JoJo zusammen. Eine wirklich schöne Überraschung. Wie kam es zu der Zusammenarbeit?
Ja das war.. das war eigentlich ziemlich organisch. Ich glaube, ich hab JoJo nur eine Nachricht geschickt, in der ich sie gefragt habe ob sie auf dem Song mitmachen möchte. Sie hat Ja gesagt und das war wie… (lacht). Das passiert echt selten, von daher ist es umso schöner, wenn es klappt. Gerade dann wird es entspannt. Ich hab ihr den Song geschickt, weil ich zu dem Zeitpunkt nicht nach L.A. fliegen konnte. Wir haben dann durch Sprachnachrichten, via Mail und WhatsApp zusammen gearbeitet. Sie ist wirklich liebenswürdig und großartig und es war sehr, sehr entspannt! Sie hat mir diesen ganzen Prozess auch einfach gemacht, weil ich doch leicht eingeschüchtert war. Ich liebe ihre Musik schon seit so vielen Jahren und wollte natürlich, dass sie den Song mag und dass sie auf dem Song dabei sein will. Von daher bin ich wirklich sehr glücklich, wie sich das alles entwickelt hat.

Ich war von einem anderen Feature sehr überrascht – vor allem weil mir dann erst aufgefallen ist, dass ihr vorher noch nie einen Song zusammen hattet. Aber »November« ist deine erste offizielle Single mit Stormzy. Ihr habt schonmal 2020 in der Jonathan Ross Show zusammen mit Burna Boy live performed. Als Fan hab ich euch immer irgendwie im gleichen Kosmos oder den gleichen Kreisen gesehen. Besonders auch wenn man sich Features anguckt, die ihr beide habt und Künstler*innen mit denen ich euch assoziiere. Von daher war »November« dieser Moment: Krass, ihr hattet wirklich noch keinen Song zusammen. Wie kam es dazu?
Durch diesen Song. Ich wusste irgendwie beim Schreiben von dem Song schon, das ich ihn da drauf haben möchte. Ich wusste nur nicht, wie ich fragen sollte. Glücklicherweise kennt mein Manager jemanden aus seinem Team ziemlich gut. Er hat ja kein Social Media – oder zumindest zu dem Zeitpunkt hatte er es nicht – und ich hatte seine Nummer nicht. Von daher gab es für mich keine Möglichkeit ihn zu kontaktieren. Dadurch musste ich etwas mehr den “Industrieweg“ gehen. 
Aber ich und er, wir waren irgendwie schon immer Teil der Welt des anderen. 
Ich sehe ihn viel und er ist immer unglaublich lieb und respektvoll mir gegenüber. Er ist einfach einer dieser Artists, der mir immer das Gefühl gegeben hat „gesehen“ zu werden. Von daher hab ich mir keine Sorgen gemacht. Vielleicht hab ich mir ein bisschen Sorgen gemacht, dass er es nicht machen würde wegen der Art des Songs, aber er liebte ihn. 

Ich liebe dieses Stück und ich freue mich richtig darauf, dass Leute ihn finden werden. Weil ich schon das Gefühl habe, dass Leute diesen Song genauso lieben werden wie ich es tue. Ich denke wenn sie Stormzy so zu hören bekommen, fast schon zerbrechlich… Es ist offensichtlich ein Liebessong und ich denke das wird ein ganz besonderer Moment. 

Ein anderer Song, auch einer meiner absoluten Lieblinge auf »IRL«, ist
»Lose Lose«. Der ganze Refrain ist fast schon wie eine Hymne und sicherlich auch live richtig toll. Ich möchte mit dir über die Lyrics sprechen: „In this phase my heart is leading / and it rules my belief system / as I try to adjust to the idea of life without you in it / I don’t know if that’s winning or losing“.
Magst du ein bisschen mehr über den Song und besonders diese Zeile sprechen?
Ja, also zu dem Zeitpunkt habe ich eine Menge gelesen über Liebe im Allgemeinen. Aber auch über Herzschmerz und die Idee von Glaubenssystemen und wie unsere Körper funktionieren. Love Language und all diesen Kram. Ich finde, es gibt immer diese Diskussion, dass du dich entscheiden musst zwischen deinem Herzen und deinem Verstand. Ich hab immer mit meinem Herzen entschieden, wahrscheinlich auch einer der Gründe warum ich so viele schlechte Beziehungen hatte (schmunzelt). Wie ich schon gesagt habe, dass ich in einer Langzeitbeziehung bin hat auch meine Art wie ich Songs schreibe verändert. Der Song war wirklich schwer für mich zu schreiben, einfach weil ich einen Teil davon mit meinem Partner geschrieben habe. 
Es ging offensichtlich um ihn und wir gingen gerade durch Turbulenzen.

Eine Sache die Leute immer zu glauben scheinen, ist, dass sobald du als Songwriter in einer Beziehung steckst, wirst du keine traurigen Lieder mehr schreibst weil alles happy ist. Aber so sind Beziehungen nun mal nicht. An dem Punkt befand ich mich einfach an einem Scheideweg. Ich musste mich entscheiden, ob es der richtige Weg war. 
Ich liebe diesen Ausschnitt, weil die Aussage wirklich ist: Ich möchte mich nicht entscheiden müssen. Ich kann nur daran denken, mit dir zusammen zu sein. Ich habe versucht zu sagen, dass ich nicht weiß ob es gut oder schlecht ist, wenn ich nicht mehr bei dir bin. Und ich denke darum geht es auch irgendwie in der Liebe. Du hast so eine große Angst davor jemanden zu verlieren. Aber gleichermaßen wenn ich das tun muss, weil es besser für mich ist, dann werde ich das auch tun. Ich denke dieser Song ist auch einer meiner Lieblingslieder. Es ist einer dieser Songs, den Leute finden und sich dann über Zeit darin verlieben werden. Es ist einfach ein wirklich richtig besonderer Song. Ich finde, er beschreibt perfekt dieses Gefühl, nicht zu wissen, welchen Weg man gehen soll. Nicht zu wissen, ob ein Ende der Beziehung vielleicht mehr Nutzen für mich hätte. Ehrlicherweise ist der ganze Song wie ein großes Fragezeichen! 

Ich kann mir vorstellen, dass es da zu einigen feuchten Augen im Publikum kommen wird, wenn du den live spielst. Eine andere Frage, die ich dazu habe: Du bist bekannt dafür sehr nachvollziehbare Songs über Beziehungen zu schreiben. Wie viele Leute kommen auf dich zu und stellen dir Fragen über ihre Beziehungen oder erzählen dir einfach Stories über ihr Liebesleben?
Tatsächlich eine ganze Menge. Ich denke, unter meinen Freunden bin ich mittlerweile die ausgeglichenste geworden. Meine Freundinnen rufen eigentlich immer mich an, wenn irgendwas passiert ist. Aber das macht mir nicht viel aus. Ich glaube, ich bin sehr gut da drin mir eine Situation von außen anzugucken. Ich gebe gerne Ratschläge und rede über solche Sachen. Meine Mum ist auch sehr so. Das hab ich also ehrlich gesagt von ihr. Aber ja, Fremde erzählen mir definitiv zu viele Dinge, die sie mir wahrscheinlich nicht erzählen sollten. 

Auf dem letzten Song deines Albums spielst du im Outro mit einer ähnlichen Schwerelosigkeit wie auf »Ready« und verknüpfst damit alles noch besser miteinander. Du denkst in dem Song darüber nach, wie du deinen Träumen schon in so jungen Jahren nachgegangen bist. Was sich häufig bestimmt sehr einsam angefühlt haben muss. In dem Outro gibst Du dann den Ratschlag: Dass wir uns alle genau überlegen sollten, wen wir mit uns in den Himmel nehmen, weil es Leute gibt, die sich alles nehmen was sie können. War das eine harte Lektion, die du selber Lernen musstest? Oder hattest du schon immer eine solide Crew?
Nein, das ist etwas, dass ich lernen musste. Ich hatte eigentlich nie wirklich eine starke Crew. Meine Freunde habe ich alle erst recht spät gefunden. Ich habe auf jeden Fall ein paar Schulfreunde, die schon lange an meine Seite sind. Aber die meisten meiner engen Freunde sind Menschen, die ich erst als Erwachsene kennen gelernt habe. Selbst wenn wir nochmal zurück gehen zu dem worüber wir gerade gesprochen haben, das Leute mir einfach Sachen erzählen und ich gerne Ratschläge gebe und drüber rede. Ich denke deshalb wollte ich das Album beenden mit: „Mein letzter Ratschlag ist…“ Ich hatte definitiv Menschen um mich rum, die nur da waren aufgrund von dem was ich tue und weil ich eine Künstlerin bin. Ich hab sehr lange gebraucht, das zu durchschauen. Das war wirklich eine sehr harte Lektion zu lernen. 

Dann geht man auf einmal durch sein Leben und weiß nicht, warum Leute dich wirklich mögen. Oder warum sie wirklich mit dir reden möchten, weißt du? Ich sehe das ab und zu immer noch. Ich war gerade kürzlich bei einer Sache, wo – ich beschreibe es jetzt nicht zu detailliert damit ich später kein Shoutout dafür bekomme – aber ich war bei diesem Ding von einem Freund und keiner kam wirklich auf mich zu um mit mir zu reden. Ich kannte niemanden. Aber alle kannten irgendwie einander. Dann findet eine Person heraus, dass ich eine Sängerin bin, die nicht gerade wenig Follower hat.
Ehe man sich versieht reden alle drüber und alle sagen auf einmal Dinge wie: „Ich bin obsessed mit dir!“ Und ich denke mir nur: Aber das warst du gar nicht! Als ich in diesen Raum kam, gab es nichts an mir, dass dich zu mir hingezogen hat. Und das ist auch ok! Weil wir nicht alle dazu vorhergesehen sind als Menschen zu connecten, weißt du? ABER dann findest du heraus, was ich mache und auf einmal willst du mit mir essen gehen? Das verstehe ich einfach nicht! Weil ich selber so nicht bin. 
Von daher ist dieser Song auch über meine Reise. Dieses geschriebene Stück zum Schluss da geht es darum, dass man wirklich vorsichtig sein sollte. Denn ich denke es gibt viele Menschen auf der Welt, die nur von dir nehmen möchten. Und manchmal nehmen Leute etwas von dir und das ist ok, denn dann kannst du auch etwas von ihnen nehme und das ist ok. Solange es ausgeglichen ist. Aber diese Lektion musste ich wirklich auf die harte Art lernen. 

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Little Simz möchte zurecht nicht nur als weibliche Rapperin bezeichnet werden. Für sie ist female rapper ein Label welches sie als Artist zu sehr einschränkt. Sie ist eben auch viel mehr als das. Eine wahre Künstlerin, die ihrer Berufung bereits seit ihrem neunten Lebensjahr nachgeht. Introvertiert, stark, förmlich aus jeder Pore strömt Talent und dazu arbeitet sie härter als die meisten anderen. Auch der Pfad als unabhängige Künstlerin ist kein leichter. Dieses Jahr musste sie ihre Nordamerika Tour absagen, weil es finanziell einfach nahezu möglich ist, mit Live Band außerhalb Europas zu touren, ohne aus eigener Tasche drauf zu bezahlen. Ein harter Preis für kompromisslose Kunst. Aber alle die kürzlich bei einem ihrer Konzerte waren wissen, dass es das wert ist. Es ist ein langer und mühsamer Weg, aber dafür einer, der beweist das sie ein Rückgrat aus Stahl hat und eine Stimme die nicht klein zu kriegen ist. In Hamburg spielte sie letzte Woche im Club Übel & Gefährlich. Eine Location, die so besonders ist, wie die Künstlerin selber.

Das Konzert sollte eigentlich schon im Januar stattfinden und wurde dann aufgrund der damals noch strengeren Pandemie Einschränkungen verlegt. Die Karten hatte ich also fast genau ein Jahr vor Konzert Beginn gekauft. Der Abend war aus vielen Gründen ganz besonders. Little Simz hat ihre Hamburg Konzerte bis jetzt immer im Übel & Gefährlich gehabt, also quasi Heimspiel in Hamburg. Bei ihrem Konzert 2018 während der The Poison Ivy-Tour musste noch die Hälfte der Location mit Trennvorhängen abgehängt werden und selbst dann war der Saal noch nicht ausverkauft. Simz und ihre Band hatten sich damals nicht davon aufhalten lassen und dennoch eine auf gut deutsch sehr geile Show abgeliefert. Little Simz hatte schon damals eine unglaubliche Bühnenpräsenz, die einen einfach in den Bann zieht und komplett in ihre Musik abtauchen lässt. Fast viereinhalb Jahre später war die Hallentrennung nicht mehr nötig und die Location war komplett ausverkauft. Etwas das sie und ihr DJ direkt mit großen strahlenden Augen zu Beginn des Konzerts verkündeten. Auch daran merkt, man wieviel sich bei Little Simz in den letzten Jahren getan hat: drei Alben-, zwei Mobo Awards- und eine Hauptrolle in der britischen Drama Serie Top Boy später und Simz ist keine unbekannte Underground Rapperin mehr. 

Little Simz hat endlich die Liebe bekommen, die sie schon lange verdient hat. Das Hamburger Publikum zwar zu Beginn bei der PreShow ihres DJs und Maestros ODC noch etwas steif und eingefroren – kurz kam mir schon die Angst hoch, dass es eines der Konzerte wird, bei denen man sich für die Energie der eigenen Stadt schämt – doch als Simz dann aber die Bühne betrat, wurde der Schalter umgelegt und das Publikum schaltete spürbar ein paar Gänge höher. Endlich kam in dem Club auf dem Heiligengeistfeld Fahrt auf. Ich kann ehrlich sagen, dass ich noch auf keinem Konzert in Hamburg oder Berlin war bei dem das Publikum dem Artist so viel Energie, aber auch Empathie entgegen gebracht hat. Little Simz hat absolut abgeräumt und auch gezeigt wie sie sich als Live Künstlerin entwickelt hat. Obwohl sie diesmal ohne Band, dafür aber mit DJ unterwegs war – auch das sicherlich eine notwendige finanzielle Entscheidung – hat das der Show nicht geschadet. Es war für mich ungelogen das beste Konzert des Jahres, da kann selbst Kendrick Lamar einstecken.

Nach jedem Song gab es minutenlanges Gekreische und Applaus aus dem Publikum welches Little Simz auch als alten Bühnenhasen sichtlich gerührt hat. Während »Point and Kill« und »Fear No Man« hat der Ausdruckstanz des Publikums neue Höhen erreicht. Neben einem neuen experimentellen Techno Song, den sie ein paar Tage zuvor in Berlin aufgenommen hatte, wurde das Konzert dann tatsächlich mit »Venom« beendet und das Publikum ist eskaliert. Unglaublich toll. Als der Club nach dem Konzert als Aufräum-Musik dann »Gorilla« von ihrem neuen Album gespielt hat, kamen Little Simz und ODC spontan doch nochmal für eine kleine Dance Session auf die Bühne.

Songs von ihrem neuen Album hat sie nicht gespielt, aber aus einem guten Grund: die bekommen wir dann auf der nächsten Tour zu hören.

Nun aber zum neuen Album »NO THANK YOU«. Ohne große Ankündigung veröffentlichte Little Simz letzten Montag ihr neues Album. Ihre Begründung: große Worte sind nicht ihr Ding sie spricht lieber direkt durch ihre Musik und genau das hört man auch. Der Intro Track »Angel« gibt den Ton des ganzen Albums an. Man kann deutlich den Einfluss des Super Producer Teams Sault hören. Einerseits durch die Produktion von Inflo, dem UK Producer Genie und Kindheitsfreund von Little Simz, der auch schon hinter »Sometimes I Might Be Introvert« und »Grey Area« steckte. Aber auch UK Sängerin Cleo Sol welche auf »Angel« im Refrain zu hören ist. Das ganze Album hat einen deutlich anderen Ton als Introvert, was aber keine Kritik ist. Es ist vielleicht weniger episch und majestätisch als der Vorgänger, steht aber unter keinen Umständen in dessen Schatten –Im Gegenteil! Sie macht hier genau das, was sie am besten kann. Ehrliche Lyrics, Lebensweisheiten und eine unglaubliche Lässigkeit treffen hier auf Beats, die genauso besonders sind wie die Stimme von Little Simz selbst. »NO THANK YOU« steht für sich und muss sich nicht behaupten. »Angel« ist da nur eines von vielen Beispielen. Passend endet der Song mit dem Satz:

So, please don‘t take my kindness for a weakness/
‘Cause I got Angels.

Auf »Angels« folgt »Gorilla«, der wohl der größte kommerzielle Banger des Albums werden wird. Eingestimmt durch ein kurzes Orchester Snippet, das einen Hauch Hollywood in sich trägt, folgt ein grooviger Beat, den ich laienhaft als Kontrabass identifizieren würde. Leichtfüßig wie ein Boxer im Ring tänzelt Simz hier über den Beat. Ein Swagger, den sie zwei Lieder weiter auf »No Merci« nochmal übertrifft. Der Titel an sich ist schonmal ein sehr schönes Wortspiel: “Nein Danke” in Französisch aber klanglich eben auch wie “No Mercy” also “keine Gnade”. Genau darauf will sie mit diesem Song aber auch hinaus. Jede Menge angestaute Wut über Rassismus, Sexismus und Ungerechtigkeit die Little Simz im Laufe ihres Lebens erfahren und erlebt hat. Der Song startet mit einem schwungvollen Beat, verstärkt durch Streichinstrumente, welche sich dann ab der zweiten Minute langsam in ein etwas dunkleres Dröhnen wandeln. Genau zum passenden Zeitpunkt während Simz parallel über Machtverhältnisse in der Musikindustrie rappt. Nach der klaren Ansage der ersten drei Minuten kommt der Wandel. Die Musik lullt im Hintergrund, der Beat entspannt und Little Simz singt zart im Hintergrund Affirmationen: “You’re only human too, do yourself a favour. They do not deserve you, you can‘t be their saviour.” Worte die wir alle öfter hören müssten.

Die Wut steigert sich im nächsten Song »X« welcher quasi als direkte Ansage gegen das rassistische System fungiert. Insgesamt alles Themen die weder im Hip-Hop noch in Little Simz Diskographie fremd sind, umso trauriger, dass die Zeiten immer noch so ungerecht und hart sind, dass es wichtiger denn je ist öffentlich und oft darüber zu sprechen. Durch die anschwellende Orchester Musik und einem Chor welchen Little Simz durch ihre Verse leiten, bekommt man als Hörer*in direkt den Anreiz um Simz in ihrem Protest zu folgen. »X« ist ein Lied auf dem Simz mal wieder ihre Stärke für politischen Rap zur Schau stellt und damit einen starken Protest Song geschaffen hat.

Diese unbequemen Wahrheiten werden auch auf »Heart on Fire« angesprochen “Devil Works hard, but the business works harder” ist nur eine von vielen Zeilen die nach dem Hören im Kopf hängen bleiben. Ein Song, der sehr viel Schmerz in sich trägt. Der Refrain verleiht das Gefühl hier fehle eigentlich nur noch Michael Kiwanuka als i-Tüpfelchen. Dennoch spricht der Chor einem aus der Seele wenn von dem Stress gesungen wird der leider eben auch zum Leben der meisten dazu gehört. 

Das absolute Highlight des Albums ist der Song »Broken«. Ein Lied, das mich so tief beeindruckt hat, dass ich es eigentlich seit der Veröffentlichung von »NO THANK YOU« auf Dauerschleife höre. Little Simz trifft hier einen Nerv der bei vielen Fans und vor allem auch vielen weiblichen Fans ein Gefühl auslöst als wenn sie einem direkt in den Kopf geguckt- und alle negativen Gedanken in einen Song gepackt hat. Für alle, die gerade eine harte Zeit durchmachen, mal wieder an sich selbst Zweifeln, dieses Lied ist für euch – wortwörtlich Balsam für die Seele. Durch den Beat gewoben wiederholen sich immer wieder die Worte „Feel you‘re broken and you don’t exist. When you feel you‘re broken and you cannot fix it“ die mal lauter, mal leiser eingespielt werden. Dadurch entsteht eine schaurige emotionale Ebene, welche die Worte von Simz nur noch wirkungsvoller machen.

Little Simz ist eine extrem vielschichtige Künstlerin die sowohl eine Kämpferin mit unglaublichem Swagger ist, aber sich in ihren Songs auch immer wieder von einer sehr emotional offenen Seite zeigt. Songs wie »Sherbet Sunset«, »Little Q«, »I Love You, I Hate You« und jetzt eben auch »Broken« sind Lieder die mich immer am längsten beschäftigen. Es ist eben diese Offenheit und damit auch verletzliche Seite von Simz, die zu einer ihrer größten Stärken als Künstlerin geworden sind. Ich denke das ist auch ein Grund warum Simz von ihren Fans fast schon verehrt wird, weil ihre Lieder ihnen direkt aus der Seele sprechen.

Eigentlich verdient jedes Lied hier meiner Meinung nach eine eigene Beschreibung und Huldigung. Nach »Broken« wird der gesamte Ton hoffnungsvoller. »Sideways« ist der Song den wir ab sofort hören wenn wir uns mit zu vielen toxischen Menschen auseinandersetzen, die unsere Flamme halten wollen. »Who Even Cares« ist der Song den wir als Soundtrack für unser Leben nutzen sollten, besonders an langen und harten Arbeitstagen. Das letzte Lied und damit Outro des Albums ist »Control«, ein Song der das Album perfekt abrundet und unsere düsteren aber auch hoffnungsvollen Gedanken perfekt auf den Punkt bringt. 

Zusammenfassend macht Little Simz auf »NO THANK YOU« das, was sie am besten kann, sie stellt ihr ganzes lyrisches Talent unter Beweis und spricht dabei eine Wahrheit, die zwar manchmal unbequem ist und auch wehtuen kann, eben weil sie so genau zutrifft. Aber genau das macht uns ja nicht nur zu Fans sondern zu Anhänger*innen von Little Simz. Egal welche Herkunft, Geschlecht oder welche Schubladen uns auch immer einschränken wollen, Little Simz versteht uns. Sie teilt diesen Schmerz, den Kampf und auch die Lebensfreude mit uns. Es ist ein Album voller Frustration und Wut über die Ungerechtigkeiten. Ungerechtigkeiten die Simz als Schwarze Frau in der Musikindustrie spürt, aber auch im Leben an sich. Diese Gefühle sind alle nachvollziehbar und authentisch. Für uns Hörer*in werden sie zu einer Art Blaupause, in der wir unsere eigenen Emotionen und ähnliche Situationen schnell wiederfinden. Little Simz muss sich nicht mehr behaupten, sie ist endlich angekommen und kann auf Augenhöhe neben UK Größen wie Stormzy stehen. Sie ist im wahrsten Sinne des Wortes eine Künstlerin. Ihr neustes Album »NO THANK YOU« ist besser als jede Therapie. Bevor ihr also in das nächste spirituelle Lebens-Coach Buch á la Eckert Tolle oder Stefanie Stahl investiert solltet, ihr lieber Little Simz hören.

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Hier findet Ihr unsere Top 10 der internationalen Alben. Welche Tracks aus diesem Jahr hat die Redaktion am meisten gefeiert?

Checkt auch die anderen Listen:
• Top 10 internationale Singles 2022
• Top 10 deutsche Alben 2022

Honorable Mentions:

Bevor die vordersten zehn Plätze kommen, gibt es hier noch einmal eine Auswahl an Alben, die das Ranking nur ganz knapp verpasst haben. Unter den knapp 35 zur Auswahl stehenden Alben bei unserer Bestenliste haben es diese fünf Projekte zwar nicht ganz nach oben geschafft, aber unser Jahr 2022 ebenfalls stark geprägt.

• Black Thought & Danger Mouse – Cheat Codes
• IDK & Kaytranada – Simple
• Steve Lacy – Gemini Rights
• Knucks – Alpha Place
• Nas – King’s Disease III

Platz 10: Drake & 21 Savage – Her Loss

Eigentlich war Drake für 2022 mit Albumrelease schon durch, so dachte man zumindest bis spät in den Herbst hinein. Er hatte immerhin sein House-inspiriertes Album »Honestly, Nevermind« veröffentlicht, das wegen seiner Experimentierfreudigkeit auf gemischte Reaktionen stieß. Ein Song des Albums war allerdings in ganz klassischer Rap-Drake-Manier: »Jimmy Cooks« mit 21 Savage, einem seiner Lieblingsfeaturegäste.

Vermutlich stand die Entscheidung eines gemeinsamen Albums schon länger, aber es war sicherlich nicht verkehrt für die beiden zu sehen, wie gut ihr gemeinsamer Track ankam. So wurde – relativ aus dem Blauen heraus – ein Kollaboalbum angekündigt, das nur zwei Wochen später schon erhältlich war. Und ganz wie schon bei »Jimmy Cooks« (oder auch schon bei »Knife Talk« und »Mr. Right Now«) harmonierten die beiden erneut wahnsinnig gut miteinander und sorgten für ein spätes 2022-Highlight inkl. dem “21 can you do some for mee”-Meme.

Platz 9: Freddie Gibbs – $oul $old $eparately

Freddie Gibbs Klassikeralben unterliegen ja eigentlich der einfachen Rezeptur Freddie x einzelner großer Produzent – siehe »Piñata« (mit Madlib) oder »Alfredo« (mit The Alchemist) aber für seinen neuesten Streich brauchte es das gar nicht. Hier tummeln sich viele verschiedene Produzent*innen – wobei Madlib und Alc natürlich auch wieder etwas beigesteuert haben – und bringen alle ihre eigenen Styles mit ein. So ergibt sich ein buntes Potpourri vom Dirty South bis hin zum staubigen Boom Bap-Sound, der in seiner Diversität zusammengehalten wird durch Freddies unverwechselbaren Flow. Thematisch bleibt dagegen alles beim Alten: Das gefährliche Leben von Gangster-Gibbs wird aus vielen, vielen Blickwinkeln betrachtet und in allerlei atemlose Stories verpackt, die es sich wie immer zu hören lohnt, weil er sie wie kein zweiter zu erzählen vermag.

Platz 8: Stormzy – This Is What I Mean

Kurz vor Ende unseres internen Rankings hat sich ein Album noch einmal zwischen die eigentlich schon beinah beendeten Bestenlisten gedrängelt: »This Is What I Mean« vom Londoner Ausnahmetalent Stormzy. Den Eindruck hat dieses Album deshalb auch gemacht, weil es nicht so kam, wie es manch einer vorher vielleicht erwartet hätte. Stormzy hätte es sich leicht machen können und ein »Heavy Is The Head« 2.0 machen können – schließlich hat dieses Album genau den Nerv zwischen Pop und Rap getroffen, den er mit einem Sprinkle of Grime garniert und damit eine ganze Bandbreite an Menschen zu neuen Fans gemacht hat

Aber Stormzy wäre nicht Stormzy, wenn er genau das Gegenteil machen würde und stattdessen ein Album droppt, das ganz andere Töne anschlägt. »This Is What I Mean« kommt mit zahllosen Gesangs- und Klavierpassagen sowie einem sich durchs ganze Album ziehende Konzept von Wasser. Das ergibt ein deutlich ruhigeres Gesamterlebenis als noch beim Vorgänger aber mindestens genauso gute Texte und Stimmungen.

Platz 7: Pusha T – It’s Almost Dry

Vier Jahre Zeit hat sich Pusha T für sein neues Album »It’s Almost Dry« gelassen – kein Wunder, wenn man so ein schwieriges Unterfangen angehen will wie den Vorgänger »DAYTONA« toppen zu wollen. Doch Pusha hat es tatsächlich geschafft und mit »It’s Almost Dry« einen mehr als würdigen Nachfolger an den Start gebracht. Kaum ein Mensch kann so lange über seine Karriere hinweg über Kokain rappen und dabei trotzdem noch spannend bleiben wie der 45-Jährige. Dabei helfen den Spannungsbogen aufrecht zu erhalten tun natürlich auch dabei diverse Featuregäste wie Jay-Z, Lil Uzi Vert oder Labrinth und auch die maßgeschneiderten Instrumentals tun ihr übriges, doch allen voran Push selber sorgt mit seinen schier endlosen Metaphern und Analogien für reinstes Zuhörvergnügen.

Platz 6: Vince Staples – Ramona Park Broke My Heart

Alle Jahre wieder… kehrt Vince Staples in unsere Bestenlisten zurück. Er kann aber auch wenig falsch machen, möchte man meinen, wenn man seine Projekte anhört. Immer wieder schafft er es, seine filmreifen Stories aus Long Beach so spannend neu aufzubereiten, dass man liebend gerne wieder reinhört. Auch in diesem Jahr hat er das wieder geschafft, diesmal vor allem auf mellow-smoothen musikalischen Unterbauten die in vielen Fällen sehr catchy produziert wurden.

Im krassen Gegensatz zu dem Vorgänger, dem selftitled Album, ist »RAMONA PARK BROKE MY HEART« mit seinen 16 Tracks ungewöhnlich lang für den sonst eher sparsamen Vince. Doch bei den vielen Reminiszenzen an vergangene Tage im titelgebenden Ramona Park in seiner Heimatstadt brauchte es in diesem Fall wohl besonders viel Platz – Platz, den Vince mehr als gut ausfüllt.

Platz 5: Loyle Carner – hugo

Wer ist der titelgebende Hugo? Die Frage bleibt offen, viele andere Fragen klären sich aber über den Verlauf der Albumlaufzeit. Loyle Carner stellt sich sich in einer Art Auto-Interview selber komplexe Fragen über Identität und Vater-Kind Beziehungen und beantwortet diese im selben Moment auf die Art und Weise, wie er es am Besten kann: Musiklaisch. In seiner typischen unaufgeregten Mischung aus Rappen und Spoken Word kehrt der Londoner sein Innerstes nach Außen und liefert mit seinem dritten Studioalbum sein bisher bestes ab.

Platz 4: Joey Bada$$ – 2000

Ziemlich genau zehn Jahre nach Release seines Durchbruchmixtapes »1999« hat Joey Bada$$ den mehr oder weniger inoffiziellen Nachfolger veröffentlicht: Sein neues Album »2000«. In der Zwischenzeit ist viel passiert bei dem Brooklyner Multitalent und dementsprechend verändert sind auch die Inhalte der Texte. Statt hungriger Come-Up Gedanken wird viel mehr der Fokus auf die Reflektion der vergangenen Jahre gelegt. Gleich geblieben ist aber die Beatauswahl und die wohl niemals mehr abhanden kommende Lässigkeit, mit der Joey über die Instrumentals gleitet. Bringt viele gute Vibes mit sich und hat so manche denkwürdige Autofahrt in diesem Sommer begleitet.

Platz 3: J.I.D – The Forever Story

Das dritte Studioalbum des Dreamville-Rappers hat einiges parat gehabt, was es zu einem outstanding Projekt in einem releasefreudigen Jahr 2022 gemacht hat: Hype-Songs (»Surround Sound«), Storyteller (»Crack Sandwich«), höchst interessante Featuregäste (Yasiin Bey auf »Stars«) und sogar einige gesungene Parts (»Kody Blu 31)«. Dass das alles auch noch auf höchstem Niveau geschehen ist und die im Vorfeld selbst aufgebauten Erwartungen spielend leicht übertrumpft hat, sorgt dafür, dass »The Forever Story« auf unserem Treppchen des diesjährigen Rankings gelandet ist.

Platz 2: Denzel Curry – Melt My Eyez See Your Future

Der Miami-Rapper hat sich in der Vergangenheit eigentlich seinen Ruf über aggressivere Sounds aufgebaut, doch sein drittes Album »Melt My Eyez See Your Future« hat damit nicht mehr viel zu tun. Stattdessen treffen jazzige, neo-soulige und allgemein traditionell gehaltene Hip-Hop Sounds aufeinander und sorgen für unfassbar smoothe Klänge übers gesamte Album hinweg.

Der Stilwechsel tut Denzel wahnsinnig gut und lässt »Melt My Eyez« zu einem der größten und rundesten Highlights des Jahres avancieren.

Platz 1: Kendrick Lamar – Mr. Morale & The Big Steppers

Geschlagen wird es in unserem Ranking nur noch von einem: Vom wohl am meisten antizipiertesten Album des Jahres. Fünf lange Jahre war Kendrick Lamar weg und teilweise wirkte er wie vom Erdboden verschluckt. Zurückgekommen ist er mit einem Doppelalbum, das in seiner Intensität, Offenheit und musikalischer Weitläufigkeit nicht zu vergleichen mit irgendetwas anderem in diesem Jahr ist.

Kendrick arbeitet seine Vergangenheit auf, spürt die toxische Männlichkeiten in seinem Leben auf, lässt uns Hörer*innen an seinen Therapiesitzungen teilhaben und bricht mit dem sich im letzten Jahrzehnt aufgetanen gesellschaftlichen Gedanken, er sei die Stimme einer Generation. Das alles in wie gewohnt vielen Stimmlagen, Flows und auf allen möglichen Instrumentalarten. Es lässt sich festhalten: Niemand hätte ein derartiges Album fertigstellen können!

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Für sein BBC One Special A Stormzy Special aus den legendären Abbey Road Studios in London sprach er genau darüber mit DJ Trevor Nelson. Erfolg bedeutet für ihn mittlerweile die bestmöglichste Kunst zu machen. Es geht ihm darum, das Bild “junge Schwarze Männer oder junge Schwarze Rapper sind nur wütend” zu denunzieren. Stormzy versucht real zu sein und echte Gefühle zu zeigen. Auch seine musikalischen Einflüsse sind neben Skepta und anderen Grimekollegen anders als die Mehrheit erwarten würde: Stevie Wonder, Frank Ocean, Cleo Sol, Lauryn Hill, India Arie, Adele, Beyoncé und über allen Whitney Houston. 

Das so viele Frauen große Vorbilder für Stormzy sind, sollte für Fans nicht überraschend kommen. Der Künstler hat sich in seiner Musik und öffentlichem Leben schon immer stark für andere Künstlerinnen wie z.B. zuletzt Little Simz eingesetzt. Auch auf »This Is What I Mean« wird das Spotlight in einigen Tracks weg von ihm selbst und auf starke Frauen gerichtet. Im Folgenden werden einige Highlight des Albums genauer betrachtet, da für das ganze Album hier der Platz fehlt.

Fire + Water

Intro für das Album ist der Song »Fire + Water«, auf dem Stormzy zu einem zarten, leicht gedämpften Piano singt. Der Track baut sich ganz langsam auf, während Stormzy zwischen gefühlvollem Rap und Gesang mühelos hin und her switcht. Zu dem E-Piano kommen E- und Akustikgitarre und langsam lässt sich als Hörer*in erkennen, wohin die Reise geht. Die Musik zieht hier gleichermaßen in den Bann wie Stormzy selbst. Zwischen dritter und vierter Minute setzt die (klischeelose) Panflöte ein und Sampha’s Stimme ist im Hintergrund als Echo auf Stormzy’s Frage „What Do I Know?“ zu hören. Sampha ist hier auch der Übergang für den eigentlichen Höhepunkt des Liedes. Gerade dadurch, dass diesem Song die Chance gegeben wird sich über 08:17 Minuten zu entfalten, bekommt man nicht das Gefühl, dass man gerade mitten im Song ist, nur um dann abrupt rausgerissen zu werden. Spannend ist auch, wer alles hinter »This Is What I Mean« steckt. Zum einen gibt es die Produzenten Kz und PRGRSHN. Vor allem Kz ist dabei kein Unbekannter in der UK-Szene und steckt hinter dem ein oder anderen Hit. Neben Sampha sind aber auch deutlich Jacob Collier und Tendai als Background Vocals zu hören. Beide Künstler*innen sind auch noch auf diversen anderen Songs der Platte vertreten. 
Deutlicher sticht dann der Gesang von Debbie heraus, die Stormzy im letzten Viertel des Songs unterstützt. Die Soulsängerin aus London steht gerade am Anfang ihrer Karriere und hat durch ihre ehrliche Art Songs zu schreiben dennoch schon Wellen geschlagen. Perfekt also, dass sie Teil des »This Is What I Mean« Teams ist und damit eine noch größere Bühne für ihr nicht von der Hand zu weisendem Talent erhält.

THIS IS WHAT I MEAN 

Auf »Fire + Water« folgt der wohl “grimieste“ Song und Namensgeber des Albums »This Is What I Mean«. Der Song kann einfach nur als episch beschrieben werden. Sanfte Pianoklänge führen in den Song, nur um dann jäh unterbrochen zu werden von einem düsteren Bass und drastischen Violinen. Zusammen mit dem Chor und Jacob Colliers Geisterchorstimme legt Stormzy hier richtig los. Zum einen gibt er hier sein persönliches Statement zu sich als Künstler ab. Zum anderen ist es auch der Beweis, dass er nicht weniger tough ist nur weil das Album insgesamt sanftere Töne als bisherige Projekte anschlägt. Stark sind neben dem großartigen orchestralen Sound aber auch die Features. UK-Rapperin Ms Banks räumt mit ihrem Verse erstmal auf. Zusammen mit Amaarae und Black Sherif ist der Song positiv anders und eine schöne Ansage an alle Hater und Kritiker*innen des Albums. 

PLEASE & SAMPHA’S PLEA

Ein weiteres absolutes Highlight ist der vierte Track »Please«. Wieder kommt hier das Piano zum Einsatz , diesmal in Verbindung mit der weiblichen Stimme, die unterstützt von Chorgesängen leidenschaftlich das einzelne Wort “Please“ wiederholt. Stormzy führt in Spoken Word-Manier wie ein Prediger durch den Song. Es geht um den Schmerz den Stormzy gesehen und erlebt hat. Aber es geht auch um Vergebung und Befreiung:

This pain I’d rather hold. Because it’s made me who I am. It’s probably time I let it go, I free myself from myself. I free youth from regret. I grant you peace before you rest. And that’s the least you should get. I think we’ve both suffered enough, please.

Stormzy auf »Please«

Der Song geht direkt unter die Haut und wird dann vier Songs weiter auf »Sampha’s Plea« fortgeführt. Auf »Sampha’s Plea« ist Sampha solo am Piano zu hören. Alle, die bis hierhin noch keinen Gänsehautmoment hatten, werden den spätestens jetzt erleben. Auch hier fällt extrem positiv auf, dass Stormzy Sampha diesen Platz auf dem Album gibt. Ein ganzer Track auf dem Stormzy selbst nicht zu hören ist. Auch das ist ein Beweis für seine Liebe zur Musik, die noch nirgendwo deutlicher zu hören und spüren war als auf »This Is What I Mean«. 

MY PRESIDENTS ARE BLACK

Passender Mittelpunkt des Albums ist der Track »My Presidents are Black«, auf welchem der 29-Jährige seine ganze Frust über die Industrie rauslässt. Besonders die Hürden, die einem als Schwarzen Künstler in den Weg gelegt werden, werden thematisiert: Du bist nur ein Rapper, es kann immer nur einen geben. Ein weiterer Punkt, von dem Stormzy sich befreit und auch seine ganze Karriere lang schon gegen an gegangen ist. Ein starker Song mit sehr starkem Statement. Spannend ist hier auch, dass der Song keinen klassischen Aufbau hat. Es ist wie auch schon bei »Please« ein Monolog und Outro, was den Song noch mehr auf Hörer*innen einwirken lässt. Zusätzlich zu dem Gesumme des Chors entsteht hier ein Song, der jede dunkle Wolke vom Himmel verscheucht und nur Platz für positive Vibes lässt.

OUTRO – GIVE IT TO THE WATER

Mit dem letzten Song »Give It To The Water« schließt sich der Kreis. Zu hören ist hier im Hauptteil wieder die Künstlerin Debbie, die uns hier einmal mehr in den Bann ihrer Stimme zieht. Stormzy kommt im Finale des Songs dazu und die beiden singen im Duett zu gewaltigem Piano und Chorgesang den Rest des Liedes. Besonders schön ist hier auch, wie die Thematik des Wassers wieder aufgenommen wird. Alle die beim Hören dieses Liedes nicht ein bisschen Pippi in den Augen haben, sind emotionale Toastbrote. 

FAZIT

Zusammenfassend hat Stormzy mit »This Is What I Mean« ein Album geschaffen, das vom ersten Hören an eine Gänsehaut auslöst, die von den Ohren direkt ins Herz geht und den ganzen Körper bis in die Zehnspitzen einnimmt. Ein unglaublich stimmiges und wunderschönes Hörerlebnis, das eine Hoffnung in sich trägt, die auf die Hörer*innen überschwappt. Der UK-Künstler beweist mit mit seinem neuesten Album, dass er nicht nur im Grime zuhause ist. Vielmehr ist »This Is What I Mean« eine Liebeserklärung an die Musik selbst und erfüllt Hörer*innen mit Wärme, Liebe und Zuversicht.

Der Beitrag Freiheit, Liebe & Hoffnung gibt uns Stormzy auf seinem neuen Album »This Is What I Mean« erschien zuerst auf Mostdope.