Junk houses und Odd Fishes

Frauen in Bands sind leider nach wie vor kein Standard, von daher ist das schon immer etwas, das positiv auffällt. Fans hierzulande dürfte die Londonerin also eher bekannt sein als Bandmitglied von Hak Baker – und leider nicht als Solo-Künstlerin.
Ihre erste EP »junk house« erschien vor zwei Jahren und war musikalisch noch etwas mehr Singer-Songwriter als die neueren Sachen. Giya überzeugt seitdem mit rohen Lyrics, in denen sie ihre Emotionen auf der Zunge trägt. Dabei sind die Gefühle auf EPs wie »ODD FISH« oder »Almost Real« so nachvollziehbar alltäglich, dass es niemals fake klingt. GIYA scheint sich niemals anpassen zu wollen. Im Gegenteil, sie schreibt ihre Musik selbst und das hört man mit jeder Zeile.

In früheren Interviews erzählt die Londonerin von der Musik, die sie geprägt hat. Neben den großen Stimmen wie Etta Jones oder Aretha Franklin sind es aber auch die großen Lyriker unserer Szene wie Rakim, Nas, Jay-Z oder Eminem, die sie beim Schreiben beeinflusst haben. Damit liegt sie ganz in der britischen Tradition anderer Künstler*innen, mit deren Musik sie aufgewachsen ist – wie Amy Winehouse, Jamie T oder Lily Allen. Dieser typische Londoner Sound, der eben so komplett unterschiedlich sein kann, aber eben immer gemeinsam hat, dass so viele verschiedene Szenen und Kulturen aufeinandertreffen.

DRIVE & GARCON

GIYAS Musik ist also ganz in der Tradition der Hauptstadt, vor allem, da sie selbst aus Süd-London stammt – einem Teil Londons, der Artists wie Ms Banks oder Stormzy hervorgebracht hat. Giya verbindet all diese Einflüsse und Traditionen und schafft daraus einen Alt-Pop-Sound, der zwar zum Teil noch nicht ganz geschliffen, aber dafür unverwechselbar ist. Ihre neue EP zeigt diese Kontraste ziemlich perfekt.
Nach wie vor absoluter Lieblingstrack ist »Drive«, die zweite Single aus »BODIES« (Zum Artikel geht es hier.). Über eine hallige Gitarrenmelodie, die einen irgendwie heimsucht und an Zwielicht und eine unbestimmte Reise erinnert, reflektiert GIYA schonungslos über ihre eigenen Verhaltensweisen. Im Kontrast dazu: »GARCON«, ein Track, der eine Hommage an Hak Bakers »Worlds End FM«-Album ist und vom Sound her eher Richtung Upbeat-Pop-Ohrwurm geht.

Insgesamt gibt es vier neue Tracks auf »BODIES«, die sich allesamt unterschiedlich anhören und uns wünschen lassen, dass es ein Album wäre. Auch wenn GIYA noch am Anfang ihrer Karriere steht, sollte die EP ein Schritt sein, damit sie nicht länger nur ein Geheimtipp bleibt, sondern eine Künstlerin, die bereits in aller Munde ist. Verdient hätte sie es allemal – und sind wir ehrlich: Wer so fucking cool ist, gehört nicht in den Schatten, sondern ins Rampenlicht.

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Doch mit Central Cee hat die so stolze wie eigene Insel nun ihren ersten Rap-Superstar von internationalem Format, der gleichermaßen in Auckland wie New York gefeiert wird und den Zahn der Zeit vorgibt, anstatt ihm hinterher zu laufen. 25,7 Mio. monatliche Spotify-Hörer*innen, zehn Top 10 Singles und sechs Videos mit über 100 Millionen Views sprechen bereits zahlenmäßig eine eindeutige Sprache, doch so richtig undiskutierbar wird Cenchs internationaler Impact durch seine momentan laufende World-Tour zum »Can’t Rush Greatness«-Album. 39 Termine umfasst die gigantische Tour, seine Route führt ihn von Europa über die Staaten bis hin nach Neuseeland.

Das von Apple Music Live exklusiv aufgezeichnete Konzert in der ausverkauften Londoner O2 Arena vom 24. April 2025 im Rahmen demonstriert dabei abermals, welchen Status er mittlerweile innehat. Wenn dort nicht nur die großen UK-Rapper wie Dave und Skepta zum Fest geladen sind, sondern auch Lil Baby, Sexyy Red und Shallipopi wie selbstverständlich nach London kommen, dann ist die Rapsensation endgültig auf dem vorläufigen Zenit angekommen.

Drei Faktoren für den heutigen Status

Um zu verstehen, warum Central Cee 2025 nicht nur London mühelos ausverkauft und sich seine Special Guests quasi nach Belieben aussuchen kann, lohnt ein Blick zurück auf sein Come-Up. Denn sein Erfolg ist einer auf Ansage gewesen: Cees Weg zu seinem heutigen Standing ist nicht übereilt gewesen, auch wenn ihm manches Mal das Klischee des viralen TikTok-Rappers entgegen gehalten wurde. Doch drei Faktoren spielen eine maßgebliche Rolle bei dem Versuch, seinen Pfad zum Superstar nachzuzeichnen.

Da ist zum einen der unbeirrbare Wille, Rap größer zu denken als in den heimischen Hemisphären und erst dann das Debütalbum zu veröffentlichen, wenn sich der Name schon lange international gefestigt hat. So wird zunächst England 2020 quasi über Nacht erobert, als der damals 22-Jährige mit der Single »Day in the Life« die große britische Hip-Hop Plattform GRM Daily überrennt. Aufbauend darauf erscheinen weitere nationale Hits wie »Loading« oder »Commitment Issues«, die schließlich 2021 im Debüt-Mixtape »Wild West« münden und seinen Namen in der UK-Rapszene endgültig festigen.

Der bekennende UK-Fan Drake bekommt dadurch Wind vom jungen Rapper aus dem Westen Londons und nimmt ihn – zunächst noch ob seiner Modelqualitäten – für die Modelinie von Nike x Nocta an seine Seite. Doch das lässt Cench nicht etwa auf dem ersten Erfolg ausruhen, stattdessen beginnt vielmehr der Fokus auf den einen Song, der auch außerhalb der Insel seine Kreise zieht.

Central Cee betritt Neuland

Die Jagd nach dem international wirksamen Smash-Hit findet ein Jahr und das zweite, die UK-Charts toppende, Mixtape »23« später ihr Ende mit der Standout-Single »Doja«. Durch sein Musikvideo bei Cole Bennets generationsprägendem Lyrical Lemonade-Format, der eingängigen Introzeile sowie dem nostalgieentfachenden Sample von Eve’s 2001er Evergreen »Let Me Blow Ya Mind« spielt sich »Doja« in Windeseile in die Herzen und Topchartplatzierungen der weltweiten Hip-Hop Szene.

Und das ist auch der zweite Faktor: Wie kaum ein Zweiter versteht Cee es, poppige Y2K Samples mit harten Trap- bis Drill-Beats zu mischen und damit einen gleichermaßen zugänglichen wie distinktiven Sound zu gestalten, der sowohl gelegentliche als auch orthodoxe Raphörer*innen begeistert. Sein Song »Let Go« samplet bspw. Passengers gefühliges »Let Her Go« und baut den 2012er-Folktrack zu einem melodischen Drill-Lostlovesong um.

West Connect

Und dann sind da ja noch die Connections, die sich Central Cee über die vergangenen Jahre fein säuberlich und mit weitreichendem Blick aufgebaut hat. Der eben erwähnte Drake zählt zu dem engen Kreis und hat mit dem gemeinsamen On the Radar-Freestyle einen weiteren Stein dafür gelegt, dass der Name des Briten auf die nordamerikanische Karte kommt. Seine Platzierung unter den zehn Rapper*innen der begehrten XXL-Freshman Class ist da 2023 lediglich Formsache. Ein Jahr zuvor hat Cench schon als erster britischer Rapper überhaupt mit dem angesprochenen Lyrical Lemonade-Video sowie einem Freestyle bei dem beliebten L.A. Leakers-Format sich selber den Weg dafür geebnet.

Auch seine Features übersteigen längst Grenzen und Genres. Eine Auswahl gefällig? Mit Zusammenarbeiten von Lil Baby, J. Cole, 21 Savage oder Luciano bis Ice Spice und PinkPantheress sind Namen im Telefonbuch gelandet, die eine riesige Spannweite an Sounds mitbringen und Cees Fokus auf andere Länder unter Beweis stellen. Egal, ob deutscher Luxury-Rapper, etablierter US-Platinrapper oder up-and-coming Alt-Pop Sängerin – das Feature mit dem britischen Überflieger ist in den letzten Jahren Garant für einen Hit gewesen. Die »Split Decision«-EP mit Dave setzt inklusive seines bisher größten Songs »Sprinter« weitere Maßstäbe. Weiterhin ausbleibend aber: das erste Album. Die beiden vorausgegangenen Mixtapes landeten zwar bereits beide weit oben in den Albumcharts, doch an dem offiziellen Debütalbum ist vorsichtig im Hintergrund geschliffen worden, während Central Cee mit viralen Singles, Features oder öffentlichkeitswirksamen Auftritten an der Seite von Pop-Phänomenen wie Sabrina Carpenter oder Ice Spice Stück für Stück der Szene seinen Stempel weiter aufdrückt.

Gut Ding will Weile haben

Im frühen 2025 ist dann aber tatsächlich das Debütalbum erschienen, passenderweise »Can’t Rush Greatness« benannt. Gut Ding will Weile haben sagt man hierzulande ja so schön und Central Cee scheint das britische Pendant dazu nur allzu verinnerlicht zu haben, der Titel schlägt zumindest in dieselbe Kerbe. In Großbritannien, Deutschland, Norwegen, Österreich, Schweiz, Irland und der Niederlande geht der Plan des Sich-Zeit-Lassens auf und das Debüt erobert auf Anhieb die Pole Position in den Charts. Auch in Amerika gelingt eine Top 10-Platzierung der offiziellen Charts, während die Apple Charts sogar eine noch eindeutigere Sprache sprechen: in insgesamt 71 Ländern grüßt Cench mit dem Album von der Spitze. Es ist kaum weiter verwunderlich, dass die Tour derartig groß angelegt worden ist und »Can’t Rush Greatness« rund um die Welt gespielt wurde und in knapp 40 Städten zu sehen gewesen ist.

Apple Music Live fängt einen Superstar auf seinem vorläufigen Zenit ein

Es hat also genug Möglichkeiten gegeben, um den mittlerweile 27-Jährigen live erlebt zu haben. Doch wer das nicht geschafft hat, hat mit dem seit heute exklusiv bei Apple Music Live zu streamenden Auftritt aus London die Möglichkeit, das noch einmal auf dem heimischen Fernseher nachzuholen. Im Prinzip spulen die zwei Stunden des Konzerts noch einmal seinen Weg nach ganz oben ab: wo im ersten Viertel noch die anfänglichen Hits wie »Day in the Life« und »6 For 6« den Nostalgiefaktor erheblich erhöhen, klettert Cee im Laufe der 32 Songs umfassenden Setlist immer weiter seine stark gewachsene Diskographie entlang bis zu den großen Songs des Debütalbums.

Prägende UK-Gäste wie Grime-Legende Skepta oder sein nur ein Tag jüngerer Hauptkollaborateur Dave lassen sich die Einladung in die O2 Arena nicht entgehen, während in der zweiten Hälfte der Show eine ganze Reihe an Special Guests das Spektakel komplettieren. Sexyy Red performt völlig aus dem Nichts ihre beiden größten Songs, Shallipopi bringt nigerianischen Flair ins kalte England und »Band4Band« bekommt nach einem ersten Solo-Durchlauf für eine Zugabe noch Zuwachs von Featuregast Lil Baby. Es ist ein Spektakel gewesen beim Heimspiel, das Apple Music Live in Gänze aufgezeichnet und jetzt verfügbar gemacht hat. Die Dimensionen rund um den britischen Superstar sind unüberblickbar geworden, aber dieser Auftritt schafft es, einen Moment dieses Durchmarschs festzuhalten.

Central Cee schlägt die Brücke über den Atlantik

Welcher UK-Rapper feiert zuerst den richtig großen Erfolg Übersee? Diese Frage hat sich in den vergangenen Jahren immer weiter aufgedrängt, nachdem Künstler wie Skepta oder Dave die Tür schon weit aufgestoßen haben und mit US-Acts wie dem A$AP Mob oder Jack Harlow kollaboriert haben. Doch der ganz große internationale Durchbruch ist trotz höchstem angebrachten Respekt nicht erreicht worden – zumindest, bis Central Cee gekommen ist.

Nobody else from London has gone Hollywood

Central Cee auf »CRG«

Von Beginn an hat der West-Londoner ein Ziel gehabt: dem Vereinigten Königreich zu entwachsen, ohne dabei die Wurzeln und damit verbundene Identität zu vergessen. Nicht umsonst prangt auch beim Cover des Debütalbums die Nationalflagge auf seiner Mütze. Doch die Mission ist seit Jahren klar und wird in logisch aufeinander folgenden Schritten seit fünf Jahren unaufhaltsam nachgegangen.

Diesen Freitag soll ein gemeinsamer Song mit Drake erscheinen, den die beiden beim diesjährigen Wireless Festival vor 50.000 Menschen uraufgeführt haben. Schon unveröffentlicht knüpft »Face First« mühelos an den Hype an, der mittlerweile bei jeder Central Cee-Veröffentlichung gesetzt zu sein scheint. Den Höhenflug richtig zu erfassen ist ein Ding der Unmöglichkeit, doch eine Momentaufnahme davon ist mit dem von Apple Music Live aufgezeichneten Heimspiel in der Londoner O2-Arena zu erhaschen.

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Zwischen den Welten

Tommy Richman bewegt sich irgendwo zwischen P-Funk-Vibes, Y2K-Nostalgie und modernem Hyperpop. Seine Musik klingt, als hätte jemand das Beste aus Anderson .Paak, Pharrell und Playboi Carti in einen Synthesizer gesteckt, und durch einen übersteuerten Discord-Filter gejagt.

»Million Dollar Baby« ist der perfekte Beweis dafür: ein Basslauf, der direkt aus einer George-Clinton-Séance entsprungen sein könnte, ein hektisch-tänzelnder Flow und dazu eine Produktion, die gleichzeitig vintage und futuristisch klingt.

Aber Richman ist kein simpler Revival-Künstler. Vielmehr nimmt er das Erbe des Funk und Soul, zerlegt es und setzt es mit den Tools der Jetztzeit neu zusammen. Während andere sich in der Post-Drake-Ära irgendwo zwischen Gefühlsschmerz und Minimalismus verlieren, ballert er mit einer Energie aus den Boxen, die den einen oder anderen an die Blütezeit von Neptunes-Produktionen erinneren dürfte. Jetzt aber genug Name-Dropping. Lassen wir ihn selber zu Wort kommen.

Honestly man, I just try to make cool shit for people but more so for me. It’s not about the gimmicks or cliches for me. I wanna make stuff that’s palatable and listenable but also just shit I like and am interested in.

Tommy Richman (via Lyrical Lemonade)

O-Töne von Richman zu finden ist eine Challenge für sich. Er scheint ein Künstler zu sein, der den alten Grundsatz lebt: “Let the music do the talking.” Sein Stil ist minimalistisch – nicht in der Musik, aber in der Außendarstellung. Kein Image, das auf Hochglanz poliert ist, keine aufdringliche “Ich bin der nächste große Star”-Attitüde. Eher das Gegenteil: Richman wirkt, als wäre er aus Versehen berühmt geworden. Er liefert Hits, aber wirkt nie kalkuliert. Statt sich der üblichen Industrie-Mechanik zu unterwerfen, bleibt er unnahbar. Während seine Songs sich viral verbreiten, hält er sich selbst im Hintergrund und sein öffentliches Bild bleibt bewusst verschwommen.

Die Genre-Debatte, die er nicht führt

Während sein Sound viral ging, blieb sein weiteres Schaffen eine einzige Volte gegen Erwartungshaltungen. Sein Debütalbum »Coyote« erschien letzten Herbst ohne große Ankündigung, ohne kalkulierte Single-Strategie, ohne erkennbaren Plan für die Charts. Die Konsequenz: Kein Billboard-Entry, aber eine Fangemeinde, die ihn für genau diese Widersprüchlichkeit feiert. Einigen galt es als mutiges Statement gegen die standardisierte Streaming-Formel, anderen als verpasste Chance. Richman selbst ließ die Debatte ins Leere laufen. Diese Unbestimmtheit zieht sich durch sein gesamtes öffentliches Bild. Die Industrie würde ihn gerne irgendwo verorten, doch er bleibt eine Blackbox. In den Kommentarspalten wird spekuliert, ob er sich bewusst der Kategorisierung entzieht oder einfach selbst nicht weiß, welchen Weg er als Nächstes einschlagen will.

Die Diskussion, ob Richman nun R&B, Rap oder Hyperpop macht, scheint außerhalb seiner Bubble wichtiger als für ihn selbst. Streaming-Algorithmen verlangen dennoch nach Schubladen, doch Richman verweigert sich einer festen Zuordnung, aber sobald es um die Frage geht, wo er hingehört, bleibt er vage. Mal sagt er nichts, mal deutet er an, dass er sich nicht als Hip-Hop-Künstler sieht – eine beiläufige Bemerkung, die schneller Kreise zog als der eigentliche Song. Dass jemand, der offensichtlich aus dem Genre schöpft, sich so entschieden von dessen Bezeichnung distanziert, wurde als kalkulierter Befreiungsschlag verstanden – ein Balanceakt zwischen Aneignung und Abgrenzung. Die Diskussion ist nicht neu. Weiße Künstler, die sich in einem primär schwarzen Genre bewegen, stehen immer wieder vor diesem Spagat – von Post Malone, der nach einer vielversprechenden Rap-Karriere den Cowboyhut aufsetzte und sich mit Akustikgitarre und Lagerfeuer-Romantik in die Arme des Country-Pop flüchtete, bis Mac Miller, dessen Status als Rapper lange infrage gestellt wurde, und nicht zuletzt Machine Gun Kelly, der nach einer künstlerischen Demontage durch Eminem, die E-Gitarre umschnallte und sich ins Pop-Punk-Exil verabschiedete.

Richman selbst reagiert nicht auf diese Debatten. Kein Statement, keine Klarstellung, keine Gegendarstellung. Er überlässt es anderen, sich über seine künstlerische Einordnung den Kopf zu zerbrechen. Nicht aus kalkulierter Coolness, sondern weil er sich für solche Diskussionen schlicht nicht zu interessieren scheint. Während sich andere Künstler in Podcast-Runden erklären oder in kryptischen Social-Media-Posts Gegenpositionen einnehmen, veröffentlicht er einfach seinen nächsten Track – und überlässt es dem Internet, den Rest zu erledigen.

Ein Künstler, der sich weder in Interviews rechtfertigt noch in Promophasen anbiedert, sondern einfach Tracks veröffentlicht und sich wieder zurückzieht. Doch genau diese Weigerung, sich festlegen zu lassen, sorgt gleichzeitig für Kontroversen. Für die einen ist er das Gegenmodell zu einer durchformatierten Industrie, für die anderen ein Künstler ohne klare künstlerische Identität. Wer alles sein kann, ist am Ende vielleicht nichts davon.

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Es handelt sich hier um ein Künstlerkollektiv aus Hamburg, in dem junge Kreativschaffende unterschiedlicher audiovisueller Bereiche zusammenkommen und Kunst kreieren. Paula Hartmann, eine der vielversprechendsten deutschen Künstler*innen momentan, machte mit dem Kollektiv ihre ersten musikalischen Schritte und ist nach wie vor gut mit dessen Mitgliedern befreundet.

In der Gruppierung wird das Augenmerk besonders auf Hip-Hop gelegt. Hierbei lassen sich Toolouds musikalische Künstler moé, ELEF, Sant, ghostboo, FRISO & lenzy zusätzlich von diversen Genres, wie Indie, DnB und Synthpop inspirieren, welche in die teils melancholischen, teils traplastigen Songs einfließen. In jenen verarbeiten die jungen Artists ihre Probleme und Sorgen. „Wir weinen die gleichen Tränen, nur auf unterschiedlichen Wangen“ rappt moé beispielsweise auf seinem introspektiven Song »Fallen und Fliegen« und macht damit klar, dass keiner von uns sich mit seinen Problemen alleine fühlen muss.

Häufig entstehen diese Lieder in Zusammenarbeit mit den hauseigenen Produzenten Soma, Lawin – die übrigens auch für einen Großteil der Produktionen auf dem neuen Album »Obststand 3« der 187 Mitglieder LX und Maxwell verantwortlich sind – sowie Juri Voutta, über den, abgesehen von der Arbeit mit dem Kollektiv, bisher noch wenig bekannt ist.  

Von kleinen Clubs zu Festivalbühnen: Tooulouds Werdegang

Seit längerer Zeit ist klar, dass sich mit Tooloudfortheroom etwas Gewaltiges anbahnt. Angefangen vor zwei Jahren mit eigenen kleinen Veranstaltungen in Clubs wie dem PAL und dem Volt in Hamburg wurde ihre Vision sowie die dadurch generierte Aufmerksamkeit stetig größer. Dadurch war es ihnen möglich, 2022 eine eigene Stage auf dem Dopamin Festival in der Schanze zu kuratieren und 2023 einen Slot beim SPEKTRUM, dem kleinen Hip-Hop Bruder vom Dockville, zu spielen.

Doch das ist längst nicht alles. Durch diverse Pop-Up Events, EP-Listenings und eine immense Anzahl an herausragenden musikalischen Veröffentlichungen haben sie ihre Ideen konstant nach außen getragen. Momentan spielt moé seine erste eigene „Mini Tour“ mit zwei Konzerten in Hamburg und Berlin. 

Film, Format & Fotografie – Was zeichnet die Gruppe künstlerisch aus?

Ebenfalls bemerkenswert ist die kontinuierlich hohe Qualität ihrer Musikvideos. Verantwortlich dafür sind die Videografen Finn Dubbeld und Tomke Mendt, beide feste Bestandteile des Teams. Es lohnt sich definitiv einen Blick in die Videos zu »pille / beipackzettel« von Sant und »Eisen« von moé zu werfen. Visuell überzeugt die Crew zudem durch die „Tooloud Sessions“, eine Videoreihe auf YouTube, in der die Künstler in Live-Performances Tracks präsentieren. Interessant dabei: Diese Songs werden überwiegend exklusiv auf YouTube und SoundCloud veröffentlicht. Vor kurzem hatte der Flensburger Künstler Keule in der zweiten Staffel einen Gastauftritt mit seinem Song »Vielleicht hast du morgen schon die Sonne verpasst«. Zusätzliche Unterstützung im visuellen Bereich liefert unter anderem Miena Tehrani, die mit ihren stilvollen schwarz-weißen Fotografien die Arbeit der Gruppe stimmungsvoll einfängt.

Nicht zu vergessen ist Mitglied DJ Babyblade, die sich aktuell mit dem DJ Kollektiv The Art of the Streets in der deutschen Club-Szene einen Namen macht. Zuletzt war sie Resident DJ im PAL, welches zu Jahresbeginn jedoch leider schließen musste. Eine Neueröffnung in einer anderen Location ist bereits in Arbeit.

Wie geht es nun weiter?

Es steht außer Frage, dass die Geschichte von Tooloudfortheroom längst noch nicht auserzählt ist und dass ihnen Großes bevorsteht. Beim moé Konzert in der Hebebühne im Februar dieses Jahres, wurde bereits angekündigt, dass ein gemeinsames Tape in Arbeit ist, was an Vorbilder wie die Berliner Rapgruppe BHZ oder auch den A$AP Mob aus New York mit ihren Cozy Tapes erinnert. Vor Ort spielten moé, ELEF und Sant einen gemeinsamen Song aus diesem Projekt, welcher bereits sehr vielversprechend klang. Man sollte die junge Hamburger Gruppe also im Auge behalten. Die kommenden Jahre halten sicher noch viel für sie bereit.

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Einen Dk.dando-Track als solchen zu identifizieren dauert nicht lange. Schon die ersten Klänge eines zurückhaltenden und doch atmosphärischen Melodie-Samples wären als Indiz beinahe ausreichend. Kommt nach wenigen Takten dann ein minimalistischer und dennoch drückender Drum-Loop hinzu, beginnt der Kopf schon zu nicken und spätestens mit dem Stimmeinsatz ist die Sache klar.

Produktion und Harmonie

Der Wiedererkennungswert ihres Sounds ist immens. Nicht nur wegen der textlichen Besonderheiten (auf die später noch eingegangen werden soll), sondern auch weil Dk.dando ein eingespieltes Duo mit jahrelanger geteilter Erfahrung und unverfälschter Freude am eigenen Handwerk ist.

Seit sie 19 sind, bilden die beiden Leipziger eine klassische Formation aus Produzent (D.K.denz) und Rapper (Ritter Dando).

Die meist düsteren Produktionen von D.K.denz koppeln hypnotische Ambient-Klänge an modern interpretierten Boom-Bap. So entstehen einnehmende, knisternde Beats mit großem Lo-Fi-Charme, deren atmosphärestiftende Präsenz erst auffällt, wenn man explizit darauf achtet. Denn erstens drängen sich die Instrumentals nie in den Vordergrund und zweitens bieten die darüber performten Texte stetig genug Ablenkung. Dando rappt nämlich, wie ihm der Schnabel gewachsen ist. Was er sagt, plätschert nie einfach nur als bloße Füllmasse daher. Seine druckvolle Betonung und der wiederkehrende Einsatz bestimmter Stilmittel erschaffen beim Hören eine konstante Erwartungshaltung nach neuen Highlights. Punchlines, Wortwitze, Vergleiche und eingewobene Floskeln sorgen regelmäßig für Lacher oder Schmunzler. Die thematischen Schwerpunkte sind Fußball und der regionale Bezug zu Leipzig samt Umland (»Kolonnaden«). 

Mein Trainer sagte: Sauf so, dass du morgen wieder laufen kannst. Mit Tinnitus im Minibus nach Morgenröthe-Rautenkranz.

Dk.dando – »Schwimmstadion«

Identifikation und Glaubwürdigkeit

An dieser Stelle muss der Text ungewohnt persönlich werden. Denn wenn man nun, wie ich, seit der Kindheit Fußball spielt, in Sachsen aufgewachsen und zum Studium ausgerechnet nach Leipzig gezogen ist, kommt die Begeisterung über Zeilen wie diese selbstverständlich nicht von ungefähr. Auch ohne Kreisligasozialisierung und ostdeutsche Herkunft kann man Freude am authentischen Sound der beiden Leipziger haben, aber der Gänsehautfaktor steigt ungemein, je mehr man sich mit dem Gesagten identifizieren kann.

Als Kind Ostdeutschlands ist es nicht unbedingt leicht, musikalische Identifikationspunkte zu finden, die den eigenen Bezug zur Heimat glaubhaft repräsentieren. Zu oft wird die Opferrolle ausgeschlachtet, sich mit lächerlich überzogenem Lokalpatriotismus auf unangenehmste Art und Weise abgegrenzt oder bewusste Distanz zur eigenen Herkunft gewahrt. 

Bei Dk.dando ist das anders. Das sind zwei Jungs Mitte 20, die in Leipzig geboren und aufgewachsen sind, im Privaten ihrer Arbeit nachgehen und ohne große Allüren hin und wieder Musik veröffentlichen, weil sie Lust darauf haben. Wenn Dando dann hier und da seinen Dialekt einfließen lässt, geschieht das sicher bewusst, aber nicht, um für ein paar fremde Lacher einem Stereotyp zu entsprechen oder irgendeinen Gesinnungskampf zu führen, sondern weil es tatsächlich Teil seiner Identität ist.

Wer Deutschland nicht liebt, hat Sachsen gesehen. Kommt drauf an, ich war mit hundert Litern Schnaps unterwegs. (…) Die Träume die ich leb’, hat der im neunten Stock doch och gehabt. Jedes zweite Kindeskind im Plattenbau ist hochbegabt.

Dk.dando – »Kurz vor Ohnewitz«

Bei Dk.dando steht der sächsische Sprachgebrauch in einem ganz anderen Kontext als in der gängigen Wahrnehmung der breiten Öffentlichkeit. Er erfährt keine krampfhaft alberne Überspitzung, sondern wird geschickt eingesetzt und authentisch verkörpert. Man merkt, dass Dando weiß, wovon er rappt. Wer die gleiche Sozialisierung teilt, kann sich beim Hören leicht darin wiedererkennen, verstanden fühlen oder auch über das Gesagte amüsieren. Dadurch erzielen die eingebauten Vokabeln, Redewendungen oder Betonungen eine ganz natürliche identitätsstiftende Wirkung.

Ebenso verhält es sich mit den getätigten Beobachtungen. Ohne plakativ zu werden, verpackt Dando Kritik an den rechten Parolen der eigenen Nachbarn (»Telefon im Spind«) ebenso wie Verdruss über die von fremden Investoren befeuerte Gentrifizierung (»Lindex«). Zwischen den verschiedenen Echokammern seiner Stadt, den Eigenheiten einzelner Bezirke und dem latenten Kontrast aus Stillstand und rasender Veränderung bleibt Dando sich selber treu. Er inszeniert sich nicht in einer aufgesetzten Rolle, sondern tritt lediglich als kritischer Beobachter auf, der sich seiner sozialen Eingebundenheit bewusst ist und nie den Humor verliert.

Keine Lust auf Hits zu denen du tanzen wirst. Bin irgendein Franz aus dem rassistischen Randbezirk.

Dk.dando – »Bürgerpflicht«

Das Abbild von Leipzig und „dem Osten”, das in Dk.dando-Songs gezeichnet wird, ist schließlich deshalb so präzise und authentisch, weil es versöhnlich ist, ohne Augenwischerei zu betreiben.

Passend dazu fahren die beiden im jüngsten Musikvideo zu »Weinbandpralinen« gemeinsam mit Featuregast Azudemsk durch typische Leipziger Randbezirke. Der Himmel ist dabei so blau, die Blätter so grün und die Sonne so hell, dass die eigentlich eintönige Wohngegend in schönstes Licht gerückt ist und man beim Zuschauen selber entscheiden muss, ob das nun Plattenbau-Tristesse oder Plattenbau-Charme ist und ob das gezeigte DDR-Interieur als behaglich oder deprimierend verstanden werden will.

Und wenn es in der Hook schließlich „als Zeichen der Liebe (…) für Sabine” wieder nur „7 kleine Weinbrandpralinen” statt einer ersehnten Urlaubsreise gibt, ist das weder eine Romantisierung der Situation noch Wehleidigkeit, sondern schlichtweg ein realistisches Abbild davon, wie sich mit gewissen Lebensumständen arrangiert wird.

Neues Album und Releasekonzert

Das neue Album »Jugendstil« hält noch weitere solcher Bilder, viele treffende Beobachtungen und unterhaltsame Lines parat. Neben AzudemSK gibt sich mit doz9 auch eine weitere Leipziger Rap-Ikone die Ehre. Dk.dando präsentieren sich ausgereifter und vielfältiger als zuvor und liefern vor allem zum Ende der Platte wieder echte Gänsehautmomente. Manchmal auch ganz wholesome:

Gibt es kein’ Applaus, versuch’ es da draußen mal mit was Gutem und geh’ mit nem Zwanni zu Blume2000 und dann zu Mama. Frag’ sie, wie bei ihr das Wetter war, wie’s ihr generell so geht. Ich hab dich lieb et cetera.

Dk.dando – »10 Jahre Reagan«

Wer jetzt schon oder nach dem Reinhören auf den Geschmack gekommen ist, kann die Jungs noch an diesem Freitag, dem 20.10., im Leipziger Conne Island auf ihrem Releasekonzert live erleben!

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Vor fünf Jahren und 35 Tagen schien noch alles in bester Ordnung zu sein bei Mac – endlich wieder wollte man als langjähriger Fan meinen. Sein neues Album »Swimming« war gerade erschienen, er hatte eine Tour anstehen, auf die er sich laut Tweets immens freute und Interviews/Behind-The-Scenes Material zeigten einen Künstler, der mit sich im Reinen war.

Dieser Anblick war nicht immer selbstverständlich, gerade die mittleren 2010er Jahre waren bei Mac Miller geprägt von dem Kampf mit seinen Dämonen, die sich auch in düsteren Projekten wie »Faces« oder »Watching Movies With The Sound Off« musikalisch widerspiegelten. Das neueste Album »Swimming« aber zeigte einen deutlich daran gewachsenen Menschen. Musikalisch war sein fünftes Album längst nicht mehr Rap im klassischen Sinne, stattdessen zeigte der 26-Jährige seine ganze musikalische Vielfalt und ließ sanfte Streicher, Pianoklänge und Gitarren walten. Wo er früher im Strudel des Wassers eher unterging hatte er nun gelernt, darin zu schwimmen.

Bis zum 7. September 2018, an dem die jähe Nachricht seines Todes an einer versehentlichen Überdosis für Entsetzen rund um die Musikwelt sorgte. Inmitten seiner spannenden künstlerischen Entwicklung, die in wirklich alle Richtungen hätte gehen können, wurde er zu einem der zahllosen Opfer der Fentanyl-Krise in den Staaten.

Was blieb? Seine Familie und Entourage ist wie bei kaum einem anderen verstorbenen Künstler darum bemüht, sein Werk nicht auszuschlachten sondern stattdessen in Ehren zu halten. Bei den hunderten bis tausenden Songs, die der pausenlos arbeitende Künstler wohl noch zu Lebzeiten produziert haben soll wird sehr gezielt darauf geachtet, nur Musik zu releasen, die im Sinne Macs war. So ist im Janur 2020 »Circles«, das Anschlussalbum zu »Swimming«, erschienen. Zu Jubiläen von bedeutenden Projekten gibt es immer wieder Re-Releases, damit sein Vermächtnis weiterhin besteht und von offizieller Seite gesteuert werden kann. So können hoffentlich auch noch viele weitere Menschen in Berührung kommen mit dem höchst einzigartigen Kopf Mac Millers.

‘92 til infinity 🕊️

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Ramzey ist Anfang 20, Rapper aus Frankfurt und ausgerüstet mit viel Potenzial, um die deutsche Raplandschaft ordentlich auf den Kopf zu stellen. Zum einen wären da gute Connections, die sicher nicht von ungefähr kommen, zum anderen die Tatsache, dass sein Sound schlichtweg scheppert.

Auf Brecher-Beats mit dem gewissen Stank-Face-Kopfnicker-Bounce schießt Ramzey energische Flows, die einen auf Anhieb in den Schwitzkasten nehmen. Aus jeder Zeile spricht Attitude, mal böse, mal ernst, mal frech, aber konstant unverkopft und ebenso entertaining.

VON DER MAINMETROPOLE INS RAPGAME

Am Freitag (09.06.) erscheint seine neue EP »Blut auf den Grillz«. In Kooperation mit Funkvater Frank‘s Funkloch-Projekt wurde diese bereits Mitte Mai exklusiv auf Vinyl veröffentlicht. Auch im Voract-Slot zu OG Keemo‘s Tage vor dem Fieber-Tour konnten Fans das Tape bereits komplett erleben.

Schon die Single-Veröffentlichungen und nicht zuletzt das Vorwissen um Ramzeys äußerst überzeugende Debüt-EP »God Bless Zucki« (Hier geht’s zum Soundcheck) dürfen im Hinblick auf das Release äußerst optimistisch stimmen. Hier braut sich etwas zusammen, das deutschen Rapfans noch lange Freude bereiten dürfte!

Die streng limitierte Vinyl ist jetzt auf www.funkloch.com erhältlich.

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Ein gezeichnetes Leben

Tyron Frampton aka Slow Ty und später slowthai wird 1994 in Northampton geboren. Er erfährt beim Aufwachsen immer wieder herbe Rückschläge und gerät in eine Perspektivlosigkeit, die ihn thematisch auf allen seinen Alben begleitet. In seinem Debütalbum »Nothing Great About Britain« (2019) manifestiert sich diese Perspektivlosigkeit vor allem durch einen Blick nach außen. Der bevorstehende Brexit, ein zerfallendes Gesundheitssystem, Drogenprobleme und umliegende Armut geben ein Bild von seinem Umfeld, das nicht immer angenehm zu hören ist. Verzerrte Synths und irreguläre Drumbeats schaffen ein unruhiges und teilweise unangenehm rohes Soundbild, das in Symbiose mit einer erratischen Delivery steht.

Zwei Jahre später erscheint 2021 »TYRON«; ein thematischer Übergang zwischen Blick nach außen und Introspektive, der vor allem zugänglicher im Sound als der Vorgänger ist. Auf einer Hälfte Trap-Banger und einer Hälfte gefühlvoller Songs versammeln sich hochkarätige Features wie u.a. A$AP Rocky, Dominic Fike und James Blake.

(Hier geht’s zur Album Review von »TYRON«)

Keiner hätte es slowthai übel genommen, an diesem Erfolgsrezept weiter aufzubauen und das Folgealbum ähnlich zu gestalten. Jedoch zeigt »UGLY« (2023), dass er auch dahingehend nicht gebunden ist. Die Kollaborierenden heißen auf diesem Projekt nicht A$AP Rocky oder Skepta, sondern Fontaines D.C., Beabadoobee und Jockstrap. Inmitten einer Renaissance von Prog-Rock und Post-Punk auf den britischen Inseln werden Synths durch verzerrte Gitarren ersetzt und die Trap-Drums weichen für punkiges Schlagzeug. »UGLY« ist dabei das Ziel einer Reise von der Außen- in die Innenwelt, bei der die Texte ähnlich roh wie auf »Nothing Great About Britain« sind, nur eben selbstbezogen in die Abgründe seiner Psyche.

Es ist schwierig zu sagen, was für den mittlerweile 28-Jährigen als nächstes kommt, aber eins ist sicher: es wird authentisch, selbst wenn es unangenehm ist.

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Man könnte sagen, dass 90er Kinder gemeinsam mit Mac und seiner Musik gealtert sind: So spiegeln die ersten Mixtapes und Alben wie »K.I.D.S« oder »Blue Slide Park« die Teenager- und Highschool-Zeiten wider, während Nachfolger wie »Macadelic« oder »Watching Movies With The Sound Off« deutlich weniger fröhlich daherkommen und die frühen Zwanziger kennzeichnen, in denen man die ganze Welt noch einmal neu für sich beleuchtet. »GO:OD AM« ist dann das Album, das diese melancholischen Töne auffängt und in einen gefestigteren, erwachseneren Rahmen steckt.
Das 2016 erschienene »The Divine Feminine« beschäftigt sich mit der Wahrnehmung von Frauen in seinem Leben und rückt festere Beziehungen ins Licht. Kurz vor seinem Tod erschien schließlich das letzte zu Lebzeiten fertig gestellte Album »Swimming«, das inhaltlich einen selbstreflektierten und leichtfüßigen Mac zeigt und musikalisch mittlerweile ruhigere und träumerische Klänge anschlägt. Anfang 2020 ist mit »Circles« posthum der zweite Teil des als Doppelalbums konzipierten Werks erschienen, der seinen Wachstum noch einmal eindrucksvoll unterstreicht.

Es bleibt nur zu mutmaßen, welche weiteren Entwicklungen sein Leben und seine Musik genommen hätte.

Got talent, imagine what I‘ll do with some time

»Face In The Crowd« vom Album » K.I.D.S.« (2010)

Rest easy, Mac!

Der Beitrag In Memory of Mac Miller erschien zuerst auf Mostdope.

Pöbel MC taucht 2015 im Dunstkreis der Rapcrew Waving The Guns auf, deren Debütalbum »Totschlagargument« er prompt mit zwei Featureparts versieht. Ihre Herkunftsstadt Rostock vereint ihn mit der vierköpfigen Clique, die schon damals auf Pöbels späterem Label Audiolith gesignt ist.

Sein erstes eigenes Tape ist im Folgenden schnell produziert und erblickt schon im Folgejahr das Licht der Welt. Auf »Backpfeife auf Dauerschleife« verteilt “Der Pöbler” 15 Minuten lang lyrische Schellen an die Rapszene und eine „Welt […] voller Opfer“. Beim Hören seiner ersten Veröffentlichung fällt Battlerap-Fans direkt auf, dass der Emcee bei seinen stramm durchgeflowten Punchlines auf jegliche Art der Diskriminierung verzichtet und sich dies auch auf die Fahne schreibt. Dieser markante Unterschied zwischen ihm und einem Großteil der restlichen Szene ist dabei allerdings keine Folge von zwanghaften Bemühungen um politische Korrektheit. „Jeder labert gern mal Kacke, aber es wird niemals passieren, dass ich solchen Dreck auf Tracks packe“, heißt es schon im ersten Song seines Debütreleases.

Zwei Jahre und ein Mixtape später verbündet sich Pöbel MC mit Milli Dance, einer der Stimmen hinter Waving The Guns, für das Kollabo-Album »Soli-Inkasso«. Die Concious-Rapper harmonieren style-technisch sowie inhaltlich und reißen dementsprechend auch bei gemeinsamen Liveshows ab. „Für manche zu prollig, für viele zu politisch“, lautet es schon im Intro ihrer Platte, womit sie den Nagel auf den Kopf treffen.

Pöbel MC macht, ob allein oder im Tagteam, atzigen Boombap-Rap auf deftigen Beats. Dabei finden neben belustigenden Punchlines auch mehr oder weniger offensichtliche politische Statements ihren Platz, wenn Pöbel die Toleranz gegenüber Rechts, normalisierten Sexismus oder das bloße Konzept des Kapitalismus ins Fadenkreuz nimmt.  

Vor seinem ersten Soloalbum schiebt der Pöbler im Weiteren das »Pöbel Sports Tape« ein, um seine Hörerschaft bestens auf sein ganz eigenes LP-Debüt vorzubereiten. »Bildungsbürgerprolls« überzeugt im Frühjahr 2020 die Szeneinternen und erweitert gleichermaßen Pöbels Anhang. Erstmals lässt er dabei auch in sein Inneres blicken und berichtet über seine Jugend, wobei die ihm widerfahrene Patchwork-Sozialisierung im Rostock der Nachwendezeit genug Raum für Vertiefung bietet.

Musikalisch bleibt sich Pöbel MC bis hierhin immer treu. Boom-Bap Beats, reihenweise Flowwechsel und eine konsequente Delivery zeichnen seinen Sound aus und scheinen die Verlässlichkeit seines musikalischen Schaffens zu sein. Grund genug für ihn sich unter dem Alias Multilingual Mike anderweitig auszuleben. Zusammen mit einem seiner Stammproduzenten Dj Flexscheibe bringt er noch im Jahr seines Pöbel MC-Debütalbums die EP »Nass vom Bass« raus. Auf dieser versieht Multilingual Mike russische Hardbass-Beats mit deutschen, englischen sowie spanischen Lyrics und liefert damit einen ganz neuen Sound für die heimischen Dancefloors.

Nach der Rückbesinnung zu Pöbel droppt der Emcee weitere EPs. Nach »Stress & Raugln« im Jahr 2021 folgt vergangenen Freitag schlussendlich das aktuellste Release in Form von »Backpfeife auf Endlosschleife«. Die Namensgebung, die eine Fortsetzung des Debüttapes vermuten lässt, täuscht nicht, denn der Pöbler pöbelt weiter. Der MC hat in Querdenkern, toxischer Männlichkeit und „volkswagenfahrenden Scheinalternativen“ neue Ziele für seine wohlformulierten Verbalattacken gefunden und platziert diese gewohnt gekonnt in einer Reihe abwechslungsreicher Kopfnickertracks. Unbedingt abchecken!

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