Joey Bada$$ – DARK AURA

Joey Bada$$ ist zurück mit seinem neuen Song »DARK AURA« auf dem der New Yorker nicht nur seine lyrischen Fähigkeiten zur Schau stellt, sondern uns mit dem Sound auch etwas nostalgisch werden lässt. Der Track ist die erste offizielle Single seines kommenden Albums »Lonely At The Top« welches schon am 29. August erscheinen soll. Wenn das nicht schon genügend gute Nachrichten wären, gibt es neben Album und Single auch eine Tour Ankündigung die uns kurz darüber weinen lässt das wir nicht in den USA leben (aber nur kurz, weil uns dann wieder der ganze Trump Bullshit einfällt). Die DARK AURA TOUR zieht von Oktober bis November durch US-Städte und hat mit Ab-Soul und Rapsody zwei unser Lieblings Artists als Special Guests.

Florence + the Machine – Everybody Scream

Bitte ganz dringend notieren, am 31. Oktober feiern wir dieses Jahr nicht nur das allerheiligste aller Feste sondern auch ein ganz besonderen Release. Florence + the Machine veröffentlicht ihr neues Werk »Everybody Scream«. Das sechste Album der Künstlerin wird damit wohl besonders magisch und düster werden. Einen ersten Eindruck davon bekommen wir von der neuen Single die den gleichen Titel wie das kommende Album trägt. Produziert wurde der Track »Everybody Screams« von Florence Welch persönlich mit der Unterstützung von anderen bekannten Artists wie Aaron Dressner, James Ford, Mitski Miyawaki und IDLES Leadgitarrist Mark Bowen. Wir erwarten laute Gitarren, düster-verdrehte Texte und hoffen dass das Outro auch ein Mantra für die restlichen Songs ist:

“The witchcraft, the medicine, the spells, and the injections / The harvest, the needle, protect me from evil / The magic and the misery, madness and the mystery / Oh what has it done to me? Everybody scream.”

Earl Sweatshirt – Live Laugh Love

Ein Slogan, der zwar schon ziemlich ausgelutscht ist, uns aber bei Earl Sweatshirt nochmal ein Auge zudrücken lässt. Der Künstler hatte zuletzt vor zwei Jahren sein Kollabo Projekt
»VOIR DIRE« mit The Alchemist veröffentlicht. »Live Laugh Love« fühlt sich an wie eine Ansammlung sehr nicer Beats über welche Earl uns in seiner typischen Manier mit guten Lyrics versorgt. Etwas zusammengewürfelt aber gefällt uns trotzdem richtig gut. 

Der Beitrag Dunkle Auren, viel Geschrei aber auch Liebe, Lachen und Frieden. erschien zuerst auf Mostdope.

In diesem Interview spricht Julia Gröschel über die Vision hinter dem Format und die Kraft von Live-Momenten. Sie erzählt von ihrer Beziehung zu Hip Hop und den Herausforderungen in der Industrie. Es geht um Mut, den Anspruch an sich selbst und darum, was passiert, wenn man sich mitten im Aufbau schon raus traut – auf die Bühne, ins Gespräch und zurück zur Community.

DIE VORBEREITUNG

Was war deine Idee hinter dieser Tour?

Für so viele Projekte, wie mein eigenes, ist es einfach super schwer, heutzutage digital Gehör zu finden und somit auch organisch zu wachsen. Es gibt so viele Sachen, es gibt so viel Content, und ein Podcast ist auch nur ein weiteres Content Piece – und dann auch noch super longform. Das heißt, die Leute müssen auch Bock haben, sich das eine Stunde zu geben. Und in einem Zeitalter, wo alle nur noch drei Sekunden Aufmerksamkeit haben, habe ich für mich die Lösung gefunden, dass wir uns wieder offline treffen können und wirklich einen Community-Space schaffen, in dem es wieder möglich ist, einem Gespräch zuzuhören, einen Impuls mitzunehmen und in den Austausch zu kommen.

Wir werden es auch trotzdem digital verlängern und als Podcast rausbringen. Das heißt, es war für mich so ein bisschen Best of both Worlds: Ich schaffe endlich den Fokus wieder auf das Offline-Geschäft. Und ich liebe einfach Live-Sachen, ich liebe Konzerte.

Hast du eine Location oder eine Person, auf die du dich besonders freust oder bei der du vielleicht auch ein bisschen aufgeregt bist?

Ehrlicherweise bin ich auf jede Show gespannt, weil die so individuell ist. Das heißt, wir haben kein Schema F, das wir jetzt immer abfrühstücken, und wir sagen nicht: „Ja, jede Show ist gleich und es ändert sich quasi nur der Gast.“ Das heißt, alles ist super individuell, und darauf freue ich mich.

Eine Sache, auf die ich sehr gespannt bin, ist die Show im Admiralspalast in Berlin. Das ist ein sehr geschichtsträchtiges, riesengroßes Theater, wo noch nie Hip-Hop in der Form stattgefunden hat. Und ich greife jetzt die Möglichkeit beim Schopf und sage: Das ist zwar für unsere Verhältnisse viel zu groß – also da passen 1.700 Leute rein, das ist komplett gestört. Aber I’ll give it a try. Das wird ganz sicher eine sehr, sehr besondere Produktion. Das heißt, da versuche ich, das eh schon neue Konzept „Podcast und Konzert“ dann auch noch in einem solchen Setting. Es wird spannend, ob und wie uns das gelingt.

Bereitest du dich auf einen Live-Podcast genauso vor wie auf eine Studioaufzeichnung? Oder lässt du das eher wie ein richtiges Event wirken? Kann man sich überhaupt so richtig darauf vorbereiten?

Ich sage mal, der Anfang der Vorbereitung ist der gleiche. Man geht in die Recherche, man scannt das durch, hört und guckt sich alles an, was es schon gibt. Da habe ich auch Unterstützung. Dann schreibt man ein Skript, damit ich einen Gesprächsfaden habe. Das heißt nicht, dass ich mich immer 100 % an diesen Faden halte. Aber ich möchte eben doch eine Interviewsituation haben und nicht nur eine reine Gesprächssituation. Ich möchte etwas aus meinen Gästen herauskitzeln und dass die Zuhörenden auch etwas mitnehmen aus dem Podcast. Es kann auch sein, dass ich mir ein ultralanges Skript schreibe und am Ende hatte ich ganz viele Fragen, die ich einfach nicht gestellt habe. Weil entweder gerade ein Moment entsteht bei einem Thema, wo ich sage: Okay, das ist gerade so special und so intim, da kann ich jetzt keinen harten Cut machen. Das heißt, das ist immer super individuell.

Aber was gleich ist: die Recherche und das Skriptschreiben. Und dann unterscheiden sie sich natürlich signifikant, dass das eine vor Publikum ist und das andere nicht. Sprich, man ist mit Publikum natürlich aufgeregter als im Studio. Und man muss das Publikum auch ein bisschen lesen, versuchen, sie noch mal ein bisschen zu hooken oder auch mit Humor zu arbeiten. Es gibt viele Parallelen, aber natürlich – emotional – ist live viel auftreibender als eine Studiofolge für mich.

DER EIGENE ANSPRUCH

Du bringst deine Arbeit bewusst aus dem digitalen Raum auf die Bühne und suchst den direkten Kontakt mit dem Publikum. Geht es dir dabei auch um das unmittelbare Feedback – also um mehr als nur Likes oder Kommentare im Netz? Gibt dir die Live-Reaktion ein anderes Gefühl der Bestätigung?

Ich muss sagen, ich ziehe keine Bestätigung per se aus dem Podcast. Deswegen mache ich das nicht, damit Leute sagen: „Du bist so toll.“ Mir geht es um die Mission dahinter. Ich möchte Einblicke in die Industrie geben und eine andere Gesprächsführung haben als die, die in den anderen Medien gerade häufig stattfindet.
Bloß, ich bin eine Frau – eine junge Frau. Darüber kann man streiten: Was ist jung, was ist alt? (lacht) Und die Stimmen gibt es ja eh schon viel zu wenig überall. Das heißt, ich finde es auch wichtig, dass man mal eine andere Perspektive hört – in dem Fall meine –, als jemand, der auch Erfahrung in der Industrie und mit Künstler*innen hat. Ich bringe also ganz viel Expertise mit, weswegen ich ein Gespräch auch einfach nochmal anders führen kann und ein bisschen tiefer gehe und schneller zum Punkt komme, weil ich es eben verifizieren kann.

Und was ich selber als Konsumentin nicht so gerne mag, ist dieses „Abkumpeln“ und man erzählt sich irgendwelche Geschichten, wie geil es früher alles war. Das finde ich ultra boring. Also, was soll ich da mitnehmen? Es sind immer die gleichen Geschichten, die da kommen. Und deswegen versuche ich, einen journalistischen Anspruch an meine Folgen zu haben. Dass man sagt: Klar, man kann lustige Momente haben, man kann auch oberflächliche Momente haben – das ist alles cool. Aber ich sehe es als Infotainment. Man ist eben auch unterhalten und kriegt jetzt nicht eine Stunde Frontalunterricht.

Unterscheidet das »Hip Hop Lebt« von einem klassischen “Laber-Podcast” ?

Ich meine Laber-Podcasts können auch Entertainment sein. Und wie man das bewerten möchte oder wann man was konsumieren möchte, ist ja sowieso nochmal eine ganz andere Frage. Denn manchmal braucht man auch dieses leichte Entertainment. Ich will die anderen Formate damit gar nicht downgraden. Ich sage nur, dass ein Podcast, so wie ich ihn mache, auch eine gewisse Schärfe braucht. In der Recherche, in der Durchführung und es eben kein Laber-Podcast ist, die genauso ihre Daseinsberechtigung haben. 

Aber ein Gespräch zu führen, auch den Raum für den Gast zu lassen, ist mir sehr wichtig. Oft habe ich natürlich auch meine eigene Meinung und würde am liebsten auch etwas dazu sagen, aber an dem Punkt ist es dann einfach wichtig zu wissen, dass es nicht um mich geht in dem Fall. Denn ich bin eher das Medium, um die Message von dem Gast zu transportieren. Das Feingefühl zu haben, wann man bei einem Thema bleiben sollte und wann man es liegen lassen sollte, ist halt mental schon ein 100-Meter-Lauf. Ich glaube dieses Bild passt ganz gut. Ein Podcast hat ja leider oft den Stempel: diese Person redet einfach nur drauf los.

EIN BLICK ZURÜCK

Wusstest du schon immer, dass du das machen möchtest, also dass du deine Stimme nutzen möchtest und als Medium, wie du es ja beschrieben hast, zu arbeiten?

Ich wollte schon sehr lange so ein Format machen, aber es hat sich nie wirklich passend angefühlt. Ich hatte einfach nicht das Gefühl, dass ich voll und ganz dahinterstehe. Vor über zehn Jahren habe ich an einem kleines Interviewformat auf YouTube mitgewirkt – im Rahmen einer Veranstaltungsreihe. Wir haben dort Backstage einfach Künstler*innen interviewt. Das war ganz simpel, aber es hat mir einen ersten Eindruck gegeben, wie sich das anfühlt. Und da habe ich gemerkt: Ich kann das. Es liegt mir. Damals bin ich selbst überall hingefahren, habe viel organisiert – auch als bewusster Kontrast zu den Jungs, mit denen ich das gemacht habe. Die meisten Künstler, die wir gebucht haben, waren männlich.

Es war eben eine andere Zeit – vor elf, zwölf Jahren. Ich sollte da so ein bisschen “die Frau im Raum” sein – als Kontrast. „Setz dich mal hin, mach das mal“ – so ungefähr. Und da habe ich gemerkt: Das macht mir Spaß. Besonders der Kontrast: Ich bin eben kein Kumpel. Kein Bro. Mit mir kann man nicht einfach locker rumhängen, Joints rauchen. Allein dadurch, dass mich viele nicht kennen, entsteht automatisch eine gewisse professionelle Distanz – und das ist ein Vorteil. Ich kann dadurch kritische Fragen stellen. Nicht, weil ich jemanden bloßstellen oder roasten will – sonst würde ich die Person ja gar nicht einladen. Aber kritische Nachfragen sollten möglich sein. Ich will kein reiner Feelgood-Podcast sein. Ich will auch Themen ansprechen, die kontroverser sind – vor allem dann, wenn ich weiß, dass mein Gast dazu eine klare Meinung hat.

Die Idee hatte ich also schon lange, aber erst mit »Hip Hop Lebt« vor zweieinhalb Jahren habe ich mich wirklich bereit dafür gefühlt. Persönlich. Und auch, was mein Standing betrifft. Denn wenn man sich in die Öffentlichkeit stellt, wird man – ob man will oder nicht – bewertet und kommentiert. Und das hätte ich in jüngeren Jahren sicher nicht so leicht weggesteckt wie heute.

Erinnerst du dich an diesen einen Moment, in dem du zum ersten Mal das Gefühl hattest, dass Hip-Hop mehr ist als nur Unterhaltung, sondern etwas, über das du in deiner Arbeit sprechen möchtest? Und wie hat sich deine Beziehung zu Hip-Hop seitdem verändert?

Ich glaube, ich habe gar keine andere Wahl, als über Hip-Hop zu sprechen, über Kultur zu sprechen und über das Ökosystem, in dem ich mich bewege, nämlich Musik- und Medienindustrie – das ist zu 100 Prozent meine Expertise. Da kenne ich mich aus, das heißt, es wäre für mich jetzt auch völlig out of character, über Fashion zu sprechen. Also, ich schließe das jetzt nicht kategorisch aus, dass ich irgendwann über etwas anderes sprechen werde, aber intrinsisch ist das immer mein erstes Thema, worüber ich mit Leuten auch sprechen möchte. Also, ich bin vielleicht älter geworden und bin gereift, aber meine Liebe und mein Verständnis für Community und Kultur sind gleich geblieben. Und ich möchte einfach etwas zurückgeben, was mir Hip-Hop gegeben hat. Ich versuche einen Beitrag beizusteuern mit den Mitteln, die ich habe.

Podcast ist ein super dankbares Format, weil es eben auch so lang ist und so individuell, vom Gast abhängig. Man hat die Möglichkeit in die Lebensrealitäten von Künstler*innen, die man feiert oder z.B. von Songwriter*innen, die Nummer-Eins-Hits geschrieben haben, einzutauchen. Was geht denn in denen vor, also sind das normale Menschen oder sind die komplett fernab von meiner Realität? Was sind die Struggles, die die haben? Sind die auch mal unsicher? Wie gehen die mit Streaming-Druck um? Wie gehen die mit Geldsorgen um? Und all das mal wirklich auf den Tisch zu packen um am Ende festzustellen: Überraschung, wir sind alles nur Menschen.

WÜNSCHE

Gibt es denn irgendjemanden, den du gerne mal als Gast in deinem Podcast hättest, egal ob realistisch oder Träumerei? 

Man sagt ja, never meet your idols, von daher, mit Drake wäre bestimmt witzig. Da weiß ich aber nicht, ob ich das wirklich machen wollen würde (lacht). Also klar, ich habe halt gewöhnlich so ein paar Idole, Drake, Stormzy, Skepta, Jack Harlow. Das sind so meine Idole, bei denen ich sage, oh Gott, da würde ich wirklich Schnappatmung bekommen, wenn sie plötzlich vor mir stehen. Aber ich finde auch einige Leute aus der Industrie interessant. Persönlichkeiten wie Scooter Braun, dem ehemaligen Manager von Taylor Swift und Justin Bieber. Ich glaube, mit dem könnte man über so einiges sprechen. Bei Personen wie bei ihm ist das Problem, die haben dann natürlich auch ihre Standardantworten, da kommst du wahrscheinlich eh nicht durch und das Gespräch wäre wahrscheinlich nicht wirklich spannend. 

Aber ich möchte mich tatsächlich, auch wenn es um meine Gäste geht, gar nicht festlegen. Denn ich habe das Gefühl, es kommt auch immer zu einem. Das heißt, ich versuche die Sachen nicht so zu forcieren und lasse mich da auch einfach ein bisschen treiben. Das ist ein ganz guter roter Faden, für dieses ganze Projekt: einfach offen zu sein, du als Person, aber auch deine Zuhörer*Innen. Ich glaube, das fasst es ganz gut zusammen.

Gibt es denn noch eine Sache oder eine Information, die du Leuten mitgeben möchtest, bevor sie zum Beispiel zu einem Live-Event kommen oder sich in diese Welt rein begeben? 

 Neugierig zu sein, Lust auf etwas Neues zu haben und auch wieder ein bisschen der Kuration von Menschen zu vertrauen, weg von einem Algorithmus und einer KI. Viele denken sich wahrscheinlich: Ich kenne sie nicht, was ist »Hip Hop Lebt«? Die Zahlen sind auch noch nicht so doll, bla bla bla. Etwas, das irgendwie jeder von uns heutzutage macht: Man scannt erst mal ab, und ganz oft ist die Reaktion: Ich kenne das nicht, das wird von niemandem gehört, interessiert mich nicht. Ich würde mir wünschen, dass Leute sagen: Okay, ich kenne es vielleicht nicht, aber ich mag Hip-Hop, ich mag Gespräche.

Es ist mein Wunsch, dass die Leute einfach offen bleiben und sagen: Hey, ich interessiere mich für das Thema. Ich interessiere mich für Hip-Hop, für Kultur, vielleicht für die Musikindustrie, für persönliche Entwicklungen. Dass sie dem Ganzen eine Chance geben – das würde ich mir wünschen. Das ist ja auch im Grunde genau das, was alle an dieser Industrie oder an dieser ganzen Bubble – mich jedenfalls – total inspiriert: Wenn man dem Ganzen offen gegenübersteht, kriegt man super viel zurück.

Gibt es sonst noch irgendwas, das du gerne zu dieser Tour noch loswerden möchtest? 

Dass wir die Ersten sind, die das machen. Wir sind so wirklich die Ersten, die Podcast mit einem Live-Konzert verbinden. Und auch der Mut, den wir als Team haben. Das bin ja nicht nur ich, die man vorne sieht. Es sind ja immer Leute im Hintergrund, die mit mir an dem Projekt arbeiten. Sie sorgen dafür, dass es so aussieht und auch inhaltlich so ist, wie es ist. Und diesem Team bin ich jeden Tag dankbar, dass die mit mir an dieser Vision zusammenarbeiten. Und dafür, dass wir aus eigener Kraft was auf die Beine stellen und jetzt mutig genug sind, unser kleines Format, was noch mitten im Aufbau ist, auf die Bühne zu bringen.

Der Beitrag JULIA GRÖSCHEL ÜBER »HIP HOP LEBT« LIVE, COMMUNITY UND DEN DRANG NACH INHALTEN erschien zuerst auf Mostdope.

Die Musikdetektive unter euch, die den Instagram-Channel von Little Simz etwas aufmerksamer verfolgen, werden zwei Dinge bemerkt haben: Zum einen deuteten die bereits veröffentlichten Sound-Snippets darauf hin, dass noch mehr Musik als nur eine Single in der Pipeline steckt. Zum anderen benutzt Simz gerade ungewöhnlich häufig das Lotusblüten-Emoji, um »Flood« zu promoten. Allerdings nicht, weil sie ein großer Fan der HBO-Serie White Lotus ist, sondern weil »Lotus« der Titel ihres kommenden Albums sein wird – wie Little Simz nun bekannt gab.

Die Visualisierung und der Sound von »Flood« schlagen wieder eine andere Richtung ein als ihre vorherigen Projekte und haben uns bereits überzeugt. Simz hat mit jedem Projekt ihre künstlerischen Fähigkeiten gesteigert – und nachdem »Sometimes I Might Be Introvert« und »NO THANK YOU« (zum Soundcheck: “Little Simz bekommt endlich die Liebe, die sie verdient“) die Messlatte bereits ziemlich hoch gelegt haben, scheint sie diese mit dem kommenden sechstes Album noch einmal übertreffen zu wollen.

Wir sind gespannt und blicken voller Vorfreude dem 9. Mai entgegen! Was glaubt ihr – wer könnte auf dem Projekt außerdem als Feature auftauchen? Und was hat es mit der Lotusblüte auf sich? Schreibt es in die Kommentare

Der Beitrag Little Simz kündigt neues Album an erschien zuerst auf Mostdope.

Zwischen den Welten

Tommy Richman bewegt sich irgendwo zwischen P-Funk-Vibes, Y2K-Nostalgie und modernem Hyperpop. Seine Musik klingt, als hätte jemand das Beste aus Anderson .Paak, Pharrell und Playboi Carti in einen Synthesizer gesteckt, und durch einen übersteuerten Discord-Filter gejagt.

»Million Dollar Baby« ist der perfekte Beweis dafür: ein Basslauf, der direkt aus einer George-Clinton-Séance entsprungen sein könnte, ein hektisch-tänzelnder Flow und dazu eine Produktion, die gleichzeitig vintage und futuristisch klingt.

Aber Richman ist kein simpler Revival-Künstler. Vielmehr nimmt er das Erbe des Funk und Soul, zerlegt es und setzt es mit den Tools der Jetztzeit neu zusammen. Während andere sich in der Post-Drake-Ära irgendwo zwischen Gefühlsschmerz und Minimalismus verlieren, ballert er mit einer Energie aus den Boxen, die den einen oder anderen an die Blütezeit von Neptunes-Produktionen erinneren dürfte. Jetzt aber genug Name-Dropping. Lassen wir ihn selber zu Wort kommen.

Honestly man, I just try to make cool shit for people but more so for me. It’s not about the gimmicks or cliches for me. I wanna make stuff that’s palatable and listenable but also just shit I like and am interested in.

Tommy Richman (via Lyrical Lemonade)

O-Töne von Richman zu finden ist eine Challenge für sich. Er scheint ein Künstler zu sein, der den alten Grundsatz lebt: “Let the music do the talking.” Sein Stil ist minimalistisch – nicht in der Musik, aber in der Außendarstellung. Kein Image, das auf Hochglanz poliert ist, keine aufdringliche “Ich bin der nächste große Star”-Attitüde. Eher das Gegenteil: Richman wirkt, als wäre er aus Versehen berühmt geworden. Er liefert Hits, aber wirkt nie kalkuliert. Statt sich der üblichen Industrie-Mechanik zu unterwerfen, bleibt er unnahbar. Während seine Songs sich viral verbreiten, hält er sich selbst im Hintergrund und sein öffentliches Bild bleibt bewusst verschwommen.

Die Genre-Debatte, die er nicht führt

Während sein Sound viral ging, blieb sein weiteres Schaffen eine einzige Volte gegen Erwartungshaltungen. Sein Debütalbum »Coyote« erschien letzten Herbst ohne große Ankündigung, ohne kalkulierte Single-Strategie, ohne erkennbaren Plan für die Charts. Die Konsequenz: Kein Billboard-Entry, aber eine Fangemeinde, die ihn für genau diese Widersprüchlichkeit feiert. Einigen galt es als mutiges Statement gegen die standardisierte Streaming-Formel, anderen als verpasste Chance. Richman selbst ließ die Debatte ins Leere laufen. Diese Unbestimmtheit zieht sich durch sein gesamtes öffentliches Bild. Die Industrie würde ihn gerne irgendwo verorten, doch er bleibt eine Blackbox. In den Kommentarspalten wird spekuliert, ob er sich bewusst der Kategorisierung entzieht oder einfach selbst nicht weiß, welchen Weg er als Nächstes einschlagen will.

Die Diskussion, ob Richman nun R&B, Rap oder Hyperpop macht, scheint außerhalb seiner Bubble wichtiger als für ihn selbst. Streaming-Algorithmen verlangen dennoch nach Schubladen, doch Richman verweigert sich einer festen Zuordnung, aber sobald es um die Frage geht, wo er hingehört, bleibt er vage. Mal sagt er nichts, mal deutet er an, dass er sich nicht als Hip-Hop-Künstler sieht – eine beiläufige Bemerkung, die schneller Kreise zog als der eigentliche Song. Dass jemand, der offensichtlich aus dem Genre schöpft, sich so entschieden von dessen Bezeichnung distanziert, wurde als kalkulierter Befreiungsschlag verstanden – ein Balanceakt zwischen Aneignung und Abgrenzung. Die Diskussion ist nicht neu. Weiße Künstler, die sich in einem primär schwarzen Genre bewegen, stehen immer wieder vor diesem Spagat – von Post Malone, der nach einer vielversprechenden Rap-Karriere den Cowboyhut aufsetzte und sich mit Akustikgitarre und Lagerfeuer-Romantik in die Arme des Country-Pop flüchtete, bis Mac Miller, dessen Status als Rapper lange infrage gestellt wurde, und nicht zuletzt Machine Gun Kelly, der nach einer künstlerischen Demontage durch Eminem, die E-Gitarre umschnallte und sich ins Pop-Punk-Exil verabschiedete.

Richman selbst reagiert nicht auf diese Debatten. Kein Statement, keine Klarstellung, keine Gegendarstellung. Er überlässt es anderen, sich über seine künstlerische Einordnung den Kopf zu zerbrechen. Nicht aus kalkulierter Coolness, sondern weil er sich für solche Diskussionen schlicht nicht zu interessieren scheint. Während sich andere Künstler in Podcast-Runden erklären oder in kryptischen Social-Media-Posts Gegenpositionen einnehmen, veröffentlicht er einfach seinen nächsten Track – und überlässt es dem Internet, den Rest zu erledigen.

Ein Künstler, der sich weder in Interviews rechtfertigt noch in Promophasen anbiedert, sondern einfach Tracks veröffentlicht und sich wieder zurückzieht. Doch genau diese Weigerung, sich festlegen zu lassen, sorgt gleichzeitig für Kontroversen. Für die einen ist er das Gegenmodell zu einer durchformatierten Industrie, für die anderen ein Künstler ohne klare künstlerische Identität. Wer alles sein kann, ist am Ende vielleicht nichts davon.

Der Beitrag Tommy Richman: Funkadelic für die TikTok-Generation erschien zuerst auf Mostdope.

In den vorab veröffentlichten Singles zeigte Cordae bereits ganz unterschiedliche emotionale Seiten. Während er etwa auf »Summer Drop« zusammen mit Anderson .Paak noch nostalgisch über einen entspannten Boom-Bap-Beat von J. Cole auf seine Jugend und damalige Herausforderungen zurückblickt, teilt Cordae auf »Mad As F*ck« richtig aus und rappt aggressiv auf einem Trap-Beat über seinen kämpferischen Ehrgeiz und sein Leben im Rampenlicht. Sein Schaffen auf der Bühne ist ein zentrales Motiv auf »The Crossroads«. Der Titel des Albums bezieht sich auf einen Wendepunkt in Cordaes Karriere. Im Interview mit Billboard erzählt er:

Ich hatte das Gefühl, dass ich an einem Wendepunkt in meinem Leben stand (…) Es ging um Leben und Tod. Wenn ich nach rechts gehe, wird alles perfekt sein und das Leben ist großartig, wenn ich nach links gehe, ist das ganze Leben schrecklich. Irgendwann habe ich erkannt, dass eine einzelne Entscheidung nicht so viel Gewicht hat. Es ist die Summe aller Entscheidungen.

Lyrische Vielseitigkeit

Cordae zeigt sich übers Album verteilt lyrisch in Hochform mit humorvollen One-Linern, allerdings auch mit tief emotionalen Zeilen, die seine introspektive Seite beleuchten. Mit einen dynamischen Flow und eine authentische Mischung aus Cleverness und Verletzlichkeit bringt Cordae gekonnt Themen wie Selbstreflexion, das Streben nach Wachstum oder seine Lebensweisheiten als junger Vater ins Spiel. Vor allem der Song »Shei Afeni«, der den Namen seiner Tochter trägt, oder der Track »Dreaming 06«, der an seine Mutter gerichtet ist, stechen dabei als emotionale Highlights hervor.

“There’s gon’ be a time when things don’t always go your way
There’s gon’ always be some people with some shit to say
There’s gon’ always be adversity throughout this life
But just remember, everything gon’ be alright”

Cordae »Shei Afeni«

Zwischen Soul, Trap und Eintönigkeit

Insgesamt zeigt sich die Produktion auf dem Album besonders vielfältig. Klug ausgewählte Soul-Samples, wie die Verwendung von Luther Vandross oder Barbara Mason’s Vocals auf »All Alone« und »Never See It«, verleihen den Tracks einen besonderen Charme. Gleichzeitig finden sich auch immer wieder moderne Trap-Beats und jazzige Elemente wieder, die Cordae geschickt nutzt, um einen zeitlosen Sound zu kreieren.
Das Album hat jedoch auch einige Momente, die recht eintönig wirken und die Spannung nicht durchgehend halten können. Ein Beispiel dafür ist der Track »Pray« mit Ty Dolla $ign, dessen Beat sowie Flow recht monoton wirken und wenig bleibenden Eindruck hinterlassen. Gerade im Hinblick auf seine vorherigen Alben fehlt es hier an Abwechslung und frischen Ansätzen. Cordae schafft es nicht durchgehend, sein kreatives Potenzial komplett auszuschöpfen, das er bereits an Stellen auf dem Album angedeutet hat, und hinterlässt somit immer wieder ein Gefühl von Unvollständigkeit.

Feature-Highlights und Fehltritte:

Auf dem Track »Nothings Promised« zollt Cordae einer seiner größten Inspirationen, Kanye West, mit einem beeindruckenden Song Tribut und sampled mit
»Heard ‘Em Say« einen absoluten Klassiker. Gleichzeitig ist Ye höchstpersönlich allerdings auch als Feature auf »No Bad News« vertreten. Was zunächst als großes Highlight in der Tracklist wirkt, bleibt letztendlich hinter den Erwartungen zurück. Der Song bietet zwar ein solides Instrumental, doch insgesamt kann Kanye nicht überzeugen und erinnert an die KI-gesteuerten Parts aus »Vultures 2«. Angesichts der Kontroversen, in die Kanye in letzter Zeit involviert war, bleibt die Zusammenarbeit zudem eine mindestens diskutierbare Entscheidung.
Im Gegensatz dazu zeigen sich die hochkarätigen Albumgäste jedoch von ihrer besseren Seite, wie etwa Lil Wayne, der gleich zweimal auf dem Album vertreten ist. Der 42-jährige knüpft an sein starkes Feature auf Tyler, The Creators »Sticky« an und liefert auf »Back on the Road« und »Saturday Mornings« zwei besonders persönliche Parts. Auch Jordan Ward trägt mit einer ruhigen, aber kraftvollen Hook auf »Don’t Walk Away« zur angenehmen Stimmung des Songs bei. Ravyn Lenae ergänzt den Track perfekt mit ihrem Part, der eine verspielte Atmosphäre schafft.

Der Beitrag Am Wendepunkt seiner Karriere: Cordae findet mit »The Crossroads« seinen Weg erschien zuerst auf Mostdope.

Mereba – Counterfeit

Der Countdown zum Jahresende läuft, und das scheint auch den Druck auf Musikschaffende zu erhöhen. Nur noch wenige Wochen bleiben, um neue Musik im Jahr 2024 zu veröffentlichen. Dies scheint auch Mereba aus dem Untergrund zu locken. Die US-Künstlerin war zwar produktiv – siehe ihre Features auf »Slow Burn«, dem Soundtrack zu Creed III, »Few Good Things«, »HYPNOS« und der »U Street Anthology« –, aber es sind mittlerweile drei Jahre vergangen, seit sie ihre Solo-EP »AZEB« herausbrachte. Umso schöner, dass sie diese Woche ihre neue Single »Counterfeit« veröffentlichte und ein neues Album für Februar 2025 ankündigt. 
»The Breeze Grew A Fire« ist nicht nur das erste Album der Künstlerin seit 2019, sondern auch ihr erstes Projekt beim Label Secretly Canadian. Mereba hat eine besondere lyrische Magie, mit der sie uns regelmäßig tief in ihre Geschichten zieht. Das neue Album »The Breeze Grew A Fire« soll am Valentinstag 2025 erscheinen, und ja, sie hat unser Herz bereits gewonnen.

Tyler, The Creator – Noid

Die Ankündigung für das neue Album »CHROMAKOPIA« (nicht zu verwechseln mit »Chrome Bull«von DUCKWRTH) gehört zu den besten musikalischen Überraschungen dieses Jahres. In typischer Tyler, The Creator-Manier bedeutet ein neues Album auch ein neues Alter Ego. Die Farbpalette ist grün und schwarz, allerdings gedämpfter und düsterer als bei brat summer.
Der sommerliche Look von »CALL ME IF YOU GET LOST« wird gegen Uniform und Maske ausgetauscht. Diese Woche, genau eine Woche vor Erscheinen des Albums, erschien die neue Single »Noid«. Der Titel steht für Paranoia – ein Gefühl, das mit wachsender internationaler Bekanntheit nicht gerade weniger wird. Die Musikindustrie braucht Künstlerinnen wie Chappell Roan, die klar anspricht, dass das Verhalten vieler Fans oft creepy ist. Sie meint dies allerdings nicht respektlos, sondern vielmehr als Selbstschutz. Wohl keine berühmte Person bleibt von diesem Gefühl unberührt. Im Musikvideo spielt Ayo Edebiri den manischen Fan. Das Lied hebt sich deutlich von früheren Projekten ab, enthält aber dennoch typische Tyler-The-Creator-Elemente. Noid ist ein starker Einstieg in die Welt von »CHROMAKOPIA«. Außerdem bricht Tyler mit den Montag-Veröffentlichungen das typische „Friday Release“ der Musikindustrie – eine Gewohnheit, über die er sich schon in Interviews aufgeregt hat.

Leikeli47 – 450

Nach fast zehn Jahren fällt die Maske – in ihrem neuen Musikvideo zu »450« sehen wir Leikeli47 endlich ohne Verhüllung. Doch fast gerät die Enthüllung angesichts des kraftvollen Songs zur Nebensache. Leikelis musikalische Entwicklung ist beeindruckend: Rap und Voguing gehen bei ihr Hand in Hand, und nicht umsonst wurde sie von Rapsody auf »Look What You’ve Done« als Future Queen bezeichnet. Ihr Stil bleibt einzigartig in der aktuellen Hip-Hop-Szene – schnelle, pulsierende Beats treffen auf klare, harte Lyrics. Von Anfang an hatte Leikeli47 ein starkes Bewusstsein für ihre eigene Identität. Es wirkte nie so, als hätte sie sich hinter der Maske versteckt, sondern eher, als wäre ihr Aussehen irrelevant. Nun ist das anders, und wir sind gespannt, was musikalisch als Nächstes kommt.

Wretch 32, Little Simz & Benjamin A.D – Black and British

Wer in den letzten Monaten einen politischen Blick auf das Vereinigte Königreich gerichtet hat, wird wissen, dass die Insel seit dem Brexit (ähnlich wie der Rest Europas) erneut einen starken Rechtsruck erlebt. Menschen, die auf offener Straße rassistische Slogans rufen und nicht-weiße Menschen angreifen – Szenen, die für die ältere Generation, wie Andrea Oliver, nur zu vertraut sind. Es ist jedoch keine nostalgische, sondern eine bedrohliche Erinnerung daran, wie schwer es nach wie vor ist, „Black & British“ zu sein. Dieses Gefühl verarbeitet Wretch 32 im gleichnamigen Song. Passenderweise hat er sich mit Little Simz und Benjamin A.D die nächste Generation an seine Seite geholt. Ein sehr wichtiger Song, den wir euch nur ans Herz legen können.

Der Beitrag Die besten Releases der Woche mit Mereba u.v.m erschien zuerst auf Mostdope.

Die Künstlerin aus North Carolina vermittelt seit ihrem ersten Projekt die Kultur hinter Hip-Hop indem sie ein Licht auf alle Probleme, Ungerechtigkeiten und Held*innen der Szene gerichtet hält. Ihr neues Album »Please Don’t Cry« (PDC) macht da keine Ausnahme. Nur ist das Licht nun endlich direkt auf sie selbst gerichtet.

Den ersten großen Bruch hat Rapsody gemacht, indem sie sich als Schwarze Frau im Rap-Geschäft von Anfang an auf ihr Talent und ihre lyrischen Fähigkeiten gestützt hat. In einer Szene in der Sex nach wie vor am meisten sellt ist das ein riskanter Move. Nicht nur weil es weniger Aufmerksamkeit bringt, sondern weil es auch der schwierigere Weg ist. Gleichzeitig hat Rapsody es aber auch geschafft, sich durch diese Haltung nicht über andere Künstlerinnen zu stellen. Vielmehr hat sie auf die Wurzel der Probleme gezeigt. Weshalb sind weibliche Künstlerinnen oft überhaupt gezwungen diesen “leichteren” Weg zu wählen?

Alle, die jetzt denken: “typische Emanzen Rapperin, die nur feministische Öko-Flunzen als Fans hat” könnten nicht weiter entfernt von der Realität sein. Auf Songs wie »The Man« hat sie 2014 schon die andere Seite beschrieben. Nämlich den extremen Stress und Druck, welchen Schwarze Männer in Amerika unterliegen. Damit schafft sie eine besondere Transparenz, alle Seiten werden beleuchtet und vor allem auch die Zusammenhänge, die wiederum alle Teil der Kultur sind. Eine Fähigkeit, die auch den verstorbenen Mac Miller (der sie mit auf Tour nahm) oder Charlamagne tha God (großer öffentlicher Fan und auch auf dem neuen Album zu hören) zu ihrem persönlichen Hype Team gemacht haben. Es sind vor allem aber genau diese Songs, auf denen sie am meisten überzeugt. Mit komplexen Reimen kann Rapsody Situationen malerisch lyrisch zum Leben erwecken.

Loved Ones

Eines was all ihre Fans wohl verbindet ist nicht nur die Liebe zu Rapsody sondern auch die Liebe zu Lyrics und die Liebe zur Hip-Hop Kultur. Umso passender, dass Rapsody ihre Fans wiederum „Loved Ones“ nennt. Ihre Fans sind auch einer der Hauptgründe, warum es die letzten fünf Jahre niemals ganz still wurde um Marlanna Evans. Sei es auf Twitter oder Instagram, die Frage, wo das neue Album bleibt, kam fast täglich. Das ging sogar so weit, dass Rapsody die lustigsten Tweets für ihr Album Rollout nutzte und auf riesige Billboards drucken ließ. Unter dem Hashtag #RapIsBack hat Rapsody damit eine der besten Werbekampagnen der letzten Jahre gehabt.

Who am I?

Fünf Jahre haben wir nun also auf das neue Album gewartet. Eine sehr lange Zeit in unserer heutigen, sehr schnelllebigen Welt. Vor allem eine lange Zeit, in der sich extrem hohe Erwartungen aufgebaut haben. Die erste offizielle Single »Asteroids« war die perfekte Eröffnung, eine klare Ansage. Rapsody ist zurück und stärker als je zuvor. Vor allem auch mental, die Zeit der Zurückhaltung ist vorbei. Sie ist hier und stellt ein für allemal klar: als Mann würde sich schon lange keiner mehr hinterfragen. Längst wäre sie schon Teil jeder G.O.A.T Debatte.

Das Album, das nun folgt, sollte der endgültige Beweis sein. Wie schon auf ihren vorherigen Projekten verfolgt sie ein bestimmtes Konzept. Anders als zuvor ist sie diesmal aber selbst das Konzept. Auf dem ersten zwei Tracks, dem Intro »She’s Expecting You« und dem ersten “richtigen“ Song »Marlanna« wird die zentrale Frage gestellt: “Who am I?“. Eine Frage, an der Rapsody die letzten fünf Jahre wohl ziemlich genagt hat. Wer bin ich, wenn der Erfolg und die äußere Maske wegfällt? Wer bin ich, wenn ich mich meinen Ängsten stelle? »Please Don’t Cry« liefert auf 22 Songs eine Antwort.

Marlanna

Die neuen Töne, die Rapsody auf diesem Album anschlägt, sind auch in der Produktion zu hören. Neben alten Vertrauten wie Producer Eric G werden Fans und Mitglieder der Bubble schnell die Klänge von BLK ODYSSY erkannt haben. Rapsody selbst war auf dessen letztem Album »DIAMONDS & FREAKS« zu hören. Die Chemie war da schon da und wurde auf PDC erwidert. An acht Tracks hat das Kollektiv mitgewirkt.

Auch wenn es wohl die Songs sind, die kommerziell am wenigsten Erfolg bringen werden, sind es aber auch die Songs, die am meisten überzeugen. Es sind die Tracks, auf denen Rapsody am meisten von vorherigen Projekten abweicht und dabei aber alles rausholt, was geht. »Look What You’ve Done« ist ein lyrischer Irrweg. Beim Hören begibt man sich wie Alice im Wunderland immer weiter den Hasenbau hinab. Im Kontrast dazu ist »DND (It’s not Personal)« die neue Hymne aller Introvertierten Menschen.

He Shot Me

Auf »He Shot Me« spinnt Rapsody dann wiederum eine Geschichte über Polizeigewalt. Sie erinnert an Breonna Taylor und die vielen Fälle, die seitdem dazugekommen sind. Im Chorus wird dann der Clou mit dem Bob Marley Sample: „I shot the Sheriff, but I did not shoot the deputy / He shot me / Nobody cares when these black bodies pile up in the street / They shot me.” Ein scheinbar ruhiger Track, der aber eine extrem große Wirkung zeigt.

Gut platziert lullen einen die BLK ODYSSY Tracks immer wieder ein: »A Ballad For Homegirls« ist genau das was wir hören wollen von Rap. Es sind die langen Monologe, die zwar ihre größte Stärke sind, aber eben auch Aufmerksamkeit verlangen. Ein Großteil der Songs sind Tracks bei denen man genau hinhören muss oder sie gehen unter. Es sind die kleinen Perlen, die Conscious Rap Fans lieben, aber von anderen auch zu viel abverlangen könnten (zur deren Verlust).

Black Popstar

Alle, die jetzt das Album aufgegeben haben, können erleichtert aufatmen. Banger sind auf PDC auch zu finden. Ganz vorne ist natürlich der von Hit-Boy produzierte Track »Asteroids«. Daneben gibt es aber noch »Diary Of A Mad Bitch« mit der Berliner Künstlerin Bibi Bourelly und »Black Popstar« mit DIXSON. Beides Tracks, auf denen Rapsody erstmal ihre range zur Schau stellt. Egal was ihr vorgelegt wird, Rapsody wird schlagfertig und leichtfüßig über den Beat tänzeln.

Unsere Kuschelrock-Fans, die dann doch lieber eng umschlungen vorm Kamin die Vinyl abspielen, können einfach alles skippen und »3:AM« genießen. Rapsody kam hier mit einer ihrer absoluten Muse Erykah Badu zusammen. Erykah wird nicht nur immer wieder als großes Vorbild in den Lyrics erwähnt, die beiden haben auch ein gemeinsames Interview vor der Albumveröffentlichung geführt.

Ooh, baby, I like it raw

Bei einem Album, das einem selber so am Herzen liegt, fällt es besonders schwer, nicht auf jeden einzelnen Song einzugehen. Einer dieser Songs ist definitiv der feuchte Traum jedes Backpack Rap Fans: »Raw«. Rapsody holt sich hier Unterstützung von Lil Wayne. Der zwar leider nur einen sehr kurzen, aber dafür auch mal wieder sehr geilen Gast Verse liefert. Was eigentlich auch schon der perfekte Übergang ist zum nächsten Thema, ganz unverblümt ausgedrückt: Sex. Aber eben auf Rapsodys Art und nicht auf die der internationalen Musikindustrie. Ob eben roh, verführerisch auf »Lonely Women« oder problematisch auf »Stand Tall«. Teil der Auseinandersetzung mit eigenen Angstzuständen und Zweifel führt früher oder später meist auch zu der Auseinandersetzung mit der eigenen Sexualität. 

Eigentlich ein befreiendes Thema. Vor allem, wie Rapsody über ihren Körper rappt, der nun mal nicht retuschiert und tight bis zum geht nicht mehr ist, “Titten die hängen wie bei Rick Ross”. Das ist er, der rohestes Rap, der immer genau trifft. Leider gar nicht ins Ziel treffen die Fragen, welchen sich Rapsody schon seit Jahren stellen muss. Fragen, die sie im Intro zu »Stand Tall« anspricht: „So, speaking of authenticity. Are you into guys? Are you into girls? Are you into..?“ und die sie anschließend am besten selbst beantwortet.

Judgment’s on me, they wondering if I’m a “Eat the coochie” fan / All because I choose to style in sneakers and some baggy pants / Used to make me aggy, wanna black out like the Aggie fans / I suffer from anxiety / Doctors probably tired of me / Tryna meditate to calm my heart, racing like a ambulance / So I ain’t got no answers, you can beliеve what you choose / I’m tryna focus on sleeping at night without waking up panicking

Rapsody – Stand Tall

Please Don’t Cry

Wenn man sich die Zeit nimmt, die dieses Album und Rapsody mehr als verdient haben und sich »Please Don’t Cry« aufmerksam und in Ruhe anhört, versteht man ein wenig mehr, wer Rapsody ist. Hinter der sehr professionellen Maske steckt eine unglaublich starke Frau, die nach dieser Offenbarung noch mehr Respekt verdient hat als sie vorher eh schon von uns bekommen hatte.

Es ist ein Album, bei dem man enthusiastisch mit dem Kopf zum Beat nickt, der Gang etwas stolzer und gerader wird und man zwischen Pippi in den Augen und großem Grinsen auf den Lippen. Es ist ein Album das man als Fan schon jetzt als Anwärter auf eines der besten Alben des Jahres sieht. Alle nicht-Fans sollten mindestens von Rapsodys lyrischer Überlegenheit überzeugt sein. Vor allem ist es aber ein Album, das auch die eigenen inneren Dämonen anspricht, die täglich an uns nagen. Wir alle sollten uns idealerweise nach dem Album mit diesen Fragen beschäftigen. Wenn wir danach nur halb so stark hervorgehen wie Rapsody, dann sind wir alle um einiges gewachsen.

Who are you? Who are you in your rarest state? Who are you when you are joyful? When you are upset? When you’re frustrated? What makes you sad? Why do you cry? Oh but please don’t cry. But if you do, laugh til you cry. Yeah, do that. Always look to the light. May it be so bright Be, become, please except who you are. Because you, you are beautiful.

Phylicia Rashad – Please Don’t Cry Interlude

Der Beitrag Rap is back – Rapsody veröffentlicht ihr neues Album »Please Don’t Cry« erschien zuerst auf Mostdope.

Wackeliger Einstieg

Dabei stand der Anfang unter keinem guten Stern. Bei unserer Ankunft in Huxleys Neue Welt gab es trotz später Stunde im Gegensatz zu anderen Konzerten noch keine kilometerlange Schlange. In der Halle angekommen, fiel uns auf, dass es keinen Merch-Stand gab und auch keine aufwendige Bühnendeko vorhanden war. Es wirkte alles etwas spärlich. Als dann der DJ für den Pre-Act auf die Bühne kam und ganze 30 Minuten lang versuchte, den Sound in den Griff zu bekommen, konnte man neben amüsierten Blicken auch einige zweifelnde Blicke im Publikum sehen. Besonders, wenn man bedenkt, dass bei einigen Tourdaten EARTHGANG als Vorband auftraten. Der Sound wurde nur minimal besser, als schließlich der Support-Act Boondawg die Bühne betrat. An dieser Stelle können wir diesem nur Respekt zollen. Trotz der technischen Schwierigkeiten hat Boondawg wie ein absoluter Profi performt und bereits im Vorfeld für den ein oder anderen Moshpit gesorgt. Jeglicher Zweifel verflog, als J.I.D nach einer extrem kurzen Pause auf die Bühne kam.

Es gibt nur wenige Künstler*innen, die ein derartiges Charisma besitzen und den Raum derartig für sich einnehmen können. Man kennt es zwar bereits aus Interviews mit ihm, aber Jidda wirkte absolut down to earth. Gekonnt wechselte er zwischen lustigen Anekdoten und ernsteren Themen. Gemeinsam mit seinem langjährigen DJ und Produzenten Christo verzauberte er den Raum komplett. Unabhängig vom Geschlecht hing das Publikum bei jedem seiner Worte an seinen Lippen. Als dann als erster Song »Never« gespielt wurde, brach die Menge komplett aus. Die Luft war bis zum Schluss mit positiver Energie geladen.

»The Forever Story« führt wie ein roter Faden durch die Performance

Emotionale Höhepunkte waren definitiv die Performance der Songs »Bruddanem« und »Kody Blu 31«. Spätestens als Christo dann die ersten Töne von »Sistanem« anspielte und Jidd über die Bedeutung des Songs sprach, mussten auch die toughesten in der Crowd unauffällig die immer feuchter werdenden Augen abwischen. 

Als Abschluss spielte J.I.D die Songs »Wells Fargo (Interlude)« und »Cost Rica«. Neben »Stick« waren dies die Songs, bei denen man das Gefühl hatte, der Boden der Halle könnte jeden Moment einstürzen. Doch auch hier sorgte J.I.D dafür, dass alle aufeinander Acht gaben und niemand verletzt wird. Nachdem das Konzert vorbei war, nahm sich J.I.D trotz mehrfacher Versuche der Halle, das Konzert zu beenden, noch Zeit für Fotos und Autogramme. Ursprünglich sollte Christo lediglich im Hintergrund Musik spielen. Doch als sich beide für den neuen Track »Danger (Spider)« entschieden, kam es zu einer spontanen Performance, bei der alle in der Crowd wieder zu hundert Prozent eingestiegen sind.

Das Konzert war trotz des holprigen Starts ein absoluter Erfolg. J.I.D hat die perfekte Balance zwischen neuen und alten Songs, zwischen absoluten Abriss-Bangern und gefühlvoll-souligen Stücken gefunden. Hinzu kommt das wahnsinnige Charisma des Dreamville-Künstlers. Es gab absolut niemanden im Huxleys, der das Konzert nicht mit einem breiten Grinsen verlassen hat.

Für alle, die J.I.D in Köln, Hamburg und Berlin verpasst haben, empfehlen wir dringend, sich schnell noch Tickets für kommende Shows zu sichern. Am 24. Juli findet das letzte Deutschland-Konzert in Frankfurt statt, danach folgen weitere Shows in Europa, Asien sowie Neuseeland/Australien. Es ist ein absolutes Muss für alle Fans und diejenigen, die es noch werden wollen.

Der Beitrag Forever & A Day mit J.I.D in Berlin | Konzertbericht erschien zuerst auf Mostdope.

Wir waren bei Kendrick Lamars The Big Steppers Tour 2022 in der Barclays Arena in Hamburg dabei und können für euch fleißig berichten.

Opening Act

Die Nachwuchstalente von pgLang waren der perfekte Einstieg für den Abend. Wenn das Publikum bei Tanna Leone noch etwas zaghafter war, hat Baby Keem durch sein extrem erfolgreiches Debütalbum »The Melodic Blue« bereits eine größere Fangemeinde. Als beide Künstler dann für ihre jeweilige Features während der Mainshow wieder auf die Bühne gekommen sind, ist das Publikum dementsprechend ausgerastet. Gerade dafür, dass beide noch sehr jung sind und es kein einfacher Job ist das Publikum einzuheizen während das Stadion sich füllt, ziehen wir respektvoll den Hut vor den beiden.

Mainshow

Nun zu Kendrick Lamar selber: wer bereits auf der Damn Tour 2018 war weiß, dass Kendrick ein unglaubliches Repertoire an Hit-Songs hat und auch eine gute Show abliefern kann. Dennoch war er in der Vergangenheit wesentlich distanzierter zum Publikum und insgesamt zurückhaltender in seiner Art zu performen. Während der aktuellen Tour sucht er alleine durch das Bühnendesign eine deutlichere Nähe als zuvor. Die Show wird nicht mehr nur auf die Bühne begrenzt, sondern durch einen langen Steg ins Publikum hinein erweitert. So bekommen alle die Chance Kendrick mal aus direkter Nähe anzuhimmeln. Auch gab es durch die große Gruppe von Backup Tänzer*innen und deren Choreo ein ganz neues Showerlebnis. Im Zusammenspiel mit den wechselnden Bühnen Props und den Schattenprojektionen hatte man als Zuschauer*in das Gefühl, dass sich hier deutlich mehr Gedanken gemacht wurde und wir es mit einem ganz neuen Kendrick Lamar zu tun hatten.

Highlight war neben den neuen Songs aber auch, dass Kendrick passend zum Jubiläum seines Albums »Good Kid, M.A.A.D City« Songs wie »m.A.A.d city«, »Swimming Pools (Drank)«, »Money Trees« und »Bitch Don’t Kill My Vibe« gespielt hat (»Good Kid, M.A.A.D City« im Album Spotlight).

Ein weiterer Höhepunkt war aber auch das »Alright« zur Corona-Survival-Hymne umfunktioniert wurde. Es gibt aber auch einfach nichts schöneres wenn die ganze Arena mit Kendrick Lamar während »Rich Spirit« laut: „Bitch I’m attractive“ singt. Danach war das Selbstwertgefühl bei allen wieder oben. Beendet wurde das Konzert in Hamburg dann passend mit extrem viel künstlichem Nebel und einem Medley aus den Songs »Crown« und »Mirror«. Kendrick Lamar saß dabei am Piano und seine Worte „I can’t please everybody“ und „I choose me, I’m sorry“ bleiben uns noch lange nach dem Konzert im Kopf. 

ABSCHLIEßEND

Alles in allem ist die The Big Steppers Tour 2022 ein Konzerterlebnis, das einen auch noch Wochen danach begleitet. Weltweit sind Fans und Kritiker*innen zurecht beeindruckt. Wer bisher noch nicht das Vergnügen hatte sollte alles in Bewegung setzen und noch Tickets für die letzten Shows in Deutschland besorgen. Allen anderen raten wir sich wenigstens Kendrick Lamar Live: The Big Steppers Tour auf Amazon anzugucken. 

Live-Termine

„The Big Steppers“-Tour 2022

11.10.2022 – Berlin, Mercedes-Benz Arena
13.10.2022 – Hamburg, Barclays Arena
24.10.2022 – Stuttgart, Schleyerhalle
30.10.2022 – Köln, Lanxess Arena
31.10.2022 – Frankfurt, Festhalle

Der Beitrag Kendrick Lamar The Big Steppers Tour 2022 Recap erschien zuerst auf Mostdope.

Auf den 26 Minuten Spielzeit zeigt Domo Genesis, wofür ihn seine Fans seit nun mehr als einer Dekade lieben: Lyrische Finesse gepaart mit durchgehend realer Delivery. Thematisch kämpft er sich durch seine privaten Struggles. So beschäftigt er sich beispielsweise auf »Skeletons« mit den Skeletten in seinem Schrank, was man wohl frei übersetzt als Leichen im Keller lesen könnte. Eines der Highlights des Projekts ist »Running, Running«, bei welchem Domo auf einem ¾ Takt über das Leben an sich philosophiert

Feature Gäste auf der Platte sind Griselda-Rapper Boldy James, der Skateboarder Navy Blue, Worlds Fair-Mitglied Remy Banks und auch Evidence – der das komplette Album produziert hat – steuert auf »Victories & Losses« einen Rap-Part bei und zeigt, dass er nicht nur an den Reglern seine Talente hat.

Jede der 11 samplebasierten Produktionen von Evidence klingt warm und entspannt. Ohne altbacken zu klingen, vermitteln die Songs einen echten Retro-Vibe. Vor allem der Opener »Don’t Believe Half«, bei dem noch das Knistern der gesampleten Platte zu hören ist, schafft dies sehr gut.

Alles in allem ist »Intros, Outros & Interludes« ein gelungenes Projekt, welches die Synergie von »Arent U Glad Youre U« erneut aufgreift und noch erweitert. Evidence und Domo Genesis passen schlichtweg perfekt zusammen und lassen auf weitere gemeinsame Releases hoffen.

Der Beitrag Domo Genesis und Evidence bringen den Sommer in L.A. auf neuem Album auf Temperatur erschien zuerst auf Mostdope.