Einige Hip-Hop-Alben sind mehr als nur Musik. Sie sind akustische Kinofilme, die ganze Welten erschaffen, Geschichten aufbauen und ihre Hörer*innen in hollywoodreife Szenarien katapultieren. Während manche Platten sich anfühlen wie düstere Noir-Thriller, entfalten andere die Melancholie von Arthouse-Filmen oder die Wucht actiongeladener Blockbuster.

Ein Beispiel dafür sind die Alben des Hamburgers Ahzumjot: Schon mit seinem letzten Album »WINTER TAT WEH« zeigte er, wie Konzept, Musik und visuelles Storytelling verschmelzen können. Passend zum Album inszenierte er kurze, atmosphärische Filmsequenzen, welche die Songs in bewegten Bildern einrahmten. Nun setzt er diese Vision fort: Sein letzte Woche erschienenes Album »FRANCIS« – der zweite Teil einer geplanten kinematischen Album-Trilogie – wird bereits von drei rätselhaften „Akten“ auf YouTube begleitet. Diese Mini-Epen erzählen eine kurze, aber tragische Geschichte und machen gespannt auf die Platte. 

Solche Verbindungen von Konzept, Sound, Atmosphäre und Storytelling waren auch in der Hip-Hop-Geschichte sehr wichtig, denn sie machen einige der bedeutendsten Hip-Hop-Alben zu hörbaren Filmen:

Wu-Tang Clan – »Enter the Wu-Tang (36 Chambers)«: Ein Kung-Fu-Film als Rap-Album

Das Debütalbum »Enter the Wu-Tang (36 Chambers)«, des Wu-Tang Clan ist ein Meisterwerk, das den Hörer*innen die rauen Straßen von New York vor Augen führt. Der Titel selbst ist eine Anspielung auf den Martial-Arts-Klassiker »The 36th Chamber of Shaolin« aus dem Jahr 1978. Und genauso wie die Kampffilme der 70er Jahre fühlt sich das Album auch an: dreckig, roh und voller verrückter Wendungen. Die musikalische Cineastik des Albums zeigt sich besonders in der Verwendung von Samples aus Kung-Fu-Filmen. Diese Samples fungieren wie Szenenübergänge in einem Film und verstärken das Gefühl, eher einen Film als ein Album zu erleben.

Die MCs des Clans verkörpern dabei jeweils verschiedene Charaktere, jeder mit seinem eigenen Stil und seiner eigenen Philosophie – ähnlich wie die Kämpfer in Kung-Fu-Filmen. RZAs Produktionen schaffen eine düstere Atmosphäre, die an die engen Gassen und verfallenen Gebäude erinnert, in welchen die Geschichten spielen. Die knisternden Soul-Samples und staubtrockenen Drums erschaffen mit den filmischen Kung-Fu-Bites eine ganz eigene Welt. Tracks wie »C.R.E.A.M.« und »Protect Ya Neck« wirken wie Szenen eines urbanen Kung-Fu-Films, in denen die Protagonisten um Überleben und Erfolg kämpfen.

Das Album erzählt keine lineare Geschichte, sondern präsentiert eine Reihe von Szenen, die zusammen ein umfassendes Bild des Lebens Staten Island zeichnen. »36 Chambers« ist wie ein Indie-Film, der durch seine Rohheit und Energie besticht – fast wie ein Tarantino-Streifen.

Tua – »Grau«: Arthouse-Deutschrap

Tuas lässt uns auf »Grau« in eine neblige, melancholische Welt eintauchen. Es ist kein gewöhnliches Deutschrap-Album, sondern vielmehr ein arthousiger, vertonter Mindfuck-Film. Die Platte schafft es durch abwechslungsreiche Klanglandschaften und tiefgründige Texte, eindrucksvolle Bilder und zu transportieren. Das Album ist gehüllt in eine dichte, fast greifbare Atmosphäre, sodass sich jeder Song anfühlt wie eine Szene aus einem düsteren Arthouse-Film. Es geht um Depression, Selbstzweifel, Sucht und Identität – und das in einer Soundlandschaft, die zwischen verschiedensten Genres hin und her schwankt.

Gleich auf dem Opener »Es regnet« nimmt Tua den Hörer mit in eine dunkle, versmogte Seitengasse, in der es keinen Funken Optimismus gibt. Tracks wie »Für immer« wirken wie ergreifende Monologe eines Protagonisten, der mit inneren Dämonen und existenziellen Fragen ringt. Die musikalischen Arrangements sind unvorhersehbar und beklemmend, was ein Gefühl erzeugt, als würde man ein David-Lynch-Werk sehen. »Grau« ist wie ein poetischer, innerer Film. Es ist ein Soundexperiment, das sich anfühlt wie ein surreales Drama über das innere Chaos – der „Arthouse Movie“ unter den Deutschrap-Alben.

Kendrick Lamar – »good kid, m.A.A.d city«: Hollywood reifes Storytelling

Kendrick Lamars »good kid, m.A.A.d city« ist ein Paradebeispiel für ein cineastisches Hip-Hop-Album und wurde sogar als „Shortfilm by Kendrick“ vermarktet. Es erzählt die Geschichte eines jungen Kendrick, der in den Straßen von Compton aufwächst, und präsentiert diese mit einer Detailliertheit, die jedes Setting verbildlicht. Jeder Song fungiert wie eine Szene, die die Geschichte vorantreibt. Interludes und Skits in Form von Voicemails und Gesprächen dienen als Übergänge und geben zusätzlichen Kontext, ähnlich wie Zwischensequenzen in einem Film.

Tracks wie »The Art of Peer Pressure« und »m.A.A.d city« wirken wie Action-Thriller-Szenen, die den Hörer mitten ins Geschehen werfen. »Sing About Me, I’m Dying of Thirst« ist einer dieser Momente, in denen der Film zum Drama wird. »good kid, m.A.A.d city« ist ein akustischer Film, der die Grenzen zwischen Musik und Storytelling verwischt. Kendrick Lamar beweist hier sein Talent als Regisseur seiner eigenen Geschichte, die er mit einer Eindringlichkeit erzählt, die man sonst nur aus Filmen wie Boyz n the Hood (1991) oder Menace II Society (1993) kennt. Passend zum Album ist auch ein 15-Minütiger Kurzfilm erschienen, welcher den Alltag Compton porträtiert.

OG Keemo – »Mann Beisst Hund«: Ein düsterer Noir-Thriller

Ein Konzeptalbum, das durch seine Erzählstruktur und atmosphärische Dichte besticht, ist OG Keemos und Funkvater Franks »Mann Beisst Hund«. Auch wenn es laut den beiden eher ein Zufall ist, teilt sich die Platte ihren Namen mit dem belgischen Kultfilm »Man Bites Dog«. In diesem geht es um einen Serienmörder – und genauso unbarmherzig und schonungslos ist auch dieses Album. Die filmische Qualität des Albums zeigt sich in den sorgfältig erzählten Geschichten. Jeder Track fungiert wie eine Szene aus einem düsteren Gangsterdrama, ähnlich wie New Jack City. Keemos detaillierte und bildhafte Texte lassen die Umgebung und die Ereignisse vor dem inneren Auge des Hörers lebendig werden. Er rappt mit einer Wucht, als würde er einen Monolog in einer finsteren HBO-Serie halten.

Auf »Anfang« werden die wichtigsten Charaktere in die Story eingeführt, um dann im weiteren Verlauf ihre Rolle einzunehmen. Die Schlüsselszene des Albums ist allerdings der Track »Vögel«, auf welchem Keemo als einer der Protagonisten seine Lebensgeschichte in etwa sechs Minuten presst. Wie viel davon wirklich autobiografisch ist, bleibt offen. Funkvater Frank liefert den perfekten Soundtrack: düstere Samples, treibende Drums, die wie der Puls eines nervösen Protagonisten klingen. Der bedrückende und wummernde Sound der Platte unterstützt die filmische Qualität, indem sie eine dichte, oft bedrohliche Atmosphäre schafft. »Mann Beisst Hund« wirkt wie ein akustischer Neo-Noir-Thriller, der die Grenzen zwischen Musik und Storytelling verwischt und an Klassiker wie La Haine erinnert.

Childish Gambino – »Because the Internet«: Ein multi-mediales Kunstwerk

Über die Grenzen der Musik ging Childish Gambino mit dem Release von »Because the Internet«. Es ist ein multimediales Konzeptalbum, das Musik, Film und Text vermischt. – und so ein ganz eigenes Universum bietet. Er veröffentlichte das Album gemeinsam mit einem auf die Platte abgestimmten 72-seitigen Drehbuch. Zusätzlich hat Glover passende Kurzfilme produziert. Die Tracks erzählen eine Geschichte, welche sich allerdings nicht sofort erschließt. Aber genau das macht sie so interessant.

So wirkt der Song »Sweatpants« wie eine selbstironische Szene in einem Coming-of-Age-Film, während »3005« die existenziellen Ängste eines Protagonisten einfängt, der nicht weiß, wo er hingehört. Die Produktion ist futuristisch, verzerrt, surreal, manchmal poppig, als würde man durch verschiedene Zeitebenen eines Films springen. Die verschiedenen Elemente des Projekts – Musik, Skript, Videos – sind wie Puzzleteile, die zusammen ein umfassendes Bild ergeben. »Because the Internet« ist ein Werk, das die Möglichkeiten des digitalen Zeitalters voll ausschöpft.

Apsilon – »Haut wie Pelz«: Ein sozialkritischer Dokumentarfilm

»Haut wie Pelz«, das Debütalbum von Apsilon, ist ein eindrucksvolles Werk, welches besonders durch seinen Tiefgang hervorsticht. Auf den 37 Minuten Spielzeit zeichnet er ein detailliertes Bild vom Leben als Gastarbeiterkind im Berliner Stadtteil Moabit. Apsilon macht auf »Haut wie Pelz« also keine Witze. Das Album ist ein Blick in die harte Realität vieler Menschen, die sonst in der Gesellschaft übersehen werden.

Es geht um Migration, Identität und Klassismus. Apsilon erzählt seine Geschichten aber nicht mit Pathos oder erhobenem Zeigefinger, sondern mit der Dringlichkeit eines investigativen Dokumentarfilms. Und wie es sich für einen guten Film gehört, gab es sogar zum Release eine Kino-Tour. »Haut wie Pelz« ist nicht nur ein Album. Es ist eine akustische Dokumentation, die das moderne urbane Leben einfängt. Es fordert den Hörer heraus und regt Nachdenken an – ganz so wie eine Arte-Dokumentation über die Straßen Moabits.

Diese Alben beweisen, dass Hip-Hop weit über Musik hinausgeht und ein Medium für ergreifende Geschichten, visuelle Erlebnisse und tiefe Emotionen ist. Wie in einem guten Film ziehen die Protagonist*innen die Hörer*innen in ihre Welt, fesseln sie mit ausgefeilter Dramaturgie und lassen Bilder entstehen, die noch lange nachwirken. Ob düsterer Noir-Thriller, introspektives Arthouse-Drama oder sozialkritische Dokumentation – Hip-Hop kann all diese Facetten abdecken.

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30 Jahre Hip-Hop Geschichte: Hieroglyphics kommen für ihre Jubiläumstour nach Deutschland

Es ist kaum zu glauben, dass es bereits 30 Jahre her ist, dass die Rap-Gruppe aus Cali, ihr Debütalbum »93 ’til Infinity« veröffentlichte. Inmitten der Blütezeit der Golden Era des Hip-Hop schufen sie einen zeitlosen Soundtrack für Hip-Hop Fans weltweit. Zeitgleich im selben Jahr erschienen nicht weniger wichtige Alben, die alle bis heute als Messlatte für das Genre gelten.

Rückblick auf 1993: Um nur ein paar der wichtigsten Alben aus dem Jahr zu nennen: 2Pac’s »Strictly For My N.I.G.G.A.Z.«, Onyx’s »Bacdafucup,« Snoop Doggy Dogg’s »Doggystyle« und ebenfalls von der Westküste Wu-Tang Clan’s »Enter the Wu-Tang (36 Chambers)« – eine Sammlung von Klassikern, die ihresgleichen sucht.

Zur Feier ihres 30-jährigen Jubiläums begeben sich die Souls of Mischief, als Teil des Hieroglyphics-Kollektivs auf gemeinsame Tour und sind dabei erstmals – und möglicherweise auch einmalig – auf deutschen Bühnen unterwegs.

Del The Funky Homosapien

Del The Funky Homosapien, der Gründer von Hieroglyphics, ist dem einem oder anderen vielleicht noch als Rapper auf dem Debütalbum von Gorillaz bekannt.

I ain’t happy, I’m feeling glad
I got sunshine in a bag
I’m useless, but not for long
The future is coming on
It’s coming on, it’s coming on

Gorillaz – Clint Eastwood (feat. Del the Funky Homosapien)

Souls Of Mischief

Neben Del ist auch die Hip-Hop-Gruppe Souls Of Mischief – bestehend aus den Mitgliedern Phesto, A-Plus, Opio und Tajai – Teil der Hieroglyphics. Sie sind vor allem für ihren Alltime Classic »93 ‘Til Infinity« bekannt.

Gewinne Tickets für Hieroglyphics

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Tourdaten:

04.06.2024: Köln, Essigfabrik
06.06.2024: Hamburg, Docks
07.06.2024: Berlin, Metropol
08.06.2024: München, Technikum
09.06.2024: Heidelberg, Halle02

Tickets gibt es unter diesem Link zu bestellen.

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Von Cheriimoya’s und Sierra Kidd’s beunruhigenden Blick hinter die düsteren Vorhänge des Alltags, über OG Keemo’s durchdringende und ungeschminkte Botschaft, bis hin zu Lance Butters‘ introspektiver Auseinandersetzung mit den persönlichen Geister, die uns nachts heimsuchen – diese Tracks bieten eine Vielzahl von Sounds und Geschichten, die perfekt zur Halloween-Stimmung passen.

15. Eminem & Rihanna – The Monster

“Was macht dieser Song in der Liste? Euer Ernst?” fragt ihr euch zurecht, doch Rihannas Refrain auf ihrem gemeinsamen Song mit Eminem ist perfekt für Halloween, auch wenn er vielleicht nicht von typischen Halloween-Monstern handelt:

I’m friends with the monster that’s under my bed/ Get along with the voices inside of my head/ You’re tryin’ to save me, stop holding your breath/ And you think I’m crazy, yeah, you think I’m crazy.

Es geht weniger um gruselige Kreaturen und mehr um die inneren Dämonen, mit denen Eminem jahrelang gekämpft hat. Das Monster symbolisiert seine Sucht, ein persönlicher Kampf, den er zu meistern versucht. In Wirklichkeit sind diese realen Ängste in unseren Köpfen wahrscheinlich sogar eine Spur beängstigender als die, die wir aus Horrorfilmen kennen. Der Song offenbart, wie tief und persönlich solche Kämpfe sind und erinnert uns daran, dass die wahren Schrecken in den täglichen Herausforderungen liegen, denen wir uns stellen.

14. Cheriimoya & Sierra Kidd – Living Life, In The Night

Weiter geht es mit dem nächsten Duo: Sierra Kidd, Pain oder einfach nur Kidd (Moment, zählt jemand mit?) und vielleicht bald mit genauso vielen Namenswechseln wie P. Diddy, hat es geschafft, mit seinem Song »Living Life, In The Night« gemeinsam mit Cheriimoya einen internationalen Hit zu landen. Und obwohl sein Englisch sich anhört, als hätte er einen Crashkurs an der VHS absolviert, hat er mit dem Track einen absoluten Hit gelandet. Der Beweis? Beeindruckende 352 Millionen Streams auf Spotify und ein enormer Hype auf TikTok.

Doch was macht den Song so besonders für Halloween? Anstatt von Geistern, Hexen oder Monstern zu handeln, spricht er über die dunklen und beunruhigenden Aspekte des menschlichen Lebens. Die wiederholten Zeilen “I’ve been awake for days, so we out livin’ life in the night” und “Pray to God, man, I hope I don’t die in the night” vermitteln eine bedrückende und unheimliche Stimmung. Genau das, was Halloween ausmacht: Es geht nicht nur um Gruselgeschichten, sondern auch darum, sich seinen Ängsten und Herausforderungen zu stellen – und dieser Song trifft genau diesen Nerv.

13. DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince – A Nightmare On My Street

Now, this is a story all about how/
My life got flipped-turned upside down

The Fresh Prince of Bel-Air

Wir blicken einmal rüber über den Ozean und ja das Zitat stammt aus dem falschen Song, aber an der Stelle halt komplett passend, denn mit »A Nightmare On My Street« wurde Will Smiths und DJ Jazzy Jeffs Leben mehr als nur auf den Kopf gestellt wurde. Das Duo schrieb den unbestreitbar eingängigen Track für den vierten Freddy Kruger-Film, nur um dann festzustellen, dass die Produzenten sich weigerten, das komplett abgedrehte Musikvideo rauszubringen und in den Giftschrank verbannten. Daraufhin verklagte New Line Cinema das Duo. Dennoch, obwohl der Song nie denselben Erfolg wie »Summertime« oder »Parents Just Don’t Understand« hatte, erblickte das Video nach einigen Jahren das Licht der Welt. Es war nicht das Ende, das viele erwartet hatten, aber immerhin ein positives. Einen Halloween-Track von Will Smith hätte ja to be honest nun auch niemand erwartet.

12. MC Hammer – Addams Groove

Und wes wird noch eine Spur skurriler. Im Herbst 1991 war die Horror-Komödie Die Addams Family einer der größten Filme des Jahres, und ihr Titelsong»Addams Groove« sagt vielleicht den meisten vom Namen her nicht mehr sofort etwas. Und praktisch noch mehr in Vergessenheit geraten ist, dass der fast schon absurd eingängige Song von MC Hammer höchstpersönlich stammt – ganz genau, der “Hammer Time!” MC Hammer. Der Song erreichte in den USA die Top Ten und erschien auf Hammers Album »Too Legit To Quit«, dem Nachfolger von seinem 90s Classic Album »Please Hammer Don’t Hurt ‘Em«.

Als Bonus gab es on top das dazugehörige Musikvideo, das im Grunde genommen eher ein kompletter Kurzfilm ist und in dem der gesamte Cast vom Film kurze Gastparty hat, inkl. der Original Wednesday Darstellerin Christina Ricci. Netflix-Gucker wissen bescheid.

11. KitschKrieg, Trettmann & Alli Neumann – Keine Angst

Wie zuvor schon Rihanna besingen in »Keine Angst« Trettmann & Alli Neumann das Monster unter dem Bett. Gemeinsam mit KitschKrieg führen sie uns ins Schlafzimmer, wo anstelle von Geborgenheit die Angst vor dem Unbekannten lauert, die wir noch alle aus Kindheitstagen kennen.

Der knüpft Song musikalisch und inhaltlich an »Zeit steht« aus Trettmanns 2019er Album an und präsentiert das Monster nicht als Bedrohung, sondern als ständigen Begleiter durch die Höhen und Tiefen des Lebens.

 Zeilen wie “Ich hab keine Angst vor dem Monster unter meinem Bett, Denn in all den Jahr’n war es immer, immer da” verdeutlichen, dass die wahren Monster nicht immer so furchteinflößend sind, wie sie erscheinen, und in Wirklichkeit ein integraler Teil unseres Selbst sein können.

10. ROSALÍA & Rauw Alejandro – VAMPIROS

Einer der besten Halloween-Tracks auf Spanisch ist »Vampiros« von ROSALÍA und Rauw Alejandro. Nur ein Jahr nach der Veröffentlichung von Rosalías genialem Album »MOTOMAMI« gab es eine weitere gute Nachricht für Fans: Die Verlobung mit ihrem langjährigem Partner Rauw Alejandro, der selbst erfolgreich in der Musikbranche ist. Als Krönung dieser besonderen Phase in ihrem Leben brachten die beiden eine gemeinsame EP namens »RR« heraus, die drei Songs enthält. Das Highlight darunter ist »Vampiros«, ein Liebeslied gespickt mit mystischen Elementen und großartigem Musikvideo. »Only Lovers Left Alive« trifft auf Latin Trap und 2000er Style – einfach gruselig gut!

9. Haiyti – Ghostmane

»Ghostmane« von Haiyti ist ein dunkles Juwel aus ihrem fünften Soloalbum »Influencer«. Die self-proclaimed Gangsta-Rapperin aka. Robbery oder auch manchmal auf einfach ganz bescheiden nur Trap-Queen entführt uns in eine schattenhafte Welt voller Geister und urbanem Größenwahn.

Küstennebel in mei’m Red Cup/
Eine Geisterstadt mein Set-Up/
Und aus Kilos werden Zentner/
Ich seh’ überall Gespenster.

Gewohnt avantgardistisch schwebt Haiyti zwischen den dunklen Gassen des Undergrounds und dem grellen Scheinwerferlicht. Das Übernatürliche wird verwoben mit dem Realen, und das Protzige mit dem noch Protzigeren. Das Wort “Understatement” scheint ihr fremd zu sein.

8. Stockmann & Psassa – Dämonen

Die Szene ist ständig im Wandel und bringt immer wieder neue Genres und Subgenres hervor, aber wenige passen so gut in die düstere Jahreszeit wie Darkwave oder Synthwave. In diesem Zusammenhang sollte Stockmann nicht übersehen werden.

Kenner wissen natürlich bereits, dass sich hinter dem Namen das ODMGDIA Mitglied fka. Dollar John verbirgt. Mit dem Namenswechsel kam auch eine Neuausrichtung seines musikalischen Stils. Man könnte es sich als eine modernisierte Version von Falco vorstellen – bisschen mehr Rap und ohne Wiener Schmäh. 

Zusammen mit PSASSA nimmt er uns in »Dämonen« mit auf eine Reise durch finstere Gassen. Und obwohl der Song eigentlich um Weihnachten letzten Jahres herauskam, passt er vom Feeling her deutlich besser in die Halloween-Zeit.

7. Madvillain – Supervillain Theme

Von einem der ikonischsten Duos im Hip-Hop, MF DOOM und Madlib, stammt »Supervillain Theme«, ein Track, der sich perfekt in die dunkle und geheimnisvolle Halloween-Stimmung einfügt. Dieses rein instrumentale Stück klingt, als wäre es direkt aus einem alten Gruselfilm entnommen, in dem der Bösewicht im Schatten lauert, bereit zuzuschlagen. Madlib’s Produktionsgenie sorgt für eine treibende, fast hektische Stimmung, unterstützt von den Klavierklängen und dem bedrohlichen Bassriff. Es mag keinen Text geben, aber die Musik spricht für sich, sie weckt ein Gefühl von Unbehagen und Spannung. Mit seinem kriminell genialen Klang und Anspielungen auf klassische Schurken, ist »Supervillain Theme« ein Muss für jede Halloween-Playlist und zeigt einmal mehr, wie Madvillain’s »Madvillainy« das Hip-Hop-Genre neu definierte. Ein düsteres Meisterwerk, das sicherlich Gänsehaut verursacht.

Cold gettin’ dumb Yeah

der komplette Text von Supervillain Theme

6. OG Keemo – 216

Es wäre zu einfach, sich für Songs mit Namen wie »Geist« oder »Sandmann« für unseren Halloween Soundtrack zu entscheiden. Doch mit »216« haben OG Keemo und Funkvater Frank einen Track geschaffen, der – abgesehen vom Titel – in puncto Sound und Botschaft perfekt zur dunklen Jahreszeit passt.

»216« ist ein Aufruf gegen die Obrigkeit und eine Botschaft an jene, die die gleiche Hautfarbe wie Keemo teilen und sich dennoch anpassen und unterordnen und so zum Problem werden.

 OG Keemo bleibt stolz und standhaft, selbst wenn er im Musikvideo zu seinem eigenen Henker geführt wird. Eindringlich und direkt starrt er in die Kamera. Sein durchdringender Blick, begleitet von dem E-Piano, das auf einem Ton verharrt, bevor die Schlinge sich zuzieht, schafft eine erdrückende Atmosphäre. Funkvater Franks Beat erinnert an beklemmende Szenen aus einem Horrorfilm. Die klare und direkte Botschaft ist unverkennbar: OG Keemo lässt sich nicht fesseln, außer man legt ihm Ketten an.

Es ist ein Song, der nicht nur durch seine Botschaft, sondern auch durch seine musikalische Gestaltung heraussticht und sich hervorragend in die dunkle Stimmung von Halloween einfügt.

5. DISSY & Luvre47 – lauf!

Knapp 2,5 Jahre ist es her seit DISSY und Luvre47 mit »lauf!« die bockstarke Single aus »bugtape side b« gedroppt haben. Der Track thematisiert das Erkennen eigener Dämonen und innerer Kämpfe, während er Raum für die Selbstfindung in einer potenziell toxischen Umgebung schafft.

Die Hook “wenn du nicht hier sein willst, dann lauf” wird zu einem mächtigen Mantra, das den Wunsch nach Freiheit und Selbstbestimmung unterstreicht. Durch Zeilen wie “du wolltest dass ich bleib’ so wie du mich kennst” und “vergebe mir nur, dass ich leben will” vermittelt DISSY die Spannungen in Beziehungen, wenn die Partner immer weiter voneinander abdriften und neue Wege gehen.

Die düstere Atmosphäre des Songs wird durch den Beat und besonders durch das von DISSY selbst inszenierte Musikvideo verstärkt. Für die perfekte Halloween-Stimmung empfiehlt sich auch DISSYs kürzlich veröffentlichte Single »Schatten Oo«. Darüber hinaus können wir uns auf DISSYs kommendes Album »Schattentape« freuen, das am 9. Februar 2024 veröffentlicht wird.

4. Tyler, the Creator – Transylvania

Das Debütalbum »Goblin« von Tyler, the Creator, oft unterschätzt, ist mehr als ein billiges Horrorcore-Album mit Schockwert. Es gibt einen intensiven Einblick in jugendliche Depressionen, dargestellt von einem 19-jährigen aufstrebenden Künstler – rebellisch, kontrovers, aber unverkennbar talentiert. Aber wir sind nicht hier, um über das ganze Album zu sprechen, sondern um den nächsten Eintrag in unserer Liste »Transylvania«.

In diesem Track schlüpft Tyler in die Rolle von Dracula, mit kontroversen Lyrics, die entfernt an Favorite und Hollywood Hank anno 2005 erinnern. Nichts für schwache Gemüter.

G*ddamn I love women/
Daydream about penis being in ’em/
Meet them with a big grin with a Mac-10/
Rope, katana, and then I skin ’em

Unterlegt von einem von Left Brain produzierten Beat, dröhnenden Drums und bedrohlichen Synthie-Klängen, ist »Transylvania« perfekt für das gruseligste Fest des Jahres.

3. Little Simz – Venom

Ein Horror für das Patriarchat der Musikindustrie ist der Track »Venom« der UK Künstlerin Little Simz. Auf dem Song stellt Simz ihre Reimkunst unter Beweis und behandelt innere Dämonen, den Kampf als Frau in der Industrie zur Spitze und macht daraus mal eben eine extrem starke musikalische Kampfansage. Stellt euch Little Simz in den Weg und ihr werdet das Gift zu spüren bekommen. Diese Frau hat einen starken Biss und hat sich mit ihren letzten drei Alben zurecht zu einer der besten Artists in Great Britain etabliert.

Fuck those who don’t believe / They would never wanna admit I’m the best here / From the mere fact that I’ve got ovaries / It’s a woman’s world, so to speak / Pussy, you sour / Never given credit where it’s due / `Cause you don’t like pussy in power / Venom.

2. Lance Butter – Keller

Während »Keller« von Lance Butters vielleicht nicht von Geistern, Ghulen oder Monstern handelt, verkörpert es den Geist von Halloween: Eine introspektive Auseinandersetzung mit den eigenen Ängsten und dem Blick in die Tiefen der Seele. Mit dem Track entführt er uns in sein symbolisches Unterbewusstsein, das er als »Keller« bezeichnet. Dieser Ort ist für ihn kalt, leer und verlassen – eine Metapher für seine intensivsten und oft düsteren Emotionen. Obwohl der Song nicht die typischen Halloween-Themen behandelt, passt die Atmosphäre perfekt zu der gruseligen Jahreszeit.

An der Stelle soll erwähnt sein, dass bei der Suche nach weiteren Tracks, die diese düstere Stimmung einfangen, könnten »RIOT« (mehr lesen) von der »Loner« EP und »Knock Knock« von der »Sommer« EP von Lance Butters genauso gut ihren Platz in dieser Liste verdient hätten.

2. Gravediggaz – 2 Cups of Blood

Eine Gruppe die auf keiner Hip-Hop Halloween Playlist fehlen darf ist Gravediggaz. Die Horrorcore Gruppierung hat in den 90er Jahren die Szene schockiert und ganze Alben rund um das Thema Horror, Tod und andere morbide Themen geschaffen. Songs wie »1-1800 Suicide« oder »The Night The Earth Cried« zeigen das hinter Gravediggaz aber noch viel mehr steckt und der Hang zum gruseligen mehr ein Stilmittel ist um mit dem Horror des Alltags klar zu kommen. Zu den Gründungsmitgliedern gehörte unter andern Wu-Tang Clan member RZA. Der Beat von »2 Cups of Blood« sollte vor allem Tyler, the Creator Fans bekannt vorkommen, da dieser den Track für seinen Song »LUMBERJACK« gesampelt hat.

Sicherlich gibt es noch viele andere Tracks, die perfekt zur gruseligen Stimmung von Halloween passen. Wenn ihr eigene Vorschläge oder Geheimtipps habt, die in unserer Liste fehlen, dann teilt sie uns mit! Schreibt eure Song-Empfehlungen einfach unten in die Kommentare. Wir freuen uns darauf, eure persönlichen Halloween-Hits zu entdecken!

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01. Joy Denalane & Ghostface Killah – Happy

Joy Denalane ist zurück und hat ihre neue Single »Happy« im Gepäck. Der Song ist ein zentraler Bestandteil ihres neuen Albums »Willpower«, das am 6. Oktober erscheinen wird. Besonders bemerkenswert ist, dass sie auf diesem Track von Wu-Tang Clan-Legende Ghostface Killah begleitet wird. Für Fans des Wu-Tang Clans ist dies nicht ihre erste Kollaboration; bereits 2006 gab es eine Zusammenarbeit mit Raekwon für den Song »Heaven Or Hell«. Denalane widmet den Song ihrem verstorbenen Vater und macht ihn damit zu einem persönlichen und emotionalen Meilenstein in ihrer Karriere. Für die Produktion des Tracks waren u.a. Max Herre und Shuko verantwortlich.

02. J Balvin, Usher & DJ Khaled – Dientes

J Balvin führt uns mit seiner neuesten Single »Dientes«auf die Tanzfläche. Der Track bringt uns nicht nur Usher‘s 2004er Hit »Yeah« zurück, sondern fügt auch eine ordentliche Portion Reggaeton und EDM hinzu. Und weil man einen Klassiker nicht allein angeht, ist Usher selbst mit dabei. DJ Khaled übernimmt dabei die Rolle des Hype-Mannes, die Lil Jon einst ausfüllte. Hier wurde so ziemlich jeder Trick aus dem Hut gezogen, um einen Chart-Hit zu landen.

Das Produktionsteam, darunter Mura Masa und Tainy, hat alle Register gezogen – vielleicht sogar ein paar zu viele. Die Frage bleibt offen: Ist es eine gelungene Neuinterpretation oder eher ein Versuch, an den Ruhm vergangener Tage anzuknüpfen?

03. EKKSTACY & Trippie Redd – problems

EKKSTACY, der kanadische Post-Punk-Sänger, meldet sich mit der neuen Single »problems« zurück, und zwar in unerwarteter Begleitung von Trippie Redd, der bereits bei seinem Kollaboalbum »Neon Shark vs. Pegasus« (2021) mit Blink-182-Schlagzeuger Travis Barker experimentelle Pfade betrat.

Mit fast 4 Millionen monatlichen Hörer:innen hat sich EKKSTACY musikalisch deutlich seit seinem Debütalbum »NEGATIVE« verändert. Auf seinem vorherigen Album »Misery« erkundete er intensiv die Sphären des Post-Punk und Goth-Rock. In seinem neuesten Track »Problems« nimmt er jedoch eine andere musikalische Route und kombiniert Dream-Pop mit leichten Surf-Gitarrenklängen.

Der Song entstand in einer nächtlichen Session in Miami und wurde von seinem deutschen Produzenten MANGET$U produziert. »problems« legt den Grundstein für EKKSTACYS künftige musikalische Entwicklung und lässt Fans auf ein drittes Album hoffen, das in naher Zukunft erscheinen soll.

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Es gibt Künstler*innen, die einen so großen Einfluss haben auf die Musik ihrer Zeit und dennoch nicht annähernd das Spotlight bekommen, welches sie verdienen. Besonders in Deutschland werden gerade jüngere Hip-Hop Fans Black Thought vor allem aus der amerikanischen Tonight Show von Jimmy Fallon kennen. Dabei ist Tariq Trotter (bürgerlicher Name von Black Thought) zweifellos einer der besten MCs unserer Zeit. Seit Anfang der 90er ist er als Gründungsmitglied von The Roots ein fester Bestandteil der Hip-Hop Szene und hat sich durch seinen intelligenten, extrem unbeugsamen und schon immer politischen Rap einen Namen gemacht, der auch noch von der jungen Generation sehr hoch gehalten wird. The Roots, die Hip-Hop Supergroup aus Philadelphia, ist bis heute ungeschlagen darin, Live Instrumente mit Hip-Hop zu verbinden. Jedes einzelne Mitglied, von Drummer Questlove, zu Pianovirtuose James Poyser bis hin zu Leadrapper Black Thought selbst, ist dabei Meister seines Fachs. Es ist selten, das man eine Band sieht, die nicht nur so außerordentlich gut ist in dem was sie tut, sondern mit jedem neuen Projekt nur noch besser wird und nach all der Zeit auch noch so viel Spaß dabei hat. Genau dadurch sticht Black Thought auch hervor. Er ist ein wahrer Meister des Reimens, der schon immer mit den Instrumenten in einem Flow ist, dabei aber durch seinen fast schon starren Stil aber niemals untergeht. 

Genau das macht diese Kollaboration auch so außerordentlich gut. Danger Mouse, der schon immer Respekt für die alte Schule hat und außerdem als Produzent mittlerweile ein mehr als überzeugendes Portfolio hat, übernimmt die gesamte Instrumentalarbeit und liefert dem MC die passenden Unterbauten. In seinen Kollaborationsprojekten mit MF DOOM oder als eine Hälfte von Gnarls Barkley, aber auch als Produzent von Größen wie Adele, The Black Keys und Karen O hat er bewiesen, wie unglaublich vielschichtig seine Producerarbeit ist. Dennoch wird er in mir immer einen Fan haben für eines seiner ersten Projekte: »The Grey Album«. Ein fast schon wahnsinniger Mashup des »White Album« der Beatles, das er mit dem »Black Album« von Jay-Z fusioniert hat. Zwei klassische Alben der Populären Musik, die beide auf ihre Weise Kultstatus haben und aus denen Danger Mouse sein ziemlich geniales »The Grey Album« produziert hat. Danger Mouse hat Black Thought bereits 2005 auf seinem gemeinsamen Projekt mit MF DOOM »The Mouse & The Mask« mit ins Boot geholt – die jetzige Zusammenarbeit kommt also nicht gänzlich aus dem Nichts.

Was mich jetzt auch endlich zu dem langersehnten Album »Cheat Codes« bringt. Zeitlos ist ein Wort, das schnell fehlinterpretiert werden kann – etwas das halt nie aus der Zeit kommt aber auch nie wirklich im Trend war. Für mich bedeutet es im Kontext von Musik und insbesondere mit diesem Album, dass »Cheat Codes« einerseits vor 20 Jahren hätte erscheinen können, sich dann gleichzeitig aber auch anhört wie nichts was es damals gab oder jetzt gerade im Umlauf ist. Einfach, weil es eben nicht den schnelllebigen mainstreamradiofreundlichen Musiktrends folgt. Es geht nicht um Verkaufszahlen oder darum, wer die fetteste und teuerste Produktion hat. Nein, »Cheat Codes« lebt in seiner eigenen Zeit. Es geht um Werte, um gute Lyrics, um die Fähigkeit mit Worten ganze Bildlandschaften zu erzeugen, die im perfekten Einklang mit den maßgeschneidert ausgewählten Samples steht. Genau diese Atmosphäre wird bereits durch den Intro Track »Sometimes« erzeugt. Danger Mouse hat hier ein Sample aus »Love Without Sex« von Gwen McCrae gekonnt eingesetzt und schafft durch die Streichinstrumente eine melancholische Atmosphäre, die perfekt zu Black Thoughts Text passt.

Auf »Sometimes« folgt »Cheat Codes«, welches das Album betitelt und für mich einer der stärksten Tracks ist. Zu hören sind hier die großartigen Drums aus »Loaded Back«. »Cheat Codes« erschafft eine psychedelische Atmosphäre, die stark an die späten Sechziger Jahre erinnert. Black Thought glänzt wiederum lyrisch, indem er das Leben – oder vielmehr das Überleben – als Schwarze Person mit dem Überleben in einem Videospiel vergleicht: 

In the hood, mouth full of blood, tasting the same sting / Playing a game, trying hard to hang by the same string / You better get the cheat code or get RICO-ed, n***a / Bad credit get your shit repoed, listen

Auf den doch psychedelisch-düsteren Track folgt »The Darkest Part«, auf dem die beiden sich Unterstützung von New York Legende und Wu-Tang Clan Mitglied Raekwon holen. Im Refrain ist die Sängerin Kid Sister zu hören und hier komme ich zu einem meiner wenigen Kritikpunkte. Kid Sister ist leider die einzige weibliche Künstlerin, die auf diesem Album zu hören ist. Gerade von Black Thought, der schon einige weibliche MCs unterstützt hat, hätte ich mir mehr Female Empowerment gewünscht. Ein Feature von Rapsody, Little Simz oder Yugen Blakrok hätte perfekt zu diesem Projekt gepasst. Dennoch: Trotz fehlender weiblichen Stimmen sind die anderen Features äußerst passend ausgewählt. Der gerade erste selbst released habende Joey Bada$$ überzeugt auf dem ruhigen Track »Because« und zeigt, wieso auch New Yorker Legenden wie Nas und Diddy ihn zurecht als alte Seele bezeichnen (lies hier die Review zum neuen Album). Auf »Belize« schließt sich der Kreis durch ein Feature des verstorbenen MF DOOM mit einem Track, der das ein oder andere Herz schwer werden lässt. Gefühle, die durch den darauffolgenden Track »Aquamarine« mit Michael Kiwanuka genau richtig aufgefangen werden (zur Review des Tracks geht es hier). Etwas mehr Aufschwung bekommt das Album dann auf »Strangers«, einem sehr energetischen Track, der einerseits durch A$AP Rocky und anderseits Run The Jewels auch einige Nachwuchs Hip-Hop Heads zurecht abholen wird.
 

Insgesamt haben Danger Mouse und Black Thought mit »Cheat Codes« eine extrem atmosphärische Landschaft geschaffen, die zwar zum großen Teil eine fast schon mystisch-, düstere- und melancholische Schwere mit sich trägt und andererseits auch durch psychedelische Boom Bap-Momente glänzt. Ein sehr gelungenes Album, das meine eh schon hohen Erwartungen mehr als erfüllt hat. Alleine durch den Outrotrack »Violas und Lupitas« wird »Cheat Codes« für immer einen Platz in meinem Herzen haben.

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Knapp 5 Jahre ist es nun her, dass Kendrick Lamar sein fast schon legendäres Album »DAMN.« releast hat. Im August 2021 kündigte er dann über die eigens erstellte Webpage oklama.com sein nächstes Release und damit den Abgang von seiner langjährigen Labelheimat Top Dawg Entertainment an. Eben dieses erschien nun am Freitag in Form eines Doppelalbums mit jeweils 9 Songs – welche die wohl persönlichsten seiner Karriere sind.

Über das Privatleben von Kendrick Lamar war bisher nie viel bekannt. Weder in Songs noch in Interviews hat der 34-Jährige sonderlich viel von sich als Person preisgegeben. Das dies auf »Mr. Morale & The Big Steppers« anders sein wird, hat sich bereits bei der Veröffentlichung des Covers abgezeichnet. Denn das von Renell Medrano – eine New Yorker Fotografin, welche bereits mit Musikgrößen wie Jay-Z oder Modemarken wie Prada zusammengearbeitet hat – geschossene Foto hat die Geburt von Kendricks zweiten Kind publik gemacht und strotzt nur so vor Symboliken. Die ramponierte Wand, die stillende Mutter, der in den Fokus gerückte Kendrick mit Kind auf dem Arm, Waffe in der Hose und einem iced-out Rosenkranz auf dem Kopf – allein das bietet viel Raum zur Interpretation.

United in Grief

Abseits vom Cover wird gleich auf dem ersten Song deutlich wie persönlich »Mr. Morale & The Big Steppers« ist, denn im Intro des Songs ist Whitney Alford – Kendricks Verlobte, welche auch auf dem Cover abgebildet ist – zu hören, die ihn auffordert: „Tell them the truth“. Auf dem Song verarbeitet er dann verschiedenste Themen wie Therapiebesuche, die Unfähigkeit sich an Materiellem zu erfreuen, Familienprobleme und auch die Untreue gegenüber seiner Verlobten.

Hier zeigt sich wie voll von musikalischen Ideen und Ansätzen das Album ist. Stakkato Akkorde und rückwärts gespielte Drums wechseln sich im Laufe des Songs mit einem hektischen Break und sanften Streichern ab. Gleich sieben Produzenten waren hier am Werk, beispielsweise Kendrick selbst und TDE-Hausproducer Sounwave, der unter anderem die Hits »Bitch Don’t Kill My Vibe« und »Poetic Justice« mitproduziert hat.

N95

Bereits im September 2020 wurde Kendrick beim Dreh eines Musikvideos gesehen, dieses sollte dann aber erst am 14.05.2022 – einen Tag nach Albumrelease – erscheinen. Das Musikvideo zu »N95« greift ebenfalls eines der Themen aus dem Coverart auf. Denn in einigen Sequenzen ist Kendrick zu sehen, wie er in einer Pose schwebt, die Jesus am Kreuz ähnelt, während er auf dem Cover eine Dornenkrone trägt. Auch hier sind unzählige weitere versteckte Querverweise und Referenzen eingebaut. Gleich in den ersten Sekunden wird aber bereits klar: „This Shit Hard“

Im Song spricht Kendrick über die großen Diskussionen unserer Zeit, wie die Covid-19 Pandemie – der Titel des Songs bezieht sich auf N95 Masken, welche ähnlichen Standards folgen wie die in Europa gebräuchlichen FFP2 Masken. Darüber hinaus schneidet er Themen wie Cancel Culture, Verschwörungstheorien und Fake Streams an und fordert im ersten Part auf, all das abzulegen.

Diesen Inhalt präsentiert er mit einem regelrechtem Maschinengewehrflow. Der passende trappige Soundteppich geht straight nach vorne und ist ein echter Banger. Kein Wunder, wenn man bedenkt, dass sich unter den vier beteiligen Producern Hitgarant Boy1da und Kendricks jüngerer Cousin Baby Keem befinden, der auch im Video zu sehen ist,

Worldwide Steppers

Auf »Worldwide Steppers« reflektiert Kendrick die letzten fünf Jahre, die er weitestgehend abseits von Kameras und Medienrummel gelebt hat. Anscheinend erlebte er in dieser Zeit eine längere Schreibblockade und sogar körperliche Gebrechen – offensichtlich aber auch eine Art spirituelle Erleuchtung. Am meisten dürfte ihn sicherlich die Geburt seiner beiden Kinder beeinflusst haben, über welche er ebenfalls spricht. Auch hier greift er wiederholt die Untreue gegenüber seiner Verlobten auf und bezeichnet sie sogar als Sucht. Insbesondere spricht er hier über seine Verhältnisse zu weißen Frauen. Insgesamt kommt »Worldwide Steppers« sehr selbstkritisch daher. Beispielsweise greift Kendrick einen Vorfall auf, bei dem während einer Charity Aktion des Labels Essen verteilt wurde, das Herz und Kreislauf schädigen konnte.

Der Song wirkt soundtechnisch fast wie eine Spoken-Word-Nummer und das Instumental von dreien der TDE-Hausproduzenten klingt fast wie aus einem alten Tonbandgerät. Die gedämpften Pianoakkorde untermalen perfekt den Redeschwall von Kendrick.

Die Hard

Auf der vierten Anspielstation der Platte lassen sich auch die ersten Gastparts finden. So steuern der 2020 XXL-Freshman-Class-Member Blxst und die begnadete Sängerin Amanda Reifer jeweils einen Chorus bei und unterstützen Kendrick dabei, sich weiter selbst zu reflektieren. Auch auf »Die Hard« findet die Beziehung zu Kendricks Verlobter einen großen Platz. Er stellt sich die Frage, ob er sich vollends öffnen kann und kämpft mit der Angst davor verurteilt zu werden. So singt er:

Can I open up? Is it safe or not? I’m afraid a little, you relate or not?

»Die Hard« kommt wie eine eher ruhige R’n’B Ballade daher und birgt definitiv großes Radiopotential. Auch hier war wieder ein ganzes Team aus Produzenten am Werk. Beispielsweise FNZ, welcher unter anderem an »Lemon Pepper Frestyle« vom Drake und Rick Ross beteiligt war.

Father Time

Im Intro zu »Father Time« ist eine Konversation zwischen Kendrick und Whitney zu hören, in welcher er ihre Versuche ihn zu einer Therapie zu überreden mit den Worten „Real n**** need no therapy, fuck you talkin’ about?“ abschmettert. Der Song handelt von den Problemen die Kendrick mit seinem eigenen Vater hatte und den daraus resultierenden „Daddy Issues“. An dieser Stelle spielt toxische Maskulinität, welche über Generationen weitergegeben wurde, eine besonders große Rolle. So rappt Kendrick „Daddy issues made me lеarn losses, I don’t take those well. Momma said, “That boy is exhausted,” he said, “Go fuck yourself”“. Auch thematisiert er den Beef von Drake und Kanye West und wie eben dieser ihm seine eigenen Egoprobleme aufgezeigt hat.

All das geschieht über fast schon versöhnlich klingende Pianosamples, reversed Vocalsamples und klassischen Hip-Hop Drums, welche bis zum Anschlag mit einem Bitcrusher bearbeitet wurden. Unterstützt wird Kendrick auf dem Song von gleich sieben Produzenten und vom englischem R’n’B- und Soulsänger Sampha mit einer wunderbar gefühlvollen Hook.

Rich (Interlude)

Im ersten von zweien Interludes auf dem Album ist Kodak Black mit einem Spoken Word Part zu hören, in welchem er all die Probleme und Struggles auf seinem Weg zum Rap-Millionär und den daraus resultierenden Traumata reflektiert. Das gerade er als Gast ausgewählt wurde, sorgt momentan für viel Gesprächsstoff, denn Kodak ist im Gegensatz zu Kendrick alles andere als Everybodys Darling. Kodaks gereimte Erzählungen werden untermalt von einem Piano-Solo von Multiinstrumentalist Duval Timothy.

Rich Spirit

Darauf folgt dann ein regelrechter Representer. Auf »Rich Spirit« agiert ein ignoranter und abgehobener Kendrick, der seiner Konkurrenz droht: „Stop playin’ with me ‘fore I turn you to a song“. Niemand geringeres als DJ Mustard, welcher unter anderem für »Rack City« von Tyga verantwortlich war, hat hier mitgewirkt und ensprechend clubtauglich kommt der Beat daher, auf dem man sonst eher einen R’n’B Sänger erwarten würde

We Cry Together

»We Cry Together« ist ein ganz besonderer Song. So ist er gänzlich als Dialog eines sehr heftig streitenden Paares konzipiert. Kendricks Gegenüber ist hier die Schauspielerin Taylour Paige, die aus Filmen wie »White Boy Rick« bekannt ist. Beide nehmen dabei eine unglaublich toxische Position ein und der Zuhörer ist geneigt, keinem von beiden beizupflichten. So wirft Kendrick ihr an den Kopf:“ “I swear, I’m tired of these emotional-ass, ungrateful-ass bitches. Unstable-ass, confrontational-ass dumb bitches. You wanna bring a n**** down, even when I’m tryna do right“ während sie antwortet: „Fuck you n****, you love a pity party, I won’t show up. Always act like your shit don’t stink, motherf*cker, grow up. Forever late for shit, won’t buy shit, sit around and deny shit.“

Am Instrumental war unter anderem The Alchemist beteiligt, dessen Einfluss deutlich herauszuhören ist. So wird der Song von einem finsterem Pianosample getragen und von staubtrockenen Drums begleitet.

Purple Hearts

Die neunte Anspielstation – und damit das Ende des ersten Teils des Doppelalbums – beschäftigt sich mit der eigenen Spiritualität, alten seelischen Narben und der eigenen Widersprüchlichkeit. Dies wird mit Zeilen wie „Crown on Bob Marley, wrist on Yo Gotti“ noch einmal sehr deutlich, denn mit »Crown« ist hier die „Rastacap“ – eine einfache Kopfbedeckung, der sehr genügsam lebenden Rastafari – gemeint, während der Rapper Yo Gotti dafür bekannt ist, Millionen von Dollar in seine Uhrensammlung investiert zu haben. Begleitet wird Kendrick von Summer Walker mit ihrer butterweichen Stimme und Wu-Tang Veteran Ghostface Killah. Der Titel des Songs bezieht sich auf eine Auszeichnung des US-Amerikanischen Militärs, welche verliehen wird, wenn ein Soldat im Einsatz schwer verletzt oder gar getötet wird.

Soundtechnisch ist hier schon fast ein klassischer Hip-Hop Song zu hören, welcher getragen ist von kräftigen Drums und smoothen Synthies. Diese Sounds stammen unter anderem aus der Feder DJ Khalils, der schon die Multi-Platin Single »The Man« von Aloe Blacc produziert hat.

Count Me Out

Mit »Count Me Out« beginnt der zweite Teil von »Mr. Morale & The Big Steppers«. Im Intro ist zu hören, wie Whitney sagt: „Session 10 – Breakthrough“ und damit anteasert, dass sich Kendrick in diesem Song von einer großen Last befreien kann. So beispielsweise von einer toxischen Person, die er im Song direkt anspricht. Auch scheint auf »Count Me Out« tatsächlich eine Art Durchbruch stattzufinden. So sind die Lyrics gespickt von Einsicht und guten Vorsätzen wie „Wipe my ego, dodge my pride“

Der Song beginnt mit gospelartigen Gitarren- und Vocalsample, in welchem von einem Chor zu hören ist: „And I’m tripping and falling“ – um dann nach einem deutlichen Break in einen waschechten Trapbeat überzugehen. Der Beat stammt sowohl von Kendrick selbst, als auch von »Money Trees«-Producer DJ Dahi und drei weiteren Musikern.

Crown

Der elfte Song des Projektes reflektiert Kendricks innere Zerrissenheit aus dem Wunsch, es als Anführer eines Movements jedem recht zu machen und der Einsicht, eben dies nie zu können. Die Lyrics erscheinen die meiste Zeit wie ein Selbstgespräch:

You walk around like everything is in control. Favor comes with favors and you can’t say no. Go out the way to make the coin available. That’s what I call love.

Auch hat der Pulizer-Preisträger im Song Referenzen an biblische Texte und William Shakespeare untergebracht.

»Crown« ist der einzige Song, bei welchem der Soundteppich von nur einem einzigen Produzenten stammt – von den Interludes einmal abgesehen. Duval Timothy sorgt hier mit einem ergreifendem Pianostück für die passende Untermalung.

Silent Hill

Nachdem Kodak Black bereits auf »Rich (Interlude)« zu hören war, findet sich hier ein richtiges Feature. Der Song ist ein waschechter Representer. Während Kendrick unterstreicht, wie weit er über dem Rest der Szene steht, erzählt Kodak von seinem Reichtum und seiner Haftentlassung.

Der Song liefert entspannten Laidback Trapsound und ist der vielleicht fröhlichste des ganzen Albums. Auch hier war wieder Multi Platin-Produzent Boy1da beteiligt.

Savior (Interlude)

Auf dem zweiten Interlude von »Mr. Morale & The Big Steppers« ist wieder ein Gast zu hören. Dieses Mal ist es Kendricks jüngerer Cousin Baby Keem. Dieser berichtet, begleitet von dramatischen Streichern, von seinem Leben vor dem Reichtum und den Umständen in der Gegenwart. Für den Soundteppich haben Kendrick selbst, J. LBS und Sounwave gesorgt.

Savior

Anspielstation Nummer 14 findet sich wiederum eine Hook von Baby Keem und Vocals von Sam Dew, welcher bereits ein paar kleinere Auftritte auf dem Album hatte. Auf dem Song widmet sich Kendrick gleich mehreren Themen. So beschäftigt er sich mit dem Rassismusproblem in den USA, dem Coronavirus, der russischen Aggression und Political Correctness. Im letzten Part stellt Kendrick, welcher oft von politischen Aktivisten vor den Karren gespannt wurde, fest:

The cat is out the bag, I am not your savior

Der Beat ist trotz der ernsten Inhalte schon fast tanzbar, aber bietet Kendrick dennoch genug Platz, um zu zeigen, was er flowtechnisch drauf hat. Dazu hat er gleich wieder fünf Produzenten um sich geschart. Neben Cardo findet sich hier auch Grammy-Preisträger Rascal alias Tobias Breuer aus Aachen, den einige als Producer für Serious Klein auf dem Schirm haben könnten.

Auntie Diaries

Gleich die ersten Zeilen des Songs zeigen die hier erzählte Geschichte: „My auntie is a man now. I think I’m old enough to understand now“. Kendrick erzählt wie er mit einer, seiner Familie angehörigen Transperson auswächst und selbst erst lernen muss, damit umzugehen. So ersetzt er im Laufe des Songs beispielsweise das Wort „F*ggot“ durch „F-Bomb“, denn er reflektiert, wie sehr er sich selbst durch das N-Wort angegriffen fühlt. Am Ende des Songs heisst es: „F*ggot, f*ggot, f*ggot, we can say it together. But only if you let a white girl say N****“. Dieser Part der Geschichte bezieht sich auf einen Vorfall aus dem Jahr 2018, als er mit einem weißen Fan zusammen auf der Bühne performte, die das N-Wort mitgerappt hat.

Kendrick erzählt die Geschichte in absolut ruhiger Tonlage über ein überaus sanftes Instrumental mit sehr zurückhaltenden Drums und verträumten Synthesizersounds, welche wie fast das gesamte Album von einem Team von Producern zusammengestellt wurden.

Mr. Morale

Auf »Mr. Morale« findet sich die erste Kollaboration zwischen Kendrick Lamar und Tanna Leone, nachdem er im Jahr 2021 auf pgLang gesignt wurde. In jedem Fall präsentiert dieser seine prägnante Stimme und macht Hunger auf mehr Projekte, nachdem er gerade erst sein pgLang-Album »Sleepy Soldier« veröffentlicht hat. Inhaltlich beschäftigt sich der Song vornehmlich mit Generationstraumata und wie man diese Kreisläufe von Missbrauch durchbrechen könnte. So eröffnet er den Song mit: „Enoch, your father’s just detoxed, my callin’ is right on time“.

Das Instrumental stammt von niemand geringerem als Pharrell Williams und Beach Noise. Der Sound des Songs lässt leichte »BLKKK SKKKN HEAD«-Assoziationen zu und wirkt aggressiv und technoid.

Mother I Sober

Auf Track Nummer 17 intensiviert Kendrick das Thema des Missbrauchs noch weiter und schafft es nun endgültig, sich zu öffnen. Beispielsweise erzählt er davon, ständig von seiner Mutter gefragt worden zu sein, ob einer seiner Cousins ihn jemals angefasst hätte. Diese fragen rührten daher, dass seiner Mutter selbst in ihrer Jugend von einem Familienangehörigem missbraucht wurde. Nach Erzählungen wie diesen lässt der Song einen natürlich mit einem beklemmenden Gefühl zurück.

Das schlichte und zurückhaltende Pianosample vom TDE-Hausproduzenten-Team ist perfekt um Kendricks Worte zu untermalen, ohne von ihnen abzulenken. Der Refrain wird hier von Beth Gibbons gesungen, welche bereits in den 90ern durch ihre Trip-Hop Band Portishead bekannt geworden ist.

Mirror

Der letzte Song auf »Mr. Morale & The Big Steppers« macht noch einmal klar, welche Entscheidung Kendrick für sich getroffen hat: Er will nicht der Retter der Welt sein, sondern sich selbst retten. „I choose me, I’m sorry“ heißt es im Chorus. Die sieben beteiligten Producer schaffen ein abwechslungsreiches Instumental, auf welchem Kendrick zwischen Gesang und Rap switcht.

Abschließend lässt sich sagen, dass »Mr. Morale & The Big Steppers« ein Album ist welches vor allem eines braucht – Zeit. Erst nach mehrmaligen Hören kann man begreifen, durch welchen Prozess Kendrick gegangen ist und immer noch geht. So finden sich einige Themen, welche sich durch die gesamte Platte ziehen. Vor allem die Beziehung zu seiner Verlobten, sein Glauben und Therapie sind wiederkehrende Motive. Im Bezug auf Letztes kann man immer wieder Querverweise auf Eckhart Tolle, einen deutschen Lebensberater, der mit seinem Buch »Jetzt – Die Macht der Gegenwart« einige Bekanntheit erlangen konnte finden. Darüber hinaus wird er in den Visuals rund um das Album immer wieder als Messias in Szene gesetzt, sagt aber gleichzeitig, dass er eben dies nicht sein möchte. Insgesamt bietet das Projekt unendlich viel Projektionsfläche und Interpretationsspielraum – so viel, dass es sicherlich noch Monate dauern wird, bis jeder Querverweis entdeckt und jede Referenz verstanden ist. 

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Allesamt Klassiker auf ihre Art, aber als im November ’95 die Fackel an GZA weitergegeben wurde, sorgte er für das bis dahin und vielleicht auch bis heute stärkste Wu-Tang Soloalbum überhaupt: »Liquid Swords«

Wie gewohnt hat sich RZA, das Hirn des Clans, dem Großteil der Produktion angenommen und für die detailreichen, samplelastigen und vor allem düsteren Klänge gesorgt, die einem ab Sekunde 1 entgegenschallen. Da wird für den Titeltrack und gleichzeitiges Intro der Martial Arts-Film Shogun Assasin aus 1980 gesampled, der übrigens auch im weiteren Verlauf des Albums immer wieder Satzfetzen zur Bearbeitung für den RZA bietet. Und wenn dann eine merkwürdig ruhige Kinderstimme erzählt, wie der Vater getötet werden sollte und wie sich seitdem alles geändert hat, dann weiß man: Dieses Album wird keine leichte Kost: Es wird dunkel, es wird gewalttätig und es wird verflochten.

Das unterstreichen auch das Schachbrett, das der passionierte Schachspieler GZA auf sein Cover setzen hat lassen. Gemeinsam mit den abgetrennten Köpfen und den Kampfszenen wird die Richtung des Albums bereits hier vorgegeben. GZA lässt dem auf den Songs dann auch Taten folgen, wenn er über “bloodbaths in elevator shafts” (»Duel Of The Iron Mic«) oder “hitmen who pull out TECs and then drop those who crack like tacos from mexican” (»Gold«) rappt. Berichte von den Straßen erfinden im Hip-Hop und auch beim Wu-Tang Clan wahrlich nicht das Rad neu, aber wenige beschreiben die Geschehnisse so eindrücklich und sprachgewaltig wie der GZA auf »Liquid Swords«.

Es drehen sich aber nicht alle seiner Texte ausschließlich um die Gewalt da draußen und das harte Leben in den Projects. Auf »Labels« rechnet er zum Beispiel mit ausbeuterischen Hip-Hop Labels ab – Erfahrungen, die er selber vor den Erfolgen beim Clan am eigenen Leibe gemacht hat. “Tommy ain’t my motherf*ckin boy” ist eine der Zeilen aus diesem Track, die vermutlich nicht nur dem vormalig bei Tommy Boy gesigneten RZA sondern bis zuletzt auch De La Soul aus der Seele gesprochen haben. »Living In The World Today« ist dagegen ein Social Commentary-Track, der zwar eigentlich auf die Probleme der damaligen Zeit Bezug nimmt, in vielen Fällen aber leider immer noch höchst aktuell ist.

Die absolute Highlight-Passage des Albums setzt aber zur Mitte des Albums ein: Erst sorgen GZA, RZA, Ghostface Killah und Killah Priest auf »4th Chamber« für einen Song, der genauso gut auf dem Wu-Debüt hätte landen können, dann stellt Method Man beinahe GZA auf seinem eigenen Album in den Schatten. Auf »Shadowboxin’« gehen beide All-In und bringen den vermutlich bekanntesten – und auch besten – Song des gesamten Albums hervor. “Allow me to demonstrate the skill of Shaolin” = Peak Wu-Tang! Abgerundet wird dieser Drei-Track-Run von »Hell’s Wind Staff / Killah Hills 10304«. Ohne Hook und mit langem Intro ist der Track deutlich sperriger als seine beiden Vorgänger, macht das aber dafür mit einem ausgiebigen und metaphergetränktem Verse des GZAs mehr als wett.

Der hintere Teil des Albums lässt einen schließlich etwas durchatmen, bevor es zum Bonus-Song kommt – dem einzigen nicht vom RZA produzierten Song des Albums. Es ist auch der einzige Track des Albums, auf dem GZA selber nicht rappt oder überhaupt beteiligt ist. Stattdessen sind es 4th Disciple an den Geräten und Killah Priest am Mic, die sich hier austoben dürfen. »B.I.B.L.E.« fällt aber nicht aus der Reihe, sondern ist mit seinen tiefgehenden Parts und dem Ohio Players-Sample stattdessen sogar einer der Höhepunkte des Albums.

Irgendwie passt es deshalb zum gesamten Album und zum Clan allgemein, dass der 13. und letzte Track von »Liquid Swords« nicht etwa vom Hauptcharakter GZA aufgeführt wird, sondern einer der vermeintlich schwächeren Parts des Wu-Tang Clans die Hörer*innen nach dieser beinahe filmischen Albumerfahrung entlässt. Man wird eben immer wieder aufs Neue überrascht bei den Jungs aus Staten Island.

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Ein Jahr nach dem Durchbruchsalbum des Clans »Enter the Wu-Tang (36 Chambers)« begann 1994 eine beispiellose Reihe an erfolgreichen Solodebüts der einzelnen Artists: Method Man legte im November 94 mit »Tical« vor. Nur vier Monate später folgte das Debüt von Ol’ Dirty Bastard und wiederum knappe fünf Monate später war Raekwon an der Reihe.

Sein Album ist nicht nur eine erfolgreiche Einreihung in die Einzelvorstellungen der Wu-Tang Artists gewesen, es sorgte auch für ein kleines Revival vom Mafia-Rap. Den hatte Kool G Rap gegen Ende der 80er erfolgreich geprägt, doch nach einer kleinen Durststrecke war es Raekwon, der das Subgenre wieder aufleben ließ. Mafia-Rap als Form des Hardcore Hip-Hops lebt vor allem von den Referenzen auf die bekannten Mafiosi, die organisierte Kriminalität und stellt allgemein den Hustle in den Mittelpunkt.

In »Only Built 4 Cuban Linx…« werden diese Elemente in ein großes Ganzes verpackt und beinahe filmreif konzipiert. Das Cover zeigt es auf: Raekwon übernimmt die Rolle des Chefs, während Tony Starks aka Ghostface Killah als Guest Star agiert. Das Wu-Tang Hirn RZA mimt derweil in der Rolle des Directors die großen Mafiafilmregisseure wie Coppola oder Scorsese.

Überhaupt RZA: Seine wie gewohnt samplelastigen Produktionen liefern den Grundstein, der dieses Gefühl eines Mafia-Films vor den Augen entstehen lässt. Es hat dann an Raekwon und Ghostface Killah in den Hauptrollen gelegen, diese Sounds mit ihrem Storytelling und ihrer besonderen Chemie zu füllen – und sie führten diese Aufgabe oscarreif durch. Die restlichen Clanmember tun dann als Nebendarsteller ihr Übriges und streuen hier und da ihre Parts ein. Ein ganz besonderer Cameoauftritt kommt in Form von Nas auf »Verbal Intercourse«, denn der hier passenderweise als Nas Escobar aufgeführte Rapper war das erste Feature außerhalb des Wu-Tang Dunstkreises.

Keine Frage: Mit »Only Built 4 Cuban Linx…« gelang Raekwon ein ganz großer Schritt, um die Wu-Tang Saga weiterzuführen!

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Jeder der beiden für sich hat bereits deutliche Fußabdrücke in der hiesigen Szene hinterlassen und ihre unverwechselbar brachialen Beats sind stark gefragt. So arbeitete Bazzazian sich in der Vergangenheit bereits durch Deutschraps oberste Ränge und sollte eigentlich jedem Hörer ein Begriff sein. Haftbefehl, Azad, Samy Deluxe, Kollegah und SSIO just to name a few. Insbesondere mit dem Azzlack Oberhaupt Haftbefehl bringen wohl die meisten den Kölner Hit-Produzenten in Verbindung, da die letzten drei Hafti-Releases allesamt aus seiner Feder stammen.

Auf der anderen Seite der Achse steht Farhot, der sich seinen Weg angefangen in Hamburgs Untergrund ebenfalls zu den aus dem Azzlack-Camp bekannten Namen bahnte. So finden sich seine Produktionen unter anderem bei Frankfurts wohl sympathischsten Rap-Duo Celo & Abdi, Azzlack Signing und 439er Hanybal und mit Azad auch einer der prominentesten Vertreter und einflussreichten Wegbereiter des deutschen Gangsta-Rap.

Sowohl Bazzazian als auch Farhot bringen beide jeweils ihre eigene beachtliche Legacy mit und als gemeinsame Formation die Achse erschien neben ihrem Debüt »Angry German« (2018), vergangenes Jahr ebenfalls die »Hooligan«-EP für die sie unter anderem mit Wu-TangClan‘s very own Ghostface Killah gemeinsam im Studio standen.

In dem von Funk produzierten Format Sounds Of erfahrt ihr die kuriose, aber auch sehr unterhaltsame Background-Geschichte wie es zu dieser Zusammenarbeit kam und könnt außerdem noch bei der Entstehung eines komplett neuen Songs dabei sein, für den sich die beiden Produzenten einen Schrottplatz als Sample-Datenbank ausgewählt haben und ein Brett bauen, dass scheppert und kracht. Das Ganze moderiert von Nisse und unsererseits eine absolute Empfehlung für alle Sound-Enthusiasten.

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