Vasil – Krähen reden nicht

Vasils Debüt-Tape »Krähen reden nicht« klingt wie der Prolog zu einem Klassiker. Schon die pure Dringlichkeit in ihrer Stimme erzeugt Gänsehaut, die zugehörigen Lyrics geben diesem Bauchgefühl Bestätigung.

Vasil liefert die längst überfällige weibliche Perspektive einer bis dato männlich dominierten Sparte im deutschen Rap. Mit klarer Vision und mitreißenden Flows fährt sie ihren eigenen Film – punktuell fühlt man sich an OG Keemo, Apsilon oder auch Ramzey erinnert.

Einerseits ist es diese roughe, schwarz-weiße Straßenästhetik in Videos und Texten, andererseits die Tatsache, dass Vasil schlichtweg Aura und eine Menge zu sagen hat. Beobachtungen und Erfahrungsberichte gehen fließend in Systemkritik über. Ungeschönt – wenn auch mitunter bildmalerisch – schildert sie fatale Zustände vom Aufwachsen am Rand der Stadt, am Rand der Gesellschaft, von Armut und Scham, post-sowjetischer Diaspora, Marginalisierung, Perspektivlosigkeit und Drogen. Bemerkenswert ist nicht zuletzt, mit welcher Energie und Authentizität sie diese Darstellungen ownt – abgehärtet und trotzdem gefühlsbetont, schmerzvoll, aber siegessicher und immer solidarisch.

Die facettenreichen Produktionen von Too Young (dessen stimmiger Featurepart auf »400 Homies« der einzige bleibt) verleihen ihren unterschiedlichen Modi die passenden Farben. Mühelos flext sie darauf mit ihrer Vielseitigkeit – ob gefühlvoll auf »Stille Post«, angriffslustig auf »Money Moves« oder laidback auf »Mama ich werde Rapperin«.

»Krähen reden nicht« hat viele Highlights, keinen Skip und einen enormen Replay-Value. Wir wollen mehr!

Magnus Menzer

grim104 – No Country For Old Grim

Es ist schon verwunderlich, wie grim104 es ausnahmslos mit jedem Album aufs Neue schafft, die Tristesse, die Wut, die Resignation der Alltags- und Gesellschaftsbeobachtungen in einen Guss zu kippen und diese Mixtur dann immer und immer wieder kurzweilig zu halten. So geschehen auch auf seinem nunmehr fünftes Soloalbum »No Country For Old Grim«, das er inmitten einer scheins zum Tollhaus gewordenen Weltlage veröffentlicht. Staatsoberhäupte, die sich im Abschieben gegenseitig überbieten wollen, millionenseitige Akten über reiche Pädophile und Ehemänner mit niederen Absichten: Nichts scheint mehr unmöglich zu sein, die Welt völlig aus den Fugen geraten.

Doch grims große Stärke ist, die Welttristesse vom Großen aufs Kleine zu übertragen und aus den provinziellen Beobachtungen ganze Storyteller zu formen. Wo man sich noch beim Griechen besäuft, wo Hundehalter auf radfahrende Kleinkinder treffen, wo man vom Dorffest taumelt, da schaut die eine Zugezogen Maskulin-Hälfte aber ganz genau hin. Kaum jemand fängt diese Momente so grandios ein wie der im Kaff Zetel großgewordene Rapper. Mit durchschneidender, fast anklagender Stimme fräst grim sich durch die 14 Tracks seines neuen Albums und hinterlässt nur diese eine Frage: Wie rührt er seine Mixtur das nächste Mal an?

Matthi Hilge

Dissy – morgen werde ich mich dafür hassen (side b)

In klassischer Vinyl-Manier vervollständigte dissy im März »morgen werde ich mich dafür hassen« neun Monate später mit der zugehörigen B-Seite. Während die A-Seite noch einen positiveren, vom Draufgängertum durchzogenen Unterton hatte, verschiebt sich auf dem Pendant alles ein Stück weiter in die Düsternis. Grunge-Gitarren und sporadische Synths treffen hier sowohl auf pulsierende Trap-Bässe wie auch ein Wiegenlied auf »korsak«.

Die vorherige Ekstase wird (mit kleinen Ausnahmen) thematisch von einem drückenden Schuldgefühl abgelöst. Auf Songs wie »insekt«, »gewehr« mit Fatoni und »acid« mit Drama Kuba und Rokko Weissensee zeichnet der Wahl-Berliner ein dystopisches Weltbild, geprägt vom Nihilismus. Mit ironischem Subtext appelliert dissy daran bloß nicht die Augen vor globalen Missständen zu verschließen und zur Tat zu schreiten. Irgendwann ist es schließlich doch zu spät.

Im intendierten Albumkontext liefert die B-Seite das passende Gegenstück zum Titel. Auf den nächtlichen Rausch folgt die morgendliche Reflexion die schlussendlich im Selbsthass mündet.

Michail Weiss

Der Beitrag Die Alben des Monats | März 2026 erschien zuerst auf Mostdope.

»Wie heiße Glut« ist die langersehnte Comeback-Single von Goldy.mp3. 2021 hatte die Bremerin einiges Aufsehen erregt, vor allem mit »Karma« (ein Türchen unseres damaligen Adventskalenders), aber auch mit ihrem Feature-Part auf Tightills »Sexroboter«. Nun hat das Warten ein Ende und Goldy scheint nichts vom Charisma in ihrer Stimme eingebüßt zu haben.

Wir haben für perfektionistische Künstler*innen sowieso ein Faible, entsprechend gespannt sind wir auf die angesammelten Visionen und hoffentlich regelmäßigeren Output!

Dieses und weitere Highlights des vergangenen Monats findet ihr wie immer unter DO GOOD. BE DOPE. auf Spotify.

Mit dabei sind:

VASIL, DISSY, ZSA ZSA, ERROR, FATONI, IKKIMEL, APSILON, SUMMER CEM, C4RL, VICKY, GRIM104, HELLNAH, ELIA, ANSU, SHOSHARASCAL, & CARLO5, WA22ERMANN, JAY JIGGY, RIN, ELI PREISS, DIETRICH, TEUTEREKORDZ, BARAN KOK, LLUKAS, REDD., LENNY, VIJERA, HERR ULRICH uvm.

Der Beitrag DO GOOD. BE DOPE. | März erschien zuerst auf Mostdope.

Der Titel gibt ja schon einiges vorweg, aber wie würdest du in eigenen Worten beschreiben, was die Grundidee der EP ist, auch in Abgrenzung zum Vorgänger »arizona 2012«?

In der EP geht es im Großen und Ganzen um Trennungen und das nicht nur im romantischen Kontext, sondern auch Trennung von Freundschaften und Trennung von sich selbst, also wenn man sich ein bisschen verliert. Dazu kamen dann meine Sad-Baddie-Features, die ja auch alle vereint, dass sie gut darin sind, traurige Songs zu machen. Ein paar von den Songs sind auch in der Zeit entstanden, in der »arizona 2012« entstanden ist. Aber ich wollte das bewusst aufteilen, weil »Arizona« sich für mich wie ein Sommerprojekt angefühlt hat – und »sad baddie anthem« gehört in die kalte Jahreszeit.

1. »denk drüber nach« (mit hidden Feature)

Feature? Nö, das bin ja alles ich. (lacht) Also »denk drüber nach« ist ein Song, in dem es um eine beste Freundschaft geht. Genauer gesagt um eine beste Freundinnenschaft, die immer schon existiert, mit der man wahnsinnig viel erlebt hat, sowohl Gutes als auch Schlechtes, die sich im Älterwerden zwar verläuft – weil es schwieriger wird, sich regelmäßig zu sehen – die im Kern aber trotzdem noch bestehen bleibt. Dafür habe ich eine gute Musikfreundin gefragt, ob sie nicht zwei Zeilen singen möchte. Der Name wird nicht bekannt gegeben. Aber sie hat mir die Ehre erwiesen und diese Zeilen gesungen, weil sie den Song auch sehr gefühlt hat.

Wir haben beide geweint, auch wenn nur eine müsste.

Ich hatte das Gefühl, dass der Song über diese Freundschaft den Rahmen dafür setzt, dass das »sad baddie anthem«-Motiv auch sehr viel mit Solidarität unter „sad baddies” zu tun hat, die du dann wiederum musikalisch zusammenbringst. 

Ja voll! Das war mir auch wichtig im Prozess. Ich habe mich viel mit meinen Girls ausgetauscht und mit anderen Musikerinnen. Es war sehr schön, mit vielen Frauen zu arbeiten. Meine A&R (Lara Bette, Anm. der Redaktion), die auch viel mitgewirkt hat, zum Beispiel das Cover und mit mir Social-Media-Pläne erstellt hat, die ist selbst auch eine sad baddie.

2. »sex and the city«

»sex and the city« ist ja der einzige Song, der keine Single war und der ist recht spontan entstanden. Ich war in einer Songwriting-Session mit einem Musiker, der dann früher gehen musste, bin mit dem Produzenten Markus Wilfinger noch im Studio geblieben und dann haben wir einfach diesen Song gemacht. Also es hat sich irgendwie richtig schön ergeben. Ich habe schon ein paar Erinnerungen von mir selbst einfließen lassen, aber eigentlich ist es eher die Geschichte einer fiktiven Person, die daheim rottet in Depression und nichts macht, was eigentlich gut für sie ist, außer Sex and the City zu schauen. Für mich war die Hook so ein Bild davon, dass man sich in dieser Leere, damit man wenigstens irgendwas spürt, einen Bootycall anruft, wo wieder etwas aufflammt, aber gleich wieder weg ist und dann geht der ganze Loop von vorne los. Diese Spirale von sich selbst verlieren und sich selbst ablenken – das ist für mich die Geschichte, die »sex and the city« erzählen soll. Das ist der Song, den ich vorhin meinte, als ich von der „Trennung von sich selbst” gesprochen habe.

Wo du gerade Markus Wilfinger erwähnt hast, kannst du uns vielleicht einen Abriss geben, mit welchen Produzenten du in der Entstehung der EP zusammengearbeitet hast?

Bei den meisten Songs hatte Hnnzy seine Finger im Spiel, weil ich mit ihm jetzt ein gemeinsames Studio habe. Seit der »arizona 2012«-EP ist er ein fester Bestandteil meines Teams und hilft mir viel, zum Beispiel was die Sound-Ästhetik betrifft. Er war übrigens auch der Namensgeber der EP.

Insgesamt sind eigentlich alle, die an der EP beteiligt sind, gute Friends von mir, mit denen ich auch schon davor zusammengearbeitet habe. Es war schon alles so in einem Kreis und es ist alles in Wien entstanden.

3. »besser so«

Bei »besser so« war Luna in Wien und hat mich gefragt, ob wir nicht einen Tag lang Musik machen wollen. Und ich habe mir gedacht: „Unbedingt!” Wir kannten uns schon von einem Songwriting-Camp und hatten uns da voll gut verstanden. Dann haben wir nach einem gemeinsamen Nenner gesucht, worüber wir schreiben könnten – nicht dass man den zwingend braucht, aber es ist halt schon cool für so einen gemeinsamen Song. Dann sind wir auf das Thema gekommen, dass wir beide, bevor wir Musik gemacht haben, beste Freundinnen hatten, die irgendwann nicht mehr so gut damit umgehen konnten, dass wir jetzt auch in dieser anderen Szene stattfinden, die sie irgendwie nicht verstehen. Das ist ziemlich toxic geworden und hat die Freundschaft sehr anstrengend und stressig gemacht. Außerdem war es bei uns beiden so, dass sich die Freundinnen jeweils noch voll an dieser Freundschaft, wie sie davor war, festgeklammert haben und uns basically gesagt haben, dieser Beruf tue uns nicht gut. Dann sind wir beide zum gleichen Fazit gekommen: Es ist ja jetzt viel besser so. Der Freundin tut es nicht gut, wenn sie sich die ganze Zeit darüber ärgert, was wir machen. Und uns tut es nicht gut, wenn uns die ganze Zeit irgendjemand sagt, dass das kein gutes Umfeld ist.

Long story short: Wir haben den Song dann Wort für Wort gemeinsam geschrieben und damit ist »besser so« entstanden. Kurz gefasst geht es darum, dass Freundschaften sich verlaufen dürfen und dass genau das manchmal auch wichtig ist, wenn man nicht in die gleiche Richtung geht. 

Hast du das Gefühl, dass die ganze EP so einen heilsam positiven Grundgedanken verkörpert, auch wenn es eigentlich im ersten Eindruck traurige Songs sind?

Ja, ich finde schon. Ich finde genau dafür das Wort »sad baddie« so passend. Traurigkeit macht einen manchmal ein bisschen schwach. Wenn man traurig ist oder enttäuscht wird, dann wird man kleiner. Aber als Baddie hat man dann trotzdem diese Wut. Die wiederum macht einen viel stärker, wenn man so sauer auf irgendwas reinkommt. Eine »sad baddie« zu sein meint dann das Selbstverständnis: „Hey, wir sind gerade traurig, aber wir sind Baddies, deswegen kriegen wir das schon hin!”

4. »mein zimmer«

Hier war das Writing ähnlich wie bei Luna, dass wir uns überlegt haben, was uns gerade so beschäftigt und durch den Kopf schwebt. Dann sind wir im Gespräch auf ein Thema gekommen, dass man sich irgendwie manchmal, wenn man in so eine Limerence verfällt, in eine Obsession mit einem Crush, dass man sich teilweise ungewollt total für die Person verändert – dass man dann zum Beispiel sein Zimmer so einrichtet, wie es die Person mögen könnte. Und dass man sich durch diesen riesigen, intensiven Crush selbst voll verliert und gar nicht mehr weiß, wer man ist, was man möchte und ob es das überhaupt wert ist. Dann haben wir auch hier jedes Wort zusammengeschrieben und es war insgesamt ein sehr besonderer Writing-Prozess. Wir waren sicher so zehn Stunden im Studio, Domiziana hat uns Tarot gelegt und wir haben Tee getrunken – richtig healing irgendwie. Es sind sogar Tränen geflossen während der Session und es war einfach total schön. Wir waren zu viert, mit Hnnzy und Johannes Madl, und alle waren ganz beseelt am Ende, als der Song fertig war.  

5. »people pleaser«

Ja, »people pleaser«, das bin ich nun mal. Ich glaube, das ist der älteste Song von der EP. Den haben wir immer wieder neu gemacht, gemeinsam mit Food for Thought, weil ich nicht ganz zufrieden war und das ist jetzt die neueste Version. Aber die Idee von People Pleaser steht auf jeden Fall schon sehr lange. Das war in einer Zeit, in der ich gemerkt habe: Ich mache Dinge viel lieber für andere als für mich selbst. Seitdem ich das gelernt habe, ist es besser geworden. Aber damals konnte ich sehr gut aus dieser extremen People-Pleaser-Perspektive schreiben, weil ich es so gut von mir kenne, dass man Dinge für andere macht, anstatt für sich selbst. Der Song soll dafür so ein Wake-up-Call sein.

Für dich selbst oder für andere People-Pleaser? 

Für andere, dass sie sich beim Hören selbst ertappt fühlen. 

Hast du dann auch Feedback bekommen, dass Leute sich darin wiedergefunden haben? 

Ja, sehr viel. Sehr viele Girls, wirklich hauptsächlich Frauen eigentlich. Ich weiß nicht, was das aussagt. Aber auf jeden Fall haben sich viele wiedergesehen in dem Text. 

5. »sad baddie anthem«

»sad baddie anthem« hatte auch einen sehr schönen Entstehungsprozess. Das war bei einem Songwriting Camp, wo wir Hnnzy spontan mitgenommen haben, weil ein anderer Produzent ausgefallen ist. Es war der erste Tag des Camps, am Attersee im Mai, also richtig idyllisch. Wir hatten unabhängig voneinander Sessions mit anderen Leuten, die so um 10 am Abend vorbei waren. Und dann haben wir gesagt, irgendwie müssen wir jetzt noch was gemeinsam machen. In dieser Nacht ist »sad baddie anthem« entstanden, innerhalb von drei Stunden. Wenn Songs so schnell entstehen, fühlt sich das immer ganz richtig an. Es war so ein Song, den man nach der Session in Dauerschleife anhört, weil man irgendwie noch gar nichts checkt, was man da gerade gemacht hat. Es geht um gefühlt alle meine Ex-Romanzen und Ex-Beziehungen zusammengefasst als eine Person und darum, zu erkennen, wo ich besseres verdient habe. Und dass es auch okay ist, sowas mal durchzumachen, weil ich im Endeffekt, also durch toxische Beziehungen gelernt habe, wo ich meine Bar setzen möchte. My bar is high! Jetzt kriege ich nur noch Princess Treatment. Das soll andere ermutigen, sie auch hoch anzusetzen.

Ich finde der Song ist so besonders, weil er sehr explizit auf meine Situation geschrieben ist, aber mir trotzdem so viele Leute geschrieben haben, dass sie damit relaten können. Zum Beispiel die Zeile: „Und was du ihr gibst, hast du alles erst von mir gelernt / Wie du sie glücklich machst, bei mir fiel dir das viel zu schwer.” Da haben mir so viele Leute geschrieben, dass sie den Tränen nahe waren. 

Was ich auch sehr gerne mag, ist, dass wir in keiner Sekunde überlegt haben, ob wir da einen Drop einbauen oder Drums. Es war von Anfang an ganz wichtig, dass ganz wenig passiert und Stimme und Text im Vordergrund sind. Mit diesem Song war uns klar, wir müssen eine »sad baddie anthem«-EP machen, weil das der Vibe ist, den wir jetzt fahren wollen. 

»denkt drüber nach« und »sad baddie anthem« sind auch in der gleichen Woche entstanden. Stilistisch passen sie auch gut zusammen, gerade die beiden Beats. Es war auch lange die Überlegung, ob das ein Doppel-Release wird, dass es nur diese zwei Songs gibt. 

Ich finde es spannend, dass du meintest, die toxischen Erfahrungen haben für dich dafür gesorgt, dass deine Erwartungen hoch sind. Ist das nicht ein bisschen kontraintuitiv? Es ist doch oft so, dass Leute eher gegenteilig konditioniert werden und sich dann schon mit dem Minimum zufriedengeben. 

Ja, auf jeden Fall. Ich glaube, das ist mir auch passiert. Aber es wurde immer gesünder. Ich war auch länger in einer Beziehung, wo ich dann gemerkt habe, eigentlich tut es nicht so gut. Und ich glaube, daraus lernt man viel darüber zu reden und sich selbst klar zu werden: Wie will ich eigentlich behandelt werden? Wie hätte ich gern, dass meine zukünftige Tochter behandelt wird? Oder wenn ich zum Beispiel sehe, wie meine besten Freundinnen behandelt werden, die eine hat einen Freund, der nicht gut zu ihr ist und ich bin sauer, und die andere hat einen Freund, der sie vergöttert und ich denke mir: Ja, genau so soll es sein. Das hat alles dazu beigetragen, dass man daraus lernt und am Ende die Bar höher stellt. 

Am Ende ist der Titelsong tatsächlich die Essenz der EP, oder? Es schwingt diese Traurigkeit mit – das Nachdenkliche, der Rückblick, was schiefgelaufen ist – aber du gehst stärker daraus hervor und ownst es, indem du sagen kannst, dass du das Beste daraus gemacht hast.

Genau! Ich habe auch die Zeile, dass „ich dafür Applaus krieg’.” Einerseits weil meine Freundinnen, mein Umfeld und auch ich selber damals sehr dankbar für die Trennung waren – andererseits aber auch weil ich so viele Songs daraus geschrieben habe, für die bei Konzerten Applaus bekomme. 

Hätte vor paar Jahr’n noch keiner gеdacht
Dass es irgendwann aus ist
Und ich dafür Applaus krieg’

Hast du das Gefühl, mit der EP ist das »sad baddie«-Thema erstmal abgeschlossen?

Es schwebt auf jeden Fall gerade ein sehr prägnanter Song im Raum, der eine neue Richtung vorgibt. Das Stichwort lautet „Veri-Victory-Music”. Mehr werde ich dazu gerade noch nicht sagen. Aber es wird Spaß machen!

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Mehr zu den Hintergründen der fünf Tracks, zu ihrem bisherigen Werdegang und großen Plänen für das kommende Jahr erfahrt ihr im Interview.

Würdest du sagen, es gibt ein Grundkonzept, das sich als roter Faden durch die EP zieht?

Ja, ich glaube, das Grundkonzept ist, dass das unsere ganzen Babys, unsere Anfänge sind. Ich glaube bis auf »stuhl im garten« sind alle Songs vor ein bis zwei Jahren, wenn nicht sogar noch früher, entstanden. Es sind vor allem die Songs, die wir zuerst auf Bühnen gespielt haben, die Sachen, die uns geprägt haben, von Anfang an. Man hätte das auch überspringen können, aber ich fand es wichtig, dass sie jetzt in dem Rahmen alle zusammen für sich stehen dürfen, als EP.

Teilweise haben wir Aufnahmen gar nicht nochmal neu recordet, also es sind wirklich die allerersten Aufnahmen von Nico (Anm. d. Red.: Nicolás Lado) aus dem WG-Zimmer. Wir hatten eine Phase, wo wir zum Beispiel bei »von anfang an« dachten: „Als ob wir jetzt einen Soundcloud-Song hochladen, lass den auf jeden Fall nochmal neu machen.” Und dann haben wir uns eine Woche damit rumgeschlagen und waren so: „Nee, der wird nicht nochmal neu gemacht.” Es gibt diese Erwartungshaltung, dass etwas fertig sein muss, und ich glaube, davon haben wir uns kurz beeinflussen lassen, weil wir dachten, ein Song kann ja noch nicht fertig sein, wenn wir ihm nur einen Nachmittag geschenkt haben. Und daraus ist am Ende das gegenteilige Konzept geworden, dass eigentlich alle Songs genau diesen rohen und authentischen Vibe haben.

Ich hatte das Gefühl, dass die Songs auch auf emotionaler Ebene sehr gut zusammenpassen. Für mich liegt der gemeinsame Nenner im heilsamen Akzeptieren und Zulassen unterschiedlicher Gefühlszustände. Siehst du das ähnlich?

Also wir haben sehr viele Songs aus dieser Zeit und für mich passen diese fünf schon auch in eine emotionale Welt. Aber ich glaube, ich habe eine sehr andere Wahrnehmung, was die Songs für mich bedeuten, als was sie nach außen tragen. Was ja auch geil ist! Eigentlich möchte ich gar nicht zu doll vorwegnehmen, was meine Gedanken dahinter sind, weil es ja total schön ist, wenn du zum Beispiel sagst, du ziehst da ein Gesamtgefühl aus den Songs. Ich finde es total interessant anderen Personen zuzuhören, was sie dabei fühlen und wahrnehmen, weil ich meine Version ja natürlich schon kenne.

Du sprichst immer von „wir”, hast auch Nico schon namentlich erwähnt. Als ich dich auf dem Sägewerk-Festival gesehen habe, seid ihr ja sogar noch als Shelly Coral & Lado aufgetreten. Der Künstlername ist jetzt kürzer geworden, aber die meisten Songs sind immer noch von ihm produziert. Wie hat sich eure Zusammenarbeit entwickelt?

Genau, es ist fast alles von ihm produziert. Unsere Geschichte ist ein bisschen so: Lado bzw. Nico hatte sein eigenes Musikprojekt, siebzehnzwölf, und ich war ein krasser Fan davon.
Eines Tages hatte ich einen Anflug und meinte zu ihm: „Guck mal Nico, ich muss jetzt wirklich auch mit Musik anfangen, ich muss Produzieren lernen.”

Dann hat er versucht, es mir beizubringen an zwei Nachmittagen, und ich war extrem ungeduldig. Aber wir hatten trotzdem so viel Spaß daran, dass wir uns dann einfach jeden zweiten Tag gesehen und Mucke gemacht haben – das war ungefähr vor zweieinhalb Jahren. Ich sage immer ganz lieb, dass ich ihn ein bisschen aus seinem eigenen Musikprojekt rausgeklaut habe, was glaube ich auch okay ist, und daraus ist am Ende unser Projekt entstanden.

Für mich ist es auf jeden Fall so, dass hinter dem Projekt zwei Leute stehen und eigentlich auch noch viel, viel mehr. Da steht eine große Welt, ein ganzer Freundeskreis aus voll vielen kreativen Köpfen, dahinter. Irgendwann haben wir es uns ein bisschen leichter gemacht, einfach zu sagen: Es ist Shelly Coral, und wir fühlen uns alle dazugehörig. Was ein bisschen lustig ist, weil es halt mein wirklicher Name ist, aber Nico ist da auf jeden Fall nach wie vor und auch in Zukunft komplett mit dabei. Wir haben beide das Gespür dafür, was unser Projekt bedeutet und was nicht. Und wir haben es gemeinsam auf die Beine gestellt.

Du hast gerade den Moment angesprochen, als du das Gefühl hattest, du musst jetzt anfangen, selbst Musik zu machen. Wo kam dieser Drang her?

Ich finde es immer ein bisschen cringe, das so zu sagen, aber ich habe früher mit meiner Gitarre viele Songs für mich selbst gemacht – damals noch auf Englisch. Irgendwann hat mir das nicht mehr gereicht, weil ich leider nicht wirklich gut Gitarre spiele. Dann kam der Punkt, wo ich dachte: „Entweder ich probiere das jetzt richtig oder ich lasse es.” Aus irgendeinem Grund dachte ich damals, dafür müsste ich Ableton können. Aber zu dem Zeitpunkt habe ich auch noch nicht gedacht, dass ich singen kann.

Fühlt es sich jetzt an, als wäre dann doch alles ganz schnell gegangen in diesen zweieinhalb Jahren? 

Jetzt ja, jetzt ging schon alles sehr schnell. Aber davor haben wir das ganz, ganz lange nur für uns gemacht, ohne den Plan, dass es rauskommt. »sonne royale« haben wir als Gag hochgeladen. Wir haben viel Quatsch gemacht ohne richtige Ernsthaftigkeit dahinter.

Dass es jetzt diese Form angenommen hat, verdanken wir Leuten wie Pavelo & Schnell, dem Sägewerk- und dem Sensus-Festival – Menschen, die unsere Demos gehört und uns einfach eingeladen haben. Oder auch Elena (Anm. d. Red.: 3LNA), einer Freundin von mir, die uns einfach mit auf Tour genommen hat, als wir noch nichts draußen hatten. Und erst als ich zum fünften Mal auf der Bühne stand, habe ich realisiert: „Digga, ich glaube, das ist jetzt das, was wir machen.” Dann haben wir uns explizit nochmal Zeit genommen, uns zu sortieren, und irgendwann war es eine richtige Vision, dass wir die Sachen auch veröffentlichen wollen. Aber es hat auf jeden Fall kurz gedauert, bis es bei uns in den Köpfen angekommen ist.

Das ist doch eine gute Überleitung zum ersten Song der EP.

1. »VON ANFANG AN«

Wir waren bei Nico zu Hause und ich meinte: „Elena nimmt uns in zwei Wochen mit auf Tour. Wir müssten vielleicht mal noch ein, zwei Songs machen. Und vielleicht laden wir auch einfach mal einen hoch.” Durch den Tourbeginn standen wir tatsächlich ein bisschen unter Zugzwang. »von anfang an« ist dann wirklich innerhalb von zwei, drei Stunden entstanden und danach waren wir uns relativ schnell sicher, den auf Tour spielen zu wollen. 

Davor waren wir eigentlich viel mehr in so einer Party-Quatsch-Richtung. Deswegen war »von anfang an« für uns zu dem Zeitpunkt noch total fremd, von der Stimmung und auch der Ästhetik. Gleichzeitig waren wir in diesem Modus, endlich einen Song online haben zu wollen, bevor wir zwölf Tage mit auf Tour gehen. Also haben wir den einfach so hochgeladen. Und es ist irgendwie lustig, weil er »von anfang an« heißt – und so viel ausgelöst hat. Auch wenn er „nur” auf Soundcloud war.

Mittlerweile ist der Song für mich sehr, sehr symbolisch geworden. Es ist auch einer der Songs, die ich gerne von mir selber noch höre und genieße, weil er für mich persönlich so sinnbildlich ist. Ich habe das Gefühl, dass er mit mir mitwächst.

2. »100 MEILEN«

Den habe ich mit Parsa (Anm. d. Red.: Parsa Sarraf) zusammen gemacht. Und das war für mich auf jeden Fall ein klassischer Fall von: Ich hab den gemacht, dann hab ich eine Woche nicht drüber nachgedacht, dann hab ich den gehört und war so: „Was geht? Der ist ja voll nice.” Der war irgendwie einfach plötzlich da.

Ich schreibe gerne aus traurigeren Emotionen heraus, weil die für mich musikalisch am leichtesten zu greifen sind. An dem Tag, als ich den Song geschrieben habe, hatte ich Sehnsucht nach einem Ort der Ruhe – einem Ort, wo man alles ablegen kann und sorglos ist. Das ist bei mir voll assoziiert mit Meer und Sonne. Und aus diesem Gefühl ist »100 meilen« entstanden.

3. »DELFINE IN DER SPREE«

»delfine« habe ich alleine auf Gitarre geschrieben. Das ist ein Jugendsong von mir. Der ist sehr alt, vielleicht vier Jahre.Deshalb ist er für mich sehr weit entfernt, aber gleichzeitig bedeutet er mir nach wie vor wahnsinnig viel. Und weil es jetzt genau darum ging, alle Songs, die unsere Wurzeln und Anfänge darstellen, auf die EP zu packen, war es mir sehr wichtig, dass der auch dabei ist.

Ich habe den für mich geschrieben, lange liegen gelassen und dann haben ihn immer wieder andere Leute gehört, und mich gefragt, ob er noch veröffentlicht wird, weil er so viel in ihnen ausgelöst hat. Es gibt 87 Milliarden Versionen davon. Ich habe ihn mit meiner Mitbewohnerin aufgenommen, wir haben ihn auf Klavier gespielt, wir haben ihn auf Gitarre gespielt, es gibt die Anfangsversion von mir und noch viele mehr. Dieser Song wurde wirklich komplett zerlegt. Aber am Ende haben wir uns auch da wieder für eine relativ ältere, unaufgeregte Version entschieden. Dabei war das so ein Song, wo viele Leute meinten: „Das ist ein Hit. Den machen wir ganz groß.” Gerade deshalb finde ich es sympathisch, dass keiner den so richtig geknackt und zum Hit gemacht hat und wir stattdessen die Entscheidung getroffen haben, ihn einfach so klein zu lassen, wie er am Anfang war. Ich finde, das steht ihm sehr gut und für mich ist er auch gar nicht so traurig.

Es ist wie bei »100 meilen« eine Art Utopie, die ich geschrieben habe, nach dem Gedankenspiel von diesem Kreislauf: Wenn alle heulen würden, dann würden die Tränen wieder in die Wolken gehen. Wenn die Tränen in die Wolken gehen, dann regnet es ganz viel und dadurch kann die Stadt sich regenerieren. Deswegen schwimmen irgendwann Delfine in der Spree.

4. »STUHL IM GARTEN«

»stuhl im garten« haben wir vor einem Monat geschrieben, auch aus dem Bedürfnis heraus, einen aktuelleren Song dabei zu haben. Wir haben uns über meinen Geburtstag aufs Land verkrochen, Nico und ich. Das war schon für sich voll schön, weil wir über die letzten zwei Jahre immer wieder mit anderen Leuten gearbeitet und rechts und links ganz viel ausprobiert haben.
So hatten wir nochmal ein paar Tage zu zweit auf dem Land und haben einfach unsere kleinen Songs nach Hause gebracht, unter anderem auch diesen.

Ich habe »stuhl im garten« tatsächlich mit einem konkreten Bild im Kopf geschrieben: Überall sitzen Leute in diesen weißen Plastikstühlen und warten auf den nächsten Tag. Es ist ein generelles Gefühl von Stillstand. Du kannst nicht so richtig was verändern, aber eigentlich willst du. Und gleichzeitig hat es auch etwas total Friedliches, auf diesem Stuhl zu sitzen. Als ich dann Geburtstag hatte, mochte ich den Gedanken, dass man irgendwann, wenn man alt ist, auch auf genau so einem Stuhl in seinem Blumengarten sitzt – dass wir überhaupt alle an den schönsten Orten der Welt auf diesem unglaublich hässlichen Plastikstuhl sitzen. Mit solchen Banalitäten und alltäglichen Sachen spiele ich sehr gerne. 

5. »TAGE NIE GEZÄHLT«

»tage nie gezählt«  kommt von einem Tag, an dem es mir nicht so gut ging. Die gibt es auch. Da habe ich dann ganz doll Vermissungen oder Sehnsüchte. In dem Fall habe ich an eine Person geschrieben, die ich sehr, sehr vermisse. Das fühlt sich so an, wie mein Song für mich. Er ist wirklich sehr persönlich und deshalb auch keine Single, weil es nichts ist, womit ich mich profilieren möchte. Der Song ist ein Teil des Ganzen und hat da seinen richtigen Platz.

Viel mehr kann ich dazu gar nicht sagen. Im Kern ist die Message: Zähl’ die Tage nicht, am Ende ist es scheißegal, wie lange etwas her ist, wenn das Gefühl da ist. Was auch immer die Person fühlt, die den Song hört – fühl’ es! Und wenn es dir nichts gibt, dann hör’s nicht…

Zur EP gibt es auch eine Release-Party – mit welchen Gefühlen blickst du darauf?

Das wird sensationell! Das wird so ein Full-Circle-Moment. Alle unsere Leute sind da, die ganzen Menschen, die uns bis hierhin begleitet haben.

Ich habe früher, wenn man mich gefragt hat, was ich mal werden möchte, immer gesagt: Egal was es ist, ich will so arbeiten, dass alle meine Freunde mit mir arbeiten können und wir irgendwas Geiles machen. Und heute – als ich mit einer Freundin im Café saß und wir ein Plakat designt haben – hatte ich den Moment, in dem ich realisiert habe, dass wir jetzt genau das machen. Das ist so schön, weil morgen einfach so viele Freunde von mir da sind, die an diesem Projekt mitgearbeitet haben, auf ihre kreative Art und Weise.

Ich habe eine verfickt geile Bubble – wir sind richtig tolle, talentierte Leute. Deswegen ist diese Party für uns alle: Wir haben dieses Projekt nach Hause gebracht, alle zusammen. Darüber freue ich mich total und bin voller Stolz, das morgen zu zeigen.

Was können wir im nächsten Jahr von euch erwarten?

Ich will nicht zu viel vorwegnehmen. Aber es kommen richtig viele geile Projekte. Wir hätten uns nicht so viel Zeit gelassen mit unserem ersten Release, wenn wir nicht schon die nächsten Sachen in Petto hätten. Und ich glaube, es wird sehr überraschend sein. Wir probieren in unserem nächsten Projekt, vieles neu zu denken und etwas zu machen, was man so nicht erwarten würde. Ich finde nämlich, dass Verwirrung ein geiles Tool ist, das man zu wenig nutzt. Es könnte also vielleicht verwirrend sein, aber es wird verwirrend gut!

Der Beitrag Track by Track zur Debüt-EP: Shelly Coral im Interview über Anfänge, Banalität und Verwirrung erschien zuerst auf Mostdope.

Ein neues Level

Selbstbewusst, ungeniert und rotzig kam der ehemalige Meister schon immer daher. Nur stand ihm diese Attitüde nie so gut wie in seinen jüngsten Veröffentlichungen, wo er sie auf die Spitze treibt und zugleich in Storytelling und Selbstreflexion einbettet. Die Art und Weise, mit der er seine toxischen Verhaltensmuster aufdeckt, dunkelste Gedanken entblößt und destruktive Dynamiken hinterfragt, ist getrieben von einer entwaffnenden Kompromisslosigkeit. 

Der unmissverständliche Drang, ans Limit zu gehen, zieht sich als roter Faden durch die sechs Singles zu seinem neuen Album, dessen Titel »Lieder, die ich geschrieben habe anstatt aus dem Fenster zu springen« das Kernmotiv perfekt einfängt. Man hat das Gefühl, jeder Angriff, jedes Geständnis, jeder Anflug von Galgenhumor stammt aus einem Guss und hat seinen richtigen Platz gefunden.

Atlantic wollte sign’n, ich hab’ gedacht, jetzt werd’ ich reich, heh
Erste Hälfte Vorschuss hab’ ich reingekotzt in’ Rhein
Techno-Songs gemacht damit’s für die Masse stimmt
Leute sagen: „Er denkt Aggu“, ich mein’, hätt ja klappen könn’n

beslik – »Guten Morgen Deutschland«

Eine radikale Emotionaliät

Im Kern steht eine emotionale Ausweglosigkeit, die in zynischen Fatalismus übergeht – vermeintlich destruktiver Hass, der sich schließlich explosionsartig in kreativer Energie entlädt. Den sinnbildlichen Höhepunkt findet dieses Gefühl auf »BDEB« mit Tiavo in der schrittweisen Anleitung zum Bau eines Molotowcocktails und dem direkten Aufruf, wortwörtlich alles in die Luft zu jagen. Diese Idealisierung der kompletten Katastrophe ist nichts als die maximal konsequente Zuspitzung des „Ich hasse alles, ich fick’ jeden”-Mindsets, das in »Guten Morgen Deutschland« eingeleitet wird.

beslik gibt auf seinen neuen Songs einer eigentlich unerträglichen, universellen Hilflosigkeit Raum, bricht deren Schwere aber gekonnt mit ironischer Distanz und Übertreibung.

Ich würd’ noch Kippen rauchen mit Tuberkulose

beslik – »Geister«

Ein rundes Gesamtkonzept

Diese inhaltliche Qualität trifft auf stimmige Visualisierungen, sowohl im schlichten Coverkonzept als auch in den Musikvideos. Außerdem – und das kann gar nicht stark genug hervorgehoben werden – performt beslik durchweg auf fantastischen Produktionen, zumeist von Raw Flavour, aber auch von Hägi oder Dexter (der ja schon manchem Rapper zu gelungenen Stilbrüchen verholfen hat). Interessante Samples und Loops, eher niedrige BPM, statt stumpfem Techno schmiegen sich Boom-Bap-, Lo-Fi- und Jazz-Einflüsse organisch an die ausgebreiteten Gefühlswelten und ergeben einen wohltuend zeitlosen Sound, der beslik unfassbar gut steht.

Seit über zwei Monaten klingt beslik also so ungefiltert und entfesselt, erwachsen und stilsicher wie nie zuvor. Jeder neue Song wirkt wie ein weiteres Kapitel aus einem fesselnden Roman, für den er einen Ton gefunden hat, den er mit voller Authentizität zu verkörpern weiß. Dabei zuzuhören ist aufregend, schockierend, lustig und merkwürdig befriedigend zugleich. 

Es ist einfach fucking beslik-Season und wir sind maximal gespannt, wie er die Erzählung auf seinem Album vollendet!

Der Beitrag Kompromisslos am Limit: Warum ist gerade beslik-Season? erschien zuerst auf Mostdope.

Jassin – Arsenalplatz

Arsenalplatz, eine große Freifläche in Jassins Heimatstadt Lutherstadt Wittenberg, ist nicht nur Albumtitel, sondern auch Hauptschauplatz der zwölf Songs. Ein Jahr nach der Veröffentlichung seiner Debüt-EP »Kinder können fies sein«, einem prall gefüllten Festivalsommer und einem tadellosen Single-Run liefert der junge Newcomer mit »Arsenalplatz« eine Erzählung über die Höhen und Tiefen des Erwachsenwerdens in Ostdeutschland. Coming-of-Age aus Sachsen-Anhalt auf Albumlänge.

Genauer gesagt geht es um die Suche nach Zugehörigkeit, Fragen der Identität, die Auseinandersetzung mit transgenerationalem Schmerz und eine generelle Überforderung mit der eigenen Gefühlswelt. Diese Themen, eigentlich normal für Personen in der undefinierten Phase zwischen Teenager und Erwachsenen, wurden im Falle von Jassin noch durch eine rasant explodierende Karriere als Musiker ergänzt.

Im Laufe des Albums erarbeitet sich der junge Künstler seinen eigenen Umgang mit diesen Hindernissen, zeigt rohe Verletzlichkeit und politische Haltung und gibt jedem Gefühl eine Daseinsberechtigung. Musikalisch erinnert das Ganze an Folk-Einflüsse à la Bon Iver oder auch melancholischen Indie-Pop à la Schmyt – (Insbesondere die Ad-Lips auf »Sonnenbankflavour«). An dieser Stelle wäre ein wenig mehr Experimentierfreude angenehm gewesen. Schlussendlich bewegt sich die LP hauptsächlich im Bereich der Synth-Pads und Indie-Gitarren und hat sich damit ein gutes Stück von den Rap-Einflüssen, die noch auf »Kinder können fies sein« zu hören waren, entfernt.

Nichtsdestotrotz hat Jassin mit »Arsenalplatz« ein Debütalbum veröffentlicht, dass sich sehen lassen können. Ohrwürmer über Ohrwürmer, einen begehrten Feature-Gast wie Edwin Rosen und eine allmählich einsetzende Zufriedenheit. Wir können definitiv gespannt sein, was wir in Zukunft noch von ihm zu hören kriegen!

Michail Weiss

OG LU – assig aber cute

Während Frankfurt dieser Tage durch die Haftbefehl-Doku erneut in aller Munde ist und seine verdienten Lorbeeren für sein Deutschrapvermächtnis einsammelt, packt OG LU parallel dazu die Mainstadt kurzerhand mit frischem Sound auf die Karte, ganz ohne Nostalgie. Die schon aus dem von Hafti eigens besungenen Stadtteil Gallus entstammende Rapperin schafft mit ihrem zweiten Tape »assig aber cute« auf den ersten Blick einen Widerspruch, wenn sie die heutzutage überall in Memes und Popkultur auftauchende überzeichnete Cuteness in Titel und Coverart verpackt, doch räumt im Verlauf des Tapes in Windeseile damit auf.

Denn wo sie sich einerseits auf »Knoppers« noch als Barbie bezeichnet doch direkt darauf folgend mit Kampfsport-Referenzen um sich schmeißt und ansatzlos die Frankfurter Fäuste spielen lässt, wird schnell klar: OG LU ist viel wütender als gewisse Emojis weismachen könnten. Wenn Polizeiautos brennen sollen, Oppressionen aufgezeigt werden und Sparringspartner im Sekundetakt herbeizitiert werden, um anschließend auf die Fresse zu bekommen, dann ist das alles, aber nicht mehr cute. Viel mehr zeigt sich hier auf zehn Tracks eine von Wut über Ungerechtigkeiten genährte Künstlerin, die in der Musik ein Ventil gefunden hat, um sich darüber Gehör zu verschaffen.

Dass sie bald auf ihre bislang größte Tour geht, im Sommer bei K.I.Z die Vorgruppe gespielt hat und von Szeneakteur*innen von Aria Nejati bis Tom Hengst und Wa22ermann ihr verdientes Hak erhält, zeigt: das Aufwärmen ist endgültig vorbei, jetzt wird in den Ring gestiegen.

Matthi Hilge

Pashanim – junge ceos 1

In seiner Release-Frequenz bleibt Pashanim unberechenbar. Mal eine Single, mal ein Mixtape, mal »junge ceos 1« fünf Jahre nach »junge ceos 2« – stets natürlich aus dem Nichts. Auch inhaltlich bleibt alles beim Alten. Innovative Elemente finden sich vor allem in den Produktionen, zum Teil in den Flows aber auch in den neuen (mitunter unverhofft lustigen) Winkeln, die Pashanim für die immer gleichen Erzählungen findet. 

„Fick ma’ USA, lak, was für Supermacht? / Ich zieh’ ‘nem Ami seine Sachen in der U-Bahn ab / Es war Herbst, die Sonne schien, ich hatt’ ein’n super Tag”

Pashanim auf »step up«

Es ist eine Menge Vertrautheit, die sofort den Wohlfühl-Effekt einsetzen lässt – wie beim wiederholten Binge-Watching der immergleichen Sitcom – gepaart mit genug Abwechslung und Kurzweiligkeit, um die Neugier aufrechtzuerhalten, keine Langeweile aufkommen zu lassen und nie zu übersättigen. Mit welcher Konstanz Pashanim nun auf diese Weise seit mehr als sechs Jahren schlichtweg gute Musik liefert, ohne sich dabei vor Experimenten und neuen Einflüssen zu verstecken, ist beachtlich.

In ihrer Kürze und ohne Konzeptdruck bleiben insbesondere EPs ein Heimspiel für den Berliner – vielleicht sogar ein bisschen zu sehr. Denn die Erwartbarkeit ihrer Qualität bestärkt das latente Gefühl, dass Pashanim sein volles Potenzial noch immer nicht ausgeschöpft hat. Als würde er immer nur etwas mehr als das Nötigste tun (weil er weiß, dass es ausreicht) und als wären alle Veröffentlichungen bis dato lediglich Teaser für den einen Moment, in dem er kompromisslos seine Komfortzone verlässt und künstlerisch endlich voll ans Limit geht.

Intuitiv würde man das in Form eines Albums denken, vielleicht droppt der ausgemachte Cineast aber vor der nächsten LP erst einmal wortwörtlich „Filme wie Wim Wenders” (»Näher«). Ähnliches hatte er schon auf »grünewürfelflow«, seiner ersten EP in diesem Jahr, angekündigt. Zuzutrauen wären ihm die großen Visionen für Werke beider Art allemal.

Wir wären in jedem Fall bereit, ihn nächstes Jahr kreativ komplett entfesselt zu erleben. Gleichzeitig weiß man, dass Pashanim mit vollem Recht in seinem eigenen Tempo arbeitet und wenig auf fremde Erwartungen gibt. Solange dabei weiterhin regelmäßig Projekte wie »junge ceos 1« erscheinen und er es nicht ernst meint, wenn er sagt „Scheiß’ auf Rap, weil ich brauch’ langsam andere Standbeine”, werden sich seine Fans kaum beklagen können.

Magnus Menzer

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Unser Coversong »Grün« lädt dafür zum Träumen ein. In einem Sog aus seichten Gitarren-Melodien und repetitivem Gesang fängt Lilli Belle die magische Ungewissheit im Kennenlernen einer neuen Person ein.

Mit filigraner Bildsprache zeichnet sie einen tiefen Blickkontakt, der nichts über die gemeinsame Zukunft verrät, aber alles über die Intensität des gegenwärtigen Moments – ein wunderschön instrumentiertes Mantra aus Emotionen und Eventualitäten.

Dieses und weitere Highlights des vergangenen Monats findet ihr wie immer unter DO GOOD. BE DOPE. auf Spotify.

Mit dabei sind:

CHARLIZE, DISSY, ZSA ZSA, GIANNI SUAVE, FYNE, AMELIE, VERIFIZIERT, ODDWORLD, GOOD COMPANY, SHELLY CORAL, TUA, SHOSHARASCAL, JASSIN, BESLIK  uvm.

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Marcel Heym, besser bekannt unter dem Alias Orbit, nimmt uns per Video Call mit auf einen Spaziergang durch seine Heimatstadt, durch seine Gefühlswelt und hin zu den Ursprüngen, die sein erstes Album prägen.

Orbit: Ich kann mal ein bisschen Kontext geben: Ich habe das Album in den letzten zwei Jahren geschrieben, aber es sind auch viele Songs drauf, die schon ein bisschen älter sind. Das Album ist für mich ein Abschluss von einer Phase meines Lebens, die 2020, mit dem Anfang von Orbit, begonnen hat. 2020 habe ich angefangen, die ersten Songs als Orbit rauszubringen. Sie handelten viel vom Kleinstadtleben, davon hier groß zu werden. Ich wohne in der Nähe von Bremen und bin hier mit meinen Freunden aufgewachsen. Darüber habe ich schon von Anfang an viel berichtet. Das Album ist ein Abschluss von dieser Phase, weil ich das Gefühl habe, dass ich in eine neue Ära meines Lebens komme, dass ich erwachsener geworden bin.

1. »SUMMERTIME«

Orbit: »Summertime« eröffnet für mich ein bisschen die Sommer-Szenerie, die Erinnerung an den Sommer zu Hause. Ich war in meiner Jugend viel mit meinen Freunden hier am Fluss. Ich kann es euch vielleicht sogar gleich mal zeigen, wenn ich daran vorbeilaufe (Dreht die Kamera und zeigt die Umgebung). Hier sind wir immer zusammen mit dem Fahrrad an den Strand gefahren. Dann haben wir entweder gekickt oder sind schwimmen gegangen. Das war schon sehr Bilderbuch-mäßig. Irgendwann ist die Phase ein bisschen zu Ende gegangen. Ich glaube, der Song ist für mich eine Erinnerung an die Sommer damals, die sich sehr magisch angefühlt haben. Ich zeige es euch mal kurz: Da drüben auf der anderen Seite ist einer dieser Strände (zeigt auf das andere Ufer des Flusses).

Magnus: Ich finde, durch deine ganze Diskographie zieht sich immer so ein sehr warmer, sommerlicher Vibe. Und du sagst, das ist für dich jetzt der Abschluss einer Lebensphase, das Ende von einem scheinbar nie endenden Sommer. Würdest du dann sagen, dass jetzt vielleicht danach, auch eine neue Jahreszeit bevorsteht, neue Temperaturen, die man in deinen Songs hören kann?

Orbit: Zumindest kann ich von mir selber behaupten, dass ich den Herbst mittlerweile viel, viel lieber mag. Früher konnte ich den nicht ganz annehmen, weil ich für immer im Sommer bleiben wollte. Denn der Sommer hat sich für mich immer nach der Jahreszeit angefühlt, in der ich am meisten lebe. Aber ich habe das Gefühl, dass sich bei mir auf jeden Fall ein bisschen was verändert. Und ich glaube, auch meine Musik wird sich sicherlich verändern. Ob sie dann weniger sommerlich sein wird, weiß ich nicht. Aber es wird auf jeden Fall anders sein.
Ich mag auch den Gedanken, davon jetzt Abschied zu nehmen und in eine neue Phase meines Lebens einzutreten.

Magnus: Was verbindest du denn konkret mit dem Herbst? Oder welche metaphorische Veränderung steckt für dich im Wandel von Sommer auf Herbst?

Orbit: Herbst steht für mich für Ruhe und etwas Behutsames und irgendwie für Sicherheit. Wenn ich es auf mich und mein Leben beziehe, dann ist es das Bedürfnis, sich settlen zu wollen. Ein bisschen weniger den Drang nach dem Leben im Außen zu haben. Ich glaube, ich bin fine damit, dass mein Leben nicht mehr ganz so turbulent ist, nicht mehr diese Achterbahnfahrt. Ja, so ein bisschen ankommen. Weniger suchen.

Lara: Suchen und am Ende den Weg zurückzufinden – das klingt nach einer sehr guten Überleitung zum zweiten Song des Albums.

2. »BERLIN«

Orbit: Ja, genau, »Berlin« steht symbolisch dafür, sich auf die Reise zu machen. Diesen Drang zu haben, etwas erleben zu wollen. Berlin war für uns als Teenager in der Kleinstadt immer genau dieser Ort, der uns motiviert hat, auszubrechen. Es war so ein magischer Sog, in diese Großstadt zu kommen und dort das spannende Leben zu leben. Ich habe all das ausprobiert und dann gemerkt, dass es nicht die richtige Richtung für mich ist. Ich habe dort viel produziert und erlebt und Berlin hat nach wie vor eine wichtige Bedeutung für mich.

Dieses Gefühl von damals, diesen Drang, kann ich immer noch nachvollziehen. Ich finde die Stadt unglaublich spannend, aber ich habe festgestellt, dass das nicht die Stadt ist, in der ich mich zu Hause fühle. Ich habe dort ganz viel über mich selbst gelernt und darüber, wer ich sein will und wer ich dachte, wer ich sein müsste. Genau diese ganzen Erkenntnisse sind mit in den Song geflossen.

Lara: Denkst du, dass diese Zeit trotzdem irgendwie fundamental wichtig dafür war, jetzt andere Songs machen zu können, die dir eben das Gefühl von nach Hause kommen geben?

Orbit: Ja, ich glaube, das ist so ein bisschen eine der Aufgaben in meinem Leben gewesen.
Berlin war sozusagen einfach nur symbolisch für etwas, was ich in meinem Leben erst mal herausfinden musste. Sozusagen eine Challenge, die ich bestehen und verstehen musste, um dann auch wieder andere Sachen erkennen zu können. Und ich glaube, dadurch hat sich auch meine Musik noch mal intensiviert.

Magnus: Hattest du einen Moment, wo es sich angefühlt hat wie ein Scheitern, dass du nicht glücklich geworden bist in Berlin? Oder war es durchweg positiv, dass du gesagt hast, ich höre jetzt auf mein Herz und ich gehe zurück und das fühlt sich alles richtig an?

Orbit: Das ist eine sehr gute Frage. Da muss ich ganz kurz drüber nachdenken. Ja, ich glaube schon, dass es sich kurz so angefühlt hat. Es war so lange ein Traum von mir, Musik zu produzieren. Ich denke, ich habe auf jeden Fall länger mit der Entscheidung abgewartet, gerade weil ich das Gefühl hatte, ich muss mir etwas beweisen. Ich muss mir dieses Narrativ, das ich von mir selbst hatte, oder diesen Traum, in Berlin zu leben und Musikproduzent zu werden, erfüllen. Dieses Bild, das ich von mir selber hatte, konnte ich sehr lange nicht aufgeben. Bis es mir körperlich und mental nicht gut ging und ich irgendwann gezwungen war, zu reflektieren, was ich eigentlich will. Und dann bin ich zurückgezogen. Es gab schon diesen Moment des Scheiterns. Aber dann auch das Gefühl, dass es vielleicht gar nicht Scheitern, sondern eine total wichtige und gute Erkenntnis ist.

3. »YOUTH«

Orbit: Ich habe dem Song den Titel eigentlich eher aus einem Gefühl heraus gegeben.
So entstehen Songs oft bei mir. Ich mumble irgendwas und dann muss ich dafür später Worte finden. Erst bestand der Song nur aus diesen  Mumble-Lyrics, und dann habe ich überlegt, wonach sich dieser Song anfühlt. Und der Song hat sich für mich angefühlt wie mit meinen Freunden früher durch Gärten zu jumpen. Ein bisschen dumm, ich weiß (lacht). Wir haben in einem Garten angefangen und sind dann irgendwie so weit gekommen, bis wir von anderen Leuten gestoppt wurden oder irgendwas passiert ist. Ich weiß nicht, ob andere Menschen das auch machen, aber die Erinnerung daran transportiert ein sehr energetisches Gefühl von Jugend, davon unterwegs zu sein und immer seine Freund*innen um sich zu haben. Ich glaube, es ist ein sehr gedankenbefreites Leben, einfach nur da zu sein und Scheiße zu bauen. Genau das ist der Song für mich. Dann lassen sich die Lyrics auch ein bisschen von alleine schreiben.

4. »BACARDI BEACH«

Lara: Geht »Bacardi Beach« dann auch in eine ähnliche Zeit zurück?

Orbit: Ja, der Bacardi Beach war einer unserer Treffpunkte. Es gibt viele verschiedene Kleinstadt-Mythen, weswegen er so heißt. Woher der Name  genau kommt, weiß ich nicht. Aber der Song hat nichts mit irgendeiner Vorliebe zu Alkohol zu tun oder so. Bacardi ist auch echt nicht so geil, finde ich. Die erste Idee vom Song ist an einem Tag entstanden, an dem ich mit meinen Freunden am Bacardi Beach war und dann abends nach Hause gekommen bin. Jahre später habe ich diese Skizze wiedergefunden und weitergemacht.

Lara: Aber konntest du denn auch nach diesen Jahren immer noch genau am selben Gefühl anknüpfen?

Orbit: Ja, das kann ich irgendwie ziemlich gut. Manchmal neige ich dazu, mich stark in Gefühle reinzusteigern und werde sehr nostalgisch. Das ist eine Stärke und vielleicht zugleich auch eine Schwäche von mir. Aber ich bin auf jeden Fall gut darin, mich in gewisse Situationen zurückzuversetzen, wieder an diesem Ort, in dieser Zeit zu sein und kann das dann in Musik zu übersetzen. Viel Musik entsteht bei mir aus Erinnerungsstücken.

Magnus: Ich habe mich gefragt, ob du vielleicht ein konkretes Setting im Kopf hast, in welcher Landschaft oder an welchem Ort man das Album so am besten aufnehmen und am besten hören kann.

Orbit: Also ich weiß nicht genau, ob es ein Ort ist, den ich beschreiben kann, ich würde aber sagen, dass der geistige Zustand auf jeden Fall Ruhe sein sollte. Ich kenne es von mir selber, es ist auch manchmal schwierig, diese Ruhe in den Alltag zu integrieren. Wenn ich in so einem Rush-Modus bin, gerade viel auf dem Zettel habe und nicht so richtig bei mir bin, konsumiere ich Musik ganz anders, als wenn ich mir beispielsweise eine Platte im Wohnzimmer anmachen würde. Von daher wäre es das Allerschönste, wenn Menschen das Album so hören würden, aber das kann ich natürlich von niemandem erwarten, vor allem heutzutage. Aber ja, in Ruhe, in einem Setting, wo man sich wohlfühlt, das wäre meiner Meinung nach die schönste Weise, dieses Album wahrzunehmen, weil ich auch das Gefühl habe, dass man so am besten in diese Welt eintauchen kann.

5. »FORMULA«

Orbit: »Formula« ist eine Drum’n’Bass-Partyserie im Dröönläänd, einem Club in Achim, der tatsächlich relativ renommiert in der Drum’n’Bass-Szene ist. Total witzig, weil Achim eigentlich eine relativ konservative, mittelständische Normalo-Stadt ist. Und dann gibt es diesen einen Club, der echt ziemlich underground und cool ist. In diesem Song geht es um eine Beobachtung von mir selbst, wie ich bei einem Event dieser Partyreihe eine Person kennengelernt habe, die mich sehr geflasht hat. Das ist tatsächlich eine sehr konkrete Erinnerung. 

Magnus: Wenn du wieder dort wohnst, wo du aufgewachsen bist und so viele Orte etwas in dir auslösen, passiert es  dann oft, dass dich plötzlich alte Gefühle oder Erinnerungen überfallen, ohne dass du darauf vorbereitet bist?

Orbit: Ja, manchmal werde ich dadurch nostalgisch und muss aufpassen, dass ich nicht in der Vergangenheit lebe oder da zu tief eintauche, weil sich Dinge natürlich verändern. Aber ja, ich bin schon immer damit konfrontiert.

Magnus: Hast du das Gefühl, du kannst gut damit umgehen, wenn sich dort Dinge verändern? 

Orbit: Ich habe mich mittlerweile besser damit abgefunden, aber eine lange Zeit konnte ich echt schlecht mit Veränderungen umgehen. Es fiel mir total schwer, mich von Dingen zu verabschieden, in neue Kapitel reinzugehen und vor allem von meiner Kindheit loszulassen. Auch nach der Schule war ich der Einzige, der nicht richtig gefeiert hat, dass wir jetzt alle durch sind mit dem Abi und uns irgendwo verstreuen. Ich wusste nicht, ob ich diese Vorstellung so schön finde. Mittlerweile bin ich, glaube ich, ganz gut darin geworden, Veränderungen anzunehmen.

6. »SEPTEMBER«

Orbit: Ich glaube, das, was gerade schon thematisiert wurde, passt auch sehr gut zu diesem Song. Es geht ums Loslassen. Die Blätter fallen und es beginnt etwas Neues. Und vor allem geht es darum, genau das zu akzeptieren. Den Song gab es auch schon vorher als Demo-Version auf einem anderen Tape. Und irgendwie hat er sich nach einem wichtigen Bestandteil der Geschichte dieses Albums angefühlt, sodass ich ihn auf jeden Fall unbedingt drauf haben wollte.

Lara: Ich weiß nicht, wie groß die Intention dahinter war, aber hast du ihn auch gezielt in der Mitte des Albums platziert? Als eine Art Wendepunkt?

Orbit: To be honest, ich habe die Platzierung der Songs gar nicht so sehr nach einer Geschichte, sondern viel mehr nach einem Gefühl sortiert. Aber ich finde es krass, dass es gerade total Sinn ergibt. Vielleicht male ich es mir auch gerade einfach so schön, aber ich finde es total passend, weil der Sommer sich dem Ende neigt. Und ich finde September ist auch irgendwie so der Monat, der für mich immer am melancholischsten war.

Die Sonne hat noch geschienen, man war schon auch noch viel draußen mit Freunden. Aber man hat schon gespürt, dass all das bald ein Ende hat. Man spürt diese Endlichkeit von Dingen. Der Geruch und das Licht zu dieser Zeit triggern so viele Erinnerungen. Ich glaube, vielleicht ist es auch das, warum ich es deswegen heute besser annehmen kann, weil ich mich auf diese Art von Nostalgie mittlerweile immer ein bisschen freue. 

7. »CATO«

Orbit: »Cato« ist benannt nach meiner Schule, die wiederum benannt ist nach Cato Bontjes van Beek, einer Widerstandskämpferin aus NS-Zeiten. Der Song hat keine Lyrics, aber er besteht aus einem Voice-Sample, was sich für mich immer angehört hat, wie Schulkinder, die auf dem Schulhof rumschreien. Die Schulzeit ist für mich irgendwie immer etwas, an das ich mich sehr gerne zurück erinnere. Also habe ich diesen Song meiner Schulzeit gewidmet.

8. »YOU«

Orbit: Ich habe am Anfang gedacht, dass ich den Song über eine Person schreibe. Aber es geht eigentlich eher um das Gefühl, an eine Person zu denken. Ich habe das dann sehr personifiziert mit einer Person, die mir sehr lange sehr wichtig war. Eine Person, an die ich sehr viel gedacht habe. Aber es geht eigentlich eher um dieses Gefühl, jemanden nicht aus seinem Kopf zu bekommen und um die Intensität dieses Gefühls, als um die Person selbst.

Lara: Ein spannender Ansatz, diese Differenzierung, dass es eben nicht um die Person als solche geht, sondern um das, was sie in einem auslöst. Auch wenn beides wahrscheinlich häufig vermischt wird.

Orbit: Total. Das ist auch eine Sache, die ich für mich noch nicht ganz geklärt habe. Inwiefern man sozusagen eine Person romantisiert und dieses Gefühl nur auf eine Person, wie in einer Traumvorstellung, projiziert.

Lara: Gibt es einen Bezug zwischen »You« und dem nächsten Track oder stehen sie komplett unabhängig voneinander? Denn beim Hören wirken sie, als würden sie zusammengehören.

9. »LOSING«

Orbit: Auf jeden Fall haben beide Songs die gleiche Bedeutungsebene. Ich habe sie nicht deswegen unbedingt so platziert, aber ich habe »Losing« da platziert, weil es für mich einen poetischen Sinn ergeben hat, das Album so mehr oder weniger zu beenden. »Losing« ist für mich der Abschied von ganz Vielem. Unter anderem von Personen, aber auch von Gefühlen. Von ganz vielen Dingen, an denen ich immer sehr lange gehangen habe und sehr, sehr lange gebraucht habe zu lernen, wie man sie gehen lässt. Und der Song hat mir dabei geholfen. »Losing« klingt heute für mich sehr positiv nach Leichtigkeit und Hoffnung.

10. »COUNTLESS FEELINGS BUT SO FEW WORDS« (OUTRO)

Orbit: Dieser Song verbindet für mich all das Gesagte: Alle Gefühle sind da und dürfen auch da sein. Ich glaube auch, die Erkenntnis, nur weil ich sie losgelassen habe oder weil ich mich verabschiedet habe von einer Zeit, von einer Ära, von Menschen in meinem Leben, sind sie trotzdem auch immer noch ein Teil von mir. Und das ist etwas sehr Schönes. Dieses Album hat mir geholfen zu akzeptieren, dass sich alles in einem fließenden Zustand befindet. Es war sehr selbsttherapierend dieses Album zu machen.

Lara: Würdest du sagen, dass du das leichter akzeptieren kannst, eben weil du viele dieser Gefühlen und Lebensphasen in deinen Songs konserviert hast? 

Orbit: Ja, also ich glaube erstmal, durchs Musikmachen selber passiert schon total viel. Weil ich dann erst Gefühle zulasse, die ich sonst nirgendwo ausspreche. Viele Dinge, die mir auf dem Herzen liegen, die ich aber gar nicht so richtig beschreiben kann, kann ich dann in dieser Musik transportieren. Ich habe mir mit dem Album auch schon ein bisschen vorgenommen, Dinge ganz bewusst loszulassen. Das ist für mich die Quintessenz des Albums: dass ich mein Stück Frieden in allem finde, sich der Kreis schließt und ich wieder neu aufatmen kann.

Der Beitrag Track by Track: Orbit über sein Debütalbum »Countless Feelings but So Few Words« erschien zuerst auf Mostdope.

Schon bei oberflächlichen Internet-Recherchen finden sich etliche statistische Belege für das reale Problem patriarchaler Gewalt. Dass auch die Musikindustrie davon unterwandert ist, ist längst kein Geheimnis mehr. Doch die gefährliche Kombination aus großen Träumen auf der einen und gewissenlosem Machtmissbrauch auf der anderen Seite bleibt akut.

Umso wichtiger ist es, dass FLINTA*s gehört und unterstützt werden, am besten bevor, aber spätestens wenn sie selbst laut werden und ihre Machtposition reclaimen müssen.

Bangerfabrique – Crash Out

„Death to all abusers” lassen emmamaelo, nebou und melle recht unmissverständlich direkt zu Beginn von »CRASH OUT« wissen. In ihrer Haltung sind bangerfabrique ja sowieso schon immer ziemlich klar und direkt gewesen, haben sich dabei vor allem sexpositiv und  feministisch positioniert. Doch mit der vor zwei Wochen veröffentlichten Single richten die Hamburgerinnen sich nun explizit gegen Täter und rechnen hart ab mit übergriffigem Verhalten. Auch wenn »CRASH OUT« ohne Namedropping auskommt, so verraten die gepeepten Stellen und die Delivery dieser und weiterer Zeilen des Tracks doch, dass Abuser sich nicht mehr sicher fühlen dürfen.

Woran erkennt man Abuser? Dass sie bald keiner mehr bucht!

Das wäre ja schon mal ein Anfang…

Kitana – Alte Geister

Noch expliziter, wenn auch ohne namentliche Erwähnung, wird Kitana im Outro ihres jüngsten Albums »Fatality«. Auf »Alte Geister« adressiert sie ein Trauma und dessen Verursacher. Es geht dabei ganz klar um eine männliche Person, die Macht und Vertrauen gegenüber einer Minderjährigen missbraucht und dabei schwerwiegende psychische Schäden hinterlassen haben muss. Auch ohne weitere Details wird die Tragweite dessen unmissverständlich deutlich. In wortgewaltigen Zeilen und Rachefantasien kanalisiert Kitana nun eine über Jahre angestaute Wut. Auf der Suche nach gerechten Konsequenzen erkämpft sie sich mindestens eines: Sie wird vom passiven Opfer zum handelnden Subjekt, das den Täter uneingeschüchtert konfrontiert und zur Verantwortung zwingt.

Sah keine Reue, kein Bedauern in dei’m Blick // Ich hatte keine Zeugen, keine Aussage die hilft // Ich brauch’ keine Justiz, du bist ein kranker Psychopath // deshalb ramm’ ich dir die Gun in deinen Rachen bis du platzt

Sierra Kidd – Big Boi

Auch »Big Boi« behandelt einen Fall patriarchaler Gewalt. Als erste männliche Stimme in dieser Auflistung tritt Sierra Kidd darin lediglich als angehöriger Beobachter auf, dennoch ähnelt seine Attitüde der von Kitana. Der gut fünf Minuten lange Song ist biographisch aufgebaut und behandelt diverse Struggles seines Lebens sowie seiner Familie. Der komplette dritte Part widmet sich schließlich einem ehemaligen Stiefvater, der sich erst das familiäre Vertrauen erschlichen hat, um anschließend Kidds Mutter „fast blind” zu schlagen. Auch in diesem Fall scheint der Abuser ohne weitere Konsequenzen davongekommen zu sein, was in Kidd eine Wut hinterlässt, die er in einigen mehr oder weniger expliziten Drohungen stilistisch verarbeitet. 

Du weißt, wen ich kenne, und sie kennen dein Gesicht // Bis heute weiß ich nicht, was passiert, wenn ich dich erwisch’

RAYE – Ice Cream Man.

Bei Fällen von sexueller Gewalt wird gerne von Einzeltäter*innen und Einzelfällen gesprochen. Dass die Erfahrungen, die Kitana und Bangerfabrique in ihrer Musik schildern, aber genau das nicht sind, zeigt der Song »Ice Cream Man.« der britischen Künstlerin RAYE. Ein Song, der einen – besonders in der Live-Version – nicht nur Gänsehaut gibt, sondern auch dicke Tränen in den Augen ansammeln lässt. RAYE beschreibt die Situation im Studio – ein Kontext, der oft gefährlich für FLINTA*-Artists ist, da Musikstudios nicht nur sehr isoliert sind, sondern die Arbeit an Musik auch zu anderen Zeiten stattfindet und so die Linien zwischen professionell und privat oft verschwimmen. Es gibt genügend Berichte von Producern und Studiobossen, die dieses intime Setting ausnutzen – sexuelle Praktiken als Tausch für die Hoffnung auf eine Musikkarriere. Wenn das nicht funktioniert, wird sich einfach genommen, was nicht aus freien Stücken gegeben wurde. Diese und mehr Situationen besingt RAYE mit ihrer kraftvollen Stimme:

And I was 7 // was 21, was 17, I was 11 // It took a while to understand what my consent means // If I was ruthless, they’d be in the penitentiary.

Dabei scheut sie sich auch nicht davor, auf die Folgen einzugehen und was das alles mit ihr gemacht hat. Ein sehr beeindruckendes Lied, das aber nicht nur tragisch ist, sondern auch wütend macht. In der Tat: RAYE ist eine verdammt mutige und starke Frau, die ihr Debütalbum »My 21st Century Blues« genutzt hat, um diesen Gefühlen einen Ausdruck zu verleihen.

Jessie Reyez – Gatekeeper

Produzenten und Studiobosse sind die Wächter der Musikwelt. Wer Karriere in dieser Welt machen möchte, wird früher oder später auf sie stoßen. Die ungleichen Machtverhältnisse, die RAYE im Studio besingt, sind aber nur ein Beispiel für die Wurzeln des Problems. Es ist ein strukturelles Problem, das sich durch die ganze Musikindustrie zieht. Kaum jemand spricht dies so direkt an wie Jessie Reyez, die auf »Gatekeeper« direkt aus der Perspektive der Täter singt. Wer jetzt meint: „Sag doch einfach Nein.”, sollte sich einmal überlegen, wie sich der Druck einer ganzen Industrie anfühlt – nach langen Jahren harter Arbeit, ohne voranzukommen. Oder ob ein „Nein” wirklich ernst genommen wird in einem Raum voller Männer, die dieses Wort sonst nicht kennen. Eine Erfahrung, die häufiger gemacht wird, als man denken möchte.

We are the gatekeepers, spread your legs, open up // You could be famous, girl, on your knees // Don’t you know what your place is?

In ihrer neuen Dokumentation Mañana Fue Muy Bonito spricht die kolumbianische Sängerin Karol G erstmals über ihre Erfahrung mit sexuellem Missbrauch in der Musikwelt. Sie ist fast identisch mit der, die Jessie Reyez beschreibt.

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Eine charismatische Stimme tänzelt über soulige Basslines, hauchzarte Background Vocals, hin und wieder schimmert eine E-Gitarre zwischen den Zeilen hervor – »Ich schieb dich weg von mir« von Romy klingt deutlich größer als man das bei (Stand jetzt) 70.000 Streams vermuten würde. In analogen Visuals, lässig gesprochenen Passagen und träumerischer Bildsprache verfängt das Gefühl sommerlicher Melancholie. Ohne sich aufzudrängen, macht der Song süchtig und landet damit völlig zurecht auf dem Juni-Cover unserer DO GOOD. BE DOPE. Playlist.

Wir warten gespannt auf die nächsten Releases, nicht zuletzt weil Romy mit Biztram einen Produzenten an ihrer Seite zu haben scheint, der spätestens seit Paula Hartmann den Ruf hat, perfekt mit den Visionen junger Künstler*innen zu harmonieren!

Alle weiteren Highlights des vergangenen Monats findet ihr wie immer unter DO GOOD. BE DOPE. auf Spotify.

Mit dabei sind:

ELI PREISS, CEREN, IKKIMEL, NYA POLO, YRRRE, AMELIE, SHINDY, YUNG PEPP, CUFFA, RITTER LEAN, ELIA, VICKY, CRACK IGNAZ  uvm.

Der Beitrag DO GOOD. BE DOPE. | Juni erschien zuerst auf Mostdope.