Eine 90’s Legende in Deutschland: DJ Premier

Seine Diskographie liest sich wie die Hip-Hop Bibel: Als die eine Hälfte von Gang Starr läutete DJ Premier Anfang der 90er die Golden Era des Hip-Hop ein und produzierte unter anderem für eine erlesene Auswahl an genreprägende Artists wie Jay-Z, Biggie oder Nas. Über die East Coast zu erzählen ohne seinen Namen zu nennen? Undenkbar. Aber: Obwohl Preemo vor allem als Produzent seinen Eintrag ins Hip-Hop Buch geschrieben hat, vordergründig hat er sich immer als DJ verstanden, wie auch sein Künstlername und sein legendäres Scratching unterstreichen. Und so hat der in Houston geborene Musiker immer Wert darauf gelegt, regelmäßig das Studio zu verlassen und seinen beachtlichen Katalog in die Clubs zu bringen.

Das Arbeitstier verlässt das Studio: The Alchemist

Begleiten wird ihn für die exklusive Europatour The Alchemist, seines Zeichens der vielleicht arbeitswütigste Produzent der letzten 25 Jahre. In den 90ern noch selber als Rapper gestartet, hat der Kalifornier schnell das Beats bauen für sich entdeckt und seit Anfang der 2000er seinen Ruf als DER Producer für die Underground-Szene ganz Amerikas untermauert. Freddie Gibbs, Curren$y, Earl Sweatshirt, Larry June, Evidence.. die Liste seiner Producercredits ist schier endlos lang und wird auch 2025 noch immer im gefühlten Monatstakt ausgebaut. Doch ab und zu führt den 48-Jährigen auch der Weg aus dem Studiodauerleben: So hat er beispielsweise als Live-DJ für Eminem lange Zeit Bühnen bespielt – nun geht es an der Seite von DJ Premier raus nach Europa.

He’s the Preemo, I’m the Chemist

Es ist das erste Mal, dass die beiden Ausnahmeproducer auf gemeinsame Tour gehen. Ihr gemeinsamer Katalog könnte vermutlich einen ganzen Tag Konzert nach sich ziehen, aber stattdessen werden die beiden die größten Hits und ausgewählte Fanlieblinge ihres jeweiligen Schaffens mitbringen. Die große »He’s the Preemo, I’m the Chemist«-Tour führt die beiden im November und Dezember von Zürich bis nach Lissabon, für drei Konzerte landen Preemo & Alc dabei auch exklusiv in Deutschland: Köln, Berlin und Hamburg werden im Rahmen der Tour angesteuert.

Tickets für die drei Deutschland-Stopps gibt’s hier.

Streetlife International präsentiert
He’s the Preemo, I’m the Chemist

27.11.2025  Köln Essigfabrik
30.11.2025  Berlin Metropol
01.12.2025  Hamburg Fabrik

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Joey Bada$$ – DARK AURA

Joey Bada$$ ist zurück mit seinem neuen Song »DARK AURA« auf dem der New Yorker nicht nur seine lyrischen Fähigkeiten zur Schau stellt, sondern uns mit dem Sound auch etwas nostalgisch werden lässt. Der Track ist die erste offizielle Single seines kommenden Albums »Lonely At The Top« welches schon am 29. August erscheinen soll. Wenn das nicht schon genügend gute Nachrichten wären, gibt es neben Album und Single auch eine Tour Ankündigung die uns kurz darüber weinen lässt das wir nicht in den USA leben (aber nur kurz, weil uns dann wieder der ganze Trump Bullshit einfällt). Die DARK AURA TOUR zieht von Oktober bis November durch US-Städte und hat mit Ab-Soul und Rapsody zwei unser Lieblings Artists als Special Guests.

Florence + the Machine – Everybody Scream

Bitte ganz dringend notieren, am 31. Oktober feiern wir dieses Jahr nicht nur das allerheiligste aller Feste sondern auch ein ganz besonderen Release. Florence + the Machine veröffentlicht ihr neues Werk »Everybody Scream«. Das sechste Album der Künstlerin wird damit wohl besonders magisch und düster werden. Einen ersten Eindruck davon bekommen wir von der neuen Single die den gleichen Titel wie das kommende Album trägt. Produziert wurde der Track »Everybody Screams« von Florence Welch persönlich mit der Unterstützung von anderen bekannten Artists wie Aaron Dressner, James Ford, Mitski Miyawaki und IDLES Leadgitarrist Mark Bowen. Wir erwarten laute Gitarren, düster-verdrehte Texte und hoffen dass das Outro auch ein Mantra für die restlichen Songs ist:

“The witchcraft, the medicine, the spells, and the injections / The harvest, the needle, protect me from evil / The magic and the misery, madness and the mystery / Oh what has it done to me? Everybody scream.”

Earl Sweatshirt – Live Laugh Love

Ein Slogan, der zwar schon ziemlich ausgelutscht ist, uns aber bei Earl Sweatshirt nochmal ein Auge zudrücken lässt. Der Künstler hatte zuletzt vor zwei Jahren sein Kollabo Projekt
»VOIR DIRE« mit The Alchemist veröffentlicht. »Live Laugh Love« fühlt sich an wie eine Ansammlung sehr nicer Beats über welche Earl uns in seiner typischen Manier mit guten Lyrics versorgt. Etwas zusammengewürfelt aber gefällt uns trotzdem richtig gut. 

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Die Beats ruhen auf einem Boom-Bap-Fundament, das tief in der Tradition verankert ist, aber genug Raum für Details lässt: mal ohne Drums wie in »Seeing Double«, mal mit leicht versetztem Swing wie in »Rain Every Season«. An den Reglern standen The Alchemist, Sebb Bash, Beat Butcha, DJ Babu, Conductor Williams, C-Lance, Graymatter – und natürlich Evidence selbst. Seine eigenen Produktionen prägen den Sound mindestens so stark wie die Beiträge der Gäste: staubige Loops, knisternde Drums, alles aufgeräumt und ohne unnötigen Ballast.

Von Veränderung und Ausdauer

Lyrisch zieht sich das Thema Veränderung durch das Album. Gleich zum Start macht »Plans Change« klar, dass Pläne selten in Stein gemeißelt sind. In »Outta Bounds« zeigt er deutlich, dass sein Platz nicht nur hinter dem Pult, sondern am Mic ist. »Define Success« verschiebt den Blick auf Erfolg – weg vom Status, hin zu klaren persönlichen Prioritäten.

Success defined by the person who defines it

Evidence

Die Features sind gezielt gesetzt: Blu, Larry June, Domo Genesis und The Alchemist bringen jeweils eigene Nuancen ein, ohne den Gesamtcharakter des Albums zu verändern. Jedes Feature wirkt wie eine natürliche Erweiterung, nicht wie ein Fremdkörper.

Aktuell bringt Evidence das Album auch live auf die Bühne – inklusive einiger Europa-Termine – und überträgt den gleichen Fokus, den die Platte hat.

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Yugen Blakrok – The Illusion of Being

Nach sehr langem Warten, in dem man phasenweise absolut nichts von ihr gehört hat, veröffentlicht Yugen Blakrok nach sechs Jahren endlich ihr neues Album »The Illusion of Being«. Produziert wurde es von Kanif The Jhatmaster, der bereits seit ihrem Debütalbum  »Return of the Astro-Goth« an ihrer Seite steht. Hierzulande kennt man Blakrok am ehesten durch ihr Feature auf Kendrick Lamars Black Panther–Album, wo sie neben Vince Staples auf dem Track »Opps« zu hören ist. Dabei sollte die Künstlerin aus Südafrika mit ihren lyrischen Fähigkeiten längst in aller Munde sein.

Zusammen mit Jhatmaster erschafft sie einen Sound, den man so in der Hip-Hop-Szene selten hört. Klassische Old-School-Elemente wie Scratching treffen auf Musik, die von diversen Kulturen beeinflusst zu sein scheint. Es klingt irgendwie auch nach Grunge und Rock – und gleichzeitig alt und neu.
Gemeinsam mit den dystopischen Lyrics, die mit Magie und Sci-Fi ganze Welten entwerfen, ist Yugen Blakrok wahrlich einzigartig. Für manche vielleicht zu speziell – für uns aber genau richtig. Ein sehr starkes Album, das Yugen Blakrok hoffentlich endlich den Ruhm bringt, nach dem sie zwar nie verlangt hat, den sie aber mehr als verdient hätte.

Pachyman – SJU

Dass man die besten Musiktipps nach wie vor im unabhängigen Plattenladen bekommt und nicht vom Algorithmus, zeigt mal wieder diese Empfehlung vom Groove City* Recordstore in Hamburg. Roots- und Dub-Musik – allerdings nicht aus Jamaika, sondern vom puertoricanischen Artist Pachyman, der mittlerweile in L.A. lebt.
Die Single »SJU« und das zugehörige Album »Another Place« sind ein absoluter Vibe, den sich jede*r geben sollte.

Larry June & Cards Got Wings – Black Man

Larry June und Cardo Got Wings bringen uns mit »Black Man« einen Vibe, der genauso gut funktioniert. Nachdem Larry June mit dem Kollabo-Album »Life Is Beautiful« für dieses Jahr eigentlich schon genug abgeliefert hat, geht der neue Track wieder mehr in Richtung  »Doing It for Me«. Extrem lässig – der Song überzeugt, und Larry June bleibt der Artist to watch.

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Moses Sumney & Hayley Williams – I Like It I Like It

Es scheint fast, als wäre ein wahnsinniger Fiebertraum wahr geworden. Moses Sumney und Hayley Williams – zwei Artists, die wir (und seien wir ehrlich, die ganze Welt) wahnsinnig schätzen – sind diese Woche auf dem Track »I Like It I Like It« zusammengekommen, und wir LIEBEN es. Ein bisschen weird, klebrig und hypnotisch überzeugt der Song mit zwei großartigen Stimmen, die zusammen fast noch besser klingen als allein. Bitte mehr davon!

Wer noch ein bisschen Spaß haben möchte, sollte sich unbedingt die Teaser der beiden auf Instagram ansehen. Neben großartigen platinblonden Good-Dye-Young-Perücken gibt es auch eine legendäre Tanzeinlage.

Billy Woods – GOLLIWOG

Ein Artist für Musikliebhaber*innen, der solo oder zusammen mit Kenny Segal Konzeptalben veröffentlicht, die absolut genial sind. Wer »Maps« noch nicht gehört hat, muss das dringend nachholen. Das neue Projekt von Billy Woods heißt »Golliwog« und ist benannt nach einer rassistischen Karikatur und Puppe aus dem späten 19. Jahrhundert. Eine Figur, die auch auf dem Cover des Albums zu sehen ist, ist zwar mittlerweile öffentlich verpönt, der Begriff „Golliwogg“ wird aber heute noch als rassistische Beleidigung gegenüber Schwarzen Personen benutzt.

Das Album ist aus der Ich-Perspektive geschrieben und behandelt viele Horrorszenarien, die vor allem deshalb so gruselig sind, weil man sich fragen muss, wie man sich selbst in diesen Situationen verhalten würde. Eine detaillierte Rezension zu dem Album könnt ihr auch auf Stereogum lesen, die »GOLLIWOG« zurecht zum Album der Woche gekürt haben. Sehr empfehlenswertes Projekt, das unbedingt am Stück gehört werden sollte – für Fans von Jordan-Peele-Filmen, guten Produktionen und fantastischem Rap. Billy Woods gehört lyrisch aktuell zu den besten der Szene.

Kali Uchis – Sincerely,

Was kann man über diese Frau schreiben, das nicht längst allen klar ist? Kali Uchis hat unser Herz fest in der Hand, und der Halt verfestigt sich nur durch das neue Album »Sincerely,«. Die Künstlerin singt emotional offen und ehrlich herzzerreißende Balladen über ihre Liebe als Mutter, die kürzlich gerade erst ihre eigene Mutter verloren hat. Das vierte Album von Uchis und dritte auf Englisch ist ein wunderschöner Zeitvertreib, den wir diese Woche wärmstens empfehlen.

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Wenn man mit Mac Miller Fans spricht, ist den meisten das Album schon lange ein Begriff, denn inoffizielle Versionen irren bereits seit Jahren durchs Netz. Aufgenommen wurde »Balloonerism« 2014 und reiht sich somit zwischen den Projekten »Watching Movies With the Sound Off« und »Faces« ein. Im März 2023 bestätigte Madlib, dass er an einem bisher unveröffentlichten Projekt von Mac Miller arbeitete. Welches genau er damit meint, war zu dem Zeitpunkt noch nicht klar. Aufklärung gab es letztendlich knapp eineinhalb Jahre später, während des »Camp Flog Gnaw« Festivals, wo ein kleiner Teaser Trailer zwischen den Sets von Sampha und The Alchemist & Friends die Veröffentlichung des Albums bestätigte. Zudem wurde angekündigt, dass das Album von einem Kurzfilm unter der Regie von Samuel Mason begleitet wird. Seine Familie schrieb kurz darauf über Instagram:

Wir glauben, dass das Projekt sowohl die Breite seines musikalischen Talents als auch seine Furchtlosigkeit als Künstler zeigt. In Anbetracht der Tatsache, dass inoffizielle Versionen des Albums seit Jahren im Internet kursieren und dass die Veröffentlichung von Balloonerism etwas war, das Malcolm häufig als wichtig für ihn bezeichnete, hielten wir es für angemessen, der Welt eine offizielle Version des Projekts zu präsentieren.

Die Kunst der Weiterentwicklung

Als Künstler, dessen Musik von stetiger Weiterentwicklung geprägt war, zeichnete sich Mac Millers Sound bis etwa 2013 durch eine Coming-of-Age-Ära aus. Er war experimentierfreudig, lieferte gerne humorvolle Lines und zeigte seine jugendliche Seite. Das Jahr 2014 war eine der prägendsten Phasen in Mac Millers Karriere. Zum einen befand er sich mental in einer dunklen Zeit, zum anderen vollzog er einen bedeutenden Wandel. Er verließ das Pittsburgher Indie-Label Rostrum Records, bei denen er unter anderem das Mixtape »K.I.D.S.« und sein Debütalbum »Blue Slide Park« veröffentlichte, und wechselte mit Warner zu einem Major. In den darauffolgenden Jahren schlug er einen reiferen Weg ein. Seine Alben wurden konzeptioneller, die Songs wirkten durchdachter und erzählten zusammenhängende Geschichten. Mac setzte sich häufiger mit Themen wie Selbstreflexion, Liebe oder auch Vergänglichkeit auseinander. »Balloonerism« steht genau für diesen Übergang. Das Album spiegelt diese Phase der Entwicklung von Mac Miller wider – nicht nur zeitlich, sondern auch musikalisch.

Die vorab erschienene Single »5 Dollar Pony Rides« legt den Grundstein für das Album. Über ein verspieltes Jazz-Instrumental reflektiert Mac mit einer Mischung aus Sehnsucht und Frustration über eine komplexe Beziehung und die Hin- und Hergerissenheit zwischen sofortiger Aufmerksamkeit und einer tieferen emotionalen Bindung. Besonders hervorzuheben sind vor allem Thundercat am Bass (der beinahe auf jedem Song auf dem Album vertreten ist), Kintaro am Keyboard und die Percussions von Ronald Bruner Junior.

„Die erste Person, die an mich glaubte“

Der Name, der beim Blick auf die Tracklist sofort ins Auge sticht, ist SZA. Die 35-Jährige, die kürzlich mit der Veröffentlichung ihres Albums »LANA« sowie der Ankündigung einer gemeinsamen Tour mit Kendrick Lamar für Aufsehen sorgte, liefert ein echtes Highlight. Der Track »DJ’s Chord Organ« ist ein experimenteller und psychedelischer Trip, produziert von Mac Miller selbst und untermalt durch SZAs wunderschönen Gesang und bittersüßen Lyrics über Einsamkeit und Sehnsucht.

You’ve been up for three days with one nap
I know you miss the nighttime
I know you miss your lifetime
Tell me the truth about it

»DJ’s Chord Organ«

Der Song markiert die erste offizielle Zusammenarbeit der beiden Künstler und das obwohl sie bereits seit den Anfängen ihrer Karrieren immer wieder kooperiert haben. Mac Miller produzierte beispielsweise unter einem seiner vielen Alter Egos Larry Fisherman den Song »UR« auf SZAs 2014 erschienener EP »Z«. SZA trägt außerdem zum Chorus von »Friendly Hallucinations« bei und ist damit gleich zweimal auf dem Album vertreten. 2018 schrieb sie über ihn in einem Post:

Du warst die erste Person, die ich hier kennengelernt habe. Du hast mich jeden Tag zu dir kommen lassen und mir den Raum gegeben, so zu sein, wie ich wollte. Du warst für mich da auf eine Weise, die ich niemals in Worte fassen oder zurückzahlen kann. Meine Dankbarkeit dafür ist grenzenlos. Du warst die erste Person, die an mich geglaubt hat und mit mir etwas erschaffen hat.

Einblick in dunkle Gedanken

Emotional wird es auch auf dem Track »Funny Papers«, der ein absoluter Höhepunkt des Albums ist. Mac verbindet dabei positive und negative Aspekte von Zeitungsinhalten mit seinen eigenen Gefühlen. Der Song erzeugt mit seinem Text schon fast eine „beatlesque“ Stimmung und erinnert an den 1967 erschienenen Song »A Day in the Life«. Der Titel „Funny Papers“ wirkt dabei leicht paradox: Zum einen steht er für den humorvollen Teil der Zeitung, zum anderen spricht Mac Miller im Song über ernste und deprimierende Themen, begleitet von einem wunderschönen Klavier. Besonders eindringlich ist die Zeile: „Didn’t think anybody died on a Friday“ – eine Aussage, die besonders unter die Haut geht, wenn man bedenkt, dass Mac Miller selbst Jahre später an einem Freitag verstarb. Der Song endet mit den Worten „Why does it all matter?“ und hinterfragt damit die Vergänglichkeit des Lebens.

Die Songs »Do You Have a Destination« und »Stoned« greifen ähnliche Themen auf. Mac Millers düstere Gedanken und Texte über Drogenkonsum ziehen sich beinahe durch das gesamte Album. Zeilen wie „Need to let the drugs go. Tryna find Heaven, I get high but never come close“ auf »Do You Have a Destination« sind dabei nur eines von mehreren Beispielen.

Der Song »Shangri-La« ist ein ruhiger und atmosphärischer Track, der wie der Titel verrät, die Vorstellung eines paradiesischen Ortes aufgreift. Der Begriff „Shangri-La“ stammt ursprünglich aus dem Roman »Lost Horizon« von James Hilton, in dem er einen idyllische und abgeschiedenen Rückzugsort in Tibet beschreibt. Gleichzeitig bezieht sich der Titel auch auf Rick Rubins Musikstudio in Malibu, in dem Mac im Sommer 2014 viel Zeit verbrachte. Der spätere Song »Rick’s Piano« ist eine Hommage an diese Zeit.

Trotz der überwiegend positiv klingenden Instrumentals enthält das Album viele melancholische und bedrückende Stücke, die dabei vor allem in abstrakte Sphären ausschweifen und eine Seite des Pittsburghers zeigen, die man so nicht immer von ihm gewohnt ist. Für Fans seiner Mixtapes »Faces« oder »Delusional Thomas« dürften jedoch viele Parallelen erkennbar sein, da dort ähnliche Themen und Sounds aufgegriffen werden.

If I die young, promise to smile at my funeral
Yeah, it’s just a rule to follow
If you’re lax, you can lose tomorrow

»Shangri-La«

Ein Finale mit großer Wirkung

Neben dem bereits angesprochenen SZA-Feature gibt es auf dem Album einen weiteren besonderen Moment: Auf dem Track »Transformations« tritt Mac Millers als sein eben angesprochenes Alter Ego Delusional Thomas in Erscheinung. Der Track ist einer der experimentellsten des Albums und beeindruckt mit seiner psychedelischen Stimmung, die durch staubige Drums, das Zischen eines Feuerzeugs und das Klirren von Eiswürfeln in einem Becher eine düstere Atmosphäre erzeugt. Macs hohe und zum Teil verzerrte Stimme machen ihn zu einem der spannendsten Songs auf dem Album und zu einem Highlight in der Tracklist. Das Album endet mit dem Track »Tomorrow Will Never Know«. Ein Song, der das Album nicht besser hätte zusammenfassen können. Ein 12-minütiges, wunderschönes, düsteres und psychedelisches Epos über das Streben nach innerer Erleuchtung, das den Hörer bis zur letzten Sekunde in den Bann zieht.

Zum Abschluss sollte dennoch die Frage aufgeworfen werden, inwieweit sich ein posthumes Release wie dieses überhaupt genießen lässt. Auf dem Album finden sich, wie auf »Rick’s Piano« oder auf »Manakins«, direkte Bezüge zu Mac Millers Tod. Er spricht offen über das Thema, was dem gesamten Hörerlebnis eine ernüchternde Stimmung verleiht. Gerüchten zufolge empfand Mac »Balloonerism« damals als zu deprimierend und widmete sich stattdessen der Arbeit an »Faces«, welches er schließlich selber fertigstellte und der Veröffentlichung vorzog. Zwar wird aus dem Umfeld von Mac Miller immer wieder betont, wie wichtig ihm dieses Album gewesen sei, doch es bleibt unklar, welche Songs er tatsächlich für die Öffentlichkeit vorgesehen hatte. Thundercat schrieb 2020 in einem Tweet: „Nicht alles ist dafür gedacht, einfach so veröffentlicht zu werden. Mac und ich haben an vielen verschiedenen Dingen gearbeitet. Er hat das getan, was er für richtig hielt.“

Das sind natürlich alles nur Spekulationen und man muss dazu erwähnen, dass Mac Millers Familie bis jetzt hervorragende Arbeit geleistet hat, sein Vermächtnis und seine Privatsphäre nach seinem Tod zu wahren. Sie haben ausschließlich Projekte veröffentlicht, von denen sie sicher waren, dass Mac sie auch für eine Veröffentlichung vorgesehen hatte – was offenbar auch bei diesem Album der Fall ist.

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Das TDE-Camp hat zuletzt viele Highlights feiern dürfen. Nur wenige Wochen nach Ab-Souls »Soul Burger« kündigte ScHoolboy Q seine internationale Tour an. Während Ab-Soul mit »Herbert« vor zwei Jahren einen eher introspektiven Weg eingeschlagen hat, geht Q mit »Blue Lips« noch eine Ebene tiefer und unterstreicht damit seinen Status als einer der stärksten Vertreter seines Genres. Das Album sicherte sich nicht nur einen Platz in den Mostdope-Jahrescharts unter den besten Rap-Alben des Jahres, sondern zeigt auch, warum er aktuell als einer der stärksten Künstler seines Genres gilt.

In den vergangenen Jahren war ScHoolboy Q lange nicht mehr live in Deutschland zu erleben. Sein Kölner Konzert markiert daher eine langersehnte Rückkehr, bei der er auch Tracks wie »Collard Greens«, »Hands on the Wheel« oder »Man of The Year« aus früheren Alben performen könnte.

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»Blue Lips«– ein Album mit Impact

Mit 18 Tracks und Features von Rico Nasty, Freddie Gibbs, Childish Major und Jozzy hat »Blue Lips« 2024 die Erwartungen erfüllt – und teilweise übertroffen. Besonders »Blue Slides«, eine Hommage an seinen verstorbenen Freund Mac Miller, sticht als einer der herausragendsten Songs hervor. Fans warten seitdem sehnsüchtig auf neues Material.

In der Zwischenzeit war Q aber alles andere als untätig und arbeitete mit anderen Artists zusammen. Zu seinen jüngsten Features gehören »Ferraris in the Rain« (mit The Alchemist) und »Sage« (mit den Griselda-Members Rome Streetz und Daringer). Mit der „Blue Lips Tour“ scheint das Warten auf neues Solo-Material von Q bald vorbei zu sein – Zeit für das nächste Kapitel.

Hintergründe

In einem Interview mit der Sendung Drink Champs von REVOLT sprach ScHoolboy Q über die lange Pause zwischen seinen Alben, die Fans häufig seinem Labelgründer zuschreiben: „Ja, wir haben ein Problem, und die Leute schieben es immer auf [Top Dawg]. Aber ich muss ehrlich sein – es ist nicht [Tops] Schuld. Manchmal sagt er vielleicht: ‚Ja, du brauchst noch einen Song.‘ Aber zu sagen, ‚Oh, du kannst dieses Jahr nichts veröffentlichen, denk nicht mal daran‘, ist absurd.“

Er räumte außerdem mit Gerüchten um ein mögliches Black Hippy-Album auf: „[Kendrick] macht sein eigenes Ding, pgLang“, sagte er und fügte hinzu: „Das ist Blut, weißt du, was ich meine? Es ist nicht einfach ein Rap-Kollege. Nein, das ist wirklich mein Bruder. Wenn er pgLang ist, bin ich auch pgLang.“

ScHoolboy Q 2025 in Köln – Blue Lips Tour

01. Juli: Köln, Carlswerk Victoria

Tickets könnt ihr hier kaufen.

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“I know some producers that’s popping that’s complaining about n***a albums that dropped months ago, that none of us got paid off of. These n****s is out here touring, making millions of dollars, bro, and we’re trying to beg the label to pay us a measly bullshit ass fee.”

Die Frustration, die Hit-Boy ausdrückt, spiegelt die Erfahrungen vieler Produzent*innen wider, die sich oft mit undurchsichtigen Verträgen und unzureichenden Zahlungen konfrontiert sehen. Aber wie groß ist das Problem tatsächlich? Warum werden gerade Produzent*innen oft nicht bezahlt? Und war das schon immer so?

Mussten Produzent*innen immer schon um ihr Geld kämpfen?

Die Geschichte von Hip-Hop – und damit auch der Producer – reicht bis in die 70er Jahre zurück, als das Genre in den Straßen von New York seinen Ursprung fand. Zu dieser Zeit traten Persönlichkeiten wie DJ Kool Herc und Grandmaster Flash auf den Plan und legten den Grundstein für die Hip-Hop-Kultur. Diese Pioniere waren allerdings nicht für Rap-Skills bekannt, sondern vor allem für ihre innovativen DJ- und Sampling-Techniken, die den Sound von Hip-Hop prägten. In den Anfängen des Hip-Hop waren die MCs, also die Rapper*innen, oft lediglich Begleiter des DJs, die mit ihrem Sprechgesang den Beat ergänzten und die Menge anheizten.

Mit dem Aufkommen der ersten Hip-Hop-Platten wie »Rapper’s Delight« von der Sugar Hill Gang in den 1980ern änderte sich das allerdings. Rap wurde zum zentralen Element des Genres und Rapper*innen zu den Galionsfiguren für Hip-Hop und seinen kommerziellen Erfolg. Doch während Rapper*innen und Plattenlabels das Rampenlicht eroberten und große finanzielle Gewinne einfuhren, blieben die Produzent*innen oft im Schatten und erhielten nur einen Bruchteil der Einnahmen.

In den 90er Jahren wurden Beatmaker oft besser bezahlt, allerdings war die Bezahlung je nach Bekanntheitsgrad des Producers sehr ungleich. Nur wenige Ausnahmen wie DJ Premier, Timbaland oder The Neptunes erlangten großen finanziellen Erfolg und Anerkennung für ihre Arbeit. Sie konnten durch ihre Beteiligung an den Verkäufen erfolgreicher Alben beträchtliche Gewinne einfahren und sich darüber hinaus als öffentliche Person etablieren. Es ist fast schon erschreckend, dass trotz ihres enormen Einflusses auf den Sound und die Ästhetik des Hip-Hop nur so wenige Produzent*innen aus dieser Zeit zu waschechten Stars wurden.

Durch die Verbreitung des Internets in den frühen 2000ern änderte sich dann die gesamte Musikindustrie. Auch die Landschaft für Produzent*innen wandelte sich grundlegend. Durch Plattformen wie SoundCloud, YouTube und Beat-Selling-Websites wurde es viel einfacher für sie, ihre Beats einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Auch die Möglichkeiten zur Kollaboration wurden quasi unendlich. So war es beispielsweise plötzlich möglich, dass Produzent*innen aus dem deutschsprachigen Raum ihre Beats leicht auch in Übersee platzieren konnten. Das vielleicht beste Beispiel für solch eine internationale Zusammenarbeit sind die Instrumentals von OZ, welche neben Shindy regelmäßig von Drake und anderen US-Größen besungen werden.

Allerdings brachten diese Neuerungen auch Nachteile. So schwanden zum einen die Einnahmen aus physischen Verkäufen, was sich natürlich auch auf den Verdienst der Produzent*innen auswirkt. Zum anderen konnten Rapper*innen die als Hörproben hochgeladenen oder zugeschickten Beats einfach benutzen, ohne die Producer*innen überhaupt zu kontaktieren, geschweige denn zu bezahlen. Solchen Vorwürfen sah sich Capital Bra noch im letzten Jahr ausgesetzt. Er soll den marokkanischen Produzenten Makafish für den Beat zum Song »Kein Platz« nicht bezahlt haben. 

Die traurige Realität in der Musikindustrie war also immer schon, dass viele Produzent*innen nicht angemessen – manchmal sogar überhaupt nicht – für ihre Arbeit entlohnt werden, obwohl sie einen unverzichtbaren Beitrag zum Erfolg von Hits und Alben leisten. Deutschrap-Produzent Rooq beschreibt die Misere im Jahr 2016: „Im schlimmsten Fall […] ist man für den Rapper […] ein Dienstleister, der es scheinbar weder verdient hat, mit Respekt behandelt zu werden noch überhaupt als Mensch zu zählen scheint.“

Warum werden Produzent*innen nicht fair bezahlt?

Auf die Frage, warum viele Produzent*innen schlecht bezahlt werden, gibt es viele Antworten. Oftmals werden Vereinbarungen nur mündlich getroffen, ohne klare schriftliche Verträge zu verfassen, was Raum für Missverständnisse und Streitigkeiten schafft. Von solchen Streitigkeiten hört man im Rap-Game seit Jahrzehnten. Beispielsweise hat Kollegah Produzent und Rapper Maxito Flow nie für den Beat zum Titelsong seines Albums »Boss der Bosse« bezahlt: „Mit Maxito Flow hatte ich danach leider ein bisschen Ärger. Damals hat man für Beats eigentlich nichts bezahlt, doch Maxito Flow wollte Geld von mir haben“, heißt es von Kollegah dazu. 

Zusätzlich werden Produzent*innen oft mit Versprechungen von zukünftigen Placements oder „exposure“ gelockt, nur um später feststellen zu müssen, dass sie nie die vereinbarte Vergütung erhalten werden. In anderen Fällen nutzen Rapper, Plattenlabels und Manager die Unerfahrenheit und Unwissenheit von vor allem jungen Beatmakern aus, um sie zu unfairen Verträgen zu drängen, welche ihre Rechte und ihre finanzielle Entschädigung beeinträchtigen. 

Besonders in Amerika stellen sogenannte „Payouts“ ein großes Problem dar. Hier erhalten Produzent*innen im Voraus eine Pauschalzahlung für die gesamten Rechte an einem Beat. Sollte dieser Beat dann zu einem Superhit werden, an dem die Rapper*innen und das Label potenziell sogar Millionen verdienen, erhalten die Produzent*innen keine weitere Vergütung. Ein bekanntes Beispiel hierfür ist das Instrumental des Smash-Hits »Panda« von Desiigner aus dem Jahr 2015. In einem Interview bei „The Breakfast Club“ erklärte das One-Hit-Wonder, er habe nur 200 Dollar für den Beat gezahlt – und 10 Millionen an dem Song verdient.

Die Schnelllebigkeit der Musikindustrie ist ein weiterer kritischer Punkt. Künstler*innen veröffentlichen oft Alben – zum Teil auf Drängen der Labels – bevor alle Rechte geklärt sind, was zu langwierigen Verhandlungen und Verzögerungen bei der Bezahlung führen kann. Die Vielzahl von Beteiligten an einem Song – darunter Produzent*innen, Songwriter*innen und Gastkünstler*innen – macht die Vertragsverhandlungen zusätzlich kompliziert. Mit eben einer solchen Konstellation machte Superstar Travis Scott Anfang diesen Jahres Schlagzeilen. Während er noch im Februar bei den Grammys performte, verhandelten mindestens vier Produzent*innen und Songwriter*innen, welche an seinem vor circa acht Monaten erschienenen Erfolgsalbum »UTOPIA« beteiligt waren, um ihre Entlohnung. Das zeigt, dass selbst wenn die Songs der Rapper*innen erfolgreich werden und möglicherweise Millionen verdienen, Produzent*innen oft nicht angemessen und rechtzeitig bezahlt werden. 

Die Liste an Rapper*innen, die beschuldigt werden, ihre Produzent*innen nicht zu bezahlen, ist schier unendlich und erstreckt sich von A$AP Rocky über Joey Bada$$ bis hin zu Lil Wayne. Letzterer rückt gemeinsam mit Birdman und seinem Label YMCMB leider recht häufig in den Fokus, wenn es um unbezahlte Rechnungen geht. So haben nach dem Release von »Tha Carter III« gleich mehrere Produzenten Klage eingereicht. So wurden sogar Jim Jonson und Deezle, welche für Lil Waynes Multi-Platin-Hit »Lollipop« verantwortlich waren, schlichtweg nicht bezahlt. Die Streitsummen in den verschiedenen Fällen beliefen sich zwischen 500.000 und 20 Millionen Dollar. 

Was können die Produzent*innen dagegen tun?

Produzent*innen können sich auf verschiedene Weise von Rappern und Labels emanzipieren, um fairere Vergütung und Anerkennung für ihre Arbeit zu erlangen. Ein entscheidender Schritt ist die Sicherstellung klarer Verträge. Produzent*innen sollten darauf bestehen, klare schriftliche Vereinbarungen abzuschließen, die alle Details ihrer Beteiligung am Song oder Album festhalten, einschließlich Vergütung, Nutzungsrechten und Abrechnungsmodalitäten. Zudem ist es wichtig, sich über die eigenen Rechte zu informieren und gegebenenfalls von Fachleuten beraten zu lassen, um faire Verträge auszuhandeln und Missverständnisse zu vermeiden. In jedem Fall sollten sich Produzent*innen gegen die Nichtzahlung von Tantiemen wehren. So gab Bangladesh, ein weiterer Lil Wayne-Produzent, der den Beat zum Song »A Milli« beisteuerte – und ebenfalls nicht bezahlt wurde – anderen Produzent*innen einen Rat: „I get cheques from Sony for [work with] Beyoncé, cheques from different labels for different artists; it just comes to you. You don’t have to call them, sue them and all that junk. This is what you’re owed … [But] you have to sue these guys so that they pay up.“

Dem gegenüber steht natürlich ein unglaublicher Druck aus der Industrie. Die wenigsten Produzent*innen könnten sich einen Rechtsstreit mit einem großen Major Label leisten. Darüber hinaus haben viele Produzent*innen Angst davor, von den Labels oder Künstlern bei zukünftigen Placements blockiert zu werden. Verlangt ein Produzent in den Augen des Rappers oder Labels zu viel für seine Arbeit, wird er einfach nicht mehr gebucht und durch einen günstigeren Newcomer ersetzt. Dieser Mangel an finanzieller Sicherheit und die Angst vor beruflichen Konsequenzen schaffen ein Klima der Unsicherheit, das es für Produzent*innen noch schwerer macht, für ihre Rechte einzutreten.

Darum sollten Produzent*innen auch aktiv ihre eigene Brand aufbauen, um ihre Bekanntheit und ihren Wert als eigenständiger Artist in der Industrie zu steigern. Eines der besten Beispiele für einen solchen Markenaufbau ist Metro Boomin. Allein schon sein oft verwendetes Producer-Tag „If young Metro don’t trust you I’m gon’ shoot you“ hat regelrechten Kultstatus erreicht und sorgte beispielsweise bei »Father Stretch My Hands, Pt. 1« von Kanye West für gespitzte Ohren bei zahlreichen Hörenden. Des Weiteren hat er es mit seinen letzten Alben geschafft, sich auf Augenhöhe mit Künstlern wie 21 Savage oder Future zu präsentieren – etwas, was nur extrem wenigen Produzent*innen gelingt. Hierzulande wären Miksu und Macloud ein passendes Pendant, deren Producer-Tags fast schon als Ritterschlag gelten. Sie haben vor allem mit Ihren Alben »Futura« und »Teil vom Ganzen« bewiesen, dass sie sich ebenfalls nicht scheuen müssen, sich neben ihre Kolleg*innen an den Mikrophonen auf ein Podest zu stellen. 

Ein weiteres Beispiel für einen Producer, der sich ein starkes Standing aufgebaut hat, ist der eingangs erwähnte Hit-Boy. Dieser hat sich mit unter anderem niemand geringerem als Rap-Legende Nas zusammengetan und mit ihm gemeinsam ganze sechs Alben releast, denn um eine eigene Marke zu entwickeln, ist es auch wichtig eigene Projekte auf den Markt zu bringen. Sei es als Ein-Rapper-ein-Producer-Album oder als Projekt mit vielen verschiedenen Gästen. Producer-Alben bieten die Möglichkeit, ihre Fähigkeiten und ihren individuellen Sound einem breiteren Publikum zugänglich zu machen und sich neben ihren Gäst*innen als eigenständige Künstler*innen zu etablieren. Etwa hat Produzenten-Legende The Alchemist in den letzten 20 Jahren ganze 13 Alben – unter anderem mit Havoc, Freddie Gibbs oder Earl Sweatshirt – veröffentlicht, die gänzlich von ihm produziert wurden und ihn auf eine Stufe mit seinen Gästen gehoben haben. So hat er, wie auch Metro Boomin und Hit-Boy, seine ganz eigene Fanbase aufbauen können. 

Der Hamburger Beatvirtuose Farhot hat im Jahr 2016 mit Kabulfire sogar ein ganzes Label für Produzenten gegründet. Vor kurzem konnte dieses Label mit dem Album »Believe in Gerda« auf sich aufmerksam machen. Hier konnte das Kollektiv GERDA fast schon einen regelrechten Mythos um sich schaffen. Damit wurde der Fokus – trotz unglaublich interessanter Kombinationen verschiedener Rapper aus der Deutschrap-Elite – stark auf die agierenden Produzenten und ihre Beats gelenkt.  

Die Herausforderungen für Hip-Hop-Produzent*innen in der Musikindustrie sind vielfältig und komplex. Von undurchsichtigen Verträgen bis hin zu unfairen Praktiken seitens Labels, Manager*innen und Artists stehen Produzent*innen viele Hindernisse im Weg. Trotzdem gibt es Wege, wie Produzent*innen ihre Situation verbessern können, sei es durch klare Verträge, den Aufbau einer starken Marke oder die Veröffentlichung eigener Alben. Letztendlich ist es jedoch ein gemeinsamer Kampf, den Produzent*innen zusammen mit anderen Akteuren der Industrie führen müssen, um eine gerechtere und transparentere Arbeitsumgebung zu schaffen, in der ihr Beitrag angemessen anerkannt und entlohnt wird. Mit Engagement, Zusammenarbeit und Durchhaltevermögen können Produzent*innen die Anerkennung und Belohnung erhalten, die sie verdienen, und weiterhin einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung und zum Erfolg der Hip-Hop-Kultur leisten.

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Wenig Konzept – dafür viel Spaß

Die ersten Eindrücke, die »Fieber« vermittelt, sind vielfältig und zeigen ein abwechslungsreiches Werk. Auf den 38 Minuten Spielzeit zeigen sich Keemo und Frank in Höchstform. Doch im Gegensatz zu »Mann beißt Hund« wird dieses Mal auf durchgängiges Storytelling verzichtet. Stattdessen setzt Keemo selbstbewusste Lines über Cash, Sluggies und den eigenen Legendenstatus. Der Grundton des Mixtapes ist sehr oberflächlich, jedoch verleiht er jeder Zeile einen durchdachten und verschachtelten Twist. Zwischendrin finden sich dennoch Realtalk und ernste Töne, in denen er über seine Herkunft und persönlichen Werdegang rappt. Keemo wirkt auf dem Tape – natürlich auch aufgrund der vorgetragenen Inhalte – wesentlich losgelöster als auf den vorherigen Releases und scheint in der Booth großen Spaß gehabt zu haben.

Viele Styles und viele Features

Das Mixtape präsentiert sich in seiner Vielfalt auch durch die unterschiedlichen Stimmungen der Beats. Während einige, wie der Titeltrack »Fieber« und der düstere Chopped-and-Screwed Brecher »Galgen«, hart und bedrohlich daherkommen, zeigen andere, wie »Aus dem Schneider Freestyle«, eine entspanntere Seite mit starken Einflüssen von Producern wie The Alchemist oder Madlib. Hier zeigt Funkvater Frank abermals sein großes Talent dafür, einen Trademark-Sound auf verschiedenste Stile zu übertragen.

Besonders auffällig sind die zahlreichen Features auf »Fieber«. Neben Namen aus dem eigenen Kreis wie Souly, 2Lade oder Levin Liam, finden sich hier auch die Bietigheimer Schwergewichte Shindy und RIN auf der Gästeliste. So verschieden die Featuregäste auch sein mögen, sie alle fügen sich nahtlos in den jeweiligen Song ein und lockern das Projekt an den richtigen Stellen auf.

Ein kluger Schachzug

»Fieber« ist definitiv eine kluge Entscheidung von OG Keemo und Funkvater Frank gewesen. Statt krampfhaft zu versuchen, einen Nachfolger für das vielgefeierte »Mann beißt Hund« zu schaffen, haben die beiden ein konzeptloses, aber extrem starkes Mixtape released, das einfach nur Spaß macht und keinen roten Faden nötig hat. Zeitgleich ist die Platte auch eine Machtdemonstration, denn ein lockeres Mixtape zu releasen, welches bereits im Januar als Anwärter auf das Album des Jahres gehandelt wird, ist äußerst bemerkenswert.

Tracklist: OG Keemo & Funkvater Frank – Fieber

01. Konsil – Intro
02. Tasche (feat. Souly)
03. Fiesling
04. OKAY! (feat. 2lade)
05. Pimpsport Interlude
06. Feber drom – Skit
07. Tórshavn
08. BeeGees (feat. Levin Liam)
09. 99 Grad (feat. RIN)
10. Fieber
11. Galgen
12. Guten Tag – Fv Remix (feat. PS Hitsquad)
13. Tiefschlaf (CGOON) (feat. CGOON)
14. Aus dem Schneider – Freestyle
15. Pimpsport (feat. Shindy & Sumpa)
16. Boiler
17. Feber drom 2 – Skit
18. Süden
19. 3 Ringe – Outro

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Obwohl die Erstveröffentlichung etwas ungewöhnlich war, passt sie dennoch perfekt zu Earl Sweatshirt, dem wohl größten Eigenbrötler der Hip-Hop-Szene. Auf Gala Music konnte das Album gegen NFTs erworben werden, wobei jeder Track auch ein eigenes animiertes Bild besaß. Nachdem der Hype um NFTs bereits verflogen ist und allgemeine Verwirrung herrschte, wurden Fans zurecht laut. Ihre Proteste und Gebete wurden erhört, und das Warten hat sich gelohnt: Mit leicht veränderter Tracklist erfüllt »VOIR DIRE« sämtliche Erwartungen.

Für Hip-Hop-Heads der älteren Generation mag sich die Kombination der beiden Künstler zunächst wohl eher etwas schräg anhören. Earl Sweatshirt, der mit knappen achtzehn Jahren schon bei Odd Future herausstach und mit 19 sein Debüt »Doris« veröffentlichte – ein Album, das bis heute Kultstatus besitzt und die doch ziemlich düsteren und mürben Gedanken von Earl offenbart –, trifft bei The Alchemist auf einen Producer, der für seinen Old-School-Sound – mit klassischen Samples und klaren Beats – bekannt ist. Dennoch scheint genau das die richtige Formel zu sein. Wie zwei Seiten einer Münze ergänzen sich die beiden perfekt und kreieren einen zeitlos wirkenden Sound, der sowohl Lyrikfans als auch Beat-Enthusiasten anspricht.

Das Album kann bisher nur digital gestreamt oder als Download erworben werden. Eine Vinyl-Version gibt es leider noch nicht, dafür aber passendes Merchandise. Für Fans mag es jetzt schon ein Favorit sein, aber schafft »VOIR DIRE« es auch, sich neben dem Hype um Drakes am selben Tag erschienenem »For All The Dogs« zu behaupten?

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