Klar, hier kommen jetzt ziemlich viele Faktoren zusammen: Gentrifizierung und allgemeine Preissteigerung der Stadt, insgesamt ist das Reisen teurer und schwieriger geworden. Selbst bekannte internationale Artists müssen Touren absagen. Aber allgemein kann es nicht sein, dass wir hier ein Musical nach dem anderen haben und alle vier Monate eine neue Fressbude auf der Reeperbahn aufmacht, aber Clubs schließen oder umgesiedelt werden müssen. Was ist denn bitte aus der ehemaligen Musikstadt Hamburg geworden?

Hamburg, wo ist der Platz für unsere Leude?

Es gibt zahlreiche Beispiele wie Molotow oder Waagenbau, um die wir seit Jahren bangen oder es fürs bangen schon zu spät ist. Und klar, wir sind nicht ganz unschuldig, denn auf Konzerte gehen ist wie alles andere teuer geworden, wenn Artists für Flüge, Benzin, Hotels, Personal und Verpflegung horrende Preise zahlen müssen, dann spiegelt sich das auch in Ticketpreisen wider. Traurigerweise können nur noch die wirklich großen Musiker*innen davon leben. Die Touren sind deutlich kleiner. Wo Bands früher noch Stops in allen größeren Städten in Deutschland gemacht haben, reicht es zurzeit eigentlich nur noch für Berlin und maximal noch Köln aus, aber Hamburg findet man nur noch selten auf der Liste an Deutschland-Stops. Eine Woche im Jahr, in der es sich wenigstens kurz wieder danach anfühlt, als ob alles normal wäre, findet jedes Jahr im September auf der Reeperbahn (und mittlerweile auch Umgebung) statt.

Ein Gefühl, das wir gerade öfter verspüren und einen Künstler, bei dem wir die Ehre hatten, ihn 2022 auf dem RBF zu interviewen.

Vier Tage kurz normal fühlen

Während des Reeperbahn Festivals wird ein Spotlight auf die Clubkultur von Hamburg geworfen. Clubs der Reeperbahn öffnen ihre Tore und für vier Tage fühlt sich die Hamburger Musikwelt kurz wieder in Ordnung an. Fans wird aber dieses Jahr aufgefallen sein, dass das Programm etwas kompakter geworden ist. Bevor sich jetzt alle aufregen, wollten wir kurz darüber sprechen, wieso. Denn das hat nichts mit einer Laune der Veranstalter*innen zu tun oder weil das Interesse der nationalen und internationalen Musikbranche auf einmal nicht mehr da ist. Nein, es wurden wie bei so vielen großartigen Projekten die Gelder gestrichen und das ziemlich massiv. Der Bund wird bis 2027 mehr als die Hälfte der Fördergelder streichen. Kultur ist laut Kulturstaatsminister Wolfram Weimer Ländersache und Hamburg soll das Defizit ausgleichen. Das kann die Stadt auch, aber nur bis zu einem gewissen Grad. Das Reeperbahn Festival ist nämlich nicht nur ein Musikfestival, sondern mittlerweile auch eines der wichtigsten Branchentreffs für die europäische Musikindustrie.

Wie immer stellt sich hier leider auch die Frage, welche Kultur wird gefördert? Für die Bayreuther Festspiele wird der Etat erhöht, dem Reeperbahn Festival werden Gelder gekürzt. Müssen wir 2026 immer noch zwischen sogenannter Hochkultur und Populärkultur unterscheiden oder könnten die verantwortlichen Politiker*innen ihre Adorno-Bücher mal in den Schrank stellen (überspitzt, wir beziehen uns hier nur auf seine Abneigung gegenüber Popularmusik, die Kritik an der Kulturindustrie stellen wir ja selber auch), sich eine Scheibe bei Rosalía abschneiden und akzeptieren, dass Musik, egal welchen Genres, sich gegenseitig beeinflusst und Pop, Rock, Hip-Hop und Indie nicht weniger wert sind als Klassik.

Rückgrat stärken und Haltung zeigen

Grundsätzlich ist es zurzeit Jammern auf hohem Niveau, da das diesjährige Line-up immer noch groß und weit aufgefächert ist. Das Reeperbahn Festival ist und bleibt ein Festival, das man am besten ohne großartigen Plan erlebt. Nirgendwo sonst kann man in Europa gerade so viele gute junge Artists kennenlernen. Von daher sehen wir als Besucher*innen es erstmal noch als eine Chance, ein bisschen back to the roots zu kehren, zu den Anfängen des Festivals. Aber vielmehr sehen wir es auch als weiteres Zeichen für ein viel größeres strukturelles Problem, vor dem wir unsere Augen nicht verschließen wollen und dürfen.

Es ist jetzt wichtiger denn je, unsere Rückgräter zu stärken und im Gym nicht nur den flachen Bauch und den Po zu trainieren. Denn nichts verbindet in dunklen Zeiten so sehr wie die Kunst. Wir sollten die Anzeichen sehen, denn sie existieren nicht nur in der Musikbranche, sondern auch in der Literaturszene und Medienwelt. Es ist auch nicht nur ein Hamburger Problem sondern ein europaweites (und leider noch darüber hinaus). Es kehrt eine ziemlich starke Zensurkultur (zu unserem Artikel geht es hier) ein und – in Gefahr, dass wir zu sehr nach Alu-Hut-Verschwörung klingen, aber – Zensur, Kürzungen von öffentlichen Geldern für Kultur, wiederkehrender Heroin Chic in der Modewelt und der Anstieg von Faschismus gehen für gewöhnlich Hand in Hand.

Ein Konzert kann aus einem Saal fremder Menschen eine Gruppe machen, die gemeinsam singt, lacht, weint und tanzt. Nichts verbindet einander mehr und kaum etwas bringt so viele Gefühle von Glück, Freude und Zusammenhalt wie eine Live-Show zu besuchen. Egal, ob man alleine geht oder mit einer Gruppe von Freund*innen. Also bitte beim nächsten Konzert dieses Gefühl festhalten und es nicht für selbstverständlich halten. Das ist ein Gefühl, für das es sich lohnt zu kämpfen.

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Ein Beispiel dafür könnte die schwedische Künstlerin Yukimi sein, die Fans hierzulande wahrscheinlich eher als Frontsängerin der Band Little Dragon bekannt ist. Die Künstlerin hat gerade ihr Soloalbum »For You« veröffentlicht (mehr Infos dazu gibt es hier).
Musikalisch geht es bei ihr sowohl Solo wie auch als Frontfrau in einen wilden Genremix aus Indie-Rock, Electronic-Pop, Soul, Jazz und noch vielem mehr. Auch wenn ab und zu Einflüsse von Hip Hop zu hören sind, ist die Künstlerin in so vielen musikalischen Sphären zu Hause, dass wir sie nicht auf eine festlegen können (oder wollen).

Allerdings haben Yukimi und Little Dragon schon eine lange und erfolgreiche Geschichte an Kollaborationsprojekten mit Hip Hop- und R&B-Artists (aber auch viele andere, wie diese Liste beweist). Hoffentlich helfen die folgenden fünf Songs euch dabei, ihr nicht nur eine Chance zu geben, sondern euch auch ein bisschen schockzuverlieben.

Yukimi tritt am Samstag um 19:30 Uhr im Mojo Club auf, und wir können jetzt schon versprechen, dass es ein Highlight des Reeperbahn Festivals sein wird.

1. Little Simz & Yukimi – Enough (2025)

Eine unserer Lieblingskollabos dieses Jahr ist der Track »Enough«, auf dem sich Little Simz Unterstützung von Yukimi geholt hat. Der Song erschien auf ihrem neuen Album »Lotus« und bringt die ganze Message des Albums ziemlich genau auf den Punkt. Während Little Simz sehr spielerisch ihr Satthaben in ihren Rap-Lyrics performt, ist Yukimi die perfekte Ergänzung im Refrain. Der Song ist dabei absolut catchy. Die beiden haben bereits 2019 für Little Simz’ Album »GREY Area« kollaboriert. Auf dem Track »Pressure« war es allerdings kein Solo-Feature, sondern Teil ihrer Band Little Dragon. So oder so scheint die kreative Chemie zwischen den beiden absolut zu stimmen, und wir hoffen, dass »Enough« nicht die letzte Zusammenarbeit der beiden bleibt.

2. De La Soul & Little Dragon – Drawn (2016)

Das letzte neue Album von De La Soul liegt nun auch schon wieder fast zehn Jahre zurück. »and the anonymous Nobody…« erschien 2016 und featurte mit David Byrne, Estelle, Pete Rock und Jill Scott eine Reihe an beeindruckenden Künstler*innen. Darunter auch Little Dragon auf dem Track »Drawn«. Der Song überzeugt durch einen wunderschönen Instrumental-Part, der sich mit sehr verspielten und zarten Zupfinstrumenten unter die Lyrics von Yukimi legt. Mit 5:33 Minuten nimmt sich der Track Zeit für den Aufbau und die Entfaltung. De La Soul kommen erst gegen Ende dazu. Für uns ein wirklich schöner Song.

3. Gorillaz & Little Dragon – Empire Ants (2010)

Es ist sehr schwer, auf »Plastic Beach« nur einen Lieblingssong auszuwählen. Das Album von Gorillaz hat definitiv das Prädikat „No Skip“ verdient. Wenn uns allerdings jemand eine Pistole an den Kopf halten müsste, wäre es dann eventuell doch »Empire Ants«. Little Dragon erscheinen direkt auf zwei Tracks des Konzeptalbums, und man kann Yukimi auch noch auf dem Song »To Binge« hören. Trotzdem ist es »Empire Ants«, der sich in 4:44 Minuten zu purer Magie entfaltet. Es fängt an mit Damon Albarn, der sehr ruhig und eindringlich singt, und endet in einem Synthesizer-Crescendo, bei dem Yukimi mit einstimmt. Absoluter Gänsehaut-Song, der jedes Mal ins Schwarze trifft und dazu führt, dass wir uns nochmal das Album im Ganzen anhören müssen.

5. KAYTRANADA – BULLETS (2016)

Wen hat KAYTRANADA eigentlich nicht auf seinem glorreichen Album »99.9%« als Feature gehabt? Für uns ist es ehrlicherweise immer noch das Album des Künstlers, an dem sich seine anderen Projekte messen müssen. Wer relativ am Anfang seiner Karriere bereits so ein Projekt veröffentlicht hat, hat es danach nicht einfach. Einer der Gründe, wieso wir »99.9%« so lieben, ist sicherlich der Outro-Track »BULLETS«, auf dem der Kanadier sich Unterstützung der Schweden geholt hat. Der Song zeigt nicht nur, wie vielseitig KAYTRANADA ist, sondern auch, wie wandelbar Little Dragon als Band ist.

6. Mac Miller & Little Dragon – The Festival (2015)

Ein Feature, das viele wohl zuerst nicht so auf dem Zettel haben, ist »The Festival«. Der Song ist der krönende Abschluss von Mac Millers Album »GO:OD AM«, welches der Artist 2015 veröffentlichte. Ein weiterer langer Song, der uns hinterfragen lässt, wieso es eigentlich nur noch so wenige davon gibt? (An dieser Stelle verfluchen wir kurz Streamingdienste, Radiostationen und Algorithmen, die kurze Songs präferieren). »The Festival« ist auf jeden Fall ein weiterer Beweis dafür, dass kurz und knackig nicht immer vorteilhaft ist. Im Gegenteil: Fast alle Tracks dieser Liste überschreiten die 4-Minuten-Marke, und ehrlicherweise möchten wir keine einzelne Sekunde missen.

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Über die 20 Jahre hat sich viel verändert in der Industrie – Algorithmen dominieren dort, wo früher organisches Wachstum war; Playlists lösen zunehmend das Format Album ab – doch das Festival bleibt immer noch derselbe Ort des Zusammenkommens. Das Motto der Jubiläumsausgabe lautet in diesem Jahr deshalb auch passend „Imagine Togetherness”. In Zeiten von Entzweiung, Disruption und aufgeladenen Debatten trägt dieses Motto viel Gewicht mit sich.

Entsprechend fallen auch die Redebeiträge der Speaker:innen der traditionellen Opening Show an diesem Mittwochabend auch aus: Viele lassen nicht nur die letzten 20 Jahre RBF Revue passieren, sie sprechen auch den status quo der heutigen Musiklandschaft im Vergleich zu den letzten beiden Jahrzehnten an. Da ist natürlich Detlef Schwarte, der Co-Founder des Festivals, der von großen Veränderungen durch Digitalisierung, Monopolisierung und nicht zuletzt AI spricht. Doch diese tiefgreifenden Changes als Chance zu sehen und bei etablierten Meeting Points wie dem Reeperbahn Festival zu diskutieren, sieht er als unerlässlich an – und ist froh, dass sein Festival seinen nicht ganz unwichtigen Teil dazu beitragen kann.

Moderiert von der britischen Radiomoderatorin Clara Amfo finden sich über die knapp 1,5 h der Auftaktveranstaltung weitere Stimmen aus Kultur, Politik und Musik ein. Ingo Mix, Abteilungsleiter der Kunst- und Kulturförderung bei dem Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, vertritt beispielsweise seinen Chef Wolfram Weimer, und setzt mottogetreu auf weniger Differenzen bilden und mehr auf Gemeinsamkeiten herausstellen.

Auch Musik auf der Opening Show

Am bestgeschnürtesten und damit auch zielführendsten an diesem Abend aber stellt Dr. Carsten Brosda, seines Zeichens Kultursenator der Hansestadt Hamburg, die Bedeutung von Musik für eine zusammenarbeitende statt geteilter Gesellschaft. Mit Songzitaten von großen Musiker*innen wie Billie Eilish („The old me is still me and maybe the real me”) oder dem jüngst mit Trump in den Clinch gekommenen Altmeister Bruce Springsteen („Remember, nobody wins unless everybody wins“) schlägt Brosda die Brücke von Musik zu Gesellschaft und wird schließlich für einen Politiker ungewöhnlich deutlich, als er Woody Guthries Spruch „This machine kills fascists“ zum Ende in seine Rede einwebt und zum unerlässlichen Widerstand gegen den aufkommenden Faschismus mahnt.

Musik wird in all den Redebeiträgen aber auch gespielt. So spielen die Irinnen von Florence Road einen mitreißenden Indiepop-Song und Calum Scott darf gleich zwei Mal seine butterweichen Mitmach-Pop-Songs zum Besten geben. Mit dem Future Female Africa Kollektiv, bestehend aus Sheebah Karungi, Poundo, Nicole Hadfield, Onejiru, Femi One, mari.ama, Mayonde, Anna Bassy und der Deutschrapperin Die P, findet sich dann aber auch noch ein Musikstück wieder, das dringlicher aufgemacht ist und den politischen Rahmen der Opening Show eindrucksvoll einfängt.

Es folgen noch weitere Redebeiträge, etwa von der Journalistin Liz Pelly, die interessante Einblicke in die Algorithmen von Spotify und AI liefert, und eine Vorstellungsrunde zu den diesjährig Nominierten des prestigevollen Anchor Awards. Mit Cara Rose, Carpetman, Mei Simones, RIP Magic, Soft Loft und Sorvina ist dieses Jahr erneut eine höchste diverse Gruppe an Newcomer:innen quer aus der Welt zusammengestellt worden, von denen sich alle ihre berechtigten Hoffnungen auf den Preis machen dürfen.

Space Oddity

Doch nachdem dieser Programmpunkt während der Opening Show seit nun beinahe 10 Jahren schon fast zum Pflichtteil gehört, endet die Jubiläumsausgabe der Opening-Show mit einem ungewöhnlichen Gast: nach einer kurzen Anmoderation Amfos inkl. John Lennon-Zitat über den Himmel steht mit einem Mal ein Astronaut auf der Bühne. André Kuipers hält im Stile eines TED-Talks eine beschwingte Rede über das All, die Wichtigkeit seiner Kolleg*innen und der Space Stations, findet aber irgendwie noch den Bezug zum Festivalrahmen, indem er die Musik vorstellt, die während seiner Flüge zum All liefen. Das sorgt in jedem Fall für Abwechslung und für eine Regung im Publikum und zeigt eindrucksvoll, dass Musik – genau wie Raumstationen – nur vom Miteinander profitieren kann. Und genau dazu soll und wird das Reeperbahn Festival nun auch zum 20. Mal seinen Teil zu beitragen.

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Mit strongboi hat ein Projekt aus Berlin den Anchor Award gewonnen, das die Jury um die so renommierten wie erfahrenen Musiker*innen und Songwriter*innen Tim Bendzko, Julia Stone, Emily Kokal und Tayla Parx mit ihrem verträumten Bedroom-Pop unter allen sechs Nominierten am meisten überzeugt hat – und das bei dieser Konkurrenz: Die südafrikanische Musikerin Moonchild Sanelly (lies hier die Mostdope-Vorstellung) mit ihrem selbst ernannten Future Ghetto Funk musste ebenso den Kürzeren ziehen wie der experimentelle (Hyper)Pop von der Wienerin Kässy oder die Londonerin Pop-Rockerin Beth McCarthy. Aus Australien nach Hamburg kam derweil der geloopte, samplelastige und soulful Mix aus Hip-Hop und RnB von Milan Ring, die sich aber eben so geschlagen geben musste wie das Aufeinandertreffen von traditionellen mongolischen Gesängen mit modernem Jazzspiel durch die Folksängerin Enji.

Eine derartig breite Streuung an Soundbildern wie Herkunftsländern unter den sechs nominierten Newcomer*innen zeigt letzlich aber egal bei welcher Siegerin auf, wie aufregend die Zukunft für die Musikwelt noch sein wird. strongbois Performance auf dem Reeperbahn Festival – eine maßgebliche Kategorie für die Auswahl der Jury – hat aber schließlich den kleinen Ausschlag gegeben, um sich gegen die fünf anderen Artists durchzusetzen und den Preis von 20.000€, einem Tourbus für die nächste Tour und jeder Menge Prestige mit nach Berlin zu nehmen.

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Kal Banx, Smino & Buddy – »HOP OUT CHO FEELINGS«

Eine Kollaboration, die unseren Träumen entsprungen sein könnte: Producer
Kal Banx hat sich mit Smino und Buddy für den neuen Track
»HOP OUT CHO FEELINGS« zusammengetan. Auch wenn der Track durch TDE veröffentlicht wurde kommen beim Hören wohlig warme und nostalgische Erinnerungen an »Revenge Of The Dreamers III« hoch. Das könnte daran liegen, dass das Album von J.Coles Label Dreamville auch der Durchbruch für Kal Banx als Produzent war und ebenfalls Smino und Buddy featured, wenn auch nicht auf einem Song. Umso schöner, dass es fünf Jahre später endlich geklappt hat. Ein entspannter Track, der uns sehr glücklich macht.

Pa Salieu – »Allergy«

Einer der spannendsten Newcomer aus den UK und ein Künstler, an dem man gerade absolut nicht vorbeikommt, ist Pa Salieu. Seine letzte Single »Belly« erinnerte ganz leicht an J Hus, aber noch etwas raffinierter in den Lyrics. Pa Salieu verbrachte seine Kindheit in Gambia, bevor er mit seiner Familie zurück nach England zog. Seine Musik ist eine sehr spannende Mischung aus unterschiedlichen Stilen, wie auch der neue Track »Allergy« zeigt. Allesamt Allergien, die wir auch haben, produziert von Aod und Felix Joseph bringt der jazzige Track nur gute Energien in unseren Haushalt.

Nathalie Froehlich – »My House«

Aufgewachsen in dem französischen Teil der Schweiz kann
Nathalie Froehlich sowohl auf Französisch als auch Englisch sehr energetische und direkte Lyrics rappen. Ihr musikalisches Erwachen hatte die Musikerin in Rave Parties, was sie seitdem in ihren Songs weiterträgt. Wie eine endlose Afterparty fühlt sich Froehlich am wohlsten in einer gelungenen Mischung aus, Rave, Baile Funk, Techno, Hardcore und Hip Hop. Der neue Track »My House« schlägt fast etwas andere Töne an, allerdings mit genauso viel Energie wie sonst. Wer sich davon selbst überzeugen möchte, kann Nathalie Froehlich am Donnerstag live auf dem Reeperbahn Festival erleben. Von 22:40 bis 23:40 Uhr wird sie in der Prinzenbar auftreten.

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Als Loyle Carner am Ende des Abends anmerkte, dass es die erste Zugabe der aktuell laufenden Tour ist, wussten die Fans, dass das gerade nicht nur für sie, sondern auch für den jungen Mann auf der Bühne, ein Konzerthighlight war. Bei anderen Tourstopps gab es Angaben zufolge zwar auch schon die ein oder andere Zugabe, aber das sei ihm an dieser Stelle verziehen, denn Loyle’s überschwängliche Euphorie übertrug sich restlos aufs Publikum und im Endeffekt hat man während der Show doch ohnehin besseres zu tun als darüber nachzudenken ob die Show vor ein paar Tagen eventuell besser war, oder sich vor Augen zuhalten, dass er vermutlich direkt im Anschluss in den nächsten Flieger steigt, um seine Tour in Luxemburg, Belgien, Irland und UK die nächsten beiden Monate fortzusetzen. Viel wichtiger sind die Energie und die Liebe, die er und seine Band in dem Moment versprühten und im Wechselspiel beeindruckt vom Publikum zurückbekamen.

Live-Termine

20.01.2023 – Berlin, Columbiahalle
24.01.2023 – Köln, Carlswerk Victoria
31.01.2023 – München, TonHalle München (im Werksviertel Mitte)

Verletzlichkeit als Stärke

Spürbar war an diesem Abend die beeindruckende Verbindung, die er zum Publikum aufbaute. Genau das ist Loyle Carner’s Qualität, an der er seit seinen ersten Auftritten vor vielen Jahren weiter und weiter verfeinernd geschliffen hat.

Bereits in der Vergangenheit hat er nie davor zurückgescheut, seine Hörer*innen an seinem Innersten teilhaben zulassen und so teilte er bewegend sein Herz mit der Crowd, als er live sein Album »hugo« performend über sein Aufwachsen ohne Vater, das nun selber Vatersein und die Versöhnung mit eben jenem Mann, den er sich eigentlich ein Leben lang an seiner Seite gesehnt hatte, rappte.

Diese Kraft der Verletzlichkeit und das nicht davor Zurückscheuen sich dieser im Rampenlicht zu stellen, sind Carners Schlüssel, um Menschen emotional zu bewegen und sie auch in Bewegung zu versetzen und zum Tanzen zu bringen. Lieder wie Nobody Knows (Ladas Road) oder das von Madlib produzierte »Georgetown« zeichnen ihn aus: Geschichten eines Jungen, der es wagt, verletzlich zu sein. 

You can’t hate the roots of the tree/
And not hate the tree/
So how can I hate my father /
Without hating me?”

Nobody Knows (Ladas Road)

Ob es nun der beste Auftritt seiner noch bis März andauernden Tour war, muss jeder für sich entscheiden. Doch nach dem Konzert, sah man viele Leute das Carlswerk mit großer Begeisterung in den Augen verlassen.

Wir hatten die Möglichkeit, im Interview mit Loyle Carner auf dem Reeperbahn-Festival über seinen ersten Deutschlandbesuch, seine Vaterrolle, den Umgang mit öffentlicher Wahrnehmung zu sprechen und auch einen Einblick darin zu bekommen, was Loyle inspiriert und welche Richtung er gerne nach »hugo« mit seiner Musik einschlagen würde.

Loyle Carner auf ‘hugo’-Tour im Carlswerk in Köln | Fotogalerie

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Mit »hugo« releast Loyle Carner sein mittlerweile drittes und wahrscheinlich persönlichstes, aber auch düsterstes Album bisher. Neben Themen wie Alltagsrassismus und seinem ADHS thematisiert er vor allem den Versuch einer Rückbesinnung auf seine Wurzeln. Als Sohn einer schottischen Mutter und guyanesischen Vaters, zu dem er kaum Kontakt hat, unternimmt er eine Reise nach Guyana und beschäftigt sich mit seiner eigenen Identität und den Fußstapfen, die er selbst als Vater nun füllt.

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I tried the white man he didn’t understand /
I reached the black man, he wouldn’t take my hand.

Loyle Carner – Nobody Knows

Das am Dienstag erschienene Video fängt genau diese Zerrissenheit bildstark ein. Der schnittfreie Clip entstand mit einer seltenen Infrarotkamera, die das Bild bewusst so surreal darstellt, dass es Loyles Gefühlswelt zwischen den Stühlen geschickt abbildet.

»Nobody Knows (Ladas Road)« markiert nach »Hate« und »Georgetown« ein weiteres Highlight für den Londoner aus seinem kommenden Album. Mit seinen aktuellen Veröffentlichungen schafft er es, auch musikalisch den verschiedenen Ansprüchen an junge Artists gerecht zu werden. Während Loyle seinem alten Stil durchaus treu bleibt, definiert er sich in den persönlichen, verletzlichen Themen aktuell mit jedem Song neu. Alle neuen Singles sind jetzt überall zu finden.

LIVE-TERMINE

Loyle Carner Fans dürfen sich ebenfalls freuen, denn 2023 geht er mit seinem neuen Album »hugo« auf Tour. Im Januar wird er in drei deutschen Städten live zu sehen sein.

20.01.2023 – Berlin, Columbiahalle
24.01.2023 – Köln, Carlswerk Victoria
31.01.2023 – München, TonHalle München (im Werksviertel Mitte)

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