In der Umkehr ist es allerdings auch schwieriger, sich allein an Elementen festzuhalten, die außerhalb des Inhalts liegen. Im Fall vom Vorgänger »Ramona Park Broke My Heart« ist das beispielsweise der sommerliche Unterton, beim Self-Titled Album »Vince Staples« der Bounce von Kenny Beats oder bei »Big Fish Theory« die komplett experimentelle Soundlandschaft. Das kann sich »Dark Times« trotz ein paar Bangern (namentlich »Black&Blue«, »Étouffée«, »“Radio“« und »Little Homies«) nicht leisten. Insofern ist das Projekt gleichzeitig ohne Interesse am Inhalt weniger zugänglich als andere, andererseits legt genau deswegen die Produktion den dunkelroten Teppich für den Text und die ehrliche, teilweise fast zitternde Delivery aus.

Ein thematischer Alleingang

Umso vorteilhafter ist es, dass der Inhalt des Albums die wahrscheinlich gereifteste textliche Vorstellung in der Karriere von Vince Staples ist. Dabei sind zentrale Themen der Umgang mit der Gangvergangenheit und den Erwartungen, die daraus folgen –
für Vince Staples als Artist und für Vince Staples als Privatperson. Das ist zum Beispiel im Track »Children’s Song« zu erkennen, wo Staples seinen früheren Mitstreitern rät, ihn nicht auf sein „crippin‘“ anzusprechen und sich lieber um ihre Kinder zu kümmern, während auf »Étouffée« die Erwartungen von Label und Fans dargestellt werden, die ihm nahelegen, lieber wieder Musik wie der frühere Vince Staples zu machen.

Label tryna give me feedback, told me “Bring the streets back” / Fans said they want 2015 Vince

»Étouffée«

Und genau dieser Push & Pull funktioniert auch mit vielen weiteren Themen: der Lüge, Beziehungen, Geld, emotionaler Offenheit, verstorbenen Mitstreitern und dem Verlassen der gegebenen Verhältnisse. Das sind alles keine Themen, die das inhaltliche Rad des Raps neu erfinden. Größtenteils sind es sogar dieselben Inhalte seiner vergangenen Alben und dennoch ist die Ausarbeitung und persönliche Reflektion so stark, dass dieses Projekt wie eine Art Beipackzettel genutzt werden kann, um vorige Observationen mit seinen Gedanken zu ergänzen.

Licht am Ende des Tunnels?

Obwohl insbesondere der Anfang aus dem Intro »Close Your Eyes« und den vier nachfolgenden Tracks ein fast hoffnungsloses Setting darlegt, lockert sich die Stimmung über die Zeit hinweg punktweise auf, bis am Ende auf »Little Homies» und »Freeman« eine Akzeptanz für die Situation geschaffen wird: „Life hard but I go harder“ (»Little Homies«).

Und insofern hat die LP neben ihrer inhärenten Dunkelheit auch etwas Befreiendes in Form von Hoffnung auf bessere Zeiten. Diese Befreiung ist für Vince Staples personalisiert auf »Freeman« durch die Erfüllung des Plattenvertrags dargestellt, der ihn unter Druck der Performance und inhaltlicher Vorgaben gestellt hat. Gleichermaßen ist die Platte auch ein persönlicher Abschluss mit der Vergangenheit und den auf seiner Diskografie immer wiederkehrenden Themen.

Passenderweise wird das Album, das an sich auf Selbstreflektion aufgebaut ist, noch einmal im Outro »Why Won’t the Sun Come Out?« in Form eines Monologs von Santigold extern reflektiert, obwohl der Monolog über einen Aufatmungsmoment hinweg inhaltlich nicht viel zu dem hinzufügt, was auf dem Album schon thematisiert wurde, was auch für das Interlude »Liars« zur Halbzeit gilt.

Fazit

»Dark Times« ist ein unglaublich konsistentes und (trackweise) stimmiges Projekt, das allen externen Zusatz fallen lässt und auf 35 Minuten straight-to-the-point einen ausgefleischten Strang durchzieht – von der Depression bis zur Akzeptanz. Während die Produktion oftmals nicht flashy ist, ist sie keinesfalls generisch und gibt einem sonst oft emotionslosen Künstler die volle Möglichkeit, sich so emotional zu entfalten, dass man es nicht nur innerhalb des Albums spürt, sondern dieselben Ideen auf Inhalte der Vorgänger übertragen kann.

Das Projekt ist sicherlich nicht für alle Situationen geeignet (fürs Aux-Kabel z.B.), dennoch sind einzelne Tracks auch gut isoliert zu hören und verlieren außerhalb des Handlungsstrangs des Albums nicht ihre Wirksamkeit. Vince Staples verlässt Def Jam somit inhaltlich on-top-of-his-Game mitsamt Closure und es ist mit Spannung abzusehen, welche Wege er nun einschlagen wird – als Rapper, als Schauspieler/Regisseur und als Künstler im Allgemeinen.

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Mit dem Namen »Dark Times«, der Begleitsingle »Shame on the Devil« und dem Text der Ankündigung inklusive Tracklist ist in aller Wahrscheinlichkeit ein düsteres und introspektives Projekt zu erwarten. So heißt es auch in dem Announcement:

I was unsure of what to expect from the world of music but deeply aware of what I needed: a change in my surroundings and a clear understanding of self. Ten years and seven projects later, I’ve found that clarity. Now, I share with you my final Def Jam release, Dark Times.

via Instagram (@vincestaples)

Staples, der sonst eher ein Beobachter seiner Umgebung ist, richtet so die Kamera näher auf sich und geht ganz nah heran. Es ist nicht zwingend etwas Neues, dass Vince Staples auch von sich erzählt, etwa auf dem self-titled  Album. Dennoch ist die Diskrepanz vom Bouncy Sound auf »Vince Staples« und der melancholischeren, an Mac Millers »Swimming« erinnernden Leadsingle des kommenden Albums, deutlich in Ton und Stimmung zu spüren.

Nun ist die Frage, inwiefern das letzte Album bei Def Jam nur das Ende der Vince-Staples-bei-Def-Jam-Ära oder aber das vollständige Ende des rappenden Vince Staples bedeutet. Eines ist sicher: es ist ein Abschluss, doch mit einer kürzlich erschienenen Netflix-Serie und zahlreichen Online-Auftritten wird es nicht das Ende von Vince Staples als Künstler sein.

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Logics mittlerweile achtes Studioalbum »College Park« (VÖ: 24.02.23) ist aus verschiedenen Gründen ein ganz besonderes gewesen: Nicht nur ist es sein erstes Independent Album nach dem Weggang bei Def Jam gewesen, es hat auch eine sehr bunt gemischte Featureliste vorzuweisen.

Alte Stars wie RZA oder Redman sind genauso vorhanden wie neuere Rapper á la Joey Bada$$ oder ADÉ. Zu dem Mix gesellen sich dann aber obendrauf noch Sängerinnen wie Norah Jones oder Lucy Rose oder sogar Family Guy-Schöpfer Seth MacFarlane, was insgesamt zu einem sehr abwechlungsreichen Albumklang führt. Merkbar: Logic muss viel Spaß beim Albumerstellungsprozess gehabt haben. Die Songs klingen ausgereifter als bei den letzten – wohl unter Zugzwang bei Def Jam entstandenen – Veröffentlichungen.

Nun, knapp vier Monate später, ist das Album auch physisch erhältlich. Am 16. Juni gibt es »College Park« nun auch als Vinyl zu kaufen. Anlässlich dazu verlosen wir 2x ein Package, bestehend aus einer Vinyl und einem T-Shirt. Unten im Beitrag oder auf Instagram erfahrt ihr, wie ihr teilnehmen könnt.

Gewinnspiel: Logic Vinyls

Ihr habt die Chance auf eins von zwei »College Park«-Sets, bestehend aus einer Vinyl des Albums und einem T-Shirt.
Alles, was ihr dafür tun müsst, ist unserem Instagram-Account zu folgen und euren Lieblingssong von »College Park« unter dem Gewinnspielsbeitrag zu kommentieren.

Die Gewinner*innen werden per Zufallsprinzip ausgewählt und per Direktnachricht benachrichtigt. Teilnahmeschluss ist der 16. Juni 2023, 15 Uhr. Hier findest du unsere Teilnahmebedingungen.

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Der zweite Film vom Black Panther-Franchise Wakanda Forever steht vor der Tür und die Vermarktung des Films ist in vollem Gange, denn der Film kommt am 9. November in die deutschen Kinos – 2 Tage vor der Premiere in den USA. Der Soundtrack mit Rihanna, Tems, Stormzy und vielen mehr ist bereits jetzt bei allen großen Musik-Streaming-Diensten verfügbar.

Vor dem Kinostart haben Roc Nation Records und Def Jam Recordings weitere Details zum Soundtrack bekannt gegeben, auf dem einige bemerkenswerte Namen vertreten sind. Neben Tems‘ Cover des Bob Marley-Klassikers »No Woman No Cry« und der kürzlich veröffentlichten Rihanna-Ballade »Lift Me Up« (die ebenfalls von Tems mitgeschrieben wurde) enthält der neue Soundtrack Songs von weiteren namhaften Künstler*innen wie Snow tha Product, E-40, Future, Pink Pantheress und Tobe Ngigwe, um nur einige zu nennen. Aber natürlich sind auch wieder verschiedenste afrikanische Künstler*innen mit von der Partie. Allen voran der nigerianische Star Burna Boy, Rema, Ckay und Fireboy DML sowie die südafrikanischen Künstler*innen DBN Snow Tha Product, SinoMsolo, Kamo Mphela, Young Stunna und Busiswa. Insgesamt haben über 40 Künstler*innen aus der ganzen Welt daran mitgewirkt.

Der Black Panther: Wakanda Forever-Soundtrack folgt auf den von Kendrick Lamar produzierten Soundtrack des Black Panther-Films von 2018, welcher u.a. mit einem Grammy für den besten Rap-Song ausgezeichnet (»King’s Dead« von Jay Rock, Future, James Blake und Kendrick Lamar).

Soundtrack Tracklist

1. Rihanna – Lift Me Up
2. DBN Gogo, Sino Msolo, Kamo Mphela, Young Stunna & Busiswa – Love & Loyalty (Believe)
3. Burna Boy – Alone
4. Tems – No Woman No Cry
5. Vivir Quintana & Mare Advertencia – Árboles Bajo El Mar
6. Foudeqush & Ludwig Göransson – Con La Brisa
7. Snow Tha Product & E-40 – La Vida
8. Stormzy – Interlude
9. Fireboy DML – Coming Back For You
10. Tobe Nwigwe & Fat Nwigwe – They Want It, But No
11. ADN Maya Colectivo: Pat Boy, Yaalen K’uj & All Mayan Winik – Laayli kuxa’ano’one
12. OG DAYV & Future – Limoncello
13. CKay & PinkPantheress – Anya Mmiri
14. Bloody Civilian & Rema – Wake Up
15. Alemán & Rema – Pantera
16. DBN Gogo, Sino Msolo, Kamo Mphela, Young Stunna & Busiswa — Jele
17. Blue Rojo – Inframundo
18. calle x vida & Foudeqush – No Digas Mi Nombre
19. Guadalupe de Jesús Chan Poot – Mi Pueblo

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Nun erschien am Freitag posthum sein achtes Studioalbum mit einer ganzen Reihe an Hochkarätern wie Snoop Dogg oder Lil Wayne auf der Gästeliste, die Earl Simmons die letzte Ehre erweisen. Den größten Teil der Produktion hat Erfolgsproducer Swizz Beatz übernommen, welcher ein langjähriger Begleiter von Simmons war. Leider wurde DMX an der ein oder anderen stelle ein zu glatter und moderner Sound aufgedrückt. So wie beim unsäglich haarsträubenden »Skyscrapers« zusammen mit Bono. Dennoch hat das Album durchaus seine Glanzpunkte. So zum Beispiel »Bath Salts« mit welchem X, Nas und Jay-Z auf ihre alten Tage noch einen waschechten Banger geschaffen haben.

Ebenso erwähnenswert ist »Walkin in the Rain« mit Gastbeiträgen von abermals Nas & Denaun und einem gesprochenen Intro von Exodus Simmons, DMXs vierjährigem Sohn. Highlight der Platte ist natürlich »Hood Blues« auf dem gemeinsam mit der gesamten Griselda-Crew – abgesehen von Armani Caesar – absurde Adibs und straighte Bars ausgetauscht werden.

Alles in allem ist »Exodus« ein Album mit starken Glanzpunkten, welchem man allerdings anmerkt, dass es nach dem Ableben des Künstlers fertiggestellt wurde. Denn DMX wurde durch seine Roughness zu der Legende, die er ist, und nicht durch Radiotauglichkeit oder erfolgsversprechenden Feature-Partner.

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Nach einem recht erfolglosen Versuch Anfang der 90er mit einem kurzweiligen Signing bei Columbia Records und der ersten Single »Born Loser« gewann DMX Mitte der 90er durch verschiedene Features doch etwas an Fahrt, die durch seine Gastauftritte bei The LOX oder LL Cool J zu einem großen Hype um ihn führten. Spätestens mit dem Signing bei Def Jam und der ersten Single »Get at Me Dog« wartete alle Welt nur noch auf das erste Album von DMX. Nicht wenige sahen mit seinem Hardcore-Rap die Lücke gestopft, die Biggie und 2Pac nach ihrem Tod hinterlassen haben. Und genau diese Art von Rap bekamen die Leute auch: „Let’s take it back to the streets“ war nicht nur so eine dahergesagte Line, denn X brachte den Hip-Hop zurück auf die Straße. Mit seiner brachialen Stimme, der brutalen Ehrlichkeit in den Texten, dem Hundebellen auf den Tracks und seinem gesamten Auftreten wurde er schlagartig zu einem Superstar der Szene.

Auf den 19 Tracks und 65 Minuten Spielzeit des Debüts dreht sich vieles um die Gewalt, die seine Straßen regiert. Der tiefgläubige Earl Simmons, so sein bürgerlicher Name, berichtet, wie er vom Teufel verleitet wurde („I sold my soul to the devil, and the price was cheap“) aber immer wieder nach einem Ausweg aus dem Dunkel sucht. Deswegen gibt es auf »The Convo« auch eines seiner vielen Gespräche mit Gott, in der er seine falschen Taten offenlegt und nach Lösungen sucht. Selten zeigte ein Musiker so offen und ehrlich seinen Struggle zwischen gut und böse wie es X Zeit seines Lebens tat.

Das Debütalbum stieg auf Anhieb auf Platz 1 der amerikanischen Billboard-Charts ein. Es war der Start eines beispiellosen Laufs von fünf Alben nacheinander, die Platz 1 einnahmen und seinen Status in der Hip-Hop-Geschichte zementierten. RIP DMX!

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Die Hauptwerke von Frank Ocean, der seine musikalische Karriere als Ghostwriter begann, könnten kaum unterschiedlicher in Struktur und Inhalt sein und verkörpern ihn dennoch alle. Nach Herausgabe des Mixtapes »nostalgia, ULTRA.«, schaffte das Mitglied der nun aufgelösten Formation Odd Future 2012 mit dem Release von »channel ORANGE« ein preisgekröntes Debütalbum. Das künstlerisch fein angeordnete Mosaik besteht aus R&B-Bangern (»Thinkin Bout You«), Pop-Anthems (»Lost«) und experimentellen Songs, rund um das 10 minütige Herzstück »Pyramids«, in dem alle Einflüsse vereint werden.

Vier Jahre hat Frank Ocean danach auf sich warten lassen, um (dem noch größeren Hype folgend) im Sommer 2016 gleich zwei Alben zu droppen: »Endless«, ein Visual Album, um seinen Vertrag mit Def Jam zu erfüllen, sowie das independent herausgebrachte Album »Blonde« nur einen Tag später. »Blonde« ist dabei eines der seltenen Alben, die es schaffen, rückwirkend ihren Vorgänger in einen anderen Kontext zu rücken. Während »channel ORANGE« vorher als experimentelles cutting-edge Kunstwerk galt, ist es nach 2016 das „normale“ Frank Ocean Album. »Blonde« kombiniert einen kohärenteren Sound mit Inhalten von Nostalgie, vergangener Liebe und sexueller Identität zu einem Erlebnis von großer Nähe zu einem sonst unnahbaren Künstler, als wäre man zusammen mit ihm im Studio gewesen. Statt erwarteten puren Hits werden auf »Blonde« Emotionen beschworen.

Weitere viereinhalb Jahre sind seitdem vergangen. Also kann man gespannt sein, wie und ob er, insbesondere nach dem tragischen Tod seines kleinen Bruders, wieder zurückkommt, um erneut Erwartungen von Fans und Kritikern zu umgehen, wie in jedem Schritt seiner Karriere bisher.

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Im Mittelpunkt steht musikalisch und thematisch ein ganzer Kontinent: Die Wurzeln des Jamaikaners (Damian) und des New Yorkers (Nas) liegen in Afrika und dorthin führt sie auch das Album. Die vornehmlich von dem zweitjüngsten Sohn von Bob Marley produzierten Songs enthalten zu großen Teilen Samples afrikanischer Musik. Der Opener »As We Enter« basiert bspw. auf einem Song der Ethio-Jazz Legende Mulatu Astatke, während der Standout-Track »Patience« auf Grundlage von »Sabali« des malischen Duos Amadou & Mariam (hierzulande evtl. durch den WM-Song 2006 bekannt) produziert wurde.

Inhaltlich ist das Album frei von Lückenfüllern oder Oberflächlichkeiten. Stattdessen wird, wie von den beiden schon solo gewohnt, Musik als Mittel genutzt, um den Blick auf tiefliegende gesellschaftliche Probleme zu richten. Statt jedoch bei den aufgezählten Problemen wie Stammeskriegen, Korruption oder geopolitischen Konflikten zu resignieren, liegt der Fokus auf Empowerment und hoffnungsvollen Visionen von Veränderung. Da passt es auch, dass die Verkaufserlöse des Albums in den Bau von Schulen in Afrika gesteckt wurden.

So wird »Distant Relatives« zu einer mehr als gelungenen Verschmelzung zweier Genres. Das geschieht auch insbesondere durch die spürbare Chemie zwischen Nas und Damian, die ursprünglich nur eine EP machen wollten, aber durch die fruchtbare Arbeit gleich ein ganzes Album produzierten. Gut, dass es so gekommen ist.

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