Unter dem Titel ‘was ist aus dir geworden?’ bringt Ahzumjot im Februar vier Shows in Köln, Frankfurt, Stuttgart und Berlin auf die Bühne. Die Tour markiert den Abschluss seiner Albumtrilogie: Nach »WINTER TAT WEH« (2024) und »FRANCIS« (2025) folgt nun das finale Kapitel – erstmals live in diesem Rahmen.

Erzählt wird dabei nicht einfach ein neues Kapitel, sondern bewusst gegen die Strukturen von Streaming-Formaten und klassische Release-Zyklen gearbeitet. Statt schnellem Output: ein länger geplanter Bogen, der auf der Bühne zu Ende erzählt wird.

Tickets sind ab Mittwoch, den 28. Mai im Vorverkauf erhältlich.
Köln, Frankfurt, Stuttgart, Berlin – let’s go.

Tour-Termine:

• 10.02.2026 – Köln, Club Volta
• 11.02.2026 – Frankfurt, Nachtleben
• 12.02.2026 – Stuttgart, Schräglage
• 15.02.2026 – Berlin, Lido

Ticket-Link:

chimperator-tickets.de/ahzumjot

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Einige Hip-Hop-Alben sind mehr als nur Musik. Sie sind akustische Kinofilme, die ganze Welten erschaffen, Geschichten aufbauen und ihre Hörer*innen in hollywoodreife Szenarien katapultieren. Während manche Platten sich anfühlen wie düstere Noir-Thriller, entfalten andere die Melancholie von Arthouse-Filmen oder die Wucht actiongeladener Blockbuster.

Ein Beispiel dafür sind die Alben des Hamburgers Ahzumjot: Schon mit seinem letzten Album »WINTER TAT WEH« zeigte er, wie Konzept, Musik und visuelles Storytelling verschmelzen können. Passend zum Album inszenierte er kurze, atmosphärische Filmsequenzen, welche die Songs in bewegten Bildern einrahmten. Nun setzt er diese Vision fort: Sein letzte Woche erschienenes Album »FRANCIS« – der zweite Teil einer geplanten kinematischen Album-Trilogie – wird bereits von drei rätselhaften „Akten“ auf YouTube begleitet. Diese Mini-Epen erzählen eine kurze, aber tragische Geschichte und machen gespannt auf die Platte. 

Solche Verbindungen von Konzept, Sound, Atmosphäre und Storytelling waren auch in der Hip-Hop-Geschichte sehr wichtig, denn sie machen einige der bedeutendsten Hip-Hop-Alben zu hörbaren Filmen:

Wu-Tang Clan – »Enter the Wu-Tang (36 Chambers)«: Ein Kung-Fu-Film als Rap-Album

Das Debütalbum »Enter the Wu-Tang (36 Chambers)«, des Wu-Tang Clan ist ein Meisterwerk, das den Hörer*innen die rauen Straßen von New York vor Augen führt. Der Titel selbst ist eine Anspielung auf den Martial-Arts-Klassiker »The 36th Chamber of Shaolin« aus dem Jahr 1978. Und genauso wie die Kampffilme der 70er Jahre fühlt sich das Album auch an: dreckig, roh und voller verrückter Wendungen. Die musikalische Cineastik des Albums zeigt sich besonders in der Verwendung von Samples aus Kung-Fu-Filmen. Diese Samples fungieren wie Szenenübergänge in einem Film und verstärken das Gefühl, eher einen Film als ein Album zu erleben.

Die MCs des Clans verkörpern dabei jeweils verschiedene Charaktere, jeder mit seinem eigenen Stil und seiner eigenen Philosophie – ähnlich wie die Kämpfer in Kung-Fu-Filmen. RZAs Produktionen schaffen eine düstere Atmosphäre, die an die engen Gassen und verfallenen Gebäude erinnert, in welchen die Geschichten spielen. Die knisternden Soul-Samples und staubtrockenen Drums erschaffen mit den filmischen Kung-Fu-Bites eine ganz eigene Welt. Tracks wie »C.R.E.A.M.« und »Protect Ya Neck« wirken wie Szenen eines urbanen Kung-Fu-Films, in denen die Protagonisten um Überleben und Erfolg kämpfen.

Das Album erzählt keine lineare Geschichte, sondern präsentiert eine Reihe von Szenen, die zusammen ein umfassendes Bild des Lebens Staten Island zeichnen. »36 Chambers« ist wie ein Indie-Film, der durch seine Rohheit und Energie besticht – fast wie ein Tarantino-Streifen.

Tua – »Grau«: Arthouse-Deutschrap

Tuas lässt uns auf »Grau« in eine neblige, melancholische Welt eintauchen. Es ist kein gewöhnliches Deutschrap-Album, sondern vielmehr ein arthousiger, vertonter Mindfuck-Film. Die Platte schafft es durch abwechslungsreiche Klanglandschaften und tiefgründige Texte, eindrucksvolle Bilder und zu transportieren. Das Album ist gehüllt in eine dichte, fast greifbare Atmosphäre, sodass sich jeder Song anfühlt wie eine Szene aus einem düsteren Arthouse-Film. Es geht um Depression, Selbstzweifel, Sucht und Identität – und das in einer Soundlandschaft, die zwischen verschiedensten Genres hin und her schwankt.

Gleich auf dem Opener »Es regnet« nimmt Tua den Hörer mit in eine dunkle, versmogte Seitengasse, in der es keinen Funken Optimismus gibt. Tracks wie »Für immer« wirken wie ergreifende Monologe eines Protagonisten, der mit inneren Dämonen und existenziellen Fragen ringt. Die musikalischen Arrangements sind unvorhersehbar und beklemmend, was ein Gefühl erzeugt, als würde man ein David-Lynch-Werk sehen. »Grau« ist wie ein poetischer, innerer Film. Es ist ein Soundexperiment, das sich anfühlt wie ein surreales Drama über das innere Chaos – der „Arthouse Movie“ unter den Deutschrap-Alben.

Kendrick Lamar – »good kid, m.A.A.d city«: Hollywood reifes Storytelling

Kendrick Lamars »good kid, m.A.A.d city« ist ein Paradebeispiel für ein cineastisches Hip-Hop-Album und wurde sogar als „Shortfilm by Kendrick“ vermarktet. Es erzählt die Geschichte eines jungen Kendrick, der in den Straßen von Compton aufwächst, und präsentiert diese mit einer Detailliertheit, die jedes Setting verbildlicht. Jeder Song fungiert wie eine Szene, die die Geschichte vorantreibt. Interludes und Skits in Form von Voicemails und Gesprächen dienen als Übergänge und geben zusätzlichen Kontext, ähnlich wie Zwischensequenzen in einem Film.

Tracks wie »The Art of Peer Pressure« und »m.A.A.d city« wirken wie Action-Thriller-Szenen, die den Hörer mitten ins Geschehen werfen. »Sing About Me, I’m Dying of Thirst« ist einer dieser Momente, in denen der Film zum Drama wird. »good kid, m.A.A.d city« ist ein akustischer Film, der die Grenzen zwischen Musik und Storytelling verwischt. Kendrick Lamar beweist hier sein Talent als Regisseur seiner eigenen Geschichte, die er mit einer Eindringlichkeit erzählt, die man sonst nur aus Filmen wie Boyz n the Hood (1991) oder Menace II Society (1993) kennt. Passend zum Album ist auch ein 15-Minütiger Kurzfilm erschienen, welcher den Alltag Compton porträtiert.

OG Keemo – »Mann Beisst Hund«: Ein düsterer Noir-Thriller

Ein Konzeptalbum, das durch seine Erzählstruktur und atmosphärische Dichte besticht, ist OG Keemos und Funkvater Franks »Mann Beisst Hund«. Auch wenn es laut den beiden eher ein Zufall ist, teilt sich die Platte ihren Namen mit dem belgischen Kultfilm »Man Bites Dog«. In diesem geht es um einen Serienmörder – und genauso unbarmherzig und schonungslos ist auch dieses Album. Die filmische Qualität des Albums zeigt sich in den sorgfältig erzählten Geschichten. Jeder Track fungiert wie eine Szene aus einem düsteren Gangsterdrama, ähnlich wie New Jack City. Keemos detaillierte und bildhafte Texte lassen die Umgebung und die Ereignisse vor dem inneren Auge des Hörers lebendig werden. Er rappt mit einer Wucht, als würde er einen Monolog in einer finsteren HBO-Serie halten.

Auf »Anfang« werden die wichtigsten Charaktere in die Story eingeführt, um dann im weiteren Verlauf ihre Rolle einzunehmen. Die Schlüsselszene des Albums ist allerdings der Track »Vögel«, auf welchem Keemo als einer der Protagonisten seine Lebensgeschichte in etwa sechs Minuten presst. Wie viel davon wirklich autobiografisch ist, bleibt offen. Funkvater Frank liefert den perfekten Soundtrack: düstere Samples, treibende Drums, die wie der Puls eines nervösen Protagonisten klingen. Der bedrückende und wummernde Sound der Platte unterstützt die filmische Qualität, indem sie eine dichte, oft bedrohliche Atmosphäre schafft. »Mann Beisst Hund« wirkt wie ein akustischer Neo-Noir-Thriller, der die Grenzen zwischen Musik und Storytelling verwischt und an Klassiker wie La Haine erinnert.

Childish Gambino – »Because the Internet«: Ein multi-mediales Kunstwerk

Über die Grenzen der Musik ging Childish Gambino mit dem Release von »Because the Internet«. Es ist ein multimediales Konzeptalbum, das Musik, Film und Text vermischt. – und so ein ganz eigenes Universum bietet. Er veröffentlichte das Album gemeinsam mit einem auf die Platte abgestimmten 72-seitigen Drehbuch. Zusätzlich hat Glover passende Kurzfilme produziert. Die Tracks erzählen eine Geschichte, welche sich allerdings nicht sofort erschließt. Aber genau das macht sie so interessant.

So wirkt der Song »Sweatpants« wie eine selbstironische Szene in einem Coming-of-Age-Film, während »3005« die existenziellen Ängste eines Protagonisten einfängt, der nicht weiß, wo er hingehört. Die Produktion ist futuristisch, verzerrt, surreal, manchmal poppig, als würde man durch verschiedene Zeitebenen eines Films springen. Die verschiedenen Elemente des Projekts – Musik, Skript, Videos – sind wie Puzzleteile, die zusammen ein umfassendes Bild ergeben. »Because the Internet« ist ein Werk, das die Möglichkeiten des digitalen Zeitalters voll ausschöpft.

Apsilon – »Haut wie Pelz«: Ein sozialkritischer Dokumentarfilm

»Haut wie Pelz«, das Debütalbum von Apsilon, ist ein eindrucksvolles Werk, welches besonders durch seinen Tiefgang hervorsticht. Auf den 37 Minuten Spielzeit zeichnet er ein detailliertes Bild vom Leben als Gastarbeiterkind im Berliner Stadtteil Moabit. Apsilon macht auf »Haut wie Pelz« also keine Witze. Das Album ist ein Blick in die harte Realität vieler Menschen, die sonst in der Gesellschaft übersehen werden.

Es geht um Migration, Identität und Klassismus. Apsilon erzählt seine Geschichten aber nicht mit Pathos oder erhobenem Zeigefinger, sondern mit der Dringlichkeit eines investigativen Dokumentarfilms. Und wie es sich für einen guten Film gehört, gab es sogar zum Release eine Kino-Tour. »Haut wie Pelz« ist nicht nur ein Album. Es ist eine akustische Dokumentation, die das moderne urbane Leben einfängt. Es fordert den Hörer heraus und regt Nachdenken an – ganz so wie eine Arte-Dokumentation über die Straßen Moabits.

Diese Alben beweisen, dass Hip-Hop weit über Musik hinausgeht und ein Medium für ergreifende Geschichten, visuelle Erlebnisse und tiefe Emotionen ist. Wie in einem guten Film ziehen die Protagonist*innen die Hörer*innen in ihre Welt, fesseln sie mit ausgefeilter Dramaturgie und lassen Bilder entstehen, die noch lange nachwirken. Ob düsterer Noir-Thriller, introspektives Arthouse-Drama oder sozialkritische Dokumentation – Hip-Hop kann all diese Facetten abdecken.

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Nachdem Ahzumjot in den vergangenen Wochen seinen Instagram-Feed leergeräumt hat, ist seitdem nur noch Merch mit einem großen, etwas kryptischen »Francis«-Schriftzug gepostet worden. Jetzt ist klar, was es damit auf sich hat: Der Rapper & Producer wird ein neues Album veröffentlichen, das genau diesen Titel trägt.

Das Album ist der zweite Teil einer geplanten Trilogie und wird – wie schon bei seinem letzten Werk »WINTER TAT WEH«, das erst im Mai diesen Jahres erschien– wird es keine ausgedehnte Tour geben, sondern eine exklusive Show zum neuen Album. Diesmal wird das Konzert aber nicht in seiner Wahlheimat Berlin stattfinden, sondern in Köln. Am 24.11 spielt Ahzumjot im Club Bahnhof Ehrenfeld und wird dort »Francis« gebührend feiern – mit Sicherheit auch mit einigen Special Acts. Tickets können ab Mittwoch, den 16. Oktober ab 10 Uhr gekauft werden.

Mehr Informationen zum Vorgängeralbum »Winter Tat Weh« gibt es hier zu lesen

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Die Hamburgerin ist seit einiger Zeit immer gefragter. So steht nicht nur das Ahzumjot-Feature zu Buche, auch mit Artists wie Yassin, Pimf oder JACE hat Hanna Noir bereits in ihrer noch jungen Karriere zusammengearbeitet. Der Deutschrap-Einschlag ist da recht offensichtlich, doch ihre Musik ist nicht einfach nur in diese Schublade zu stecken. Mit großen Augen Richtung UK und dem dort vorherrschenden grimigen Garage und Drum’n’Bass-Sound hat sie sich eine ganz eigene Nische in der Szene geschaffen, die auf viel Anklang stößt.

Die angesprochenen Featureanfrage sowie Bookings für u.a. das splash! zeigen, wie sich ihr Standing momentan rasant entwickelt. Ein nächster Step ihrer derzeitigen Entwicklung ist nun der Start ihrer eigenen Veranstaltungsreihe, bei der sie einen Ort für Artistvernetzung schaffen will.

Startschuss für »collabs«

So wie Hanna Noir selber in ihrer Musik unterschiedliche Genres aufeinander prallen lässt, so ist ihre neue Veranstaltungsreihe konzipiert. Zusammenkommen bei den Events sollen verschiedene Musikrichtungen und andere kreative Formen, um gleich mehrere Szenen zu verbinden. Hanna wünscht sich einen Safe Space, der zum connecten und networken genutzt werden kann und gleichermaßen Newcomer*innen wie auch gestandenenen Artists eine Fläche bietet, um noch vielfältiger arbeiten zu können.

Kick-Off der Reihe ist am 22. Juni in der Hamburger Rooftoplocation Jupiter, bei dem neben Hanna und einigen Newcomer*innen auch Ahzumjot sein wird, der seines Zeichens erst kürzlich ein Feature von Hanna Noir auf seinem Song »Halt mich warm« bekommen hat. Nun treffen die beiden erneut aufeinander – nur diesmal eben live und einem Format, das viele Möglichkeiten für künstlerischen Freiraum verspricht.

Gewinnspiel

Möchtest du live dabei sein? Nutze jetzt deine Chance und geh rüber zum Mostdope-Gewinnspiel auf Instagram und gewinne 1×2 Tickets für den Kick-Off am 22. Juni. Teilnehmen ist ganz einfach: Folge Mostdope auf Instagram und markiere die Person, mit der du Hanna Noir, Ahzumjot und jede Menge weitere Acts erleben möchtest. Das Gewinnspiel läuft bis zum 19. Juni, also worauf wartest du?

Für alle anderen gibt es hier noch Tickets zu bestellen!

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Die EP umfasst vier neue Songs, die in Zusammenarbeit mit Produzenten wie u.a. Ahzumjot, Dexte und Florida Juicy entstanden sind.

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Ganz oben in der Playlist und deshalb auch auf unserem Cover steht mit Hanna Noir eine Rapperin, die zwar noch den Up-And-Coming-Status hat aber gerade auf dem besten Weg ist, diesen Umstand zu ändern. Seit 2019 veröffentlicht sie Songs in ihrem ganz eigenen Drum and Bass/Hyperpop-Soundgewand und macht sich damit immer mehr einen Namen in der Szene. In diesem Jahr sind so schon Features mit Yassin und Pimf zustande gekommen.

Der Juni hat es dabei ganz besonders gut mit ihr gemeint. Voract bei French the Kid und ein Sieg beim Hamburger Music Award Krach + Getöse reihen sich nun in ihre Vita ein und zeigen, dass die Rapperin momentan auf einem sehr guten Weg in Richtung Deutschrapszene ist.

Deshalb ziert die Hamburgerin mit ihrer neuen, JACE-gefeatureten Single »8 Uhr« das Cover unserer Playlist.

Weitere Highlights des vergangenen Monats findet ihr unter DO.GOOD.BE.DOPE auf Spotify.

Mit dabei unter anderem:

HANNA NOIR, HAIYTI, LILA SOVIA, LAYLA, MEGALOH, DENNIS DIES DAS, WEEKEND, LUVRE47, CASPER, FLAVIO, MONK, DIE P, THEMBA, LUGATTI & 9INE, SAVVY, RAPK, BABYJOY, AHZUMJOT, DOMIZIANA, XAVER, PATINA RECORDS, RAMZEY, NIKAN, HEXER, MAKHULO, YONY X MALLA, HARUN, LUIS AKE, AMANDUS 99, SOULY, OKFELLA, JUN, CRO, CARLO5, DANJU, LEOPARD, SHINDY, TIGHTILL, VIK063, SKOFI UVM.

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Die vier Songs auf »KDK Adventures Pt. 2« sind allesamt waschechte Banger. Nichtsdestotrotz sind bereits auf dem Opener »Schwung« viele Lines zu finden, die eher melancholisch gedeutet werden können. So eröffnet 9ine den Song mit den Zeilen: „Wieder fucked up und ich frag’ mich wie lang / ich berauschte Zustände aushalten kann/ Falle im Traum und du hältst meine Hand / Ich wache auf und du bist gar nicht da“. Darüber hinaus ist dieser Song der einzige, der nicht von Traya produziert wurde. Stattdessen hat Basey, der bereits mit Yung Kafa & Kücük Efendi und Kasimir1441 zusammengearbeitet hat, die Arbeit hinter den Beats übernommen. Auf die Leadsingle folgt mit »Luxemburg« ein typischer Lugatti & 9ine Kiffersong. Es werden Strain-Namen gedroppt und „Schnitzel bei Oma Kleinmer“ geholt, garniert mit einem Dirty-South Sample in der Hook. Ein ähnliches Sample findet sich auch in der Hook des nächsten Songs »Checkin’ In«. Dieser ist mit seinem brachialem Sound quasi prädestiniert für Liveauftritte, für die die Kölner nicht erst seit ihren splash!-Abrissen in diesem Jahr bestens bekannt sind. »KDK Adventures Pt. 2« endet mit »Fühle nichts« und kehrt damit zur Melancholie des ersten Songs zurück – nur, dass sie hier auch soundtechnisch transportiert wird. Bei der Produktion hatte neben Traya auch FFJODOR seine Finger im Spiel. Weitere Unterstützung gibt es auf dem Song von Hamburger Ahzumjot.

Abschließend lässt sich sagen, dass »KDK Adventures Pt. 2« wieder einmal ein schönes Schmankerl für Fans der Kinder der Küste darstellt und ebendiesen die Zeit bis zum nächsten richtigen Release von Lugatti & 9ine verkürzt.

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Dabei stand das Festival nicht unter dem besten Stern. Es gab viel Gerede in Freundes- und Bekanntenkreisen, dass dieses Jahr irgendetwas fehlt, das Lineup war zwar gut aber die Jahre vor Corona war es eben überzeugender. Viele haben vor Festivalbeginn ihre Tickets doch noch verkauft oder waren lange wankelmütig ob sie nun wirklich hingehen wollen. Während des Festivals sagte dann noch Girl in Red ab, die eigentlich einen der Prime Spots Sonntag Abend auf der Hauptbühne „Grossschot“ spielen sollte. Aufgrund von schlechten Wetterbedingungen war es für sie nicht möglich noch rechtzeitig nach Hamburg zu kommen. Da kann nun wirklich keine*r was dafür, aber gerade diese Umstände haben dazu beigetragen das dieses Dockville Festival dann doch ganz besonders wurde. Denn obwohl die Hauptbühne dieses Jahr vielleicht nicht alle einhundertprozentig überzeugen konnte, haben die kleineren Bühnen umso mehr geglänzt. Für uns war es ein hin und her zwischen „Vorschot“ und „Maschinenraum“ gefolgt mit Abstechern ins „Butterland“. 

Am Freitag war die ungeschlagene Queen die UK Rapperin Enny, die erst vor einem noch ziemlich spärlichen Publikum auf der „Vorschot“ stand und dann eine so wahnsinnig gute Stimmung geschaffen hat, dass zum Schluss das Publikum dicht gedrängt stand. Die Londonerin war sehr charismatisch und hat zusammen mit ihrer DJ eine dermaßen, auf gut Deutsch, geile Show abgeliefert, die für uns der perfekte Einklang für das Festival Wochenende war. Unglaublich beeindruckend war am Freitag auch die australische Künstlerin Tash Sultana bei der uns irgendwann nur noch das Kinn runterhing, als sie ein Instrument nach dem anderen gespielt- und nahtlos in ihr Set eingebaut hat. Neben Gitarre, Schlagzeug, Drum Machines und Flöte konnte sie dann auch noch entspannt das Saxofon spielen. Eine sehr starke Performance auf der Hauptbühne. Für alle deutsch Rap Fans gab es dann leicht überlappend im Timetable Pashanim, der mit seiner Show auf der „Vorschot“ mehr als nur einen Moshpit verursacht hat.

Weitere Highlights des Festivals waren: Am Samstag die UK Rapper*in Lex Amor die mit ihrem DJ Rei Sky ordentlich Stimmung geschafft hat, dann einer der Main Acts Faber der auf der Hauptbühne am Samstag für Gänsehautmomente gesorgt hat, die Chicago Künstlerin Ogi, die am Sonntag im Maschinenraum auftrat. Sowie Hamburgs „Own“ Rapperin Kwam.E, der den Heimvorteil ausgenutzt hat und trotz sehr starker Parallel-Performances von 01099 und der spontan Performance Ahzumjot die kleine Crowd vorm Maschinenraum zum Ausrasten gebracht hat.

Das MS Dockville 2022 ist vorbei. Was bleibt, sind Erinnerungen an die drei unvergesslichen Festival-Tage und ein paar dieser Momente findet ihr festgehalten in der Bildergalerie.

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Weitere hungrige Rapper*innen und andere, die sich schon das eine oder andere Mal erfolgreich sattessen konnten, findet ihr wie jeden Monat in der DO GOOD. BE DOPE. Playlist.

Unter anderem dabei sind: Apsilon, Elmäx, futurebae, BILLA JOE, Harry Quintana, Filu, Hanna Noir, Disarstar, Paula Hartmann, Chefket, Dennis Dies Das, Ion Miles, Nina Chuba und Karate Andi.

Checkt die Playlist auf Spotify: DO GOOD. BE DOPE.

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Denn das Mixtape startet, wie das letzte Album geendet ist. So beginnt Ahzumjot den ersten Part des Openers »ICH BIN GOAT« mit den Worten „Lass uns schein’n, lass mich schein’n“ und spielt damit auf den letzten Song von »3:00« an. Auf »ICH BIN GOAT« reflektiert Ahzumjot mit einer zum Titel passenden Arroganz seinen momentanen Stand in der Szene. Dies passiert auf einfachen Pianoakkorden und vergleichsweise zurückhaltende Trap Drums, welche viel Platz für die schnell gerappten Lyrics lassen.

Auf dem darauffolgenden Song tut sich Ahzumjot mit dem Kölner Lugatti zusammen und bricht »ANKLES«. Die beiden überbieten sich auf einem atmosphärischem Trap-Beat gegenseitig mit Basketball Referenzen. Eben diese ziehen sich als Motiv durch das gesamte Album.

So nennt sich der nächste Song »KOBES SECHSTER RING«. Dieser ist definitiv der längste und härteste Song des Projektes. Sowohl die switchenden Beats als auch Lyrics gehen straight nach vorne und die beiden Gäste FELLY und Gianni Suave ergänzen Ahzumjot extrem gut.

Für den Titelsong »WEIL DU ES LIEBST« hat sich Ahzumjot ebenfalls zwei Gäste Rangeholt: COBEE und Apsilon. Insbesondere der Part von Zweiterem – mit seiner tiefen und klaren Stimme – sorgt auf der ansonsten sehr autotunegeschwängerten Ballade für echte Gänsehaut.

»VERLIEREN MIT MIR« kommt sehr elektroid daher und hat fast schon clubbigen Charakter, ohne dabei jedoch zu gewollt zu wirken.  Des Weiteren findet sich einer der stärksten Rap-Parts auf eben diesem Song – trotz des tanzbaren Sounds.

Darauf folgt mit »HEARTBREAKS VS HEARTBREAKS« quasi ein gesungener Dialog zwischen ihm und BABYJOY, in welchen sie sich in die Rollen eines Pärchens in einer recht toxischen Beziehung begeben. Besonders Ahzumjot reflektiert sich hier selber und arbeitet seine Traumata auf.

Nach dieser eher ruhigen Phase des Projektes folgt nun mit »HOLD UP SLOW DOWN« wieder ein Banger. Mit schnellen Flows und ratternden Hi-Hats dreht Ahzumjot auf dem Song eher auf als wie im Songtitel angekündigt.

»AM BAHNHOF« ist der am schwersten zugängliche Song auf „WEIL DU ES LIEBST“. Mit exzessivem Vokoder Einsatz besingt Ahzumjot seine Vergangenheit, bis schließlich extrem distortede Drums und Bässe einsetzen.

Der letzte Song ist eine herzergreifende Ode an die Heimat von Ahzumjot – Hamburg. So rappt er:

Wenn man wohnt, wo man herkommt, ist viel den Blick nicht wert. Heut’ zeig’ ich mei’m Sohn die Alster, als wär’s das verfickte Meer

Dabei wird er unterstützt von den beiden Engelsstimmen Wanja Vaneva und BRKN.

Alle Produktionen auf »WEIL DU ES LIEBST« stammen von Ahzumjot selbst. Lediglich bei zweien der neun Songs haben noch andere Producer am Sound mitgewirkt, diese sind LEV, Young Kira und Thani

Insgesamt ist »WEIL DU ES LIEBST« ein starkes Release von einem vielfältigen Künstler. Ahzumjot ist einer der wenigen Rapper, der es schafft zu representen und zu flexen ohne dabei unangenehm oder gar peinlich zu wirken. Zeitgleich schafft er es Emotionen zu zeigen ohne gleich in vollkommenden Kitsch abzurutschen. Diese Mischung macht natürlich Hunger auf weitere Releases – bei der bisherigen Releasefrequenz muss man sich dabei aber wohl keine Sorgen machen.

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