Vasil – Krähen reden nicht

Vasils Debüt-Tape »Krähen reden nicht« klingt wie der Prolog zu einem Klassiker. Schon die pure Dringlichkeit in ihrer Stimme erzeugt Gänsehaut, die zugehörigen Lyrics geben diesem Bauchgefühl Bestätigung.

Vasil liefert die längst überfällige weibliche Perspektive einer bis dato männlich dominierten Sparte im deutschen Rap. Mit klarer Vision und mitreißenden Flows fährt sie ihren eigenen Film – punktuell fühlt man sich an OG Keemo, Apsilon oder auch Ramzey erinnert.

Einerseits ist es diese roughe, schwarz-weiße Straßenästhetik in Videos und Texten, andererseits die Tatsache, dass Vasil schlichtweg Aura und eine Menge zu sagen hat. Beobachtungen und Erfahrungsberichte gehen fließend in Systemkritik über. Ungeschönt – wenn auch mitunter bildmalerisch – schildert sie fatale Zustände vom Aufwachsen am Rand der Stadt, am Rand der Gesellschaft, von Armut und Scham, post-sowjetischer Diaspora, Marginalisierung, Perspektivlosigkeit und Drogen. Bemerkenswert ist nicht zuletzt, mit welcher Energie und Authentizität sie diese Darstellungen ownt – abgehärtet und trotzdem gefühlsbetont, schmerzvoll, aber siegessicher und immer solidarisch.

Die facettenreichen Produktionen von Too Young (dessen stimmiger Featurepart auf »400 Homies« der einzige bleibt) verleihen ihren unterschiedlichen Modi die passenden Farben. Mühelos flext sie darauf mit ihrer Vielseitigkeit – ob gefühlvoll auf »Stille Post«, angriffslustig auf »Money Moves« oder laidback auf »Mama ich werde Rapperin«.

»Krähen reden nicht« hat viele Highlights, keinen Skip und einen enormen Replay-Value. Wir wollen mehr!

Magnus Menzer

grim104 – No Country For Old Grim

Es ist schon verwunderlich, wie grim104 es ausnahmslos mit jedem Album aufs Neue schafft, die Tristesse, die Wut, die Resignation der Alltags- und Gesellschaftsbeobachtungen in einen Guss zu kippen und diese Mixtur dann immer und immer wieder kurzweilig zu halten. So geschehen auch auf seinem nunmehr fünftes Soloalbum »No Country For Old Grim«, das er inmitten einer scheins zum Tollhaus gewordenen Weltlage veröffentlicht. Staatsoberhäupte, die sich im Abschieben gegenseitig überbieten wollen, millionenseitige Akten über reiche Pädophile und Ehemänner mit niederen Absichten: Nichts scheint mehr unmöglich zu sein, die Welt völlig aus den Fugen geraten.

Doch grims große Stärke ist, die Welttristesse vom Großen aufs Kleine zu übertragen und aus den provinziellen Beobachtungen ganze Storyteller zu formen. Wo man sich noch beim Griechen besäuft, wo Hundehalter auf radfahrende Kleinkinder treffen, wo man vom Dorffest taumelt, da schaut die eine Zugezogen Maskulin-Hälfte aber ganz genau hin. Kaum jemand fängt diese Momente so grandios ein wie der im Kaff Zetel großgewordene Rapper. Mit durchschneidender, fast anklagender Stimme fräst grim sich durch die 14 Tracks seines neuen Albums und hinterlässt nur diese eine Frage: Wie rührt er seine Mixtur das nächste Mal an?

Matthi Hilge

Dissy – morgen werde ich mich dafür hassen (side b)

In klassischer Vinyl-Manier vervollständigte dissy im März »morgen werde ich mich dafür hassen« neun Monate später mit der zugehörigen B-Seite. Während die A-Seite noch einen positiveren, vom Draufgängertum durchzogenen Unterton hatte, verschiebt sich auf dem Pendant alles ein Stück weiter in die Düsternis. Grunge-Gitarren und sporadische Synths treffen hier sowohl auf pulsierende Trap-Bässe wie auch ein Wiegenlied auf »korsak«.

Die vorherige Ekstase wird (mit kleinen Ausnahmen) thematisch von einem drückenden Schuldgefühl abgelöst. Auf Songs wie »insekt«, »gewehr« mit Fatoni und »acid« mit Drama Kuba und Rokko Weissensee zeichnet der Wahl-Berliner ein dystopisches Weltbild, geprägt vom Nihilismus. Mit ironischem Subtext appelliert dissy daran bloß nicht die Augen vor globalen Missständen zu verschließen und zur Tat zu schreiten. Irgendwann ist es schließlich doch zu spät.

Im intendierten Albumkontext liefert die B-Seite das passende Gegenstück zum Titel. Auf den nächtlichen Rausch folgt die morgendliche Reflexion die schlussendlich im Selbsthass mündet.

Michail Weiss

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GOODCOMPANY. – KOMFORTZONE

Es ist gerade mal Anfang des Jahres und da sind schon die ersten Songs für die neue Sommer-Playlist gefunden?!                                                                                

»KOMFORTZONE« ist zwar erst das erste Full-Length-Projekt von dem frisch gegründeten Kollektiv GOODCOMPANY. um Veli, cuffa, *maliiik und jamalsrevenge, doch wirkt die EP sofort vertraut und gleichzeitig wie ein frischer Wind fürdie deutsche Hip-Hop-Welt. Mit Songs wie »DND« und »Superfly« kreiert das Kollektiv eine Atmosphäre, die ihresgleichen sucht. Nicht nur der Laid-Back-Flow, der sich durch alle 7 Tracks zieht, sondern vor allem das Storytelling und die Dringlichkeit der Vier schieben sich in den Vordergrund und prägen sich ein. Kurz gesagt: GOODCOMPANY. haben viel zu sagen. Und wir dürfen zuhören und mit viben.

“F*ck die Welt, wir machen alles selbst, ich krempel alles um
Und hör’ erst auf, wenn mir der Scheiß gefällt” – »DND«

Ob die EP nun den gewählten Titel trägt, weil man sich außerhalb der Komfortzone getraut hat, oder ob die gemeinsame Musik eben einen vertrauten Rückzugsort darstellt, bleibt offen. Aber egal, wie man es interpretieren mag, »KOMFORTZONE« hat seinen Platz als EP des Monats mehr als verdient.

Und wir freuen uns auf eine musikalische Zukunft mit GOODCOMPANY. !

Lara Binge

LONGJ – SCHWARZER ANZUG

»SCHWARZER ANZUG«, so der Titel, beschreibt treffend die Dichotomie, die sich hinter dem Debütalbum des Hamburger Rappers longJ verbirgt. Obschon auf einem industriellen Klanggerüst zeitgenössischer Trap mit Chor-Einsätzen kollidiert, imposant destruktive Sounds mit einer Autotune-verzerrten Kopfstimme kollidieren, spielen sich auf Textebene rundweg andere Polaritäten ab. 

Der Erfolg (und damit auch das Streben nach ihm) stehen hierbei im Mittelpunkt. Ob er jedoch zelebriert oder als Notwendigkeit und einzige Chance auf Besserung dargestellt wird variiert. Der Newcomer wechselt mühelos von Imagerap hin zu bitter-ehrlichen Schilderungen persönlicher Erlebnisse wie zum Beispiel die Anwesenheit bei einem Terroranschlag in der belgischen Hauptstadt auf »Brüssel 2016«. Während sich longJ augenscheinlich auf einem Bett aus Authentizität und Dekadenz wiegt, lässt er kontinuierlich seine Fassade bröckeln und Schicht für Schicht, Song für Song, den schwarzen Anzug fallen, hinter dem er sich gezwungenermaßen versteckt. All das kulminiert auch im gleichnamigen Titeltrack »Schwarzer Anzug« in dem er ein experimentelles Zeugnis des omnipräsenten Drucks, der sich letztendlich in ex- und intern gerichtetes destruktives Verhalten wandelt, ablegt. 

Mit einer Vielzahl vielversprechender Producer wie Bluprint, lex!, Thisisyourcyan und Waterboutus sowie einem flächendeckenden Ensemble Hamburger Featuregäste, wie Charlize, G A W A, Vz55 und KALO setzt longJ mit »SCHWARZER ANZUG« ein von Ausdrucksstärke und Diversität geprägtes Zeichen, dass in der Kategorie der Debütalben seinesgleichen sucht.

Michail Weiss

$OHO BANI – LISTEN CAREFULLY

Songnamen sind überbewertet, wenn doch die Qualität für sich spricht. Das scheint zumindest die Herangehensweise von $oho Bani bei seinem neuen Album gewesen zu sein, hat er doch jeden einzelnen der elf Tracks von »listen carefully« stumpf »Song 1«, »Song 2«.. (man kann sich den Rest erschließen) genannt. Auch die Coveraufmachung ist ganz New-Gen-d’accord bewusst mühelos gehalten. Ein Schnappschuss eines Kaninchens mit Bobfrisur, ein neutraler Hintergrund und in der most basic Schriftart dann der verpixelt zu lesende Titel: »listen carefully«.

Dieser Empfehlung folgend, lassen sich dann aber eine ganze Reihe an wohlbedachten Zeilen, Songstrukturen und Features auf $ohos erstem Album seit 2024 finden. Denn wo der Berliner in der Vergangenheit schon immer wieder auf Festivals, in Interviews oder auf dem letzten Album »listen carefully« seine Haltung nach außen getragen hat, so wird sie auf dem neuen geschickt in seine eigenen Erzählungen eingewoben. $oho Bani hatte vielleicht noch nie so viel zu sagen, ohne dass er es explizit machen muss. “Und wir haben angefangen, kein‘n Fick zu geben / Weil genauso habt ihr’s uns gezeigt” heißt es da zum Beispiel auf dem dritten Song und es wird im Verlauf des Albums immer offensichtlicher, dass $oho viel Zeit mit der Reflektierung seines Stand in der Welt und in der Gesellschaft verbringt.

Matthi Hilge

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Souly – Moth Music

Schon bevor »Traence« im Juni 2025 veröffentlicht wurde, ließ Souly in diversen Interviews verlauten, dass das Projekt noch nicht abgeschlossen ist und diverse Features folgen sollen. Dieses Versprechen hat er mit »Moth Music« diesen Monat nun eingehalten.

Für aufmerksame Fans sollte das aber keine Überraschung gewesen. Direkt im Anschluss an den Traence-Release begann der Künstler bereits »Moth Music« zu teasen: Von »Regentage« mit Lucio101, den die beiden schon beim Release-Konzert in Berlin gespielt haben über eine nicht enden wollende Menge an Motten-Emojis in den Instagram Stories von Soulys Produzenten wie Stoopid Lou oder Waterboutus bis zur Colors-Show des titelgebenden Outro-Tracks »Motte«. Was folgte, war ein beachtlicher Single-Run samt ausverkaufter Tour, bei der sogar Hallenböden dran glauben mussten.

Im Januar war es dann endlich soweit. Mit »Moth Music« erschien die logische Konsequenz aus »Traence« und die Antwort auf die Frage, was das avantgardistische Album eigentlich zu bedeuten hatte. Vom musikalischen Stil halten sie sich beide die Waage und die ätherische Atmosphäre bleibt erhalten. Das liegt aber auch daran, dass die Songs von »Moth Music« aus der selben Zeit wie von »Traence« stammen und daher aus dem selben Guss kommen. Ein Unterschied ist jedoch dass das aktuelle Tape eine Vielzahl an Features, wie Boondawg, UK-Rapper Fimiguerrero und den Produzenten Bazzazian zu bieten hat und damit jeden, der nach »Traence« noch nicht genug hatte, erstmal zufriedenstellen sollte.

Michail Weiss

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Thundercat, Lil Yachty & Flying Lotus – I Did This To Myself

Einer der witzigsten, funkiesten und vielseitigsten Artists unserer Generation ist nach sechs langen Jahren nun endlich zurück mit einem neuen Soloalbum. Thundercat hat so ziemlich mit jedem Musik gemacht von Gorillaz, Tame Impala, Tyler, the Creator, Travis Scott, Mac Miller, Kendrick Lamar und zuletzt mit A$AP Rocky auf dessen langersehnten Projekt »DON’T BE DUMB« (um nur ein paar zu nennen). Dabei agiert er sowohl als Bassist, Vocalist wie auch Producer. Das Genre ist dabei auch ziemlich egal.
Von daher war Thundercat auch auf die ein oder andere Weise in ziemlich vielen unserer Lieblingsalben involviert und die sechs Jahre seit »It Is What It Is« kamen uns nicht so lange vor. Das neue Projekt heißt »Distracted« und wird am 3. April erscheinen. Die neue Single
»I Did This To Myself« featured Lil Yachty und Flying Lotus und macht mächtig Vorfreude.

TSO – KINI YI

Schon beim Blick auf das Cover merkt man, dass Ambivalenz eine prägende Kraft für  »KINI YI« war. Der Athener Newcomer Tso schafft auf seinem Debütalbum eine Symbiose aus griechischem Volksgesang und zeitgenössischen Hyperpop-Elementen. Mit klagender Kopfstimme erzeugt er eine ätherische Atmosphäre, die durch das treibende Chaos der Percussions zum Bersten gebracht wird. Zwischen tanzbaren Bässen und mehrstimmigen Harmonien erzählt Tso eine Geschichte vom Ausbrechen und Ankommen, von Frust, Widerstand und Akzeptanz. 

Lavz & Deazy – Spin The Block

Lavz ist eine Künstlerin aus London die sowohl in ihrer Heimat als auch hierzulande noch eher weniger bekannt ist. 2024 war sie mit ihrem Song »Under The Sun« Teil der BBC-Introducing-Reihe von BBC Radio 1 und ist seitdem auch bei uns auf dem Radar. Sie macht Musik die lyrisch eher in Richtung Hip-Hop geht gehört aber zu der neuen Generation von Artists die wenig Lust auf Schubladendenken haben was für sie als Schwarze Frau in der Musikbranche besonders schwer ist. Diese Woche erschien ihr neuer Song »Spin The Block« produziert vom dänischen Producer Deazy.

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Den Hintergründen der EP sind wir im ausführlichen Track by Track Interview auf die Spur gekommen.

1. Steppenwolf (Intro)

MARNELE: Der Song ist entstanden, als ich das erste Mal außerhalb von Bochum – wo ich eigentlich herkomme – Musik gemacht habe. In Berlin mit Matt Mendo. Generell war ich schon voll aufgeregt, überhaupt mit jemand anderem zusammenzuarbeiten und dann auch noch direkt mit Matt. 

Eigentlich ist der Song schon älter. Ich mochte ihn die ganze Zeit, aber habe ihn nie als eigenständigen Song, sondern mehr als Intro gesehen. Bei dieser EP hat es sich richtig angefühlt, ihn als Überthema und Intro draufzupacken. »Steppenwolf« ist ja schließlich auch der Titel der EP. Für mich spiegelt er gut die zwei Seiten, die das Thema der EP sind, wider. Zum einen etwas Nachdenkliches und nach innen gerichtetes und zum anderen etwas nach vorne treibendes und nach außen gerichtetes. Der Begriff steht für mich ein bisschen für die Zerrissenheit zwischen den beiden Welten, die koexistieren, aber auch manchmal im Konflikt zueinander stehen.

2. Alle gleich

MARNELE: Der Song ist in Wien zusammen mit prod.suki entstanden. Das war auch unsere erste Session zusammen und hat direkt harmoniert. Es war geil auf dem Song Genre-mäßig bisschen was anderes auszuprobieren. Er macht ja sowieso viel Drum’n’Bass, Jungle-Sachen. Als ich in die Session gekommen bin, war ich erstmal so „Wow, ich weiß nicht, ob ich mich so doll in dieser Richtung sehe“, aber irgendwie sind wir dann doch da gelandet. 

Für mich geht es in dem Song um das Gefühl der (Anfang) 20er. Das Gefühl, dass manchmal alles ein Labyrinth ist. In einem Moment ist man voll auf dem richtigen Weg und im anderen Moment gibt es noch tausend andere Wege und Türen, die man auch hätte wählen können. Bezüglich der zwei Seiten der EP findet »Alle Gleich« sehr in der Innenwelt statt und spiegelt meine Gedanken wider. 

3. Flügel feat. 9inebro

MARNELE: Bei »Flügel« haben wir weniger mit einem Überthema, sondern mehr aus dem Gefühl und Bildern im Kopf heraus gearbeitet. Was ich immer mag, ist ein Gefühl von Melancholie und gleichzeitig von Freiheit. Nachts in der Stadt unterwegs sein und sich frei fühlen. Diese Welt liegt mir voll und in der schreibe ich eh gerne. Das war so der Modus vom Song. Die Zusammenarbeit war auch mega nice. Das war tatsächlich das erste Mal, dass ich mit einer anderen Person im Studio zusammen war und hat direkt voll gevibed. 

Es war auch cool, sich bei »Flügel« ein bisschen auf die Arbeitsweise von anderen Leuten im Studio einzulassen und sich da ein bisschen mittreiben zu lassen. Gerade bei jemandem, der schon viel länger Mucke macht als ich, war es cool, sich ein paar Sachen anzugucken und sich inspirieren zu lassen.

4. Verliebt

MARNELE: Den habe ich in Wien gemacht, mit dem Produzenten, mit dem ich schon meine erste EP zusammen gemacht habe, der eigentlich aus Bochum kommt (Anm. d. Red.: Luca Bachmann). Wir waren in der Session ein bisschen verkatert und hatten deshalb nicht so richtig einen Plan, was wir machen wollen (lacht). Deswegen ist der voll spontan entstanden und mir sehr leicht von der Feder gerutscht. 

Das Thema hat sich einfach für mich angeboten, weil es eh etwas ist, was mir häufiger passiert ist und das ich auch in meinem Freundinnenumfeld beobachtet habe. Bei vielen denke ich mir: „Alter, ne Granate, was die alles macht und wie sie drauf ist und was sie dann teilweise für Loser daten.“. Deswegen ist es auch ein bisschen ein Song für meine Freundinnen

Weil ich es schon gerne mag, ernster zu schreiben, war es nice eine Lachkick-Seite von sich auszuprobieren, einfach loszuschreiben und das ganze ein bisschen witziger anzugehen. 

5. NRW Chayas feat. Katanna

MARNELE: Entstanden im Ruhrpott natürlich! Wir haben den in Dortmund bei Katanna zuhause gemacht. Ich hatte eh schon voll lange Bock, mit ihr zusammenzuarbeiten, weil uns beiden der Ruhrpott ja sehr am Herzen liegt. Da hat es sich angeboten, zusammen eine kleine Hymne zu schreiben. Der Beat trägt das Ganze sehr nach vorne und transportiert diesen Baddie-Modus. Wir hatten einfach Bock, eine Hymne für NRW-Baddies zu schreiben. Es war geil, das mit ihr zusammen zu machen. Diese Dortmund-Bochum-Connection.

6. Bei dir

MARNELE: Den habe ich in Köln gemacht, zusammen mit Salux. Der Song spielt wieder in dieser Nachtwelt, die an die EP davor, »RAUSCH«, anschließt. Ich habe mich einfach in den Beat fallen gelassen und Assoziationen und Bilder aufgenommen, die mir durch den Kopf geschossen sind. Ich hatte direkt einen bestimmten Film im Kopf: Tunnel, Schnelligkeit und Neonlichter. 

7. Move feat. PLH

MARNELE: Ach, da hatte ich einfach Bock mal wieder einen Auf-die-Fresse, Anti-Macker Track zu machen und feministischen Rage ‘rauszulassen. Es ist einfach ein Thema, das mich viel beschäftigt. Auf meiner ersten EP bzw. auf »Macker« habe ich das schon deutlich gemacht. Ich möchte mit meiner Mucke FLINTA-Personen erreichen und es ist eine schöne Vorstellung, die in einen guten Rage-Modus zu bringen. 

Der ist in Köln zusammen mit Traya entstanden und PLH ist dann im Nachhinein draufgesprungen. Ich habe sie vorher schon voll gefeiert und das war dann wie eine Symbiose. 

Wie kamst du eigentlich auf »Steppenwolf« als Titel? Spielt das Buch von Hesse schon länger eine Rolle in deinem Leben?

MARNELE: Ich hab ihn nicht ganz gelesen – nur den Anfang. Das Buch war auf jeden Fall nicht die krasseste Inspiration, aber generell nehme ich mir oft Buchtitel als Impulse. Sowieso habe ich eine Faszination für Wörter, bei denen ich direkt Assoziationen entwickle. So war es auch bei „Steppenwolf“. 

Im Intro sagst du „Niemand will ein Steppenwolf sein“. Willst du das denn?

MARNELE: Nein, ich verbinde ein Steppenwolf zu sein nicht mit positiven Assoziationen. Darum geht es ja auch im Intro. Wie viel man sich anpassen und dazugehören will oder sich widersetzt und dann außen vor. Ich glaube, da muss man einen Zwischenweg finden. Ein Steppenwolf möchte ich also nicht sein. 

Du meintest ja, dass du generell gerne über düstere Themen wie zum Beispiel die Nacht schreibst. Gibt es etwas Bestimmtes, was dich an diesem Themenfeld begeistert?

MARNELE: Es fällt mir irgendwie leichter, dazu interessante Bilder im Kopf zu malen. Dieses Märchenhafte hat für mich eine größere Bandbreite als die Stimmung am Tag, wo alles happy und hell ist. Das Nachtthema bietet mehr Tiefe und spannende Symbole für mich. 

»Steppenwolf« ist mittlerweile deine dritte EP. Ist vielleicht ein längeres Projekt in Planung?

MARNELE: (lacht) We’ll see. Ich hätte natürlich schon Bock, aber mal schauen wann. Das muss man natürlich zeitlich packen, weil es eine andere Intensität ist, sich an ein Album zu setzen. Ich mache ja noch andere Sachen nebenbei. Irgendwann wird aber der richtige Zeitpunkt kommen. 

Der Beitrag Track by Track: MARNELE über ihre EP »Steppenwolf« erschien zuerst auf Mostdope.

Jassin – Arsenalplatz

Arsenalplatz, eine große Freifläche in Jassins Heimatstadt Lutherstadt Wittenberg, ist nicht nur Albumtitel, sondern auch Hauptschauplatz der zwölf Songs. Ein Jahr nach der Veröffentlichung seiner Debüt-EP »Kinder können fies sein«, einem prall gefüllten Festivalsommer und einem tadellosen Single-Run liefert der junge Newcomer mit »Arsenalplatz« eine Erzählung über die Höhen und Tiefen des Erwachsenwerdens in Ostdeutschland. Coming-of-Age aus Sachsen-Anhalt auf Albumlänge.

Genauer gesagt geht es um die Suche nach Zugehörigkeit, Fragen der Identität, die Auseinandersetzung mit transgenerationalem Schmerz und eine generelle Überforderung mit der eigenen Gefühlswelt. Diese Themen, eigentlich normal für Personen in der undefinierten Phase zwischen Teenager und Erwachsenen, wurden im Falle von Jassin noch durch eine rasant explodierende Karriere als Musiker ergänzt.

Im Laufe des Albums erarbeitet sich der junge Künstler seinen eigenen Umgang mit diesen Hindernissen, zeigt rohe Verletzlichkeit und politische Haltung und gibt jedem Gefühl eine Daseinsberechtigung. Musikalisch erinnert das Ganze an Folk-Einflüsse à la Bon Iver oder auch melancholischen Indie-Pop à la Schmyt – (Insbesondere die Ad-Lips auf »Sonnenbankflavour«). An dieser Stelle wäre ein wenig mehr Experimentierfreude angenehm gewesen. Schlussendlich bewegt sich die LP hauptsächlich im Bereich der Synth-Pads und Indie-Gitarren und hat sich damit ein gutes Stück von den Rap-Einflüssen, die noch auf »Kinder können fies sein« zu hören waren, entfernt.

Nichtsdestotrotz hat Jassin mit »Arsenalplatz« ein Debütalbum veröffentlicht, dass sich sehen lassen können. Ohrwürmer über Ohrwürmer, einen begehrten Feature-Gast wie Edwin Rosen und eine allmählich einsetzende Zufriedenheit. Wir können definitiv gespannt sein, was wir in Zukunft noch von ihm zu hören kriegen!

Michail Weiss

OG LU – assig aber cute

Während Frankfurt dieser Tage durch die Haftbefehl-Doku erneut in aller Munde ist und seine verdienten Lorbeeren für sein Deutschrapvermächtnis einsammelt, packt OG LU parallel dazu die Mainstadt kurzerhand mit frischem Sound auf die Karte, ganz ohne Nostalgie. Die schon aus dem von Hafti eigens besungenen Stadtteil Gallus entstammende Rapperin schafft mit ihrem zweiten Tape »assig aber cute« auf den ersten Blick einen Widerspruch, wenn sie die heutzutage überall in Memes und Popkultur auftauchende überzeichnete Cuteness in Titel und Coverart verpackt, doch räumt im Verlauf des Tapes in Windeseile damit auf.

Denn wo sie sich einerseits auf »Knoppers« noch als Barbie bezeichnet doch direkt darauf folgend mit Kampfsport-Referenzen um sich schmeißt und ansatzlos die Frankfurter Fäuste spielen lässt, wird schnell klar: OG LU ist viel wütender als gewisse Emojis weismachen könnten. Wenn Polizeiautos brennen sollen, Oppressionen aufgezeigt werden und Sparringspartner im Sekundetakt herbeizitiert werden, um anschließend auf die Fresse zu bekommen, dann ist das alles, aber nicht mehr cute. Viel mehr zeigt sich hier auf zehn Tracks eine von Wut über Ungerechtigkeiten genährte Künstlerin, die in der Musik ein Ventil gefunden hat, um sich darüber Gehör zu verschaffen.

Dass sie bald auf ihre bislang größte Tour geht, im Sommer bei K.I.Z die Vorgruppe gespielt hat und von Szeneakteur*innen von Aria Nejati bis Tom Hengst und Wa22ermann ihr verdientes Hak erhält, zeigt: das Aufwärmen ist endgültig vorbei, jetzt wird in den Ring gestiegen.

Matthi Hilge

Pashanim – junge ceos 1

In seiner Release-Frequenz bleibt Pashanim unberechenbar. Mal eine Single, mal ein Mixtape, mal »junge ceos 1« fünf Jahre nach »junge ceos 2« – stets natürlich aus dem Nichts. Auch inhaltlich bleibt alles beim Alten. Innovative Elemente finden sich vor allem in den Produktionen, zum Teil in den Flows aber auch in den neuen (mitunter unverhofft lustigen) Winkeln, die Pashanim für die immer gleichen Erzählungen findet. 

„Fick ma’ USA, lak, was für Supermacht? / Ich zieh’ ‘nem Ami seine Sachen in der U-Bahn ab / Es war Herbst, die Sonne schien, ich hatt’ ein’n super Tag”

Pashanim auf »step up«

Es ist eine Menge Vertrautheit, die sofort den Wohlfühl-Effekt einsetzen lässt – wie beim wiederholten Binge-Watching der immergleichen Sitcom – gepaart mit genug Abwechslung und Kurzweiligkeit, um die Neugier aufrechtzuerhalten, keine Langeweile aufkommen zu lassen und nie zu übersättigen. Mit welcher Konstanz Pashanim nun auf diese Weise seit mehr als sechs Jahren schlichtweg gute Musik liefert, ohne sich dabei vor Experimenten und neuen Einflüssen zu verstecken, ist beachtlich.

In ihrer Kürze und ohne Konzeptdruck bleiben insbesondere EPs ein Heimspiel für den Berliner – vielleicht sogar ein bisschen zu sehr. Denn die Erwartbarkeit ihrer Qualität bestärkt das latente Gefühl, dass Pashanim sein volles Potenzial noch immer nicht ausgeschöpft hat. Als würde er immer nur etwas mehr als das Nötigste tun (weil er weiß, dass es ausreicht) und als wären alle Veröffentlichungen bis dato lediglich Teaser für den einen Moment, in dem er kompromisslos seine Komfortzone verlässt und künstlerisch endlich voll ans Limit geht.

Intuitiv würde man das in Form eines Albums denken, vielleicht droppt der ausgemachte Cineast aber vor der nächsten LP erst einmal wortwörtlich „Filme wie Wim Wenders” (»Näher«). Ähnliches hatte er schon auf »grünewürfelflow«, seiner ersten EP in diesem Jahr, angekündigt. Zuzutrauen wären ihm die großen Visionen für Werke beider Art allemal.

Wir wären in jedem Fall bereit, ihn nächstes Jahr kreativ komplett entfesselt zu erleben. Gleichzeitig weiß man, dass Pashanim mit vollem Recht in seinem eigenen Tempo arbeitet und wenig auf fremde Erwartungen gibt. Solange dabei weiterhin regelmäßig Projekte wie »junge ceos 1« erscheinen und er es nicht ernst meint, wenn er sagt „Scheiß’ auf Rap, weil ich brauch’ langsam andere Standbeine”, werden sich seine Fans kaum beklagen können.

Magnus Menzer

Der Beitrag Die Alben des Monats | November 2025 erschien zuerst auf Mostdope.

Im Interview hat uns der Künstler, welcher ursprünglich aus dem Rap-Kontext kommt, mehr über die Hintergründe des Projekts, neue Herausforderungen, Inspirationen wie Charli xcx und Dominic Fike sowie seine Pläne für die Zukunft erzählt.

Fangen wir mal ganz grundlegend an. Was bedeutet der Titel (»AUX KIDS«) für dich? 

Generell geht es bei dem Album mehr um Sound als Text. Das „AUX“ steht für mich stellvertretend für Verstärker, analogen und experimentellen Sound, Distortions, Synthesizer und alles, was übersteuert und kratzt. Das „KIDS“ verkörpert einen frischen Wind, wie zum Beispiel unsere Neuinterpretation von 80er-Synthies. Gleichzeitig erzeugt es ein gemeinschaftliches Gefühl von Bewegung, was sagt: „Wir sind die neue Generation Sound“. 

War der Titel bzw. dieses Konzept denn schon von vornherein klar oder sind diese Sachen erst im Prozess entstanden? 

Definitiv erst im Prozess. Es war gar nicht von Anfang an geplant, überhaupt ein Album zu machen. Als ich die ganzen Songs gesammelt hatte, ist diese Idee auf einmal immer realer geworden und ich habe gemerkt, dass wir soundwise in Richtungen gehen, die dem Projekt nicht genug schmeicheln würden, wenn es bloß als EP veröffentlicht wird. Dementsprechend habe ich in meinem Kopf sowieso schon die ganze Zeit nach etwas gesucht, was dieses Gefühl und die Art von Sounds, die ich mir gerade zusammenkrame, einfängt. 

Ein Großteil des Albums ist in Wien entstanden. Dort kam mir auch die Idee, dass »AUX KIDS« das ist, was ich gerade fühle. Das, was Sinn macht und das, was generational klingt. Es hatte für mich die ganze Zeit schon etwas mit Begriffen von Kabeln und Verstärkern zu tun.  

Inwiefern hat sich der Entstehungsprozess bei dem Album von dem bei deinem letzten Tape »CHIEN BRILLANT« unterschieden? 

Ich stand vor größeren Herausforderungen als vorher. Früher habe ich mich sehr im Rap-Metier bewegt und es wurde einfach viel Trap am Laptop produziert. 

Mittlerweile komme ich aber in Räume mit komplett ausgestatteten Bands und muss die Produktion dirigieren. Ich hab’ mit »CHIEN BRILLANT« den Ball vorgelegt und die Leute gehen davon aus, dass ich dementsprechend performe. Ein paar Basics der Musiktheorie kenne ich, aber ich kann das natürlich nicht so gut wie ein klassischer Musiker

Wir haben dieses Mal einfach deutlich maximalistischer gearbeitet. In den Songs finden viel mehr Elemente und Instrumente statt. Insgesamt haben über das ganze Projekt wahrscheinlich 40 Leute mitgearbeitet – alles unter meiner kreativen Leitung. Klar gab es Leute, die mit mir den Sound geshaped haben, aber ich war von der Entstehung der Idee bis zum Master involviert. Außerdem habe ich unter anderem Songs wie »silly horse« oder »NEW DAWN FADES« selbst händisch produziert. Das waren Sachen, die ich vorher nicht konnte und im Prozess gelernt habe.  

Bei »CHIEN COLORE« warst du „nur“ fürs Rappen zuständig, bei »AUX KIDS«« warst du nun auch Executive Producer. Fühlt sich das Ergebnis jetzt anders an? 

Ich finde, es klingt einfach deutlich mehr nach mir und dem, was mir wirklich gefällt. Früher hatte ich solche Ressourcen nicht. Ich konnte zwar rappen und Sachen schreiben, aber keine Produktion anleiten. Vor allem in den Anfangsjahren hatte ich das ganze technische Knowhow nicht und keine Ahnung, wie man richtig mit Leuten arbeitet. Bei »AUX KIDS« habe ich mir Features draufgeholt, mit denen ich sowieso sehr Lust hatte Musik zu machen und konnte diese sogar dazu bringen, das zu adaptieren, was ich soundtechnisch vorhatte.

Es war ein Rollercoaster, dieses Ding fertig zu machen. Auf jeden Fall hat es mich viel gelehrt, von dem, was ich weiß bis zu dem, was ich nicht weiß und noch lernen kann. Das Ergebnis davon ist wundervoll. Im Endeffekt ist es ein Produkt von harter Arbeit und vielen neuen musikalischen Zusammenarbeiten in Städten, in denen ich vorher gar nicht stattgefunden habe, zu: „Ich hab die halbe Wiener Newcomerszene auf meinem Tape.“

Das Klangbild von »AUX KIDS« ist ein wandelndes Spektrum von digital-analogem Sound und dröhnenden Bässen bis zum Indie-Punk. Welche Einflüsse waren dafür prägend?

Da ich ja aus diesem Underground-Rap-Trap-Kontext komme, hatte ich einen guten Zugang zu diesem elektronischen-Synthesizer-Sound, den man jetzt aus neuen Wellen wie Hoodtrap in Deutschland kennt. Trotzdem war ich schon immer ein großer Sympathisant von der anderen Seite und bin viel mit Rock aufgewachsen. Ich bin ein Riesenfan von warmen Indie-Gitarrenklängen, wie z.B. von Dominic Fike und Mac Miller. Von der Synthesizer Seite aus hat mich viel elektronische Musik inspiriert: Daft Punk, The Hellp, Charli xcx, Crystal Castles. Von Witch-House bis zu 2010er-Synthies. Die Idee war es dann, das alles, also alles was ich mag, zu vereinen und umzusetzen.

Theoretisch findet man auf jedem Song etwas von diesen Elementen wieder. Einzeln betrachtet hat jeder Song seine crazy Synthies, seine Gitarren und seine Samples. Es ist irgendwie eine Mischung aus Alt-Indie-Rock und Synth-Pop, die sich dann in warmen Mac Miller-esquen Rap-Klängen fängt. Es hat viele Ecken und Kanten und ist dennoch keine allzu schwere Kost im Hinblick darauf, wie viel Arbeit drinsteckt. 

Du meintest gerade schon, dass du versucht hast, aus deinen Features eine andere Seite herauszuholen, die besser zum Projekt passt. Welcher Gast hat sich am meisten von seinem regulären Stil abgewandelt bzw. wer hat dich am meisten überrascht?

Am meisten bin ich vom Luzine-Feature begeistert! Sie ist generell jemand, die mehr aus dem Indie-Pop Bereich kommt, trotzdem aber Darkwave-Einflüsse hat. Ihre Musik hat immer etwas Kleines, Düsteres in sich, das einen aber nicht unbedingt herunterzieht. 

»Letzte Seite« startet ja mit einem nach Charli xcx klingenden Synthesizer, der irgendwo in eine grime-artige Richtung abbiegt und am Ende durch einen Indie-Bass abgerundet wird.

Die bright-klingende Melodie ist einfach ein Sound, den man von Luzine nicht erwartet und diesen Kontrast finde ich so geil. Es ist einfach ein perfektes Add-on zu diesem Song. 

Zum Thema Samples ist mir »Eliza Dover« besonders aufgefallen. Das Sample am Anfang des Songs hat mich stark an alte AMIGA-Platten aus der DDR erinnert. Gab es einen spezifischen Grund, warum du das benutzt hast?

Tatsächlich ist das meine 60 Jahre alte Nachbarin Sylvie Norhausen. Wir haben uns irgendwann zufällig draußen getroffen und zusammen länger eine Zigarette geraucht. Im Gespräch habe ich ihr dann gesagt, dass ich Musiker und dementsprechend viel unterwegs bin. Sie hat dann begeistert erzählt, dass sie schon seit frühester Kindheit Musik macht und in diversen Bands gespielt hat. Nachdem sie mir etwas vorgesungen hat, meinte ich, dass sie mir gerne etwas zum Anhören geben soll. 

Sie hat mir dann eine Live-Aufnahme von ihr auf Youtube geschickt, in der sie ein berühmtes Gedicht von Erich Fried mit Live-Band gecovert hat. Im selben Gespräch hat sie auch betont, dass sie es cool fänden würde, wenn man das remixt oder ihre alten Sachen in Form einer Neuinterpretation wieder das Tageslicht erblicken. 

Irgendwie hat dieses Sample direkt den richtigen Nerv getroffen. Zwei, drei Wochen vor Albumabgabe war ich in Berlin um letzte Sachen zu mixen und hatte eine Session mit Immo H. Dort haben wir dann etwas auf das Sample probiert, in zwanzig Minuten einen Beat gebaut und dann lief das Ding von selbst.

Obwohl das Album sehr vom Sound geleitet wird, gibt es trotzdem eine thematische Ebene. Beim Hören erkennt man vor allem einen stetigen Wechsel zwischen Hoch- und Tiefphasen sowie allem, was dir dazwischen durch die Finger gleitet und verloren geht. Inwiefern ist dieser Zustand autobiografisch und wie fühlst du dich damit? 

Ich würde eigentlich alles, was ich mache, als autobiografisch betiteln. Natürlich gibt es Dinge, die teilfiktiv stattfinden. Grundsätzlich mag ich es meine Musik so zu konzeptionieren, dass man beim Hören der Projekte weiß, wo ich gerade mit meinem Kopf stehe. Wer bin ich? Wo habe ich mich hin entwickelt und was passiert in meinem Leben? Genau so gehören dazu die Ups and Downs. 

In der Art, in der ich schreibe, ist es meistens extrem. Generell habe ich das Gefühl, dass man im Leben eines Künstlers viele Erfolgserlebnisse hat. Gerade ist das Album draußen und ich fühle mich himmlisch. Ich kriege die Aufmerksamkeit dafür und freue mich sehr. Wenn das aber abklingt – und das ist so eine ganz typische Künstlerkrankheit – fällt man in ein Loch und da richtig die Mitte zu finden ist hart. Ich weiß gar nicht, wie ich die für mich selbst definieren würde. Irgendwie bin ich immer super euphorisch oder komplett am Ende.  

Wenn ich Musik mache, versetze ich mich oft in eine Melancholie. Erst danach entscheide ich, ob sie in eine positive oder traurige Richtung geht. Es gibt einfach einen Zustand von Traurigkeit, in dem ich mich verletzlich fühle. Je mehr ich davon zeige – und das kann genauso gut bei Euphorie sein – desto besser kann ich Kunst machen. In diesen Momenten ist man sehr pur, sehr du selbst. 

Du beschäftigst dich in deiner Musik schon länger mit dem Thema des Hustles, der Jagd nach dem Erfolg. Wird es irgendwann einen Punkt geben, an dem du zufrieden bist?

Ich weiß nicht, ob es überhaupt etwas Physisches ist, woran ich das festmachen kann. Ob es ist, wenn ich eine besondere Venue gespielt habe oder einen teuren Wagen fahre.

Ich glaube, ich muss mir selbst immer noch was beweisen. Auch wenn ich schon seit sechs Jahren Musik mache, werd’ ich immer noch als Newcomer gesehen und fühle mich recht frisch in diesem Game. Man ist auf der Jagd nach seinem Respekt und seiner Erkennung. Wo und wann für mich der Moment von „Ich habe genug“ liegt weiß ich nicht, aber genau das thematisiere ich gerne.

Was steht nach »AUX KIDS« für dich an?

Ich will nicht zu viel vorab nehmen. Erstmal möchte ich, dass das Album wirkt und bei den Leuten ankommt. Es ist deutlich maximalistischer als alles, was ich im Vorhinein gemacht habe. 

Keine Gewähr darauf, vielleicht denke ich morgen anders, aber gerade habe ich Bock auf entschleunigtere Sachen. Minimalistischer, nur Gitarre und Stimme. Da wird auch dieses Jahr noch etwas Spannendes in diese Richtung kommen, mit einem wundervollen Feature. Stay tuned! 

Der Beitrag Acidfrank über Generationenwandel, »AUX KIDS« und Charli xcx erschien zuerst auf Mostdope.

Anlässlich der ersten Veröffentlichung von »mp2«, einem fortlaufenden Projekt das mittlerweile durch einen neuen Song (»Regen«) ergänzt wurde, haben wir uns Anfang September mit der Hamburger Newcomerin im Herzen von St. Pauli auf einen Kaffee getroffen. Im Interview teilt sie Einblicke in den Entstehungsprozess der EP, ihren besonderen Schreibstil, musikalische Einflüsse und ihre persönliche Verbindung zur Figur des Mephisto. 

In den letzten Monaten war viel los bei dir. Ein Festival-Sommer voller Gigs und ein intensives Rollout mit mehreren Release-Konzerten zu den Singles. Wie geht es dir nach dieser Zeit?

Gut. Es sind immer sehr viele Eindrücke. Ich glaube aber, man wächst richtig krass daran. Auf dem Weg zum Interview habe ich darüber nachgedacht und gemerkt, wie viel ich erlebt habe. Ich glaube, ich brauche jetzt erstmal Zeit, um herunterzukommen. 

Währenddessen kann man das eigentlich nicht verarbeiten, weil man nur von A nach B unterwegs ist. Trotzdem hat es sehr viel Spaß gemacht. Ich liebe halt auch meine Band und mein Team. Deswegen hat es bei uns immer ein bisschen Klassenfahrt-Vibes. Es ist chaotic, aber auch sympathisch. 

Inwiefern unterscheidet sich die Herangehensweise an »mp2« von deiner ersten EP »vorgestern«?

Ich war am Anfang gar nicht in der Bubble und hatte nicht auf dem Schirm, dass es überhaupt eine Option ist, Musik zu machen. Ich bin sehr chaotisch reingestartet und hatte dann mega viele Sessions. Das klingt ein bisschen kitschig, aber ich wusste nicht, wer ich bin, was ich will und mag. Erstmal ist natürlich alles toll und crazy, aber man merkt halt erst mit der Zeit, welche Dinge man nicht so feiert. 

Über das Jahr habe ich sehr viele Erfahrungen gesammelt und erst richtig verstanden, was ich eigentlich für Musik machen möchte. Es fühlt sich ein bisschen wie ein Neuanfang an. Eine neue Ära. Ich habe meinen allerliebsten Produzenten gefunden (Anm. d. Red.: Tobias Kuhn) und würde am liebsten nur mit ihm in Wien zusammenarbeiten. 

Hast du die neuen Songs alle in Wien aufgenommen?

Ja, aber manchmal treffen wir uns auch in Berlin. Ich habe natürlich auch noch andere Sessions, weil Tobias sehr busy ist, viel ‘rumreist und noch viele andere Sachen macht. 

Was auch immer krass kommt, ist mit meinem Gitarristen zuhause zu jammen. Das sind aber Ideen, die dann gerne noch ein bisschen reifen und später weiter gedacht werden. 

Das hat bestimmt auch seine Vorteile, wenn du so deine Arbeit in Wien und Berlin von deinem Zuhause in Hamburg räumlich trennen kannst. 

Ja, ich finde das wirklich wichtig. Manchmal ist es ein bisschen nervig, weil man nicht immer ins Studio kann und viele Sachen außerhalb der Musik, wie z.B. Content, in Hamburg bleiben und viel Raum einnehmen. Dann fühlt es sich immer ein bisschen wie Urlaub an, wenn man zum Musik machen fährt. Außerdem mache ich natürlich in meinem Zimmer noch Mucke und habe da auch viel Spaß dran. 

Die Visualisierung von »mp2« sticht besonders heraus. In einzelne Kapitel aufgeteilt, wird die Geschichte der EP nochmal auf einer weiteren Ebene erzählt und ausgesponnen. Woher kam der Wunsch dazu? 

Meine Interessen sind schon sehr breit aufgestellt. Ich glaube, ich werde auch nie nur eine Sache in meinem Leben machen und liebe halt auch so visuellen Kram. 

Meiner Meinung nach, ist es in Deutschland nicht so weit verbreitet, eine künstlerische Welt zu erschaffen, in die man so richtig eintauchen kann und neuen Shit entdeckt. Ich fahr’ persönlich richtig krass auf sowas ab, wenn man immer neue Sachen über Leute herausfinden kann. Friends zeigen dir zum Beispiel eine neue Website oder ein neues Video von jemandem und man kommt immer tiefer in diese Welt hinein. 

Ich habe früher schon gerne Geschichten geschrieben und dadurch macht es mir jetzt sehr Spaß, das alles selbst zu machen. Ein Skript zu schreiben und sich das Zusammenkommen der Bildsprache auszudenken. 

Apropos Geschichten schreiben. Dein einzigartiger Schreibstil kommt bei den neuen Songs stark zur Geltung. Einerseits lässt du tief blicken, verrätst aber auch nicht zu viel und spielst mit getrübter Metaphorik. Woher kommt diese Liebe zur Sprache und zum Ausdruck?

Ich denk‘ schon, dass es vom Geschichten schreiben kommt. Wenn ich selbst Musik höre, bin ich auch immer ein Fan davon, wenn nicht alles so direkt ist. Ich find‘ es viel interessanter, wenn man Bilder im Kopf kreieren kann und jeder dazu seine eigenen Vorstellungen hat. Wenn man alles direkt verfasst, dann gibt es auch keinen Spielraum. 

Es ist super spannend, eine Mehrdeutigkeit hereinzubringen. Mir macht es Spaß zu hören, was andere Personen damit assoziieren und dadurch dann neuen Input in meine eigenen Sachen bringen. Ich kann darüber nochmal selbst eine andere POV einnehmen. 

Es ist einfach eine nicere Art kreativ zu sein und mehr wie Kunst machen. Es fühlt sich ein bisschen an, als würde ich mit Farben herumspritzen. 

Wäre es dir zu persönlich, würdest du die Sachen direkt ausschreiben? Ein Beispiel, das mir hier in den Kopf kommt, sind Artists, die zuerst auf Englisch Musik machen, um sich hinterm Schutzmantel einer Sprache, die nicht ihre Muttersprache ist, zu verstecken und dadurch eine gewisse Distanz zwischen ihrer Kunst und ihrer Persona schaffen.  

Check ich voll. In gewisser Art und Weise heißt Kunst machen immer blankziehen. Man exposed sich ja immer sehr. Am Ende fühlt es sich aber auch nur so an. Ich habe letztens mit meiner Band darüber geredet. Sobald der Track draußen ist, ist es nicht mehr meiner. Wenn ich ihn danach höre, denke ich gar nicht daran, dass ich das gerade singe, und es fühlt sich auch nicht nach mir an. Es ist wie eine out-of-body-experience. Basically ist es für alle Menschen, die die Musik hören auch so, weil jeder damit auf einmal etwas ganz Eigenes assoziiert. 

Das ist das Krasse an Musik und Kunst generell. Die Sachen und Erfahrungen, die andere Personen damit verbinden, haben im Endeffekt gar nichts mehr mit der Künstlerperson zu tun. Darin befindet sich dieser Schutzmantel für mich. 

Wie läuft dein Schreibprozess generell ab? Woher nimmst du deine Inspirationen?

Bisher habe ich tatsächlich nur aus eigenen Erfahrungen geschrieben. In Situationen, in denen die Emotion super präsent ist und man Zeit hat, seine Gedanken schweifen zu lassen, fällt mir das sehr leicht. Wenn ich unterwegs, in der Bahn bin oder nachts nicht schlafen kann, wird schon mal die ein oder andere Zeile aufgeschrieben. Ich finde es am echtesten, wenn man in der Emotion schreibt. Dann kommt es auch am ehrlichsten rüber. 

Weil ich gerade immer in Wien bin, sind meine Studio-Zeiten sehr getimt. Ich habe noch nie einen ganzen Song vorher geschrieben. Ich komme immer mit Inspo ins Studio – meist auch schon mit mehreren Zeilen. Oft fliegen einem die Ideen durch die allgemeine Stimmung, wie zum Beispiel den kalten Winter letztes Jahr, einfach zu. Generell habe ich ganz viele Notizen und die würfeln wir dann zusammen. 

Wenn man bestimmte Anhaltspunkte hat, kann man leicht in das Gefühl wieder reindippen und ab dem Moment, wo man ein nices Bild hat, nimmt es eine Abzweigung, bei der es nicht mehr ganz bei meinem Leben bleibt. Es macht viel Spaß, einfach nach Bildern zu gehen. 

Bei »Sterben Baby« wollte ich zum Beispiel irgendwas übers Lügen schreiben. Dann kam das Bild des Sterbens dazu – es ist auch einfach ein faszinierendes Thema. So spinnt man das weiter und kann es immer wieder in das auslösende Anfangsereignis herein interpretieren. Letztendlich muss man aber sagen, dass es sich irgendwann ein bisschen von der Realität trennt.

Fändest du es interessant, mal einen Song aus einer Perspektive zu schreiben, die gar nichts mit dir zu tun hat? 

Ja komplett! Ich hätte richtig Bock mal die Musik zu einer Filmszene zu schreiben oder aus der POV der Figuren etwas zu machen. Das geht auch wieder mehr in die Richtung des Geschichtenschreibens. 

Welche Musik hat dich denn früher als Kind geprägt? 

Mein Vater hat auf jeden Fall immer sehr sehr viel Musik immer gehört. Viel Jazz tatsächlich. Ich habe früher auch Jazz gespielt – Klarinette und Saxofon. Ich hatte auch mal Gitarrenunterricht. Außerdem hat mein Vater viel Bob Marley, Jimi Hendrix und Radiohead gehört. Ich habe das immer abgelehnt. Ich weiß gar nicht, woher das kam. Wahrscheinlich einfach aus Prinzip. Normale Rebellion gegen die Eltern

Wie sieht es mit den musikalischen Einflüssen bei »mp2« aus?

Die Einflüsse auf der EP sind tatsächlich super aktuell. Ich habe so viele Musikeinflüsse im letzten Jahr gehabt! Einfach durch meine Band und die Menschen in meinem Umfeld, weil die alle mega die Musik-Nerds sind. Super viel von »mp2« ist französisch inspiriert. Gerade bei »Mephisto« hört man das richtig krass. Bands wie La Femme und L’Impératrice. The Marías sind auch voll in der letzten Zeit dazugekommen. 

Das Erste, was wir generell im Studio machen, ist erstmal eine Stunde Musik auszutauschen und zu gucken, welche Vibes einen inspirieren. 

Bei »Sterben Baby« fällt die Diskrepanz zwischen dem eher leichteren Sound und dem düsteren Thema auf. Spielst du bewusst mit diesem Stilmittel und wenn ja, warum? 

Ja, auf jeden Fall. Ich schreibe sehr gerne düsteren Shit und es ist mir immer super schwer gefallen, auf Happy-Chords etwas zu finden, weil es mir irgendwie nicht so zugänglich ist. Musik ist ein Faktor, der die gesamtgesellschaftliche Situation ultrakrass widerspiegelt – egal ob bewusst oder unbewusst. Würde ich ihn analysieren, fände ich »Sterben Baby« ehrlich gesagt ein mega nices Beispiel. Man kann sehr viel reinlesen, was aktuelle Stimmungen angeht. Irgendwo versuchen alle weiterzumachen. Es gibt gefühlt so viel Werbung, wie noch nie. Alle sind super materialistisch unterwegs und es gibt rechte Vibes von überall. Da geht natürlich super viel verloren und ich finde es spannend, diese POV einzunehmen.

Ansonsten fällt es mir sehr leicht, poppige Einflüsse mit reinzubringen und catchy Melodien zu schreiben. Ich finde, das Lied hat, rein von der Melodie her, fast etwas von einem Kindersong. Es macht auch einfach Spaß, dem entgegenzuspielen. Obwohl Tod aktuell super relevant ist, ist es immer noch ein Tabuthema. 

Klimawandel und Kapitalismus zerstören einfach die gesamte Welt. Ich glaube, das ist der Grund für diese Diskrepanz in unserer Generation, zwischen der einen Gruppe, die nur am hustlen ist und versucht irgendwie ihren Platz im Kapitalismus zu finden und der Idee von „alle können reich werden“ zu folgen sowie der anderen Gruppe, die von einer Weltuntergangsstimmung geprägt ist und sich fragt, ob wir in zwanzig Jahren überhaupt noch hier sind und ob es überhaupt verantwortungsvoll ist in diese Welt noch Kinder zu setzen. 

Daher ist der Tod ein hochaktuelles Thema – auch wenn man einmal schaut, was gerade innen- und außenpolitisch abgeht. 

Welche Bedeutung hat »Mephisto« für dich? Von all den negativen bzw. negativ konnotierten Themen, die du auf »mp2« ansprichst, ist er nämlich das einzige personifizierte Übel.

In erster Linie geht es um die Auseinandersetzung mit sich selbst. Ich bin ein sehr impulsiver Mensch. Dementsprechend gibt es Situationen, in denen ich impulsiv gehandelt habe, mir kein guter Berater war und auch nicht mehr so glimpflich rausgekommen bin. 

Das ist, was »Mephisto« sagt. Man sitzt sich selbst gegenüber und muss sich mit sich und mit den eigenen Entscheidungen, die man getroffen hat, auseinandersetzen – mit den Situationen, in die man sich ja selbst gebracht hat und immer wieder bringt. Man ist sich ja auch manchmal sein eigener Teufel. Eventuell sitzt man dann halt auch so lange in der Küche, bis man sich nicht mehr mag.

Ich hatte beim Hören das Gefühl, dass die Geschichte von »mp2« noch nicht ganz auserzählt ist. Wird es eine Fortsetzung o.Ä. geben? 

Ja, auf jeden Fall. Ich fahre richtig auf konzeptuelle Sachen ab. Ich denke, die EP wird sich noch zu einem Album stacken. Natürlich geht es da um Gegensätze. Sie hat ja auch zwei Seiten. Von der einen Hälfte kennt man jetzt schon einiges. Das ist eine sehr offen dunkle Welt mit »Mephisto« etc., die stark mit Bildern arbeitet. Die andere Hälfte wird eine leichtere Seite einnehmen. Nicht unbedingt lyrisch – da möchte ich mich noch nicht festlegen – aber auf jeden Fall musikalisch. 

Zum einen finde ich es eine super nice Sache, wenn man mehrere Stilrichtungen integrieren kann. Zum anderen kann ich mich auch einfach nicht so gut entscheiden, welche Musik ich am liebsten mache. Deswegen lässt dieses Projekt viel kreativen Raum, in dem man je nach Stimmung, Jahreszeit und Mood frei arbeiten kann. 

Was steckt eigentlich hinter dem Titel »mp2«? 

Es geht um Doppeldeutigkeit. Die Zwei ist auf jeden Fall das Wichtigste. Ich finde Nummerieren generell spannend. Außerdem geht es musikalisch in eine 80er-, 90er-Welt. Daher die Anlehnung an das MP3-Audioformat.

Worauf freust du dich dieses Jahr noch? 

Studio! Ich freue mich so, richtig viel Zeit für Musik zu haben. Das ist mein Main-Ding.

Der Beitrag fyne über Mephisto, Metaphorik und ihre zweite EP »mp2« erschien zuerst auf Mostdope.

Als ich vor ungefähr einem Jahr begann, mich genauer auf »Athen« einzulassen, stieß ich auf eine Vielzahl an Themen, die in mir nach wie vor für Nachklang sorgen. Themen, die durch das metaphorische Gebilde Athens kaschiert werden und von denen das bloße Bild der Stadt schier die Spitze des Eisbergs darstellt. Wie der Zufall es wollte, war ich sogar über den letzten Jahreswechsel auch mehrere Monate in Athen, um meine Familie zu besuchen, wodurch die Stadt für mich mittlerweile auch zu einem derartigen Ort der Sehnsucht, wie ihn Herre beschreibt, geworden ist.

Realitätsflucht gen Mittelmeer

Zusammenfassend beginnt die Reise des Albums in einer Verfassung der Aufregung. Der Protagonist hält sich krampfhaft an makellosen Erinnerungen und einer idealisierten Vorstellung der Gegenwart fest, die lange nicht mehr der Gegenwart entsprechen. Die Antwort? Verdrängen, wie auf »Lass gehen« und die Flucht in ein Erlösung versprechendes Refugium – Athen.

In den ersten, von Tua gesungenen, Zeilen des titelgebenden Intro-Tracks »Athen« wird die Aussichtslosigkeit dieser Suche entlang der Balkanroute deutlich.

Fünf km/h aufm Seitenstreifen. Wie bring’ ich dich dazu, wieder einzusteigen? Wir kommen nie bis Athen und du wolltest so sehr nach Athen.

Max Herre – Athen

Während das Schicksal des lyrischen Ichs hier schon besiegelt scheint, wird deutlich, dass der Fokus nicht auf dem Erleichterung schaffenden Zielort selbst, sondern auf dem Prozess, diesen zu erreichen, liegt. 

Auf den Spuren des Vaters

Was folgt ist ein lyrisch verpacktes Auf und Ab der Emotionen, in denen Herre mal mehr oder weniger tief in seine persönliche Historie blicken lässt. Auf »Terminal C (7. Sek)« gibt er einen Einblick in Kindheitserinnerungen, in denen sich schon früh eine traumabedingte Angst vor Veränderung erkennen lässt. Der Song beschreibt wehvoll die Momente, in denen er und seine Familie seinem Vater Frank nach einem kurzen Urlaub wieder Lebwohl sagen mussten. Dieser wurde damals als Architekt mit dem Bau des Athener Olympiakomplexs OAKA beauftragt und verbrachte deshalb mehrere Jahre in der griechischen Metropole. 

Ein besonderer Bezug zu den OAKA-Kulissen wird auch im Musikfilm zum Album hergestellt. Diese dienen hier als Bindeglied zwischen diversen Ausschnitten der Musikvideos und werden immer durch eine Gruppe völlig maskierter Personen und eine griechische gedichtähnliche Erzählung begleitet. 

Musikalisch bewegt sich Herre von Zuständen der Romantisierung (»Villa auf der Klippe« & »Fälscher«), der Überwältigung (»Nachts«), bis hin zur Erkenntnis, dass er sich lediglich etwas vorgespielt hat (»Diebesgut«) und dem wuterfüllten Wunsch, sich davon zu befreien (»Konny Kujau«). 

Das Bild der erdrückenden Veränderung und der Wunsch ihr zu entfliehen stehen hier weiterhin stets im Vordergrund. Im Verlauf des Albums, scheint sich der Protagonist jedoch mehr und mehr damit zurechtzufinden. Immer wieder tauchen chronologische Knotenpunkte auf, die zeigen, wie sehr sich eine Situation über die Zeit verändern kann und dadurch einen Perspektivwechsel erfordert. Dies reicht vom Athener Stadtbild, das mittlerweile nicht mehr weitflächig von neoklassizistischen Gebäuden, sondern von mit Graffitis geschmückten Wohnhausblöcken (ποληκατοικίες) geprägt wird, bis zu Herres Rolle als Vater, in der er immer mehr und mehr Muster seiner eigenen Eltern in sich wiederfindet (»Siebzehn«). 

Veränderung und Flucht im weltpolitischen Kontext

Einen politischen Exkurs, der sich diesem Thema angleicht, liefert der Künstler ebenfalls. »Dunkles Kapitel« setzt sich mit dem wachsenden Rechtsruck auseinander, der erschreckende Ähnlichkeit zu Geschehnissen im dritten Reich aufweist und sechs Jahre nach Veröffentlichung des Albums aktueller nicht sein könnte. Auch hier befinden wir uns eine geraume Zeit später wieder an einem ähnlichen Punkt, an dem wir uns nicht vor dem gewandelten Gesicht der Gesellschaft verstecken dürfen, sondern aktiv dagegen handeln müssen. 

»Sans Papier« hingegen bietet das Gegenstück zu Herres Reise auf »Athen«. Auf der entgegengesetzten Spur der E75 beschreibt der Song den Weg fliehender Personen auf der Suche nach Schutz, Perspektive und einer Heimat, die ihnen in dem Lied letztendlich verwehrt bleibt. Parallelen werden hier unter anderem durch eine mazedonische Tankstelle und einen Weddinger Hinterhof gezogen, die im Intro ebenfalls erwähnt werden. Die zwei Orte, welche für die Akteure gänzlich unterschiedliche Bedeutungen haben, stehen sinnbildlich sowohl für eine Änderung in der Konnotation der Balkanroute als auch dafür, dass der Mensch per se immer auf der Suche nach einem besseren Zustand ist und sich gegebenenfalls auf die Realität und die eigenen Privilegien besinnen sollte.   

Trotz aller Strapazen findet die von Herre beschriebene Odyssee schließlich im Outro »Das Wenigste«, in dem er von seiner Ehefrau Joy Denalane als Feature unterstützt wird, ein Ende. Obwohl die beiden hier vordergründig ihre eigene Beziehung und das Überwinden plagender Probleme beschreiben, lässt sich dieser Verlauf auch auf die anderen Motive des Albums beziehen. Durch die Auseinandersetzung der Veränderung und einem Verständnis dafür, dass es sich nicht lohnt, nicht existenten Utopien hinterherzujagen, findet letztendlich eine resignative Katharsis statt, die das gegenwärtige Leben wieder mehr als erträglich macht. 

»Athen« ist eines dieser Alben, bei denen es sich lohnt, sich immer und immer wieder damit auseinanderzusetzen, weil man stets neue Aspekte entdeckt.  Darüber hinaus ist es ein hervorragendes Beispiel dafür, wie man als ein Künstler, der bereits Ende der 90er mit Freundeskreis den deutschen Hip-Hop geprägt hat, auch zwanzig Jahre später noch nachhaltige Alben machen kann. Auch wenn »Athen« sich teils antizyklisch nicht den gegenwärtigen „Richtlinien” des Streamingzeitalters angepasst hat, hat es keinesfalls an künstlerischem Wert oder Zeitlosigkeit verloren. 

Der Beitrag Von der Akzeptanz der Veränderung: Ein Rückblick auf Max Herres »Athen«  erschien zuerst auf Mostdope.

Der griechische Newcomer GXHAN hat sich auf seinem gleichnamigen Debütalbum »APOPSI« intensiv mit diesem Gedanken beschäftigt. Dabei setzt er seine eigene Vision im Konflikt mit den vorherrschenden Normen innerhalb des griechischen Hip-Hop durch und vereint auf internationalem Niveau Einflüsse aus Vergangenheit und Gegenwart. 

Der 21-jährige Athener mit armenischen Wurzeln wuchs im Stadtteil Vyronas auf und stieß übers Breaken als Teenager zum Hip-Hop. Angefangen mit seinen ersten Releases 2021 gründete er 2023 zusammen mit anderen Artists das bereits im „Hip-Hop vom Mittelmeer“ – Artikel vorgestellte Kollektiv Wake & Bake. Ihr Ziel ist es “eine Blaupause für etwas Neues in der Musik zu sein” (Stolou) und den Fokus wieder auf Originalität zu setzen. 

Stagnation und neue Maßstäbe

Genau das spielt sich auch auf »APOPSI« ab. Bereits im Intro »Wesley«, einem Song bestehend aus drei verschiedenen Beats, irgendwo zwischen Spoken Word, »Watch the Throne« und zeitgenössischem Trap, stellt GXHAN seine Agenda für das Album vor.

Τον πήχη ανεβάζει, τον βλάκα κατεβάζει / Ο Gxhan ποτέ δεν τραγουδάει / Στα tracks απλά μιλάει όπως τα περπατάει

GXHAN – Wesley

Übersetzung: Er hebt den Maßstab an und bringt den Idioten nach unten / Gxhan singt nie / In den Tracks redet er so, wie er auch geht. 

Der angesprochene Maßstab wird auf dem Projekt stark thematisiert. Inmitten einer Vielzahl an verschiedenen Stilen – von Drum & Bass über G-Funk, 2000er Synth-based Club-Beats bis zum modernen amerikanischen Trap – stellt er die restliche griechische Szene an den Pranger. Er kritisiert sie dafür, vorzugeben jemand zu sein, die sie nicht ist und partout nichts Neues machen zu wollen. Er hingegen fühlt sich offenkundig wohl mit seiner Experimentierfreude und variiert z.B. oft die Gestaltung seiner Vocals. 

Δε γουστάρω καν, πια, ραπάρω από ανάγκη

GXHAN – Jiggy

Übersetzung: „Ich mag es eigentlich gar nicht, sondern rappe mehr aus Notwendigkeit“ 

Überspitzt befindet er die Szene auf »Jiggy« als so stagnierend, dass er sich dazu gezwungen sieht, frischen Wind hereinzubringen. Dieser angestrebte Paradigmenwechsel findet jedoch nicht bei allen Anklang. Wenig überraschend treten hier Gemeinsamkeiten zum 1999 erschienen Album »Rima Gia Chrima« (Reime für Geld) des legendären griechischen Rappers Taki Tsan in Erscheinung.

GXHAN tritt in große Fußstapfen

Mit diesem Album, das manche als das Beste der griechischen Hip-Hop-Geschichte beschreiben, brachte Taki entgegen der öffentlichen Kritik und Missbilligung seinen eigenen musikalischen Stil nach Griechenland und blieb sich damit selbst treu. 

In Bezug auf den in der kreativen Entwicklung größtenteils festgefahrenen griechischen Rap nahm sich GXHAN dieses Album nicht nur konzeptuell als Vorbild, sondern ließ sich auch in anderen Bereichen davon inspirieren. Sein Coverart ist eine direkte Hommage an das von »Rima Gia Chrima«. Es wurde ebenfalls vor dem Athineon Kino in Zografou, Athen aufgenommen.

Neben dem Sample von »Stin Athina« auf »Wesley« wurde auch ein bekanntes Interview von Taki Tsan mit dem Reporter Christos Ferentinos zum einen als Dialog auf dem Song benutzt. Zum anderen wurde der Beitrag als weitere Hommage 1:1 von GXHAN unter der kreativen Leitung von Saske nachgestellt. Bei ihm handelt es sich ebenso um einen bekannten griechischen Rapper, der auf dem Song »Blickies« auch als Feature vertreten ist. 

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Spongebob, Ratatouille und ein Pfandleihaus

Insgesamt wird das Album von einer Menge an Samples, Skits und Dialogen zusammengehalten. Vom Sample des Songs »000« von Alecc und Ggreco auf »Gara stin Athina« über einen Spongebob-Dialog auf »2 Assoi« bis zu einer Werbung des Pfandleihhaus Rihardos auf dem gleichnamigen Song »Rixardos«. Der treibende Gedanke dahinter stammt vom Produzenten Karus. Um das Vintage-Gefühl des Albums zu verstärken, riet er GXHAN Kultmomente aus Musik und Fernsehen in das Album einzupflegen, um unter anderem gewisse Erinnerungen bei den Zuhörer*innen hervorzurufen. 

Dieser Retro-Flair ist einer der vielen Gründe, warum es GXHAN mit »APOPSI« gelungen ist, sowohl mit Witz als auch klassischer Rap-Attitüde eine Verschmelzung von Old- und Newschool Hip-Hop durchzuführen. Abgesehen von ein zwei Skips schaffen viele der Tracks, wie z.B. »Gara Stin Athina« und «Jiggy« eine so intensive Atmosphäre, dass die griechische Sprachbarriere für sie kein Hindernis mehr ist und sie damit problemlos auch im deutschen und internationalen Raum funktionieren würden. Infolgedessen bin ich sehr gespannt, wann bzw. wie schnell wir GXHAN auch auf einer deutschen Bühne zu Gesicht bekommen. 

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