“I know some producers that’s popping that’s complaining about n***a albums that dropped months ago, that none of us got paid off of. These n****s is out here touring, making millions of dollars, bro, and we’re trying to beg the label to pay us a measly bullshit ass fee.”

Die Frustration, die Hit-Boy ausdrückt, spiegelt die Erfahrungen vieler Produzent*innen wider, die sich oft mit undurchsichtigen Verträgen und unzureichenden Zahlungen konfrontiert sehen. Aber wie groß ist das Problem tatsächlich? Warum werden gerade Produzent*innen oft nicht bezahlt? Und war das schon immer so?

Mussten Produzent*innen immer schon um ihr Geld kämpfen?

Die Geschichte von Hip-Hop – und damit auch der Producer – reicht bis in die 70er Jahre zurück, als das Genre in den Straßen von New York seinen Ursprung fand. Zu dieser Zeit traten Persönlichkeiten wie DJ Kool Herc und Grandmaster Flash auf den Plan und legten den Grundstein für die Hip-Hop-Kultur. Diese Pioniere waren allerdings nicht für Rap-Skills bekannt, sondern vor allem für ihre innovativen DJ- und Sampling-Techniken, die den Sound von Hip-Hop prägten. In den Anfängen des Hip-Hop waren die MCs, also die Rapper*innen, oft lediglich Begleiter des DJs, die mit ihrem Sprechgesang den Beat ergänzten und die Menge anheizten.

Mit dem Aufkommen der ersten Hip-Hop-Platten wie »Rapper’s Delight« von der Sugar Hill Gang in den 1980ern änderte sich das allerdings. Rap wurde zum zentralen Element des Genres und Rapper*innen zu den Galionsfiguren für Hip-Hop und seinen kommerziellen Erfolg. Doch während Rapper*innen und Plattenlabels das Rampenlicht eroberten und große finanzielle Gewinne einfuhren, blieben die Produzent*innen oft im Schatten und erhielten nur einen Bruchteil der Einnahmen.

In den 90er Jahren wurden Beatmaker oft besser bezahlt, allerdings war die Bezahlung je nach Bekanntheitsgrad des Producers sehr ungleich. Nur wenige Ausnahmen wie DJ Premier, Timbaland oder The Neptunes erlangten großen finanziellen Erfolg und Anerkennung für ihre Arbeit. Sie konnten durch ihre Beteiligung an den Verkäufen erfolgreicher Alben beträchtliche Gewinne einfahren und sich darüber hinaus als öffentliche Person etablieren. Es ist fast schon erschreckend, dass trotz ihres enormen Einflusses auf den Sound und die Ästhetik des Hip-Hop nur so wenige Produzent*innen aus dieser Zeit zu waschechten Stars wurden.

Durch die Verbreitung des Internets in den frühen 2000ern änderte sich dann die gesamte Musikindustrie. Auch die Landschaft für Produzent*innen wandelte sich grundlegend. Durch Plattformen wie SoundCloud, YouTube und Beat-Selling-Websites wurde es viel einfacher für sie, ihre Beats einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Auch die Möglichkeiten zur Kollaboration wurden quasi unendlich. So war es beispielsweise plötzlich möglich, dass Produzent*innen aus dem deutschsprachigen Raum ihre Beats leicht auch in Übersee platzieren konnten. Das vielleicht beste Beispiel für solch eine internationale Zusammenarbeit sind die Instrumentals von OZ, welche neben Shindy regelmäßig von Drake und anderen US-Größen besungen werden.

Allerdings brachten diese Neuerungen auch Nachteile. So schwanden zum einen die Einnahmen aus physischen Verkäufen, was sich natürlich auch auf den Verdienst der Produzent*innen auswirkt. Zum anderen konnten Rapper*innen die als Hörproben hochgeladenen oder zugeschickten Beats einfach benutzen, ohne die Producer*innen überhaupt zu kontaktieren, geschweige denn zu bezahlen. Solchen Vorwürfen sah sich Capital Bra noch im letzten Jahr ausgesetzt. Er soll den marokkanischen Produzenten Makafish für den Beat zum Song »Kein Platz« nicht bezahlt haben. 

Die traurige Realität in der Musikindustrie war also immer schon, dass viele Produzent*innen nicht angemessen – manchmal sogar überhaupt nicht – für ihre Arbeit entlohnt werden, obwohl sie einen unverzichtbaren Beitrag zum Erfolg von Hits und Alben leisten. Deutschrap-Produzent Rooq beschreibt die Misere im Jahr 2016: „Im schlimmsten Fall […] ist man für den Rapper […] ein Dienstleister, der es scheinbar weder verdient hat, mit Respekt behandelt zu werden noch überhaupt als Mensch zu zählen scheint.“

Warum werden Produzent*innen nicht fair bezahlt?

Auf die Frage, warum viele Produzent*innen schlecht bezahlt werden, gibt es viele Antworten. Oftmals werden Vereinbarungen nur mündlich getroffen, ohne klare schriftliche Verträge zu verfassen, was Raum für Missverständnisse und Streitigkeiten schafft. Von solchen Streitigkeiten hört man im Rap-Game seit Jahrzehnten. Beispielsweise hat Kollegah Produzent und Rapper Maxito Flow nie für den Beat zum Titelsong seines Albums »Boss der Bosse« bezahlt: „Mit Maxito Flow hatte ich danach leider ein bisschen Ärger. Damals hat man für Beats eigentlich nichts bezahlt, doch Maxito Flow wollte Geld von mir haben“, heißt es von Kollegah dazu. 

Zusätzlich werden Produzent*innen oft mit Versprechungen von zukünftigen Placements oder „exposure“ gelockt, nur um später feststellen zu müssen, dass sie nie die vereinbarte Vergütung erhalten werden. In anderen Fällen nutzen Rapper, Plattenlabels und Manager die Unerfahrenheit und Unwissenheit von vor allem jungen Beatmakern aus, um sie zu unfairen Verträgen zu drängen, welche ihre Rechte und ihre finanzielle Entschädigung beeinträchtigen. 

Besonders in Amerika stellen sogenannte „Payouts“ ein großes Problem dar. Hier erhalten Produzent*innen im Voraus eine Pauschalzahlung für die gesamten Rechte an einem Beat. Sollte dieser Beat dann zu einem Superhit werden, an dem die Rapper*innen und das Label potenziell sogar Millionen verdienen, erhalten die Produzent*innen keine weitere Vergütung. Ein bekanntes Beispiel hierfür ist das Instrumental des Smash-Hits »Panda« von Desiigner aus dem Jahr 2015. In einem Interview bei „The Breakfast Club“ erklärte das One-Hit-Wonder, er habe nur 200 Dollar für den Beat gezahlt – und 10 Millionen an dem Song verdient.

Die Schnelllebigkeit der Musikindustrie ist ein weiterer kritischer Punkt. Künstler*innen veröffentlichen oft Alben – zum Teil auf Drängen der Labels – bevor alle Rechte geklärt sind, was zu langwierigen Verhandlungen und Verzögerungen bei der Bezahlung führen kann. Die Vielzahl von Beteiligten an einem Song – darunter Produzent*innen, Songwriter*innen und Gastkünstler*innen – macht die Vertragsverhandlungen zusätzlich kompliziert. Mit eben einer solchen Konstellation machte Superstar Travis Scott Anfang diesen Jahres Schlagzeilen. Während er noch im Februar bei den Grammys performte, verhandelten mindestens vier Produzent*innen und Songwriter*innen, welche an seinem vor circa acht Monaten erschienenen Erfolgsalbum »UTOPIA« beteiligt waren, um ihre Entlohnung. Das zeigt, dass selbst wenn die Songs der Rapper*innen erfolgreich werden und möglicherweise Millionen verdienen, Produzent*innen oft nicht angemessen und rechtzeitig bezahlt werden. 

Die Liste an Rapper*innen, die beschuldigt werden, ihre Produzent*innen nicht zu bezahlen, ist schier unendlich und erstreckt sich von A$AP Rocky über Joey Bada$$ bis hin zu Lil Wayne. Letzterer rückt gemeinsam mit Birdman und seinem Label YMCMB leider recht häufig in den Fokus, wenn es um unbezahlte Rechnungen geht. So haben nach dem Release von »Tha Carter III« gleich mehrere Produzenten Klage eingereicht. So wurden sogar Jim Jonson und Deezle, welche für Lil Waynes Multi-Platin-Hit »Lollipop« verantwortlich waren, schlichtweg nicht bezahlt. Die Streitsummen in den verschiedenen Fällen beliefen sich zwischen 500.000 und 20 Millionen Dollar. 

Was können die Produzent*innen dagegen tun?

Produzent*innen können sich auf verschiedene Weise von Rappern und Labels emanzipieren, um fairere Vergütung und Anerkennung für ihre Arbeit zu erlangen. Ein entscheidender Schritt ist die Sicherstellung klarer Verträge. Produzent*innen sollten darauf bestehen, klare schriftliche Vereinbarungen abzuschließen, die alle Details ihrer Beteiligung am Song oder Album festhalten, einschließlich Vergütung, Nutzungsrechten und Abrechnungsmodalitäten. Zudem ist es wichtig, sich über die eigenen Rechte zu informieren und gegebenenfalls von Fachleuten beraten zu lassen, um faire Verträge auszuhandeln und Missverständnisse zu vermeiden. In jedem Fall sollten sich Produzent*innen gegen die Nichtzahlung von Tantiemen wehren. So gab Bangladesh, ein weiterer Lil Wayne-Produzent, der den Beat zum Song »A Milli« beisteuerte – und ebenfalls nicht bezahlt wurde – anderen Produzent*innen einen Rat: „I get cheques from Sony for [work with] Beyoncé, cheques from different labels for different artists; it just comes to you. You don’t have to call them, sue them and all that junk. This is what you’re owed … [But] you have to sue these guys so that they pay up.“

Dem gegenüber steht natürlich ein unglaublicher Druck aus der Industrie. Die wenigsten Produzent*innen könnten sich einen Rechtsstreit mit einem großen Major Label leisten. Darüber hinaus haben viele Produzent*innen Angst davor, von den Labels oder Künstlern bei zukünftigen Placements blockiert zu werden. Verlangt ein Produzent in den Augen des Rappers oder Labels zu viel für seine Arbeit, wird er einfach nicht mehr gebucht und durch einen günstigeren Newcomer ersetzt. Dieser Mangel an finanzieller Sicherheit und die Angst vor beruflichen Konsequenzen schaffen ein Klima der Unsicherheit, das es für Produzent*innen noch schwerer macht, für ihre Rechte einzutreten.

Darum sollten Produzent*innen auch aktiv ihre eigene Brand aufbauen, um ihre Bekanntheit und ihren Wert als eigenständiger Artist in der Industrie zu steigern. Eines der besten Beispiele für einen solchen Markenaufbau ist Metro Boomin. Allein schon sein oft verwendetes Producer-Tag „If young Metro don’t trust you I’m gon’ shoot you“ hat regelrechten Kultstatus erreicht und sorgte beispielsweise bei »Father Stretch My Hands, Pt. 1« von Kanye West für gespitzte Ohren bei zahlreichen Hörenden. Des Weiteren hat er es mit seinen letzten Alben geschafft, sich auf Augenhöhe mit Künstlern wie 21 Savage oder Future zu präsentieren – etwas, was nur extrem wenigen Produzent*innen gelingt. Hierzulande wären Miksu und Macloud ein passendes Pendant, deren Producer-Tags fast schon als Ritterschlag gelten. Sie haben vor allem mit Ihren Alben »Futura« und »Teil vom Ganzen« bewiesen, dass sie sich ebenfalls nicht scheuen müssen, sich neben ihre Kolleg*innen an den Mikrophonen auf ein Podest zu stellen. 

Ein weiteres Beispiel für einen Producer, der sich ein starkes Standing aufgebaut hat, ist der eingangs erwähnte Hit-Boy. Dieser hat sich mit unter anderem niemand geringerem als Rap-Legende Nas zusammengetan und mit ihm gemeinsam ganze sechs Alben releast, denn um eine eigene Marke zu entwickeln, ist es auch wichtig eigene Projekte auf den Markt zu bringen. Sei es als Ein-Rapper-ein-Producer-Album oder als Projekt mit vielen verschiedenen Gästen. Producer-Alben bieten die Möglichkeit, ihre Fähigkeiten und ihren individuellen Sound einem breiteren Publikum zugänglich zu machen und sich neben ihren Gäst*innen als eigenständige Künstler*innen zu etablieren. Etwa hat Produzenten-Legende The Alchemist in den letzten 20 Jahren ganze 13 Alben – unter anderem mit Havoc, Freddie Gibbs oder Earl Sweatshirt – veröffentlicht, die gänzlich von ihm produziert wurden und ihn auf eine Stufe mit seinen Gästen gehoben haben. So hat er, wie auch Metro Boomin und Hit-Boy, seine ganz eigene Fanbase aufbauen können. 

Der Hamburger Beatvirtuose Farhot hat im Jahr 2016 mit Kabulfire sogar ein ganzes Label für Produzenten gegründet. Vor kurzem konnte dieses Label mit dem Album »Believe in Gerda« auf sich aufmerksam machen. Hier konnte das Kollektiv GERDA fast schon einen regelrechten Mythos um sich schaffen. Damit wurde der Fokus – trotz unglaublich interessanter Kombinationen verschiedener Rapper aus der Deutschrap-Elite – stark auf die agierenden Produzenten und ihre Beats gelenkt.  

Die Herausforderungen für Hip-Hop-Produzent*innen in der Musikindustrie sind vielfältig und komplex. Von undurchsichtigen Verträgen bis hin zu unfairen Praktiken seitens Labels, Manager*innen und Artists stehen Produzent*innen viele Hindernisse im Weg. Trotzdem gibt es Wege, wie Produzent*innen ihre Situation verbessern können, sei es durch klare Verträge, den Aufbau einer starken Marke oder die Veröffentlichung eigener Alben. Letztendlich ist es jedoch ein gemeinsamer Kampf, den Produzent*innen zusammen mit anderen Akteuren der Industrie führen müssen, um eine gerechtere und transparentere Arbeitsumgebung zu schaffen, in der ihr Beitrag angemessen anerkannt und entlohnt wird. Mit Engagement, Zusammenarbeit und Durchhaltevermögen können Produzent*innen die Anerkennung und Belohnung erhalten, die sie verdienen, und weiterhin einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung und zum Erfolg der Hip-Hop-Kultur leisten.

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In den 1990er Jahren gründete Pharrell Williams gemeinsam mit Chad Hugo das Produzentenduo The Neptunes, das schnell zu einem der erfolgreichsten und einflussreichsten Produzententeams in der Hip-Hop- und R&B-Szene avancierte. Zusammen mit Hugo gründete Williams auch die Band N.E.R.D., mit der er mehrere Alben veröffentlichte und international erfolgreich war.

Zusammenarbeit mit bekannten Musikgrößen

Pharrell Williams hat sich seine Lorbeeren aber vor allem als Produzent für zahllose Hits verdient. Er hatte seine Finger bei legendären Songs wie Snoop Dogg’s »Drop It Like It’s Hot«, Gwen Stefani’s »Hollaback Girl« oder Nelly‘s »Hot In Herre«. Als Solokünstler veröffentlichte er mehrere Alben, darunter »In My Mind« und »Girl«, und arbeitete mit zahlreichen bekannten Künstlern wie Jay-Z, Justin Timberlake, Madonna und Daft Punk zusammen. Mit dem »Ich – Einfach unverbesserlich 2«-Titelsong »Happy« veröffentlichte er als Sänger darüber hinaus seinen eigenen Smash-Hit.

Modedesigner und Unternehmer

Neben seiner Musikkarriere ist Pharrell Williams auch als Modedesigner aktiv und hat mehrere erfolgreiche Kollaborationen mit Marken wie Adidas und Chanel vorzuweisen. Er hat seine eigene Bekleidungs- und Accessoirelinie Billionaire Boys Club und Ice Cream ins Leben gerufen und setzt sich für soziale Gerechtigkeit, Bildung und Umweltschutz ein. Sein jüngster Erfolg ist die im Februar angetretene Nachfolge von Virgil Abloh als Kreativchef des Modehauses Louis Vuitton.

Pharrell Williams ist nicht nur ein erfolgreicher Musiker, sondern auch ein vielseitiger Künstler und Unternehmer, der in verschiedenen Bereichen große Erfolge erzielt hat.

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Auf seinem neuen Album »Simple.«, das ausschließlich von KAYTRANADA produziert wurde, thematisiert IDK das Leben in einem Stadtteil von Washington D.C, das geprägt von Gewalt und Drogenproblemen ist. Wir hatten vor seinem Auftritt auf der Playground Stage die Chance, mit dem Multitalent zu sprechen. Es geht um seine Rolle als Rapper für seine Community, das Potenzial, das Musik birgt für sozialen Wandel und Live-Performances nach Corona. Außerdem verrät er uns, was er damit meint, wenn er Musik vor allem für Frauen macht.

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Für das Projekt hat Nigo ein riesiges Team um sich geschart. Gleich 47 Songwriter, 16 Producer und 12 Features waren an der Entstehung beteiligt. Die Gästeliste des Albums liest sich dabei wie das Who-Is-Who der amerikanischen Hip-Hop Szene: Unter anderem geben sich Pusha T, Gunna, Kid Cudi und Lil Uzi Vert die Klinke in die Hand. Tyler, The Creator und A$AP Rocky wirken sogar an zwei Songs mit und als I-Tüpfelchen findet sich auf der Platte noch ein posthumer Pop Smoke-Part. Insgesamt fühlt sich das Projekt ebenso divers wie die Gästeliste an und wirkt eher wie eine Playlist als ein stimmiges Album. So reicht das Soundbild von US-Drill wie auf »Heavy« über »Morë Tonight« mit House-Anleihen oder dem Opener »Lost And Found Freestyle 2019« mit deutlichen Dirty-South Einflüssen bis zu hartem Trap-Sound, welcher den Großteil des Albums ausmacht.

Ebenso wie unter den Gastartists finden sich unter den ausgewählten Producern einige Hochkaräter. Gleich sechs der elf Instrumentals stammen von Pharrell Williams, zwei mal davon im Team mit Chad Hugo als The Neptunes. Auch Kanye West hat einen Beat zum Projekt beigesteuert (»Hear Me Clearly«) und noch weitere Producer konnten sich auf der Platte verewigen, unter anderem die deutschen Luca Starz (»Hear Me Clearly«) und das Duo CuBeats (»Heavy«).

Alles in allem ist »I Know NIGO!« ein Potpourri verschiedenster Songs, unter denen sich einige Highlights finden, wie bspw. »Lost And Found Freestyle 2019« mit A$AP Rocky & Tyler, The Creator, »Remember« mit Pop Smoke oder »Punch Bowl« mit den wiedervereinten Clipse-Rappern Pusha T & No Malice. Viele andere Songs sind hingegen weniger stark und dürften eher mit Fast Fashion statt Edel-Streetwear zu vergleichen sein. Nichtsdestotrotz ist »I Know NIGO!« ein schönes Gimmick und ein genialer Marketing Move für den einflussreichen Modedesigner.

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Nachdem Push zuletzt 2018 mit dem gefeierten Album »DAYTONA « einen Langspieler veröffentlicht hat, teaserte er seit einiger Zeit nun das nächste Projekt an. Das „größte Album des Jahres“ sollte es seiner bescheidenen Meinung nach sein und zumindest mit den bisher bekannten Producern untermauert er seinen Anspruch auch: Die ihm bestens vertrauten Neptunes sollen einen großen Anteil am Sound des Albums haben, genauso wie sein langjähriger Kumpel Kanye West. Letzterer ist auch für das Instrumental der neuen Single verantwortlich. Gemeinsam mit 88-Keys ist Ye als Producer für »Diet Coke« angekündigt worden.

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Was ursprünglich als EP mit fünf Tracks starten sollte wurde schnell zu einem riesigen Projekt. Aufnahmesessions in Hawaii, Sydney oder Paris, Produktionen der Kategorie The Neptunes oder RZA und die (bis zur Drake & Future Tour 2016) lukrativste Tour der Hip-Hop-Geschichte – bei Jay und Ye ist eben alles eine Spur größer und protziger. Der Opener des Albums »No Church in the Wild« setzt inklusive Frank Ocean in der Hook und einem kinotauglichen Musikvideo den musikalischen Startschuss für die folgenden elf Tracks. Gerade die erste Hälfte des Albums stellt dann auch die weiteren Highlights: Zunächst kommt Jiggas Ehefrau Beyonce per Feature auf »Lift Off« zum Einsatz, bevor dann der Turn-Up-Moment schlechthin mit »N**** in Paris« folgt. Es gab Situationen auf der Tour, wo die beiden den Track elf Mal am Stück gespielt haben. Das folgende »Otis« zeigt dann einen Producer-Kanye in Höchstform. Abwechselnd bearbeiten Jay und Kanye ein in seine Einzelteile zerteiltes Otis Redding-Sample – nur das Auto im Clip wird noch weiter auseinandergenommen. Weitere Highlights der Platte sind »Gotta Have It«, wo die beiden ihre auf das Jahr 2000 zurückgehende Chemie in abwechselnden Verses unter Beweis stellen, oder der Track »New Day«, auf dem beide ihre Kinder auf die Zukunft als Promi-Kind einschwören.

Die hohen Erwartungen, die ein Release dieser Art mit sich bringt, haben die beiden ohne große Mühen übertroffen. So ist »Watch The Throne« einer DER Maßstäbe geworden, an dem sich andere Kollabo-Alben immer wieder messen lassen müssen.

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