Kofi Stone – Gardener Flow

Ein Song für alle Fans, die gestern schon beim Konzert in Köln waren oder morgen Karten für Hamburg haben. Es geht um den Mann mit den “mad man flows” oder auch dem Mayor of Brum, Kofi Stone himself. Der Rapper aus Birmingham befindet sich zurzeit auf seiner
»All The Flowers Have Bloomed« Tour, um das gleichnamige Album auch endlich hierzulande live zu performen. Mit dem neuen Track »Gardener Flow« führt er seine blumige Ära noch etwas weiter. Wer Stone bis jetzt noch nicht kennt, lebt wahrscheinlich unter einem sehr großen Stein. In den UK ist er schon seit längerem bekannt für seine Lyrics, in denen er sehr persönlich über sein eigenes Leben und die Welt reflektiert.
Dabei kann er lange, verzwickte Geschichten erzählen, von denen sich andere noch eine Scheibe abschneiden können. Hinzu kommen dann meist noch sehr entspannte Beats, die vielleicht weniger aufregend sind als einige der modernen Drill-Beats, die gerade deutlich mehr Aufmerksamkeit bekommen, aber dafür hat Kofi Stones Musik einen Mehrwert, der anderen populären Songs fehlt. Wir freuen uns sehr und sind Samstag im Mojo Club auf jeden Fall am Start.

Earl Sweatshirt, MIKE & SURF GANG

Fans werden es die letzte Woche mitbekommen haben: Earl Sweatshirt war fleißig am Singles veröffentlichen und nun gibt es das neue Album »POMPEII // UTILITY«. Das Album ist in Kollaboration mit MIKE entstanden und in zwei Teile aufgeteilt. Alle 33 Tracks wurden von der Gruppe SURF GANG produziert, einem Kollektiv an Producern und Rappern aus New York. Ein bisschen gibt Earl damit als ODD FUTURE-Veteran die Fackel an die nächste Generation ab. Earl hören wir bis auf einen Track erst im zweiten Teil und es ist auf jeden Fall ein Album für Fans und Liebhaber und nichts, das großartig im Mainstream Erfolg haben wird. Aber genau das ist ja die Erfolgsformel des Artists und wer die Zeit hat, sollte sie sich auf jeden Fall nehmen.

SWAE LEE & Jhené Aiko – MURAL

Es ist leider kein Track aus dem Soundtrack für den nächsten Spider-Verse Film, hört sich aber fast danach an. Was daran liegen könnte, dass Swae Lee an beiden bisherigen Soundtracks beteiligt war. Nun hat Lee aber ein neues Solo-Album rausgebracht und es ist irgendwie genauso, wie wir es erwartet haben. Einige Songs gefallen uns, einige dann wieder gar nicht. Bleiben wir beim Positiven: Überzeugt haben uns bisher »EVERYONE WANTS«, »TAKE MY HEART« und dann eben noch »MURAL« mit Jhené Aiko. Die beiden haben schon auf diversen Tracks zusammengearbeitet und auch diesmal stimmt die Chemie. Insgesamt ist das Album »SAME DIFFERENCE« aber mit dem Namen ein bisschen zu nah an dessen bisherigem Sound. Vielleicht fehlt uns aber auch einfach nur Metro Boomin im Producer-Line-up.

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Obwohl die Erstveröffentlichung etwas ungewöhnlich war, passt sie dennoch perfekt zu Earl Sweatshirt, dem wohl größten Eigenbrötler der Hip-Hop-Szene. Auf Gala Music konnte das Album gegen NFTs erworben werden, wobei jeder Track auch ein eigenes animiertes Bild besaß. Nachdem der Hype um NFTs bereits verflogen ist und allgemeine Verwirrung herrschte, wurden Fans zurecht laut. Ihre Proteste und Gebete wurden erhört, und das Warten hat sich gelohnt: Mit leicht veränderter Tracklist erfüllt »VOIR DIRE« sämtliche Erwartungen.

Für Hip-Hop-Heads der älteren Generation mag sich die Kombination der beiden Künstler zunächst wohl eher etwas schräg anhören. Earl Sweatshirt, der mit knappen achtzehn Jahren schon bei Odd Future herausstach und mit 19 sein Debüt »Doris« veröffentlichte – ein Album, das bis heute Kultstatus besitzt und die doch ziemlich düsteren und mürben Gedanken von Earl offenbart –, trifft bei The Alchemist auf einen Producer, der für seinen Old-School-Sound – mit klassischen Samples und klaren Beats – bekannt ist. Dennoch scheint genau das die richtige Formel zu sein. Wie zwei Seiten einer Münze ergänzen sich die beiden perfekt und kreieren einen zeitlos wirkenden Sound, der sowohl Lyrikfans als auch Beat-Enthusiasten anspricht.

Das Album kann bisher nur digital gestreamt oder als Download erworben werden. Eine Vinyl-Version gibt es leider noch nicht, dafür aber passendes Merchandise. Für Fans mag es jetzt schon ein Favorit sein, aber schafft »VOIR DIRE« es auch, sich neben dem Hype um Drakes am selben Tag erschienenem »For All The Dogs« zu behaupten?

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Auf den 26 Minuten Spielzeit zeigt Domo Genesis, wofür ihn seine Fans seit nun mehr als einer Dekade lieben: Lyrische Finesse gepaart mit durchgehend realer Delivery. Thematisch kämpft er sich durch seine privaten Struggles. So beschäftigt er sich beispielsweise auf »Skeletons« mit den Skeletten in seinem Schrank, was man wohl frei übersetzt als Leichen im Keller lesen könnte. Eines der Highlights des Projekts ist »Running, Running«, bei welchem Domo auf einem ¾ Takt über das Leben an sich philosophiert

Feature Gäste auf der Platte sind Griselda-Rapper Boldy James, der Skateboarder Navy Blue, Worlds Fair-Mitglied Remy Banks und auch Evidence – der das komplette Album produziert hat – steuert auf »Victories & Losses« einen Rap-Part bei und zeigt, dass er nicht nur an den Reglern seine Talente hat.

Jede der 11 samplebasierten Produktionen von Evidence klingt warm und entspannt. Ohne altbacken zu klingen, vermitteln die Songs einen echten Retro-Vibe. Vor allem der Opener »Don’t Believe Half«, bei dem noch das Knistern der gesampleten Platte zu hören ist, schafft dies sehr gut.

Alles in allem ist »Intros, Outros & Interludes« ein gelungenes Projekt, welches die Synergie von »Arent U Glad Youre U« erneut aufgreift und noch erweitert. Evidence und Domo Genesis passen schlichtweg perfekt zusammen und lassen auf weitere gemeinsame Releases hoffen.

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Über die 41 Minuten Spielzeit beschäftigt sich Vince Staples inhaltlich hauptsächlich mit seiner eigenen Identität und liefert hier sein vielleicht autobiografischstes Werk ohne dabei aber zu eindeutig zu werden. Raptechnisch bewegt er sich dabei zwischen angenehmen Singsang wie auf »EAST POINT PRAYER« mit Lil Baby und präzise geflowten Parts wie auf »PLAYER WAYS«. Um musikalische Dogmen schert sich Vince eher weniger, wie – neben seinem eigenem einzigartigem Style – beispielsweise die mit exorbitant viel Hall belegte Snare auf »WHEN SPARKS FLY« beweist. Lyrisch ist er dabei wie immer tiefgreifend aber immer an der Grenze zum Unverständlichen.

The first rule to understanding Vince Staples? Don’t even try.

Los Angeles Times

Insgesamt klingt das Album durchweg verträumt und fast wie aus einem Guss. Und dass obwohl an der Platte 21 verschiedene Produzenten beteiligt waren, unter anderem DJ Mustard, Cardo und Kenny Beats. Trotz des sehr angenehmen soundtechnischen roten Fadens vereint »RAMONA PARK BROKE MY HEART« viele verschiedene Styles. Highlight der des Albums ist das bereits wähnte »WHEN SPARKS FLY«, in welchem er über ein smoothes Soul-Sample quasi einen Dialog mit seiner Pistole führt.

Alles in allem ist »RAMONA PARK BROKE MY HEART« ein sehr starkes Release. Darüber hinaus ist es das mit Abstand längste von Vince Staples Alben und ist dennoch zu keiner Sekunde langweilig. Das unterstreicht sein bereits vor sieben Jahren vielgelobtes Können.

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Earl kämpft über die 10 Songs mit seinen inneren Dämonen – wie seiner Alkoholsucht – aber auch mit äußeren Einflüssen, denn das Album wurde gänzlich während der Corona-Pandemie produziert, geschrieben und aufgenommen. Dabei sticht immer wieder sein Talent für verschachtelte Lyrics und Reime hervor. »SICK!« klingt eventuell klarer und weniger experimentell als vorherige Releases von Earl. Nichtsdestotrotz verliert er über die 24 Minuten Spielzeit kein Stück seiner Eigensinnigkeit. Beispielsweise lässt sich nicht eine einzige Bridge oder ein echter Refrain auf der Platte finden, was ihr aber keinen Abbruch tut, denn hier geht es weniger um Ohrwürmer und eingängige Melodien.

Dies macht sich natürlich auch am Sound bemerkbar. So sind die Kicks im Titelsong »Sick!« rückwärts gespielt und »God Laughs« kommt mit der halligen Vocalaufnahme fast wie eine Spoken Word-Nummer daher. Das Album an sich ist sehr divers. So finden sich darauf sowohl harte Trapsounds wie auf »Titanic« als auch weiche Streicher im Opener »Old Friend« und Soulsamples auf »Tabula Rasa«. Für die Produktionen auf »SICK!« waren sieben Produzenten am Werk. Drei der Beats stammen sogar von niemand geringerem als The Alchemist. Die einzigen Featuregäste auf der Scheibe sind ZelooperZ aus Detroit und das Duo Armand Hammer aus New York.

Insgesamt ist »SICK!« schwere Kost und definitiv kein Album, das man nebenher hören sollte, obwohl es zumindest stellenweise zum Abschalten einlädt. Dennoch – oder gerade deshalb – sticht es heraus und wird sicher noch lange von Fans gehört werden, denen er mit seinem neuesten Album Abwechslungsreichtum und gleichzeitige Besinnung auf seine Wurzeln präsentiert.

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Die Hauptwerke von Frank Ocean, der seine musikalische Karriere als Ghostwriter begann, könnten kaum unterschiedlicher in Struktur und Inhalt sein und verkörpern ihn dennoch alle. Nach Herausgabe des Mixtapes »nostalgia, ULTRA.«, schaffte das Mitglied der nun aufgelösten Formation Odd Future 2012 mit dem Release von »channel ORANGE« ein preisgekröntes Debütalbum. Das künstlerisch fein angeordnete Mosaik besteht aus R&B-Bangern (»Thinkin Bout You«), Pop-Anthems (»Lost«) und experimentellen Songs, rund um das 10 minütige Herzstück »Pyramids«, in dem alle Einflüsse vereint werden.

Vier Jahre hat Frank Ocean danach auf sich warten lassen, um (dem noch größeren Hype folgend) im Sommer 2016 gleich zwei Alben zu droppen: »Endless«, ein Visual Album, um seinen Vertrag mit Def Jam zu erfüllen, sowie das independent herausgebrachte Album »Blonde« nur einen Tag später. »Blonde« ist dabei eines der seltenen Alben, die es schaffen, rückwirkend ihren Vorgänger in einen anderen Kontext zu rücken. Während »channel ORANGE« vorher als experimentelles cutting-edge Kunstwerk galt, ist es nach 2016 das „normale“ Frank Ocean Album. »Blonde« kombiniert einen kohärenteren Sound mit Inhalten von Nostalgie, vergangener Liebe und sexueller Identität zu einem Erlebnis von großer Nähe zu einem sonst unnahbaren Künstler, als wäre man zusammen mit ihm im Studio gewesen. Statt erwarteten puren Hits werden auf »Blonde« Emotionen beschworen.

Weitere viereinhalb Jahre sind seitdem vergangen. Also kann man gespannt sein, wie und ob er, insbesondere nach dem tragischen Tod seines kleinen Bruders, wieder zurückkommt, um erneut Erwartungen von Fans und Kritikern zu umgehen, wie in jedem Schritt seiner Karriere bisher.

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Als ein Konzeptalbum, wie es im Buche steht, erzählt »IGOR« die Geschichte einer Person, die sich unglücklich in ihren besten Freund verliebt. Unterschwellig spielt Tyler dabei natürlich auch mit den seit Jahren währenden Gerüchten um seine sexuelle Orientierung – ob es sich bei Igor um ihn selber handelt, wird aber nie aufgelöst. Nicht nur inhaltlich hängen die Tracks zusammen, auch musikalisch gehen sie ineinander über. Nicht umsonst hat der ehemalige Odd Future-Frontmann die Hörer vor Release darum gebeten, dass Album an einem Stück und von vorne bis hinten zu hören.

Als Künstler durch und durch ist die Konzeption des gesamten Albums Chefsache: Alle Tracks von »IGOR« sind von Tyler selber produziert, die eigentlich hochkarätigen Features (Playboi Carti, Kanye West, Lil Uzi Vert) werden zu Nebendarstellern degradiert und tauchen nicht einmal auf dem Backcover auf. An Soundexperimenten wird auf dem Grammy-gewinnenden Album vieles ausprobiert: Seine charakteristisch tiefe Stimme verändert Tyler an vielen Stellen zu einer extrem hohen. Als Instrumentals dienen auch schon mal die Geräusche vom Laden einer Pistole (»THANK YOU«).

Tylers fünftes Studioalbum ist der bisherige Höchststand eines Rappers, der sich konstant weiterentwickelt und alle künstlerischen Freiheiten auslebt.

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