Mithilfe von Sound Design und Animation verleiht er seinen Tracks und der Promotion drumherum einen ganz neuen persönlichen Anstrich. Welcher Artist verbindet schon eigenständig derart viele kreative Disziplinen in seiner Arbeit? Eigene Cover, eigene Promo, eigene Vertonung der Reels und Tiktoks. Egal, ob als eine Art Musikvideo-Snippet oder unterhaltsame animierte Storylines über seine Arbeitsweise: Wir nehmen Teil an seinem Weg zur Stage. Er schafft es, dass man hängen bleibt und überrascht ist, etwas wirklich Originelles zu sehen in einer Welt von schnell konsumiertem Content.

Innerhalb von 2 Wochen auf 5k

Auf seinen Accounts postet KiD RiCK eine Zeit lang fast täglich, um Act auf dem splash!-Festival zu werden und tatsächlich fruchtete seine Strategie deutlich, denn in nur 2 Wochen sind seine Listener-Zahlen von 100 auf 5000 gestiegen. So bekommt seine Musik nicht nur ungleich mehr Aufmerksamkeit, sondern er schafft es, darüber hinaus mit seiner visuellen Welt in Erinnerung zu bleiben.

Obwohl er offiziell erst seit 2023 Musik eigenhändig aufnimmt und produziert, erweckt sein künstlerisches Repertoire einen ganz anderen Eindruck. Menschen wie er stampfen Projekte aus dem Boden, ohne zu wissen, was mit ihnen geschehen wird. Und genau diese Eigenschaft inspiriert auch einen selbst, Konsistenz für die eigenen Ziele an den Tag zu legen. Mittlerweile ist er bei fast 20.000 monatlichen Hörer*innen angelangt und somit auch ein ganzes Stück näher daran, auf einer splash!-Stage zu performen.

Hinter den Kulissen

Die meisten wissen nicht, wie zeitaufwändig Animation eigentlich ist. Zum Teil steckt Cedric, wie der Kölner bürgerlich heißt, in seine unterhaltsamen Reels bis zu acht Stunden Arbeit, um einen 12-sekündigen Clip zu erstellen. Deswegen konzentriert er sich mittlerweile nicht mehr auf tägliche Beiträge, sondern auf die Ausarbeitung seiner Tracks und gelegentliche Animationen.

Sein künstlerischer Background und seine Stage-Präsenz beschränkt sich auf Theater-AGs aus Kindertagen und Schulzeiten, aber dort merkte er schon früh, wie sehr er darin aufblüht. Auch das Malen und Zeichnen brachte er sich selbst bei, um einen Kanal für seine Gedanken und Gefühle zu haben. So erhielt er bei seinem Schulkamerad*Innen sehr schnell den Ruf des „Künstlers“. Sobald jemand aus seinem Umfeld visuellen Support oder Coverart brauchte, war er der allgegenwärtige Ansprechpartner.

Schon damals träumte er, gemeinsam mit seinem Rap-Kollegen Boy King auf Stages zu spielen. Seit 2019 produzierten sie gemeinsam Songs, inspiriert durch BHZ, Pashanim oder Makko. Corona machte dem damaligen Workflow einen Strich durch die Rechnung und die aufblühende Dynamik wurde gezwungenermaßen im Keim erstickt. Obwohl sich sein bester Freund von der musikalischen Verwirklichung im Rap dadurch abwandte, war das umso mehr Ansporn für Cedric den Traum seines Kollegen weiterzuleben: „Und dann habe ich mir gesagt, weißt du was, wenn er das nicht macht, dann mache ich das halt eben“. Angelehnt an die innige freundschaftliche Geschwisterdynamik zu Boy King nannte er sich als Pendant zu ihm schließlich KiD RiCK und pushte sich in die Gewohnheit, wie er in einem Gespräch erzählt:

„Ich habe jeden Tag Songs geschrieben, weil ich diese Routine reinbekommen wollte. Und wenn du jeden Tag ein bisschen machst, jeden Tag ein wenig dazu lernst, dann kommst du deinem Ziel immer, immer näher. Es scheint so unglaublich unwahrscheinlich, aber du schaffst es trotzdem. Und ey, nach zwei, drei Monaten kamen da schon ein paar Songs, wo Freunde meinten: ´Hey, der ist tough.´ Zum Beispiel »Aral«. Das ist mein zweitmeistgehörter Song. Den Song habe ich 2023 geschrieben. Das ist mein vierter Song jemals gewesen. Und der hat jetzt was? 30.000 Streams.“

Hard Work vs Gifted Kid

Er glaubt nicht an die naheliegende Theorie vom geborenen Talent, sondern an Wiederholung: „Und ich finde es irgendwie schade, dass wir in einer Welt leben, wo mir jeder sagt, man kann nichts schaffen, es ist nichts possible.“

Er bezeichnet sich selbst als jemanden, der in allem erst einmal der Schlechteste war. Beim Malen fing alles damit an, dass er ein Mädchen beeindrucken wollte. Als sie plötzlich 3D-Häuser zeichnete, setzte er sich hin und übte, bis seine besser wurden. Dieses Prinzip zieht sich durch sein ganzes Leben. Auch heute noch sitzt er teilweise 30 Minuten an einem einzigen Wort, weil sein Sprachfehler es ihm schwer macht, es sauber auszusprechen. Für ihn ist es der Beweis, dass Fortschritt keine Gabe ist, sondern eine Entscheidung. Die Geschichte vom „Gifted Kid“ ist vielleicht ein schönes romantisches Label, aber Disziplin erzählt auf lange Sicht die inspirierende Geschichte.

Underrated Heavyweight Köln

Wenn man in Deutschland nach Rap-Metropolen fragt, fällt fast automatisch Berlin. Vielleicht noch Hamburg. Aber Köln? Für viele endet die Liste nach Namen wie Lugatti & 9ine. Für KiD RiCK ist genau das ein weiterer Ansporn, Köln als Rohdiamant mit anderen gemeinsam weiterzuschleifen. Köln ist eine „Goldmine“, wie er sagt. Und trotzdem spielen viele Artists hier auf Sparflamme oder schielen Richtung Hauptstadt, als müsste man erst Berliner Luft atmen, um relevant zu sein zu dürfen.
KiD RiCK will dieses Mindset aufbrechen. Er will, dass Köln nicht nur als Stadt mit dem Dom in einer Line auftaucht, sondern als echtes musikalisches Epizentrum wahrgenommen wird: „Ich will, dass Köln genauso ein Heavyweight ist, wie Berlin in der Musik. Und da will ich natürlich auch, dass Leute ehrlich zueinander sind und einfach zeigen, dass sie nerdy sind, dass man nerdy und cool sein kann. Und drittens, dass man alles schaffen kann, was man schaffen will.“

Haben wir am Ende nicht alle Träume von denen wir wissen, dass sie eigentlich keine sind, sondern Teil unserer Zukunft werden? Dinge, für die wir brennen und in die wir unser ganzes Herzblut hinein geben, ohne wirklich zu wissen, wohin uns einzelne Handlungen führen werden? Am Ende ist KiD RiCK auch kein Märchen vom plötzlichen Durchbruch, sondern jemand der sich selbst formt. From Nothing ist bei ihm kein Ausgangspunkt mehr. Es ist ein Beweis, dass man aus einer Idee eine Realität bauen kann, wenn man lange genug daran arbeitet. Vielleicht steht er also 2026 tatsächlich auf der splash!-Stage und wird sich an den Moment erinnern, als er beschloss, nicht nur Zuschauer sein zu wollen.

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Velis musikalische Wurzeln liegen vor allem im Hip-Hop der 90er Jahre, wobei insbesondere 2Pac einen prägenden Einfluss auf ihn hatte. Der Künstlername Veli leitet sich vom Alter Ego „Makaveli“ ab, das die Westcoast-Legende auf seinem legendären Album »The Don Killuminati: The 7 Day Theory« annahm.

Bereits mit 13 Jahren beginnt er, gemeinsam mit Freunden erste Songs aufzunehmen und auf Internetseiten wie MySpace oder Rappers.in zu veröffentlichen. In dieser frühen Phase seiner Karriere steht er mit seiner damaligen Crew für eher harten Rap. Trotz Velis Verehrung von 2Pac kann er sich selbst mit Gangsta-Rap aber nicht wirklich identifizieren. So kommt es dazu, dass er sich von seiner Crew löst und seit 2019 auf Spotify als Solo-Act Songs veröffentlicht.

Ich bleib nicht hier – muss was riskieren / Will der sein, von dem man sagt „was ist passiert mit dir?“

Veli – »Ohne Grund«

Ein Händchen für alles

Dabei ist er an jedem Schritt beteiligt und legt bei den Produktionen, dem Mixing, Mastering und auch seinen Visuals fast immer selbst Hand an. Das Ergebnis sind soulige Songs, die vom Soundbild an Artists wie JID erinnern, ohne diese aber zu kopieren. Veli schafft einen Drahtseilakt: Er kreiert einen entspannten, aber dennoch energetischen Sound, den es so in Deutschland noch nicht wirklich gibt.

Bis heute hat Veli einige Singles und EPs veröffentlicht, beispielsweise »Bleib zuhause, es ist hässlich draußen!« im Sommer letzten Jahres. Auf dem gerade einmal fünf Songs starken Release zeigt er seine Vielfältigkeit und Kreativität. Von lockeren Flows auf »Wo du bleibst (Freestyle)« über Gesangseinlagen auf »No Calls« bis hin zur Chopped und Screwed-Nummer »Drunk« deckt Veli ein breites Spektrum ab. Dennoch klingen die Songs wie aus einem Guss und ergeben ein extrem stimmiges Soundbild. Dazu kommt seine Fähigkeit, tiefgründige Texte mit eingängigem Sound zu verbinden.

Von Aachen rein in die Szene

Sein aktuellstes Release ist der von dem Hamburger Beatvirtuosen HTN produzierte Song »Junge Atzen« gemeinsam mit dem Duisburger cuffa, auf welchem er als Featuregast seinen Style einbringt und den Song perfekt ergänzt.

Veli ist ein vielversprechender Künstler, der es versteht, seine Wurzeln im klassischen Hip-Hop mit modernen Elementen zu verbinden und dabei etwas ganz Eigenes zu kreieren. Obwohl seine Diskografie mit etwa 20 Songs noch überschaubar ist, plant Veli für dieses Jahr weitere Releases – unter anderem mit HTN oder dem Rapper *maliiik. Mit seinem Talent und seiner Leidenschaft für Musik könnte er schon bald eine Nische in der deutschen Musiklandschaft besetzen, die bisher unberührt geblieben ist.

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Der Text ist ein langer Flug, hier sind Hyperjumps per Link auf die einzelnen Kapitel:

Geräusche aus dem Weltall (Sound)

Die Entstehung

Die Kraft des Sterns (Glauben)

Ein Sonnensyste(a)m

Besonders hell (Alleinstellungsmerkmal)

Vision (Aussicht)

Geräusche aus dem Weltall (Sound)

Wenn BOI EDEN Musik macht, versucht er alles andere auszublenden und nur das zu machen, was er tut, erzählt er. Deshalb musiziert er am liebsten alleine im stillen Kämmerchen (obwohl er Jamsessions auch feiert). Wenn er am Beats bauen ist, dann ist er im Tunnel und möchte am liebsten, dass niemand ihm reinredet, denn: sein Geschmack ist sein Kompass im Universum.

„Man kann eh‘ nicht einschätzen, was bei anderen ankommt. Die einzige wirkliche Referenz, die ich habe, ist mein Geschmack.“ Während des Produzierens ist es mehr ein Agieren als aktives Drüber-nachdenken, was er da tut. Er fragt erst im Nachhinein, was er da gemacht hat. Kunst in seiner puren Form.

Auf der »LEBEN OHNE GOTT« EP verfolgt er einen von Trap geprägten Sound. Wabernde 808s, flächiger Sound, knisternde Hi-Hats, verträumte Samples – ein sphärisches Gesamtpaket. Ausgefeilt und durchdacht kuratiert, damit es zusammenpasst. Gegen Ende der EP tröpfelt der Trap langsam aus und es wird jammiger. Mehrspurige Gesangsparts halten Einzug. Ein Stilmittel, dessen Entwicklung man förmlich beobachten kann, welches auf der neusten EP »OB DU ES GLAUBST ODER NICHT« in ausgeprägterer Form eine Bühne erhält.

Ohne Zweifel sucht seine Musik mit Release seines neuesten Werkes seinesgleichen. Bässe streicheln die Seele, Orgeln zwitschern spielerisch, Boombap, Trommelemente, Spitter-Qualitäten und ganz viel Gesang vereint auf nur 4 Liedern. So gehaltvoll, dass man die EP mehrmals back-to-back hören kann, ohne dass der Sound an Kraft verliert oder zu viel wird. Vielmehr gewinnt er an Substanz. Jedes Detail minuziös getimt und am Ende wieder auf die Essenz runter gebrochen damit die Balance stimmt.

Und dann ist da noch der Gospel. „Gospel ist erst so richtig dieses Jahr reingekommen weil ich das ultra anspruchsvoll und schwierig finde. Ich hab Gospel schon immer geil gefunden. Aber immer, wenn ich das probiert hab, war das scheiße. Vor allem weil ich keinen Chor hab, mit dem ich arbeiten kann und selbst vorm Mic sitze und 40 Spuren einsinge. Das heißt, es hat lange Zeit gebraucht um zu reifen. Als es dann geklappt hat, war ich direkt so: JA, ich check‘s jetzt so bisschen wie‘s geht.“ Macht euch am besten selbst mal ein Bild:

Die Entstehung

Ursprünglich kommt er aus einer Kleinstadt aus Süddeutschland, wo er schon seit Anbeginn seiner Zeit Musik macht. Als Kind lernt er früh Musikinstrumente und findet durch seinen musikalischen Vater inspiriert zur „ganzen geilen Mucke, die es so gibt.“ Ab seinem 10. Lebensjahr kommt er ganz klassisch durch Youtube-Tutorials zum Beats bauen und entdeckt seine Liebe zum Hip-Hop.

„Alles was ich an Hip-Hop feier sind diese geil musikalischen, experimentellen, jazzigen Sachen. Dieser Hip-Hop, der noch diese musikalische Komponente bedient, da fühl ich mich wohl.“

Er probiert sich aus und forscht an seinem Sound. Lange hatte er das Gefühl „das ist geil, was ich mach“, aber 100% zufrieden war er noch nicht. Dann folgt der Schritt in die Metropole mit B.

„Als ich in Berlin war, hab ich mir vorgenommen: Okay, ich kann jetzt schon viel, aber jetzt will ich das so richtig verfeinern was ich kann. Und da hab ich mich sehr bewusst dafür entschieden, im stillen Kämmerchen ganz viel auszuprobieren. Ich will das, was ich gerade probier‘ und mach, noch nicht damit verfälschen, das nach draußen zu bringen.“

Ein eher unüblicher Schritt. Während andere sich in das Getümmel der Großstadt stürzen, stürzt er sich in sich selbst. BOI EDEN ist zu diesem Zeitpunkt noch kein festes Alias. Sein Sound geht wild zwischen Indie, Jazz, Psychedelic-Rock und vielen anderen Genres hin und her. Knappe 2 Jahre geht das so. 3 Monate Arbeit, 3 Monate Musik im Wechsel.

„Ab dem Punkt, ab dem es sich so richtig richtig angefühlt hat, das jetzt zu starten, hab ich‘s direkt in die Hand genommen.“ Und so entsteht ein neuer Stern.

Die Kraft des Sterns (Glauben)

Nicht viele Rapper*innen gehen heutzutage offen mit ihrem Glauben in der Musik um. BOI EDEN ist da anders. Früher hatte er gar keinen Bezug dazu, weil es ausschließlich mit Christentum konnotiert war. Aber das ist heute anders. Für ihn muss Glauben nicht mit Gott zu tun haben. Nicht mit dem christlichen, dem muslimischen oder sonst einem. Einfach Vertrauen in etwas, das größer ist als man selbst. „Das kann auch mein Unterbewusstsein sein, das kann das Universum als Ökosystem sein, Vertrauen in das, was mich umgibt.“

„Es war ganz lange nicht Teil meines Lebens. Das hat erst so richtig vor anderthalb Jahren angefangen, als ich angefangen habe die »LEBEN OHNE GOTT« EP zu machen, da wurde es zum Teil meines Lebens und dann wurde es halt auch zum Teil meiner Mucke und meiner Texte. Ich hab’ angefangen, an was zu glauben, was ich davor ganz lange nicht getan hab. Und dann hab ich auf »LEBEN OHNE GOTT« ein reflektiert, was es mit einem macht, wenn man gar nicht an irgendetwas glaubt. In diesem Prozess wurde es dann immer mehr eine Sache, mit der ich mich auseinandergesetzt habe und auf die ich mich gefühlsmäßig eingelassen hab. Dabei kam die aktuelle EP »OB DU ES GLAUBST ODER NICHT« dabei rum, die ja sehr die Seite beleuchtet was passiert wenn man glaubt.“

Optimismus und Vertrauen, das ist Glaube für BOI EDEN. Es hilft ihm, positiver an Dinge ranzugehen und den langen Atem zu bewahren. Zu allem, was er macht, trägt es etwas Gutes bei. Egal ob es gute oder schlechte Phasen sind, durch die er geht. „Ist ein richtig wichtiger Skill“, hebt er hervor.

Das spürt man, wenn man die Musik hört. Seine positive Einstellung zu den Dingen steckt an. Er schafft es einen guten Mittelweg zu wählen. Er ist weder Missionar, noch versteckt er sich. Er ist er, ehrlich und deshalb nahbar.

Ich warte meine Lebzeit schon auf diesen Tag/
Ich hab nicht mehr zu geben, das ist alles, was ich hab/
Was man alles so erträgt, was ein’ hält in dieser Bahn/
Ich weiß alles kann so leicht sein, es kommt nur darauf an/
Ob man glaubt oder nicht, ob du es glaubst oder nicht…

BOI EDEN – FANG AN

Ein Sonnensyste(a)m

BOI EDEN ist ein strahlender Planet. Doch wie in anderen Sonnensystemen, gibt es auch hier Planeten, die dieses Bild vervollständigen. Statt Erde, Venus und Mars heißen sie hier Rick, Lamm66 und Alex. Es sind BOI EDENs engste Freunde. In dieser Konstellation können alle machen, was sie am liebsten mögen, sagt er. An Rick kommt nichts vorbei, was mit Visuals zu tun hat, Alex hat das Know-How an der Kamera und Lucy aka Lamm66 ist eine richtungsweisende Kreativallrounderin. Zusammen machen sie sich Gedanken zur Optik und kuratieren die Erscheinung BOI EDENs.

„Ich mach einfach Musik und mach so viel wie möglich und so pur wie möglich. Das was mir genau jetzt gefällt. Im Nachhinein frag ich mich dann, wie kann ich das sortieren? und dann find‘ ich die paar Tracks, die in dem Fall die EP bilden. Dann fragen wir uns zusammen im Team: Wie sieht das aus, was ich da gemacht hab und wie kann man das nice kommunizieren? Mit welchen Schritten könnte man auch die Kommunikation so verkacken, dass es die Musik ganz verändern würde?“

Für »OB DU ES GLAUBST ODER NICHT« haben sie sich für himmlisches Blau und sandiges Hellbraun entschieden. Man könnte interpretieren, dass das Braun für das geerdete Wesen BOI EDENs steht und das Blau für den Glauben. Das Cover erinnert sowohl an die Landschaftskunst von James Turrell und Kanye West als auch an eine Art Gotteshaus mit offenem Dach. Die Videoaufnahmen sind bei klarem Himmel und zwischen Steinen und Felsen aufgenommen. Es passt alles zusammen und gibt dem Ganzen eine einheitliche Richtung. Aktuelles Beispiel für die gleiche Farb- und Setting-Auswahl: die Optik von Dune.

„Ich will da immer dabei sein und ich bring mich auch überall ein. Aber ich merk mal für mal wieder, dass ich echt kein visueller Künstler bin.“ Nicht nur BOI versorgt die anderen Planeten mit Energie, auch Rick, Lamm66 und Alex versorgen ihn mit Energie. Eine Beziehung in beide Richtungen.

Besonders hell (Alleinstellungsmerkmale)

Da das hier ein NEXT UP ist, müssen wir uns noch fragen, warum wir gerade diesen Stern aus all den anderen Sternen da oben am Himmel ausgewählt haben.

Allem voran geht seine breit gefächerte Musikalität. BOI EDEN versteht viele musikalischen Sprachen und kann diese für sich umsetzen. Dadurch ist sein Sound schwer einzuordnen und variabel. Dazu spielt seine Musik qualitativ auf einem hohen Niveau.

Ohne sein Team, welches ihm hilft seine Message zu delivern, wäre BOI EDEN nur halb so präsent und auffällig. Die kreative Optik und Herangehensweise an Veröffentlichungen sind ein wesentlicher Teil des Projekts. Unterstützung gibt dem BOI den extra Glow.

Ein weiteres Alleinstellungsmerkmal ist, dass es bei ihm nicht um Bitches, Drugs oder Money geht. Eine Seltenheit im geschäftigen Getriebe der Musikindustrie. Musik, die vom Glauben handelt, kommt ganz anders daher und ist allein dadurch auffällig. Die Art und Weise wie er dann auch noch drüber spricht ist nahbar und relatable. Er besitzt einen grundsätzlichen Optimismus, welcher durch seinen Glauben angetrieben wird und durch jeden seiner Texte klingt. Aber auch seine Ausgeglichenheit, Ruhe und Geduld im Umgang mit Stolpersteinen strahlt. Er hat die Stärke, sich zu etwas zu bekennen, wovon sich viele in der heutigen Welt abgewendet haben. Alles, was aus seinem Glauben entsteht, hilft ihm, er selbst zu sein.

Und weil gut Ding Weile haben will/
Nur auf die Fresse fallen mein Hang zum zu viel einzuatmen stillt/
Erlerne ich Humbleness, Geduld und werde deinen Namen singen/
Und mich waschen an jedem Tag, bis ich mal reiner davon bin

Aber auch er ist ein Stern aus unzähligen im weiten Universum der Musikbranche, in der es sich erst mal zu beweisen gilt. Dazu muss er konstant so weitermachen, wie bisher, sich mit dem ein oder anderen Sonnensystem verbinden und vor allem Glück haben.

BOI EDEN – UMWEG

Vision (Aussicht)

Wir blicken in die Zukunft des Sterns. Egal, was sie bringt, „die Mucke werd‘ ich immer machen, egal unter welchen Umständen.“ Im Moment ist alles gut, wie es ist. Er und seine Mitstreitenden haben Lust, das Ganze auf ein krasseres Level zu heben. „Alles mit der Purheit und Liebe“ wie bisher.

BOI EDEN weiß, dass gesunder Wachstum seine Zeit braucht. Beweist er weiterhin seinen langen Atem, werden ihn vielleicht auch andere Menschen von der Erde aus sehen und gefallen an seiner Musik finden. Wir wünschen: Gute Sicht und blauen Himmel!

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Seine ersten Schritte im Rap unternahm cuffa bereits im Alter von etwa 13 Jahren über Famous Dex und Pi’erre Bourne Type Beats während diverser Freestyle-Sessions mit Freunden. Bald darauf entstanden bereits die ersten Songs. Ein paar Jahre später zog es den Duisburger für ein Auslandsjahr nach Kanada, wo er sich von lyrisch versierten Rappern wie Joey Bada$$ oder MF DOOM inspirieren ließ und ihren Sound für sich entdeckte.

Zurück in Deutschland schloss er sich mit einigen Schulfreunden zum Kollektiv Heatwaves Radio zusammen. Als Band ziehen sie ihre Inspiration aus RnB, Jazz, Soul, Rock und Hip-Hop. Diese vielfältigen Einflüsse bilden die Grundlage für cuffas musikalische Arbeit, bei der Genre-Grenzen eine untergeordnete Rolle spielen.

Warum cuffa das nächste Große Ding sein könnte

cuffas Musik ist so vielseitig, dass sie sich nicht auf eine bestimmte Art festlegen lässt. Mal ist es Cloudrap, mal Boombap. Mal als Rapper allein auf der Bühne und mal mit seiner Band. Nur wenige Künstler bieten ein so breites musikalisches Spektrum wie unser heutiger Next Up-Künstler. Dies spiegelt sich auch in seiner bisher noch jungen Diskographie wider. Seine erste EP »diamondintheruff«, die er 2022 nach seiner Rückkehr aus Kanada aufgenommen hat, kommt mit Pianosamples und klassischen Hip-Hop-Rhythmen daher.

Im Gegensatz dazu überrascht seine »Young Philosophen«-EP, die zu Beginn dieses Jahres veröffentlicht wurde, mit einem moderneren und teilweise experimentellen Sound. Dies gilt auch für seine im Juli erschienene »CC.«-EP. Hier finden sich Ohrwürmer wie »Uber Benz«, gemeinsam mit seiner Kollegin Sevval von Heatwaves, sowie melancholische Trap-Banger wie »Is This Love?«. Demgegenüber steht der Song »Many Mics«, der die Hörer*innen mit Vinyl-Scratches und Hornsamples begrüßt.

cuffa schafft es, eine Balance zwischen gut gerappten Texten und eingängigen Melodien zu finden. Er zeigt, dass man sich nicht auf einen bestimmten Stil festlegen muss, um qualitativ hochwertige Songs zu produzieren. Während sich selbst gestandene Artists oft zwischen verschiedenen Subgenres verlieren können, gelingt es cuffa als Newcomer so gut wie immer on-point zum Beat zu performen.

Auch inhaltlich hat cuffa viel zu bieten, und das besonders beachtlich, wenn man sein Alter bedenkt. Besonders beeindruckend ist sein äußerst reflektierender Song »Traumfänger«, in dem er sich mit seinen Ängsten und Sorgen auseinandersetzt, ohne dabei theatralisch zu wirken. Dennoch überzeugt er auch auf einem Spaß- und Partytrack wie »Seasick«, bei dem er neben Kollege Sujuk auf einem Korkens Beat glänzt.

Das ist das Gefühl, wenn der siebte Verwandte nebenbei fragt: “Mein Junge, was hast du eigentlich so für dein Leben geplant?”

cuffa – Traumfänger

Neben seiner Vielseitigkeit scheint es cuffa nicht an Motivation zu mangeln. Im Laufe dieses Jahres hat er insgesamt 12 Singles und 2 EPs veröffentlicht, und eine weitere EP steht in den Startlöchern.

Für kommendes Jahr stehen auch gemeinsame Veröffentlichungen mit dem Produzenten HTN auf dem Programm, der bereits mit Künstlern wie Eloquent oder John Known zusammengearbeitet hat. In dieser Partnerschaft sind bereits im Frühjahr zwei Songs entstanden, darunter »BARES4RARES« in Zusammenarbeit mit John Known und »Ritter Lean Freestyle« mit Duisburger Compadre Miliö, beide produziert von HTN. In welche Richtung es danach gehen soll, lässt der junge Rapper aus dem Ruhrgebiet erst einmal offen. Somit bleibt es spannend, die weitere Entwicklung dieses talentierten Künstlers zu verfolgen.

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Musik irgendwo zwischen Sommer in Berlin und »Das Schloss im Himmel«. Auf ihrer neuen EP »AMORE HARDTUNE« schafft 3LNA es mit ihrer Produktion und ihren Texten ein futuristisches Klangbild zu kreieren, das zugleich nostalgische Gefühle an vergangene Liebe wach werden lässt.

Erst im Februar diesen Jahres veröffentlichte die Newcomerin aus Berlin ihre erste offizielle Single »kann nicht schlafen (ich lieg wach)«, eine melancholische Ballade, die mit ihrer dumpfen Kick, den hypnotisierenden Synths und den simplen, sich wiederholenden Lyrics, das betäubende Gefühl des Verliebtseins perfekt transportiert. Die Einflüsse der Soundcloud/New Wave sind in 3LNA‘s musikalischen Schaffen deutlich spürbar – Eine Wave, die maßgeblich von Yung Hurn ins Rollen gebracht wurde. Repetitive Hooks auf elektronischen Beats, die immer und immer wieder wiederholt werden und die Hörer*innen in eine Art Trancezustand versetzen. Man erinnere sich an Yung Hurns Song »Popo« aus dem Jahr 2017. So stumpf, dass es schon wieder gut ist.

Das genau diese Art von Musik den Nerv der aktuellen Zeit trifft, haben Viko63 und Penglord, für deren Tour 3LNA als Support Act aufgetreten ist, mit ihrem viralen Hit »Mucho Gusto« erst kürzlich wieder unter Beweis gestellt.

Es geht bei 3LNA, ähnlich wie beim Rest der Soundcloud Generation, nicht um das technisch saubere Rappen oder Singen. Vielmehr liegt im Imperfekten die Perfektion – das Gefühl eines unfertigen, skizzenhaften Songs, der den Produktionsprozess wunderbar widerspiegelt. Keine High End Produktion im Studio eines Majors, sondern zuhause, in der WG am Laptop mit Ableton und einem Mic werden Emotionen ungefiltert und frei heraus auf Liedern vermittelt. Das sorgt für Nahbarkeit, ehrliche Transparenz, Authentizität und Identifikationsfläche bei den Hörer*innen.

3LNA’s Texte sind persönlich, aber nicht privat. Einblick in ihre Gefühle und Gedanken festgehalten in Strophen wie Tagebucheinträge, vor denen sie nicht scheut, ihre Hörer*innen zu fordern, an die Hand zu nehmen und vielleicht auch ein bisschen zu schubsen. Aufnahmen in denen die Sehnsucht nach einer bestimmten Person besungen und in Erinnerungen an die gemeinsam verbrachten Momente geschwelgt wird. Vom gemeinsamen Herumtreiben, auf dem Gepäckträger um die Häuser ziehen, bis hin zur kollektiven Fahrt in den Supermarkt. Es ist irrelevant wohin es geht oder was passieren wird, solange die richtige Begleitung an ihrer Seite ist.

70 km/h, blaue Gauloises im Handschuhfach/
Und wir hören dasselbe Tape nochmal, auf dem Weg zum Supermarkt

A24 (für einen Freund)

Die Produktionen auf ihrer letzte Woche Freitag erschienenen zweiten EP »AMORE HARDTUNE« stammt von Text bis Beat komplett aus eigener Feder und trägt eine unverwechselbare Handschrift: Sanfte Synth Melodien treffen auf Drum’n’Bass Elemente und kreieren einen Raum im Zeitgeist und der Ästhetik der 80er – insbesondere weckt es Erinnerungen an japanische Animes aus dieser Zeit. Wie so viele ist auch 3LNA aufgewachsen mit der speziell von Manga und Anime geprägten Popkultur und einer Wertschätzung für diese kulturellen Einflüsse, worauf auch der Titel des Introtracks »Akira« schließen lässt.

Ähnlich wie in den Filmen, gelingt es der jungen Künstlerin mit ihrem Soundbild eine neue, futuristische doch im gleichen Maße retro-anmutende Klangwelt zu erschaffen, die wie ein imaginärer Zufluchtsort wirkt.

Uns hält nichts mehr ab, uns hält nichts mehr an/
Fahren geradeaus Richtung irgendwo und irgendwann

Cabrio

Doch die Nichterfüllung dieses illusionären Rückzugsorts scheint wie ihre flüchtigen Momentaufnahmen auf den ersten Blick unglaublich profan jedoch nie trivial zu sein. So erzählt 3LNA auf ihrer EP zwar eine mit vielen Details gespickte (Liebes-)Geschichte, in der alle 7 Songs nahtlos ineinander übergehen, doch werden ihre Avancen am Ende dem mangelnden Handyempfang zum Verhängnis.

Baby ich hab dich nicht ignoriert, hab nur E-Netz auf meinem iPhone, das nicht funktioniert

Kein Empfang (es tut mir leid)

Ohne vernünftige Kommunikation endet eben selbst die schönste Liebesgeschichte irgendwann in Funkstille.

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Filu, ein ambitionierter Rapper aus Dresden, muss sein Handwerk ganz offensichtlich verstehen, wenn er es nicht nur schafft, einen Untergrund-Routinier wie Harry K auf seinen Song zu locken, sondern ihm auf diesem Song dann auch noch in nichts nachzustehen. Mit hypnotisierender Melodieführung, dem etwas unorthodoxen Songaufbau und einem natürlichen Gefühl für den Beat erschafft Filu einen musikalischen Raum, in dem sich sein bayerischer Feature-Part ebenso entfalten kann wie er selbst.

Dabei hat er gerade erst Anfang 2020 begonnen Musik auf Spotify zu releasen und bis dato noch keine großen Streamingzahlen vorzuweisen. »Gold« ist der einzige Song über der 100.000er Hürde. Sein bisheriger Output ist dennoch mindestens schon mal quantitativ beachtlich. Bereits zwei Alben und diverse Singles finden sich in seiner Diskografie, das dritte steht in den Startlöchern. Verfolgt man die musikalische Entwicklung in diesem vergleichsweise kurzen Zeitraum, bemerkt man eine spannende Veränderung. Wirkte er auf früheren Releases wie dem auf dem Juice Youtube Kanal veröffentlichten »Wird schon gehen« noch teilweise, wenn auch voller Energie, etwas verkrampft und hektisch, sprühen die jüngsten Veröffentlichungen förmlich vor Routine und professioneller Gelassenheit. Die Energie hat er dabei keineswegs verloren, vielmehr scheint er mit einem gesunden künstlerischem Selbstbewusstsein im Rücken und Mut zum Experimentieren seinen Sound gefunden zu haben – man könnte sogar sagen, er hat einen regelrechten Lauf, was die Single-Veröffentlichungen angeht. 2022 reiht er in unregelmäßigem Rhythmus Hit an Hit und facht damit die Erwartungen an sein kommendes Album mehr und mehr an.

Die angesprochene Routine findet sich sowohl in der Art wie er textet als auch in den immer wieder aufs neue eingängigen Melodien, die er findet, sowie den vielfältigen Beats, auf denen er mühelos funktioniert. Dieses Potenzial schimmerte auch in seinen früheren Releases an vielen Stellen durch, nur scheint sein Selbstverständnis heute ein anderes, gefestigteres zu sein.

Beispielhaft soll dennoch ein Juwel aus seinem zweiten Album nicht unerwähnt bleiben: »Bahamas«, ein Song über falsche Versprechungen und tropische Inseln, ist gleich auf zwei Arten typisch für Filus Sound. Im Kern steht der inhaltliche Kontrast zwischen sonniger Südsee und schmerzhaften Erinnerungen. Dieser wird aufgearbeitet in einem auffallenden textlichen Perfektionismus. Da quetscht sich keine Silbe zu viel in eine Line, kein Reim bleibt unaufgelöst – Zeile nach Zeile fließt in Harmonie von der Melodie getragen wellenartig über den Beat.

Die Art, wie er rappt, wie er Rap und Gesang kombiniert und auf welche Weise er bestimmte Themen und Gefühlswelten in seinen Texten verarbeitet, lässt intuitiv einige Assoziationen aufkommen. Zum Beispiel Vielfalt und Attitude von Sierra Kidd oder die Sinnkrisen von Harry Quintana und Paula Hartmann fusioniert mit der Wärme von Makko oder Jay Pop. Zwei Künstler aus dieser Aufzählung durfte Filu bereits als Featuregäste begrüßen, alle finden sich in seiner Spotify-Playlist. Wer weiß, wann das nächste Mal aus Inspiration Kollaboration resultiert…

In jedem Fall ist es die Arbeit mit Kontrasten, wie er die zwei Schlüsselfacetten seiner Musikalität zu verknüpfen weiß, dabei Text und Musik organisch gegeneinander ausspielt, die einen tiefen Reiz erzeugt. Denn irgendwie weiß man manchmal gar nicht, welche Emotion genau ausgelöst werden möchte. Ist es kanalisierter Frust, nostalgische Wehmut oder doch die milde Zufriedenheit, die man erfährt, wenn man sich mit schwierigen Gegebenheiten einfach abzufinden weiß? Vor allem der letzte Aspekt kommt immer wieder zum Tragen. Als perfektes Beispiel bietet sich hier die jüngste Single »Beschissenes Leben« an. Wie der Titel leicht verrät, besingt Filu ein sehr negatives Abbild seiner Wirklichkeit. Gleichzeitig möchte er aus den schlechten Umständen dennoch das beste machen. Im ersten Schritt beginnt er deshalb trübsinnige Szenen mit Humor zu verzieren,

Und ich lache wenn die ganze Stadt verbrennt, ich hab ihr doch mein Feuerzeug gegeben

Filu auf Beschissenes Leben

im zweiten verfliegt die Schwermut auf einer catchy Melodie. Vielleicht ist es dann doch kein Widerspruch, die Welt zu verabscheuen und trotzdem durch das Leben tanzen zu wollen. Schönheit im alten ostdeutschen Innenhof zu finden, Liebe in einem “beschissenen” Leben.

(…) Mein Bruder sagt: “Denk doch nochmal zurück, wie die Sonne aufgeht überm alten Innenhof von Wohnkomplex Zwei“

Filu auf Wie die Sonne aufgeht feat. Jay Pop

Filu weiß also ebenso mit Worten, wie mit Kontrasten umzugehen. Seine düsteren Texte, die etwas verbissene Art, wie er den Beat mit seinen Flows attackiert und die immer präsente Melancholie werden zuweilen durchbrochen von tanzbaren Beats und einer Kopfstimme, die schwebend leicht Melodiesprünge vollführt und dabei präzise unter die Haut geht.

So erschafft er einen Sound, der in vielen Facetten funktioniert, vor allem aber prädestiniert ist für die kommenden kalten Monate. Dessen ist er sich selbst bewusst, nicht ohne Grund hat er sein nächstes Album für die dunkle Jahreszeit angekündigt. Die Ankündigung leitet er auf Instagram wie folgt ein: “War ja ganz schön mit Party und Meer (…) aber jetzt ist Herbst und das bedeutet TRÜBSAL BLASEN.”

Vielleicht gibt es also doch noch Gründe, sich mit dem Ende des Sommers anzufreunden, oder zumindest, ganz im Stile Filus, das Beste draus zu machen.

Der Beitrag Filu – Gold im Innenhof erschien zuerst auf Mostdope.

Jener muss zweifelsfrei stark ausgeprägt sein, denn Levin Liams Kunst ist im Endprodukt stets pure Ästhetik. Schaut man sich eins seiner Musikvideos an, folgt man seiner Mimik, der Storyline die ohne jegliche Dialoge, nur durch die Musik und geschickt eingefangene Bilder transportiert wird, könnte man leicht denken, es handele sich nicht um das Musikvideo eines Newcomers, sondern um einen Arthouse-Film. Das kommt nicht von ungefähr. Denn Levin ist nicht nur Sänger und Produzent sondern auch Schauspieler – ein echtes Multitalent also und förmlich gemacht für die große Bühne.

Erstmals einem größeren Publikum präsentierte er sich mit der Veröffentlichung seiner Debüt-EP »For Myself« Anfang des letzten Jahres und der dazugehörigen visuellen Untermalung in Form eines extra dafür konzipierten Kurzfilms. Diese EP eingeschlossen hatte der Hamburger bis dato ausschließlich auf englisch released.

Nach einigen „Leaks” auf Youtube kam nun der offizielle Switch. Aus Liam Levin wurde Levin Liam und die erste deutsche Single auf Streaming-Plattformen ist mit »Keine Geduld« seit letztem Freitag überall hörbar.

In den Startlöchern steht zudem bereits das deutschsprachige Debüt-Tape »Levin Liam Leaks«, das allerdings in vollständiger Form nur streng limitiert und physisch erhältlich sein wird. Eine Tatsache die zum einen fehlenden Urheberrechten für verwendete Samples geschuldet ist, zum anderen aber auch wunderbar zum Gesamtwerk Levin Liam passt. Sein Gespür für Stil und Zeitgeist, die Videos in Retro-Aufmachung mit verwackelten Analog-Aufnahmen, 4:3-Format und Fisheye-Optik. All das verlangt geradezu nach einer besonderen Form der Veröffentlichung, die wie er selber sagt, als Alternative zu „fast consumable Playlist-Musik” verstanden werden darf.

Fast consumable Playlist-Musik macht Levin Liam also allein schon wegen seiner unkonventionellen Form des Outputs ganz bewusst nicht. Dennoch ist eine gewisse Massentauglichkeit in seinem Sound nicht zu übersehen. Das ist Rap, der keine Angst hat Pop zu sein, mit Soul in der Stimme und Indie-Ästhetik. Hinzu kommen authentische Botschaften und introspektive Zeilen im Stile eines Tagebucheintrags, die er geschmeidig ineinander überfließen lässt. 

Ich bin nicht mehr empfänglich für so Phrasen, hör ich etwas ständig, hat es wenig Bedeutung.

Levin Liam auf Video Games Freestyle

Stimme, Flow, Beats – hier stammt alles aus einer Feder und das spürt man. Levin Liam erzeugt eine angenehm organische Klangwelt, deren Melodien sich im Ohr festsetzen und zum Mitsingen auffordern.

In seinen Musikvideos sieht man den 22-Jährigen zumeist scheinbar ziellos vor schönen Landschaften oder verloren in der Großstadt, nicht selten geht gerade die Sonne unter. Genau so fühlt sich seine Musik an. Wie suchen ohne finden zu müssen, wie Urlaub machen und sich „einfach treiben lassen”, wie im Park liegen oder mit einem Bier zum Strand schlendern. Von den Samples und Beats bis zu Texten und Delivery. Levin Liam steht für Leichtigkeit, für lockere Lebensweisheiten, Liebe zum Detail und laue Sommerabende. Aber nicht für die Art von Leichtigkeit, bei der jeglicher Bezug zur Realität am Horizont verloren geht. So schön die Szenen sein mögen, die Levin und Creative Director Jan Mahnke in den bisherigen Musikvideos einfangen, sie sind nie glatt geschliffen, nicht durch die rosarote Brille betrachtet.

Und ich hab weniger Panik zurzeit, auch wenn wenig nicht gar nicht mehr heißt…

Levin Liam auf Worte

So lässt Levin von Zeit zu Zeit durchschimmern, womit er bei aller Verzeihlichkeit und Hoffnung noch immer zu kämpfen hat. Seine Musik zu hören, heißt Teil seiner Reise zu werden. Diffuse Rückblicke, neue Erkenntnisse, alte Zweifel und überfällige Geständnisse neben mutigen Prognosen auf dem Weg zur Selbstfindung. An vielen Stellen scheint Levin sich schon gefunden zu haben, doch er ist noch längst nicht am Ziel.

Und ich weiß, bevor ich sterb’, lass ich noch Leute von mir hören, so viel ist sicher.

Levin Liam auf Video Games Freestyle

Es bleibt spannend, ihn auf dieser Reise zu verfolgen und es lohnt sich in jedem Fall neben Hingabe für versteckte Details auch ein bisschen Geduld mitzubringen.

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Ich liebe Dates doch Ich rede von Datteln

Wa22ermann auf Salsa

Mit ihrer ersten Singles »Salsa« im November letzten Jahres landete die junge Berlinerin direkt einen Banger, dessen Hook einem so schnell nicht aus dem Kopf geht. „Das Leben dreht sich nicht um dich, auch nicht um mich nur sich im Kreis/ Also tanz ich aus der Reihe, tanze Salsa ganz alleine“ Begleitet von dreckigen 808s macht sie den Hatern klar, dass sie sich für niemanden verstellen und weiterhin ihr Ding durchziehen wird. 

Auf dem Nachfolger „Graue Wolken“ stellt sie ihre künstlerische Vielfältigkeit unter Beweis.
Getragen vom träumerischem Instrumental, produziert von Ello, aus dem Berliner Kollektiv Bipolar nimmt Wa22ermann ihre Zuhörer*innen mit auf eine Reise durch die kalten Winternächte Kreuzbergs, in denen das „grüne Gift“ in ihrer Hand und die Fam an ihrer Seite ihr Wärme spenden. 

Mit »Bombermann« stellt sie die Weichen dann wieder auf Angriff. Ohne Rücksicht auf Verluste, fegt sie Punchline nach Punchline über den Beat und lädt Köpfe zum Nicken ein. Sie hat kein Bock auf Schickimicki-Lifestyle, flext in ihrem Video mit Track Pants und zieht das Nan Brot Essen mit den Händen der teuren Sterneküche vor. 

Das Kanakenpolitik, pack dein Geld jetzt besser weg/
Wir essen Nan mit den Händen also weg mit dem Besteck.

Wa22ermann auf Bombermann

Auch wenn sie thematisch das Rad nicht neu erfindet, schafft sie es dennoch durch kreative Vergleiche und selbstbewusste Attitüde der Musik ihren eigenen Stempel aufzudrücken. »Bombermann« wirkt wie der Startschuss in ein Jahr, in dem man noch so einiges von Wa22ermann zu hören bekommen wird. Die Messlatte hat sie bereits jetzt schon sehr hoch gelegt. Game on. Aquarius SZN is now.

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Mein sozialer Kontakt ist gerade kälter als Antarktis.

JPD auf Allein

Lange war es still geblieben um den jungen Wahlleipziger JPD, dessen letztes Release bereits über zwei Jahre zurückliegt. Mit seinen zwei Single-Auskopplungen »OH BOY« und »HIMMELBLAU« meldet er sich jedoch fulminant zurück.

»OH BOY« ist eine musikalische Selbsttherapie, in der er seine von dem Streben nach Anerkennung bei den „großen Jungs“ geprägte Kindheit reflektiert und sein jüngeres Ich schützend und ermutigend in den Arm nimmt.

Genau so „sozialisiert wie der Typ, der die die Fresse poliert“ und ohne väterliche Bezugsperson, fiel es ihm lange Zeit schwer, sich so zu akzeptieren wie er ist und sich von konventionellen und längst überholten Männlichkeitsbildern zu befreien. 

Während das Zeigen von Gefühlen früher noch ein Zeichen für Schwäche darstellte, zieht er aus dieser vermeintlichen Schwachstelle heute neue Stärke und fungiert damit nicht nur für sein früheres Ich, sondern für eine ganze Generation junger Männer, die unter dem Druck des Patriarchats leiden, als empowerendes Sprachrohr.

Lackier die Nägel in den schillerndsten Farben, du kannst alles tragen, egal was die anderen sagen.

JPD auf OH BOY

Noch schillernder als seine lackierten Nägel glänzt auf »Feelings« nur JPD’s bisher experimentellste Produktion gepaart mit seinen ohrwurmtriggernden Toplines, wie auf »Himmelblau«. Gemeinsam mit seinem Producer Bruce T. wurde die EP im LADEN, seinem eigenen kleinen kreativen Raum in Leipzig aufgenommen. Zwischen unerwarteten Beatbox Einlagen auf dem Titelsong »Feelings« bis hin zur hochgepitchen Stimme á la Frank Ocean bahnt sich JPD mit spielender Leichtigkeit den Weg durch die schweren, unbequemen Themen des Lebens und zeigt dabei keinerlei Befangenheit sich zu öffnen und im selben Zug seine Gefühle nach außen zu kehren. 

In der Auseinandersetzung mit sich selbst spricht er über das Alleinsein in einem Raum voller Menschen, über das Schuldbewusstsein und der Scham vor sich selbst wie auch dem Eingeständnis seiner eigenen Privilegien: Immer mehr zu wollen und nicht zufrieden sein, obwohl man doch eigentlich alles hat, was man braucht.

Ich hab an einem Tag so viele Privilegien, wie andere in ihrem ganzen Leben. Und muss mich dafür nicht mal bewegen.

JPD auf Himmelblau

»Feelings« ist ein musikalisches Resümee der letzten zwei Jahre, das mit Sicherheit vielen ein Stück weit aus der Seele spricht und diese gleichzeitig mit ihren wunderschönen Melodien heilt. Die einzige Kritik, die hier zu üben ist, ist die Länge, beziehungsweise Kürze des Projekts. Am liebsten würde man JPD nämlich noch viel länger zuhören. Aber das Jahr ist ja noch lang und mit dem Release zeigt er, dass seine Geschichte noch lange nicht auserzählt ist. 

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Bekomme Platzangst im Orbit deiner Tragweite, (…)
Herz in deiner Hand, Torso auf den Bahngleisen

YRRRE auf Dilemma

Beißende Pulver aus Stress und Depressionen, Motivationslosigkeit und Selbstzweifeln vermischt YRRRE mit feinen Prisen Ironie, Träumerei und zauberhafter Bildlichkeit. Aus Gedankenfäden spinnt er Traumfänger, die den Staub der Außenwelt filtern und im Schlechten einzigartige Schönheit finden. 

„Und diese Jungs da draußen schreiben wieder Verse, die es alle schon gab” – stichelte YRRRE noch auf seinem Debütalbum 2018. Wie wenig er sich an besagten „Jungs“ auch vier Jahre später ein Beispiel nimmt, beweist er nun auf Feinstaub in Perfektion – mit Zeilen so unorthodox, assoziativ und bildgewaltig wie sie wohl keiner außer ihm selbst zu schreiben vermag.

Habe kurz vor der Flut meine Badesachen verschenkt, doch eventuell wird noch etwas nach Maß für mich angeschwemmt.

YRRRE auf Ellenbogen

Paradoxerweise beherrscht er, während er eingekerkert in Kontrollverlust und Platzangst „darauf wartet, dass Streitereien sich von selbst klären” und sich „[fühlt] wie eine Wasserleiche“, das märchenhafte musikalische Abbild seines Alltags so sicher und mühelos wie kein Zweiter.

Getragen wird YRRRE dabei von einem facettenreich verwobenen Klangteppich, der in seiner ganzen Breite zum Schweben einlädt und zugleich gezeichnet ist von genug Schwere, um den Boden der Tatsachen nicht aus den Augen zu verlieren. YRRRE und Produzent Cap Kendricks hinterlassen den Eindruck eines gut eingespielten Teams mit klarer, geteilter Vision.

So wirkt »Feinstaub« als Gesamtwerk dermaßen in sich geschlossen, dass man teilweise kaum mitbekommt, wann ein Song aufhört und wann der nächste beginnt. Um dabei nicht in der Schwere zu versinken und den dicken Klangteppich hier und da zu durchbrechen, bevor er generisch zu werden droht, flechten YRRRE und Cap Kendricks geschickt Features und instrumentale Überraschungen ein. Auf »Ellenbogen« zum Beispiel wird man ganz plötzlich von Garage-Punk-Sounds wachgerüttelt und in der Bridge auf »Laufmaschen« mit verspielten Synthies in Trance versetzt.

Insgesamt nimmt der Wahlleipziger in seinen Songs zumeist ganz locker das Tempo raus. Gemütliche Melodien schmiegen sich an warme Beats und erzeugen ein wohliges Gefühl, während YRRRE mit seinen Zeilen müde lächelnd Schlag für Schlag in die Magengrube verteilt. Da ist keine Spur von Hektik, von peitschenden Drums oder mechanischer Massenabfertigung. Stattdessen wird deutlich spürbar, wie akribisch YRRRE Schmerz und Liebe in seine Texte steckt und sich förmlich einzuhüllen scheint, in die Soundwelt, die er erzeugt. Beim Hören fühlt man sich, als könnte man für einen Moment Teil seines Lebens werden, denn YRRREs Begabung präzise die banalsten Situationen aus seinem Alltag zu greifen und filigran seine Emotionen darin zu verweben, macht es spielend leicht, sich in ihn hineinzuversetzen und sich wiederzufinden in Gedanken und Sorgen, die er teilt. 

Sendung liegt beim Nachbarn bis er Drohbriefe schreibt

YRRRE auf 40mg

YRRREs trockener Humor brilliert dabei in bizarren Beschreibungen und lockert die trübe Grundstimmung seiner Texte an vielen Stellen auf, wenn auch häufig mit einem bitteren Beigeschmack.

Äußere im Kokstaxi Musikwünsche, zieh’ die Scheiße hoch als wären’s Kniestrümpfe

YRRRE im Ziplock Interlude

Wie tief die Abgründe sind, die YRRRE zu verarbeiten hat, wird nicht zuletzt in immer wiederkehrenden Flucht- und Betäubungsszenarien deutlich. Von Zigaretten und Alkohol über Koks und Binge-Watching bis zum Boot mit dessen Hilfe er sein Gewissen auf dem Meeresgrund versenken möchte. YRRRE scheint ständig vor der Realität fliehen zu wollen und entscheidet sich schlussendlich doch für Angriff, indem er gnadenlos den Irrsinn seines Alltags aufdeckt, um die Kontrolle über seine Gedanken zurückzugewinnen und Frieden in Texten und Musik zu finden.

So schafft YRRRE es, aus purer Antriebslosigkeit schüchternen Mut, aus ehrlicher Schwäche erste Kraft und aus Traurigkeit endlich Hoffnung zu ziehen.

Wenn er den eingestaubten Trott mit seiner taumelnden Stimme in den abwegigsten und schönsten Vergleichen beschreibt, beginnen Alltags-Banalitäten zu glitzern und am Ende ist es dieser Zauber im Simplen und Schlechten, der Feinstaub wie Feenstaub erscheinen lässt und YRRREs zweites Album zu einem rundum magischen Erlebnis macht, das ihn in einer fairen Welt endgültig vom Newcomerstatus lösen müsste.

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