Clipse – Ace Trumpets

Nicht länger nur Teil unserer Wunschliste (zum Artikel geht es hier), mit TBA als Datum, sondern endlich etwas Festes mit Hand und Fuß: Clipse sind offiziell zurück mit der Single »Ace Trumpets« und einem Releasedatum für ihr kommendes Album »LET GOD SORT EM OUT«.
Das neue Projekt ist das erste Album der Brüder seit sechzehn Jahren und soll schon am 11. Juli dieses Jahres erscheinen. Neben Solo-Projekten von Pusha T und Malice sind die beiden zwar immer mal wieder auf Singles zusammengekommen – wie auf Nigos letztem Projekt »I Know NIGO!« und Pushas letztem Album »It’s Almost Dry« –, aber das fühlte sich immer wie ein fieser Teaser an, um zu zeigen, dass Clipse nicht vorbei sind.

Noch spektakulärer an dem Comeback sind aber die Umstände: »LET GOD SORT EM OUT« wurde in den Louis-Vuitton-Headquarters in Paris aufgenommen – kein Wunder, wenn Pharrell als exklusiver Producer dient. Alles andere wäre aber auch blasphemisch gewesen.
Ein weiteres Easter Egg ist die Veröffentlichung, die in Zusammenarbeit mit JAY-Zs Label Roc Nation stattfindet. Luxuriöser könnte es nicht sein – fühlt sich nach der langen Zeit aber mehr als passend an.
Und wie hört sich »Ace Trumpets« nach den ganzen Fanfaren nun an? Nach Pharrell und Pusha, aber mit Malice im Bunde ist es halt doch Clipse. Nicht unbedingt schlecht, aber doch erstaunlich ruhig für ein Comeback dieser Art. Wir sind gespannt, was der Rest des Albums bringt.

Kate Nash – GERM

Eines der wohl wichtigsten Lieder der Woche kommt aus den UK, von der Künstlerin Kate Nash. Dass Kate Nash sich den Mund nicht verbieten lässt und ein Rückgrat aus Stahl hat, sollten Fans wissen. Beweisen tut sie es mit dem neuen Song »GERM«, der ein sehr starkes politisches Statement gegen die jüngsten Entscheidungen in den UK in Bezug auf Trans*-Rechte ist.
Hinter der angeblich feministischen Bewegung, die trans* Frauen ausschließt und diskriminiert, stecken aber nicht nur cis Männer, sondern auch cis Frauen wie J.K. Rowling, die ihr Geld nutzen, um aktiv die Rechte von trans* Menschen aufzulösen – unter dem Deckmantel, damit feministisch zu sein und Frauenrechte zu schützen. Feminismus bedeutet allerdings nicht, die Rechte anderer aufzuheben – wie bereits fatale Fehler der Vergangenheit gezeigt haben. Kate Nash spricht all diese Argumente in »GERM« an und schmettert sie direkt nieder.

Die Wahrheit ist, dass trans* Menschen einen so geringen Bruchteil der Gesellschaft ausmachen, dass sie keine Bedrohung für irgendwen darstellen. Bewegungen von J.K. Rowling, Donald Trump und der AfD führen jedoch dazu, dass sie nicht nur weniger Rechte und damit weniger Schutz haben, sondern dass die Gewalt gegen sie ansteigt.
Die wahre Bedrohung für Frauen kommt aber nicht aus der LGBTQIA+-Community, sondern von Männern – und das sind Fakten, die mit tatsächlichen Zahlen belegt werden können.
Applaus und Danke an Kate Nash in der Hoffnung, dass sich mehr Menschen mit der Thematik auseinandersetzen und für Trans*-Rechte genauso einstehen, wie sie es für ihre eigenen tun würden.

“Using feminism to erase the rights of others and endanger them is inherently un-feminist / In my opinion it is the responsibility of a feminist to be progressive To learn from previous waves but to always be pushing towards a new one / Feminism must be intersectional, it must never be used to discriminate against others / Feminism must not be used to bully and berate both cis women and trans people / So let’s start labelling things correctly, shall we? / These types of behaviors are transphobia and misogyny / You are not defending or protecting me.”

Kate Nash »GERM«

Ovrkast. – While The Iron Is Hot

Zum Abschluss noch ein Album des Oakland-Artists ovrkast.: Sein neues Album heißt »While The Iron Is Hot« und sollte sowohl Fans von guten Lyrics als auch von guten Beats gefallen. Der Rapper und Producer hat das Projekt komplett selbst produziert und kombiniert gekonnt Samples von Instrumentals mit spannenden Twists und jazzigen Einlagen, die niemals öde, sondern immer interessant sind.
Zudem sind noch ein paar unserer Lieblings Künstler*innen wie Samara Cyn, Saba und Vince Staples als Features zu hören. Insgesamt ein sehr gelungenes Album, das man sich entspannt im Ganzen geben sollte.

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Nach »Man Made« ist es das zweite Album von Greentea Peng und deutlich düsterer – ihrer Spiritualität bleibt sie jedoch treu. Auf »Tell Dem It’s Sunny« wird schonungslos über die eigenen Fehler und Verluste reflektiert – allerdings mit einem Hoffnungs-schimmer, denn all das gehört zur menschlichen Veränderung. Für uns ein wahnsinnig spannendes Album, das nicht nur emotionalen, sondern vor allem auch großen künstlerischen Wachstum bei Greentea Peng zeigt. Wir sind extrem froh, dass wir die Gelegenheit hatten, uns via Zoom persönlich mit der Künstlerin über diese Reise zu unterhalten.

Zunächst einmal: Herzlichen Glückwunsch zu deinem neuen Album. Wie fühlst du dich jetzt wo die Veröffentlichung endlich da ist?

Ich bin aufgeregt. Ich bin bereit. Ich bin bereit, mich fallen zu lassen. Es war lange in der Mache, und es ist schön zu sehen, dass es endlich Wirklichkeit wird.

Sehr schön. Das Album ist großartig. Ich finde, dass du deinen einzigartigen Stil beibehalten hast, aber es fühlt sich auch so an, als hättest du deinen Sound noch weiter entwickelt, wie ein neues Kapitel. Und wenn wir uns die Credits dieses Albums ansehen, scheinst du viel mehr in die Produktion involviert zu sein, da du bei einigen Songs auch Bass gespielt hast. War die Entstehung von »Tell Dem It’s Sunny« anders als bei »Man Made« und den Projekten davor?

Es war definitiv ganz anders als »Man Made«. Es war viel sporadischer und verteilte sich über einen längeren Zeitraum. Außerdem bin ich einfach ein ganz anderer Mensch, seit das Album herauskam. Ja, es ist ganz anders als die früheren Projekte, aber ich habe auch das Gefühl, dass es sich in der gleichen Sphäre befindet. Ich habe nicht das Gefühl, dass es ein großer Sprung in etwas anderes ist. Aber wie du schon sagtest, ist es in gewisser Weise eine natürliche Entwicklung.

Und ich hoffe, dass ich mich als Mensch und als Künstlerin immer weiter entwickeln kann. Also ja, ich bin froh über dieses Feedback. Ich danke dir. Und ja, ich schätze, ich war klanglich viel stärker involviert, auch wenn ich keine Instrumente spielte. Ich war sozusagen im Raum und diktierte, wie sich die Sonics anfühlen und bewegen sollten, weißt du? Das war cool. Und ich glaube, das wird in Zukunft immer häufiger der Fall sein.

Das ist gut zu hören. Und ich finde, dass das ganze Projekt generell ein anderes Gefühl vermittelt. Ich will nicht zu klischeehaft klingen, wenn ich sage, dass es sich ein bisschen “düsterer” anfühlt, weil du schon immer sehr politisch und sehr offen warst. Aber neben deiner persönlichen Reflexion auf diesem Album gibt es auch eine Art “die Schnauze voll haben”, würde ich sagen, vom Status Quo. Zum Beispiel auf »Tardis (the hardest)«, wenn das Sinn macht?

Ja, das habe ich gehört. Ich schätze, ich habe mich in diesem Album mit punkigeren und dunkleren Aspekten von mir selbst beschäftigt. Ich war in der Lage, ich meine, es gibt viele Sonics, also gibt es viele verschiedene Sounds. Ich denke, dass ich in diesem Album verschiedene Aspekte meiner Persönlichkeit sehr gut herausarbeiten konnte, was sehr schön ist. Aber ja, ich denke, es gibt immer einen Unterton von Melancholie oder, ich weiß nicht, ich denke, es gibt ein wenig Wut in diesem Album, aber nicht zu viel. Ich glaube, ich habe es geschafft, es einigermaßen zu verpacken.

Ja, es gibt ein gutes Gleichgewicht, würde ich sagen.

Ja, es ist ein Gleichgewicht. »Tardis« ist ein sehr selbstbewusster und selbstsicherer Song. Ich schätze, da sind Elemente von “die Schnauze voll haben” drin. Ja, das ist schon seltsam. Es ist nicht so offenkundig politisch wie »Man Made« es als Projekt war. Es ist eher Selbstpolitisch. So beschreibe ich es gerne. Aber ja, es gibt viele Themen und ja, ich habe die Rückmeldung gehört, dass es viel düsterer ist, sogar das Artwork ist, du weißt schon, schwarz-weiß und so. Ich denke, dass ich diese launische Version von mir in diesem Projekt geehrt habe.

Und auf »Nowhere Man« sprichst du davon, dass du keinen konkreten Plan hast, es fühlt sich an wie eine moderne Version des Beatles-Songs, den du im Refrain zitierst

Ist da ein Beatles Referenz drin? Ich höre mir die Beatles nicht wirklich an.

Ja, sehr sogar (lacht)

Wirklich? Wie das?

Der Beatles-Song »Nowhere Man«, in deinem Refrain wirkt es als hättest du eine moderne Version des Liedes geschaffen. Ich war wirklich begeistert davon. Aber wenn es nicht so ist (lacht)

Das ist so lustig (lacht).

Ja, nein, ich habe mich nie wirklich mit den Beatles beschäftigt. Das ist verrückt, denn es gab auch eine Anspielung auf Roots Manuva, die ich gar nicht kannte, weil ich den Song gemacht habe. Aber ja, »Nowhere Man« ist für mich eher ein Gespräch darüber mixed race zu sein oder ein gemischtes Erbe zu besitzen. Es geht um meine Erfahrung, mixed race zu sein und nicht wirklich zu wissen, wo ich herkomme. Physisch und technisch gesehen bin ich natürlich aus London, aber ich passe nicht in diese Art von Vorstellung, die Vorstellung, dass ich von nirgendwo herkomme, aber eigentlich, scheiß drauf, ich bin von überall her und behaupte das. Das ist es also, worum es in diesem Lied geht. Aber das ist so witzig, dass die Beatles einen Song namens Nowhere Man haben. Ich werde mir das anhören müssen (lacht).

Es ist lustig, dein Refrain ist wirklich mit dem alten Song verbunden, aber ich denke, dein Song fühlt sich wie deine eigene Version davon an, natürlich mit anderen Themen, aber es ist sehr lustig.

Das ist so lustig. Ich werde mir das anhören müssen. Ja, ich hatte keine Ahnung.

Es ist ein sehr alter Beatles-Song.

Ich finde das ist so ein kranker Titel, da dachte ich, den nehme ich! That’s jokes. Das werde ich mir anhören müssen. Ja, da geht es nur um Verwechslungen und so. Ich identifiziere mich nicht wirklich mit irgendeiner Gruppe.

Hast du manchmal das Gefühl, dass die Menschen oder die Gesellschaft dich in eine bestimmte Schublade stecken wollen, in die du nicht gehören willst?

Um ehrlich zu sein, spüre ich keinen Druck von der Gesellschaft. Ich habe meine eigene kleine Realität, die ich für mich geschaffen habe. Und ja, ich habe das Gefühl, dass ich mich in einer kleinen Blase befinde. Ich glaube, in der Musikindustrie stecken mich die Leute gerne in eine R&B-Kiste, was nervig sein kann. Aber ansonsten ignoriere ich die Kisten, ich zerschlage sie.

Auf »Glory« erzählst du am Anfang des Liedes, wie die Welt sein könnte. Das klingt vielleicht komisch, aber was bedeutet die “Sonne“ für dich? Denn abgesehen vom Albumtitel ist es etwas, das meiner Meinung nach immer wieder in deiner Musik auftaucht und das wir nicht nur auf »Glory« hören, sondern auch auf älteren Songs wie »Mr. Sun (miss da sun)« was bedeutet ein wirklich sonniger Tag für dich?

Ich meine. Für mich ist die Sonne die Spenderin des Lebens, verstehst du? Sie war schon immer meine Herrscherin, weißt du, ich werde von der Sonne beherrscht. Meine herrschenden Planeten sind Jupiter und die Sonne. Ich war schon immer von der Sonne besessen. Ein Sonnenschein-Mädchen, weißt du? Also, ja, für mich, Sonne ist das Leben. Und einen großen Teil meines Lebens, vielleicht nicht jetzt, aber einen großen Teil meines Lebens, habe ich die Sonne angebetet. Viele meiner Tätowierungen haben mit der Sonne zu tun. Und ja, ich glaube, »Glory« ist meine Vorstellung von einem besseren Tag für das Kollektiv. Ich bin es, die sich in diese Situation hineinversetzt.

Sehr schön.

Die Sonne ist ein wichtiger Bestandteil meiner, wie heißt es? Meiner Verfassung (lacht).

Das ist sehr gut. Und einer meiner, ich will nicht sagen Lieblingstracks, denn das wäre sehr, sehr schwer. Aber »My Neck« gefällt mir besonders gut wegen der eindringlichen, gespenstischen Stimmung der Melodie. Und du sprichst davon, dass die Taschen und Koffer zu schwer für deinen Nacken, deinen Rücken und deine Knie sind und dass du wieder frei tanzen möchtest. Aber du warst sozusagen eingesperrt und bist in Gewässern ertrunken, die nicht deine eigenen sind. Kannst du ein bisschen mehr über den Song und die Bedeutung dahinter erzählen?

Ich meine, der Song ist metaphorisch, aber auch ziemlich wörtlich. Ich leide oft unter Rücken- und Nackenschmerzen. Ich fühle mich sowohl metaphorisch als auch physisch wie eine ziemlich schwere Person. Ich befinde mich in einer Phase meines Lebens, in der ich während der Aufnahmen zu diesem Album viel hin und her reise. Ich lebe in Portugal, aber meine Arbeit ist in London. Mein Kind ist dort, meine Band ist hier. Weißt du, was ich meine?

Ich habe viele verschiedene Häuser. Ich bin ständig mit Koffern und Taschen unterwegs. Es ist also buchstäblich, aber auch metaphorisch, denn ich habe das Gefühl, dass ich eine ziemlich schwere Last auf meinen Schultern trage. Eine Menge Verantwortung, eine Menge Stress. Es geht also darum, diese Themen zu erforschen, die sich irgendwie unterdrückt und gefangen anfühlen. Ja, eine schwere Last, eine schwere Bürde. Sich belastet fühlen weißt du?

Ja, auf jeden Fall und ich denke, viele dieser Reflexionen über dich selbst können wir auch auf »Raw« und »Stones Throw« hören, und du bist, wie ich finde, auch sehr offen, was deine eigenen Schwächen und Fehler angehen. Inwieweit hilft dir die Musik dabei, diese Gefühle und vielleicht sogar Verluste zu verarbeiten?

Ja, zu 100 %. Das ist Musik für mich, sie ist wie Alchemie. Es ist meine Art, Schmerz und Leid in etwas Schönes zu verwandeln. Es ist mein Transmutations Prozess. Es ist Blei zu Gold machen. Als würde man Scheiße in Rosen verwandeln, verstehst du? Ohne sie? Ja, es wäre eine schwierige Situation.

Ich finde du nimmst uns Hörer*innen durch das ganze Album mit auf deine persönliche Reise, mit all den Höhen und Tiefen. Besonders auf »The End (Peace)« und »I AM (Reborn)« beschreibst du, dass alles, was dir passiert, dich formt. Du bist aber auch nicht mehr dieselbe Person, weil du ein Mensch bist, und hoffentlich kann sich jeder Mensch ändern. Bist du der Meinung, dass die Menschen offener dafür sein sollten, Frieden zu finden, indem sie ihre Schwächen akzeptieren und daran arbeiten, anstatt nach Perfektion und Makellosigkeit zu streben?

Ja, auf jeden Fall. Ich denke, dass ich aus meiner persönlichen Erfahrung heraus festgestellt habe, dass Frieden durch Akzeptanz entsteht. Es ist nicht immer ein ständiges Bestreben, die Dinge direkt zu verändern. Frieden kann auch dadurch entstehen, dass man einfach akzeptiert, dass manche Dinge so sind, wie sie sind, und dass sie morgen vielleicht nicht mehr so sind. Aber im Moment sind sie noch so. Und es hat keinen Sinn, sich ständig darüber aufzuregen.

Das bedeutet nicht, dass wir keine Verantwortung übernehmen. Das Gegenteil ist der Fall. Zum Beispiel Verantwortung übernehmen, aber auch akzeptieren. Und das ist der eigentliche Punkt, an dem Fortschritt und Wandel einsetzen. Sobald du dich selbst akzeptierst und einfühlsam mit dir selbst umgehst, weißt du?

Sehr gut. Ich hab nur noch eine Frage. Ich weiß, dass du einen anstrengenden Tag hast.

Ich mag deine Fragen.

Dankeschön. Ich möchte noch über deine Tour sprechen. Im Mai gehts los und ich habe bereits meine Tickets für Hamburg gekauft. Ich bin sehr aufgeregt.

Ich danke dir.

Künstler*innen wie Kate Nash und Organisationen wie Save Our Scene UK haben begonnen, öffentlich über die Belastung zu sprechen, die das Touren für Künstler*innen bedeutet. Du tourst mit einer Band, also nicht als Solokünstlerin. Zusätzlich stirbt die Clubkultur in London langsam, weil die Unterstützung durch die Regierung fehlt, etc., das ist etwas, was wir in Hamburg sehr gut nachempfinden können, weil wir hier ähnliche große Probleme haben. Wie geht es dir mit deiner anstehenden Tournee?

Ich bin wirklich aufgeregt. Ich meine, ich liebe das, was ich tue. Am liebsten trete ich auf, weißt du? Es ist buchstäblich eines meiner Lieblingsdinge auf der Welt. Ich liebe es, mit meiner Band zu spielen. Also ja, ich bin aufgeregt. Aber offensichtlich ist es halbwegs stressig. Ich meine, auf Tournee zu gehen, ist definitiv kein Geldbringer. Es kann sogar das Gegenteil der Fall sein. Man hat Glück, wenn man einigermaßen kostendeckend arbeitet. Vor allem, wenn man wie ich eine so große Band hat. Es gibt eine zehnköpfige Reisegruppe, verstehst du, was ich sagen will? Aber ich habe schon immer mit der Band gespielt, also war es für mich immer so. Es war schon immer ein teures Unterfangen, aber für mich ist es das wert.

Aber es ist bedauerlich, dass Musiker*innen mit Auftritten an sich kein Geld verdienen können. Du wirst gezwungen andere Wege zu gehen. Wie brand stuff. Es ist eine schwierige Zeit. Es ist eine schwierige Zeit für alle, nicht wahr? Ich glaube, wir müssen aufhören, von der Regierung zu erwarten, dass sie unsere Bemühungen unterstützt. Denn ich glaube, die Regierung will nicht, dass wir singen und tanzen. Sie wollen, dass wir Wirtschaftssklaven sind, die Käfer fressen und Scheiße bei Amazon bestellen. Also, ja, ich schätze, es geht darum, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen, was die Rave-Kultur und solche Sachen angeht. Meiner Erfahrung nach ist es auf jeden Fall teuer, aber es macht auch verdammt viel Spaß.

Ab April geht es auf Tour und im Mai ist Greentea Peng für zwei Stops in Berlin und Hamburg. Tickets gibt es auf ihrer Website. Eine Tour die wir euch nur ans Herz legen können, da ihre Stimme Live nochmal eine ganz andere Magie entfacht.

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Moonchild Sanelly

Moonchild Sanelly ist schon länger der nicht mehr ganz so geheime Geheimtipp in der Musikszene. Die Südafrikanerin hat schon mit Gorillaz, Beyoncé, Ghetts und Africa Express kollaboriert. In Englisch und Xhosa macht Sanelly jedes Genre zu ihrem eigenen. Inhaltlich bleibt sie sich allerdings immer treu und spricht sich laut für female empowerment und Sex-positivity aus. Aktuell ist Moonchild Sanelly zusammen mit M.anifest auf dem Track »Streets is Calling« von Ezra Collective zu hören.

Kabeaushé

Den Sound von KABEUSHÉ kann man nur als Kunst bezeichnen. Ästhetik und Musik fließen lückenlos ineinander und das Musikvideo hat einen genauso hohen Stellenwert wie der Song. Die Wurzeln von KABEAUSHÉ liegen zwar in Kenia, aber den Sound kann man nur als überweltlich bezeichnen. Pop trifft auf Elektro, irgendwo ist der seltene Gesang auch Rap und der Sound wandelt sich im Klang unterschiedlicher Kulturen. KABEAUSHÉ ist auch für uns eine Neuentdeckung im RBF-Lineup, die uns komplett umgehauen und anschließend direkt auf die Tanzfläche gezerrt hat. ​​

Noga Erez

Gestartet mit Jazz, weiter gemacht mit Electro-Pop und immer wieder die starken Einflüsse aus Hip-Hop: Spielend leicht fusioniert die Israelitin Noga Erez in ihrer Musik Genres, immer irgendwo zwischen ansteckend tanzbar auf der einen und viel Augenmerk auf die Umstände in ihrer Heimat auf der anderen Seite.
Ohne Protestsongs in dem ursprünglichen Sinne zu schreiben, zeigt sie unvermittelt Probleme auf, bewahrt Haltung und klagt an. Weil Strukturen durchbrechen und zerstören so elementar für Noga ist, heißt ihr kommendes Album »The Vandalist« – Releaseshow natürlich auf dem Reeperbahn Festival.

Jassin

Wer bereits ohne auch nur einen Song veröffentlicht zu haben nicht nur bei Unreleased Berlin spielen darf (zum Artikel geht es hier.), sondern auch gleich noch das gesamte Publikum so dermaßen begeistert, dass man die erste Zugabe jemals in diesem Format geben darf, der scheint von Beginn an auf dem richtigen Weg zu sein.
Mittlerweile sind es drei Songs mehr und dazu steht eine ganze EP des Überfliegers an. »Kinder können fies sein« erscheint am Freitag des Reeperbahn Festivals und verspricht, der nächste große Schritt des Newcomers mit den packenden und gleichzeitig nüchtern gehaltenen Songs zu werden.

Kate Nash

Kate Nash und Reeperbahn Festival passen wie Hamburg und Kiez. Die UK Künstlerin hat 2007 mit ihrem Debüt »Made of Bricks« Indie-Pop Hymnen geschaffen die auch heute noch lautstark im molotow Club und anderen Clubs weltweit mitgeschrien werden. Seitdem hat sich Kate Nash erfolgreich unabhängig von den großen Labels gemacht und die Freiheit genutzt um sich einmal durch alle Genres zu spielen. Ihr neues Album »9 Sad Symphonies« geht musikalisch wieder etwas zu ihren Wurzeln zurück und verzaubert mit schönen Melodien und schlauen Texten.

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Ezra Collective & Yazmin Lacey – »God Gave Me Feet For Dancing«

Anfang der 2000er Jahre konnte man sich kaum ein Musikvideo vorstellen, welches nicht mit einer großartigen Tanz-Choreographie glänzte. Die Aushängeschilder dafür waren unter anderem Ciara und Missy Elliott. Tanz und Musik gehen Hand in Hand. Es folgten diverse Filme und mindestens drei Step Ups, die wir nicht gebraucht hätten und dann war es auf einmal vorbei. Bis auf vereinzelte Videos war es plötzlich nicht mehr angesagt zu tanzen. Das kann jetzt natürlich nicht pauschal für alle gesagt werden, siehe Beyoncé’s »Formation«, aber insgesamt ist die Spaltung im Hip Hop zwischen verdammt guten Musikvideos (Rocky’s »D.M.B«) und verdammt schlechten (quasi der gesamte Katallog von DJ Khaled) sehr groß geworden. 

Spätestens seit Jungle gibt es aber wieder einen deutlichen Umschwung in der Musikindustrie. Ihr letztes Album »Volcano« diente als Soundtrack für die Choreographien von Shay Latukolan. Die Geschichte der Songs wird endlich wieder durch Tanz erzählt. Genau das sieht man auch im Musikvideo zu der neuen Single des Londoner Jazz Ensembles Ezra Collective. »God Gave Me Feet For Dancing« bietet die perfekte Grundlage für die wunderschöne Choreographie der Tänzer*innen Kikz Katinka und Michele. Das Video versetzt uns direkt an einen perfekten, lauen Sommerabend: billiger Wein, gute Gesellschaft und tanzen, alles andere ist unwichtig. Der Track ist die erste offizielle Single des kommenden Albums »Dance, No One’s Watching« welches am 27. September erscheinen soll. Bei dem Titel können wir uns wohl darauf einstellen, dass dies nicht das letzte Musikvideo mit Tanz im Fokus bleiben wird.

Jeshi – »Total 90«

Auf Jeshi’s neuem Track ist der Name absolut Programm, mehr Neunziger geht nicht. Untermalt von dem Sample »Song 2« von Blur aus 1997 gibt uns der Song sofortige Sehnsucht nach den UK Naughties.

Alle, die jetzt nicht so im Thema UK Musik sind, oder 2000 nicht 3 Engel für Charlie geguckt haben, sollten den Song zumindest von Fußballspielen kennen. Der FC St. Pauli benutzt den Track schon lange als Lied für jedes Heimtor und auch in der aktuellen EM ist der Track regelmäßig nach einem Torschuss zu hören. Warum die Neunziger Jahre von Jeshi leider nicht immer nur einfach waren, beschreibt er auf »Total 90«. Das Rad wird hier nicht neu erfunden, aber Spaß bringt es uns trotzdem.

Lola Young – »This Wasn’t Meant For You Anyway«

Das Lola Young bei unseren artists to watch ziemlich weit oben steht, ist kein Geheimnis (zum Artikel geht es hier.). Sie ist die UK Künstlerin die unsere Großeltern wahrscheinlich als “frech“ oder etwas fieser als “Rotzgöre“ bezeichnen würden. Aber diese Attitüde ist genau das, was Lola Young so liebenswert macht. In ihren Texten geht sie wohl gegen alles, was die beige-cremefarbene-pastel-influencer-bubble uns auf Instagram über Mental Health und Selbstreflektion predigt. Aber so ist ja auch kaum jemand im richtigen Leben.

Lola Young verarbeitet ihre realen und sehr direkten Gedanken. Ein bisschen Kate Nash, ein bisschen Lily Allen, aber noch ein bisschen rockiger und zugeschnitten auf die Young Adults der heutigen Zeit (es bringt aber auch allen über fünfundzwanzig große Freude beim Hören). Lola Young hat nach Singles wie »Big Brown Eyes« und »Fuck« nun endlich das dazugehörige Debüt Album »This Wasn’t Meant For You Anyway« veröffentlicht. Es schließt diese doch sehr britische Woche perfekt ab. Auch wenn England gerade in Sachen Fußball nicht ganz so doll glänzt zeigen Künstler*innen wie Lola Young, dass UK Artists trotz aller erschwerten Umstände musikalisch immer noch ganz vorne mitmischen. Sehr großartiges Debüt, dem man unbedingt eine Chance geben sollte.

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