Kofi Stone – Gardener Flow

Ein Song für alle Fans, die gestern schon beim Konzert in Köln waren oder morgen Karten für Hamburg haben. Es geht um den Mann mit den “mad man flows” oder auch dem Mayor of Brum, Kofi Stone himself. Der Rapper aus Birmingham befindet sich zurzeit auf seiner
»All The Flowers Have Bloomed« Tour, um das gleichnamige Album auch endlich hierzulande live zu performen. Mit dem neuen Track »Gardener Flow« führt er seine blumige Ära noch etwas weiter. Wer Stone bis jetzt noch nicht kennt, lebt wahrscheinlich unter einem sehr großen Stein. In den UK ist er schon seit längerem bekannt für seine Lyrics, in denen er sehr persönlich über sein eigenes Leben und die Welt reflektiert.
Dabei kann er lange, verzwickte Geschichten erzählen, von denen sich andere noch eine Scheibe abschneiden können. Hinzu kommen dann meist noch sehr entspannte Beats, die vielleicht weniger aufregend sind als einige der modernen Drill-Beats, die gerade deutlich mehr Aufmerksamkeit bekommen, aber dafür hat Kofi Stones Musik einen Mehrwert, der anderen populären Songs fehlt. Wir freuen uns sehr und sind Samstag im Mojo Club auf jeden Fall am Start.

Earl Sweatshirt, MIKE & SURF GANG

Fans werden es die letzte Woche mitbekommen haben: Earl Sweatshirt war fleißig am Singles veröffentlichen und nun gibt es das neue Album »POMPEII // UTILITY«. Das Album ist in Kollaboration mit MIKE entstanden und in zwei Teile aufgeteilt. Alle 33 Tracks wurden von der Gruppe SURF GANG produziert, einem Kollektiv an Producern und Rappern aus New York. Ein bisschen gibt Earl damit als ODD FUTURE-Veteran die Fackel an die nächste Generation ab. Earl hören wir bis auf einen Track erst im zweiten Teil und es ist auf jeden Fall ein Album für Fans und Liebhaber und nichts, das großartig im Mainstream Erfolg haben wird. Aber genau das ist ja die Erfolgsformel des Artists und wer die Zeit hat, sollte sie sich auf jeden Fall nehmen.

SWAE LEE & Jhené Aiko – MURAL

Es ist leider kein Track aus dem Soundtrack für den nächsten Spider-Verse Film, hört sich aber fast danach an. Was daran liegen könnte, dass Swae Lee an beiden bisherigen Soundtracks beteiligt war. Nun hat Lee aber ein neues Solo-Album rausgebracht und es ist irgendwie genauso, wie wir es erwartet haben. Einige Songs gefallen uns, einige dann wieder gar nicht. Bleiben wir beim Positiven: Überzeugt haben uns bisher »EVERYONE WANTS«, »TAKE MY HEART« und dann eben noch »MURAL« mit Jhené Aiko. Die beiden haben schon auf diversen Tracks zusammengearbeitet und auch diesmal stimmt die Chemie. Insgesamt ist das Album »SAME DIFFERENCE« aber mit dem Namen ein bisschen zu nah an dessen bisherigem Sound. Vielleicht fehlt uns aber auch einfach nur Metro Boomin im Producer-Line-up.

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Joey Bada$$ – DARK AURA

Joey Bada$$ ist zurück mit seinem neuen Song »DARK AURA« auf dem der New Yorker nicht nur seine lyrischen Fähigkeiten zur Schau stellt, sondern uns mit dem Sound auch etwas nostalgisch werden lässt. Der Track ist die erste offizielle Single seines kommenden Albums »Lonely At The Top« welches schon am 29. August erscheinen soll. Wenn das nicht schon genügend gute Nachrichten wären, gibt es neben Album und Single auch eine Tour Ankündigung die uns kurz darüber weinen lässt das wir nicht in den USA leben (aber nur kurz, weil uns dann wieder der ganze Trump Bullshit einfällt). Die DARK AURA TOUR zieht von Oktober bis November durch US-Städte und hat mit Ab-Soul und Rapsody zwei unser Lieblings Artists als Special Guests.

Florence + the Machine – Everybody Scream

Bitte ganz dringend notieren, am 31. Oktober feiern wir dieses Jahr nicht nur das allerheiligste aller Feste sondern auch ein ganz besonderen Release. Florence + the Machine veröffentlicht ihr neues Werk »Everybody Scream«. Das sechste Album der Künstlerin wird damit wohl besonders magisch und düster werden. Einen ersten Eindruck davon bekommen wir von der neuen Single die den gleichen Titel wie das kommende Album trägt. Produziert wurde der Track »Everybody Screams« von Florence Welch persönlich mit der Unterstützung von anderen bekannten Artists wie Aaron Dressner, James Ford, Mitski Miyawaki und IDLES Leadgitarrist Mark Bowen. Wir erwarten laute Gitarren, düster-verdrehte Texte und hoffen dass das Outro auch ein Mantra für die restlichen Songs ist:

“The witchcraft, the medicine, the spells, and the injections / The harvest, the needle, protect me from evil / The magic and the misery, madness and the mystery / Oh what has it done to me? Everybody scream.”

Earl Sweatshirt – Live Laugh Love

Ein Slogan, der zwar schon ziemlich ausgelutscht ist, uns aber bei Earl Sweatshirt nochmal ein Auge zudrücken lässt. Der Künstler hatte zuletzt vor zwei Jahren sein Kollabo Projekt
»VOIR DIRE« mit The Alchemist veröffentlicht. »Live Laugh Love« fühlt sich an wie eine Ansammlung sehr nicer Beats über welche Earl uns in seiner typischen Manier mit guten Lyrics versorgt. Etwas zusammengewürfelt aber gefällt uns trotzdem richtig gut. 

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Zum 3. Advent stellen wir euch hier unsere Top 10 der internationalen Alben vor. Welche Tracks aus diesem Jahr hat die Redaktion am meisten gefeiert?

Honorable Mentions

Bevor die vordersten zehn Plätze kommen, gibt es hier noch einmal eine Auswahl an Tracks, die das Ranking nur ganz knapp verpasst haben. Unter den über 40 zur Auswahl stehenden Alben bei unserer Bestenliste haben es diese Langspieler zwar nicht ganz nach oben geschafft, aber unser Jahr 2024 stark geprägt.

• Childish Gambino – Bando Stone And The New World
• Clairo – Charm
• Mach-Hommy – #RICHAXXHAITIAN
• Nia Archives – Silence Is Loud
• Noga Erez – The Vandalist
• BigXthaPlug – TAKE CARE

Platz 10: Rapsody – Please Don’t Cry (VÖ: 17.05.)

Rapsody feiert mit der Veröffentlichung von »Please Don’t Cry« ein erfolgreiches Comeback, nachdem Fans fünf Jahre seit »Eve« warten mussten. Auf diesem Album stellt sich Rapsody selbst einige schwerwiegende Fragen: Wer bin ich? Und vor allem: Wer bin ich ohne den Erfolg, der mir zusteht? Was bedeutet es, eine Schwarze Frau in der Musikindustrie zu sein, die sich nicht in das Schema X einfügt?

Die Antwort auf diese und weitere Fragen erörtert Rapsody auf 22 Songs. Obwohl das Album kritisch sehr erfolgreich war, verdeutlichen die Grammy-Nominierungen, dass Rapsody mit ihren Annahmen nicht ganz unrecht hat: Mit einem Penis wäre sie längst Teil der GOAT-Debatten. Ohne diesen ist der Weg für sie deutlich schwerer, doch ihre Musik ist auch deutlich besser. Unseren Respekt hat Rapsody schon lange – und mit solch beeindruckenden lyrischen Fähigkeiten ist ihr ein Platz in unserer Top 10 immer sicher.

Platz 9: Mk.gee – Two Star & The Dream Police (VÖ: 09.02.)

Glaubt man den Stimmen diverser Szenegrößen, von Alli Neumann bis Levin Liam, so ist Mk.gee aktuell DER Lieblingsartist eurer Lieblingsartists. Bereits im im vergangenen Jahr konnte der 28-Jährige mit der Single »Are You Looking Up« auf sich aufmerksam machen. Den Hype wusste er auf seinem bereits dritten Studioalbum »Two Star and The Dream Police« vollends zu bestätigen. Mit experimentierfreudigen, aber wohlabgestimmten Produktionen und seiner prägnanten Stimme erzeugt Mk.gee einen Sound, den man 2024 gehört haben muss!

Platz 8: ScHoolboy Q – Blue Lips (VÖ: 01.03.)

Nach dem eher enttäuschenden »CrasH Talk« vor fünf Jahren waren die Erwartungen an ScHoolboy Qs neuen Album hoch. Doch mit der Veröffentlichung seiner Single »Yeern 101« im Februar war schnell klar, dass sich die Fans auf etwas Besonderes freuen dürfen. Das Album überzeugt mit starker Produktion, vielseitigen Samples und zeigt eine neue, experimentelle und ruhigere Seite von Q. Er setzt auf einen weniger aggressiven Sound und gewährt tiefe Einblicke in persönliche Themen. Besonders sein Tribut an Mac Miller mit dem Song »Blue Slides« sticht dabei hervor und zählt zu den emotionalsten und besten Tracks seiner Karriere. Während TDE-Kollege Ab-Soul vor rund zwei Jahren mit seinem Album »Herbert« einen ähnlichen Ansatz vorgelegt hat, setzt ScHoolboy Q mit »Blue Lips« noch einen drauf und liefert eines der besten Rap-Alben des Jahres.

Platz 7: 070 Shake – Petrichor (VÖ: 15.11.)

Auf ihrem neuesten Studioalbum macht 070 Shake da weiter, wo sie auf dem Vorgänger »You Can’t Kill Me« aufgehört hat und entfernt sich dabei noch weiter von ihren Hip-Hop Wurzeln. »Petrichor« nimmt gewisse Popzüge und die mächtigen Synths Mike Dean‘s und tauscht sie gegen eine imposante Oper über Sehnsucht und Versuchung, voller emotionsgeladener Hymnen. Dani Moon nimmt uns mit auf einen sphärischen Tanz zwischen Nacht und Tag und Ekstase und Reue, wobei die genreübergreifende Vielseitigkeit der Künstlerin beispielhaft zum Vorschein kommt. Von düsteren Klavier-Balladen über Post-Punk und Surf-Rock zu dystopischem Jersey-Pop und poetischem Spoken-Word hält die LP viele Überraschungen bereit, wobei sie ihrer künstlerischen Essenz jedoch treu bleibt.

Platz 6: Charli xcx – brat (VÖ: 07.06.)

Kaum ein Tag seit Februar ist vergangen, wo man nicht irgendwo in den Weiten des Internets (und häufig auch analog im Alltag) über einen giftgrünen Hintergrund mit gestretchter Arialschrift gestolpert ist. Charli xcx hat mit ihrer »brat«-Ästhetik das ganze Jahr geprägt und es gar bis hinein in den US-Wahlkampf geschafft. Doch das Popkulturphänomen ist weit mehr als nur Memes und das vielleicht cleverste Marketing der jüngeren Musikgeschichte. Inhaltlich hat Charli mit ihrem sechsten Album ein astreines Elektro-Hyperpop-Gefüge geschaffen, das seine Stärken vor allem in Ausdruck, nicht aus dem Kopf zu kriegenden Melodien und Konfrontivität findet. Kein 2024 ohne »brat«.

Platz 5: JPEGMAFIA – I Lay Down My Life For You (VÖ: 01.08.)

Nach dem gemeinsamen Album mit Danny Brown und dem Motto »Scaring The Hoes« im letzten Jahr könnte man bei diesem Album eher von »Comforting the Hoes« sprechen – doch so einfach ist es auch nicht. JPEGMAFIA bleibt natürlich auch in diesem Jahr seinem experimentellen und aggressiven Hip-Hop-Stil treu, liefert allerdings auch ruhigere und sanftere Klänge. Songs wie »either on or off the drugs«, »Don’t Put Anything on the Bible« oder »i recovered from this« zeigen eine neue Seite des Künstlers, der über das Album hinweg offensichtlich seine Liebe zu Streichinstrumenten entdeckt hat. JPEGMAFIA vereint energiegeladene Tracks und introspektive Momente, die seine musikalische Vielseitigkeit und kreative Entwicklung erneut unter Beweis stellen. Peggy wächst als Person von Album zu Album und ist noch lange nicht am Ende.

Platz 4: Tyler, The Creator – CHROMAKOPIA (VÖ: 28.10.)

Damit hatte dieses Jahr wohl niemand mehr gerechnet: Tyler, The Creator veröffentlicht Ende Oktober »Chromakopia« und bricht damit seinen zweijährigen Albumzyklus – doch das nimmt ihm wohl niemand übel. Tyler gewährt tiefe Einblicke in seine Psyche und zeigt sich so reflektiert und erwachsen wie nie zuvor. Mit einer Mischung aus Jazz, Soul, R&B und Hip-Hop präsentiert Tyler eine Seite, die persönlicher und verletzlicher kaum sein könnte. Statt über Reichtum und Reisen zu rappen, reflektiert er über die Höhen und Tiefen seines Lebens, den Druck des Ruhms und seine Ängste vor der Zukunft. Ein Album, das eindrucksvoll unterstreicht, welche musikalische Entwicklung Tyler, The Creator durchlaufen und welchen Stellenwert er im Rap-Game erreicht hat – oder in seinen eigenen Worten: „The biggest out the city after Kenny, that’s a fact now.“

Platz 3: Vince Staples – Dark Times (VÖ: 24.05.)

Ein Album, das dem Jahr entsprechend kaum passender benannt sein könnte. Es waren verdammt dunkle Zeiten und trotzdem hat Vince Staples uns mit »Dark Times« einen kleinen Lichtblick beschert. Der Künstler aus Compton hatte keinen leichten Start. Er ist nach eigener Aussage weder ein großer Networker noch ein Partygänger, doch durch verdammt viel harte Arbeit und die Unterstützung anderer Artists wie Mac Miller und Earl Sweatshirt hat Vince Staples es geschafft.
Neben der Musik wurde dieses Jahr seine sehr düstere und witzige Serie The Vince Staples Show von Netflix um eine zweite Staffel verlängert. »Dark Times« ist sein sechstes Studioalbum und gleichzeitig das letzte unter dem Label Def Jam. Das Album ist ein melancholisch geladenes Werk, welches fast schon wie ein Soundtrack zur Serie dient. Für uns ein absolutes Highlight – und wir sind sehr gespannt, was danach kommt.

Platz 2: Kendrick Lamar – GNX (VÖ: 22.11.)

Nach einem sowieso schon denkwürdigen Run in 2024, vollgepackt mit Disstracks gegen wahlweise Drake oder gleich die ganze Industrie sowie dem Zuschlag für die Superbowl-Halftimeshow, droppt Kendrick Lamar kurz vor Ende des Jahres auch noch ein ganzes Album. »GNX« ist nicht nur wegen des titelgebenden Grand National eine musikgewordene Ehrenrunde, beinahe eine Art Autofahrt durch die Viertel Los Angeles’ und die ganze Westküste. Es ist ein Sich-Feiern-Lassen von einer ganzen Stadt, gar einer ganzen Küste und ganz nebenbei eines der handwerklich besten Alben des Jahres, das beweist: Kendrick braucht nicht immer ein schlingpflanzengeflechtartiges Konzept, um eine Big 3 zu Big Me zu machen.

Platz 1: Doechii – Alligator Bites Never Heal (VÖ: 30.08.)

Was sollen wir noch schreiben, was in den letzten Monaten nicht schon über Doechii und ihr Album »Alligator Bites Never Heal« gesagt, geschrieben und auf Konzerten geschrien wurde? Nach zwei schrägen, aber eher unterschätzten Projekten – »Coven Music Session, Vol. 1« und »Oh, The Places You’ll Go« – scheint Doechii nun endgültig ihren Platz bei TDE gefunden zu haben.

Das Ergebnis ist ein Album, das dieses Jahr den Hip-Hop maßgeblich geprägt hat. Dabei ist sie sich selbst komplett treu geblieben und hat ihren eigenen Stil, ihre lyrischen Fähigkeiten und ihre Sexualität stolz zur Schau gestellt. In einer Szene, die mit starken Frauen nicht immer gut umgeht, setzt sie ein wichtiges Zeichen und stellt ein großes Vorbild dar. Mit einem Approved-Stempel von Kendrick Lamar und einer Tiny Desk Performance, die alle in den Schatten stellt, hat sich die Herrscherin des Swamps verdient auf den Thron in unserer Liste gesetzt.

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Nach all den Meilensteinen müssen sie niemandem mehr etwas beweisen, und genau das hört man auch in ihrer Musik. »The Auditorium Vol. 1«, das neue und erste gemeinsame Album der beiden, ist erfüllt von Herz und Seele und füllt damit eine Lücke, die sich in den letzten Jahren gebildet hat. Wir hatten die Gelegenheit, über ZOOM mit beiden zu sprechen.

Es waren nur wir beide, die rumsaßen und wieder einen Draht zueinander fanden, nachdem wir uns jetzt schon all die Jahre kannten. Einfach wieder diese Verbindung zueinander aufbauen, die Musik hören und vor allem die Musik auch lieben.

Common über die Zusammenarbeit mit Pete Rock

Ihr beide kennt euch seit Anfang der neunziger Jahre und habt bereits 1998 auf »Verbal Murder 2« kollaboriert. Wieso mussten wir solange auf ein gemeinsames Album von euch beiden warten?
Pete Rock: Wir haben uns schon länger danach gesehnt, auf diese Weise zusammenzuarbeiten. Wir haben phasenweise unterschiedliche Wege im Hip Hop eingeschlagen. Common ist zudem ein großartiger Schauspieler, er macht Filme und sowas. Als es im Hip Hop drunter und drüber ging, wählten wir einen anderen Weg. Ich suchte mir meinen Weg, indem ich einfach andere Sachen innerhalb der Musik machte. Aber Gott hat seine eigene Zeit, in der er Menschen wieder zusammenführt. Er macht keine Fehler. Als es dann unsere Zeit war, machten wir auch was draus.
Common: Timing ist wirklich alles. Pete und ich haben beide unterschiedliche Erfahrungen gesammelt und Dinge getan. Er hat seine Produktion, die er auf dem »Petestrumentals« Alben veröffentlichte, und wie er eben Musik mit Live Musiker*innen macht. Außerdem Deejaying und alles, was er begriffen und durchs Leben gelernt hat und auch ich erlebt habe. Ob es nun einfach Alben machen ist, manche experimentell, manche Hip Hop basiert. All das hat uns beide geschärft. Als wir nun also zu diesem Zeitpunkt zusammengekommen sind, fühlte sich das Timing einfach gut an. Es war nicht nur dieses Gefühl, dass wir wirklich gewachsen und bessere Creator geworden sind. Sondern auch das Timing für Leute, die Appetit auf Hip Hop haben, ist ehrlicherweise gerade großartig. Wie Pete schon sagte, Gottes Timing ist perfekt.
Pete Rock: Yes, exactly.

Und was war der ausschlaggebende Moment, in dem ihr zueinander gesagt habt: Wir müssen jetzt mit dem Album anfangen?
Pete Rock: Einfach weil es der perfekte Zeitpunkt war, absolut großartiges Timing. In diesem Genre ein Album zu machen, dem die Leute Bedeutung schenken… Das war meine Taktik, einfach ein großartiges Album zu machen. Common liebte die Beats, die ich ihm gab. Das gleiche gilt für mich, wenn ich seine Lyrics höre. Ich mag ein paar der Dinge, die er aufschreibt, eigentlich alle, weißt du?
Common: Ja, als wir erstmals wieder zusammen waren… Ich bin raus zu Petes Haus gefahren und er spielte mir dort all diese Beats vor. Es waren nur wir beide, die rumsaßen und wieder einen Draht zueinander fanden, nachdem wir uns jetzt schon all die Jahre kannten. Einfach wieder diese Verbindung zueinander aufbauen, die Musik hören und vor allem die Musik auch lieben. Man, Pete ist in der Lage, all diese unterschiedlichen Stile von Musik zu kreieren. Er fragte mich einfach: “Oh du willst Sample-Joints?” Und ich meinte nur: “Ja, mehr will ich nicht.” Und dann war er so: “Ja klar, das liefere ich dir!”
Zu dem Zeitpunkt wussten wir schon: Das wird ein ganzes Projekt. Ich will jetzt nicht heucheln. Wir wussten nicht, dass es dieses Level erreichen würde, aber es ist dann so geschehen, und dafür danke ich Gott. Ich wusste, dass wir beide schöpferisch sind, aber die Art unseres Zusammenspiels und die Art, wie sich das Album anhört, ist einfach sehr kraftvoll für mich. Dafür danken wir Gott. Ihm würde ich auch den Ruhm der Musik zuschreiben.
Pete Rock: Ja, genau so.

Ich bin immer dabei, mir alles um mich herum anzuhören, weißt du? Selbst wenn ich es nicht mag, höre ich es mir trotzdem an. Nur so bleibst du relevant.

Pete Rock über die Relevanz neuer Einflüsse

Hattet ihr schon eine Idee, was das Ziel sein soll, bevor ihr ins Studio gegangen seid?
Pete Rock: Ja manchmal machen wir diese rough Takes, weißt du? Er schickt mir dann eine rohe Version meines Beats mit Lyrics und fragt: “Yo, was hältst du davon?” Ich höre mir das dann an und wenn es etwas gibt, das mir nicht gefällt, dann sage ich ihm das auch. Aber solche Momente, wo ich Kritik und Änderungswünsche ausgesprochen habe, gab es fast nie. Die meisten Lieder, die er schreibt, sind perfekt. Ungefähr die Hälfte des Albums haben wir innerhalb des ersten Viertels des Albumprozesses fertig gehabt. Das ist definitiv unsere Taktik, wenn wir zusammenarbeiten.

Ihr hab »The Auditorium Vol. 1« quasi gemacht, um den Hip Hop der neunziger Jahre zu zelebrieren. Es ist auch die Ära, aus der ihr beide kommt. Hat sich eure Herangehensweise von damals zu heute geändert?
Pete Rock: Ich bin immer dabei, mir alles um mich herum anzuhören, weißt du? Selbst wenn ich es nicht mag, höre ich es mir trotzdem an. Nur so bleibst du relevant. Ich versuche immer, an mir und meiner Denkweise zu arbeiten und wie ich an Musik herangehe zu ändern, eben weil wir in 2024 sind. Das sind die Dinge, an denen ich schon immer gearbeitet habe. Seit den Neunzigern bis heute. Aber der Sound ist nur eine Aura der Neunziger, nur das Gefühl, es ist wirklich neue Musik und ein neuer Stil. Das kann Common bestätigen.
Common: Ja, das stimmt wirklich. Als ich angefangen habe zu rappen, wusste ich einfach nur, dass ich dope sein will. Ich wusste nichts über Songstrukturen oder all diese Dinge. Und ich bin auch froh, dass es so war, weil gewisse Dinge einfach natürlich kamen und funktioniert haben. Alles im Hip Hop ist, wie Pete mal sagte: “It’s free, man.” Es geht nicht nur darum, einen Sixteen-Hit zu haben, aber manche Songs verdienen halt einen 16er. Heute wissen Pete als Produzent und Komponist und ich als Songwriter einfach: “Man dieser Song, wie zum Beispiel »Dreamin’«, da will ich einen Sixteen Bar Vers draus machen, sobald wir die Hook richtig haben, könnte das wirklich…
Pete Rock: … ein sehr schöner…
Common: … ja genau, ein schöner, ein geglückter Song werden.” Aber auf einem Song wie »Stellar« kann ich einen 24-Bar-Vers nehmen. Wir wissen da einfach, dass es direkt in die Köpfe gehen wird. Und ich denke, in der Lage zu sein, sich Musik so zu nähern, dass wir die Persönlichkeit eines Beats und eines Songs erkennen und wissen, was daraus werden kann, wie man daraus einen großartigen Track macht. Daran bin ich selber gewachsen. Ich lernte immer mehr darüber, wie man Hooks macht und Songs zusammen stellt. Ich schätze gut gemachte Songs. Wenn ich mir Stevie Wonder anhöre, oder Atlantic Starr oder sogar eine Cleo Sol. Ich mag es einfach, Songs zu machen.

Wo wir gerade über Künstler*innen sprechen, die du magst – auf dem Album benutzt ihr eine Menge Samples von Artists wie Aretha Franklin, Loleatta Holloway oder Roy Ayers Ubiquity. Was ist eure Verbindung zu diesen Musiker*innen?
Pete Rock: Oh, einfach alles, weißt du? Das war unsere erste Hip Hop Musik in den späten Siebzigern und frühen bis Mitte der Achtziger. Die Disco-Ära, in der Schwarze Musiker*innen funky Discomusik machten, die wir liebten und mit der wir aufgewachsen sind. Genau das gleiche gilt für Common, weil Chicago einen großen Stolz besitzt, wenn es um diese Form von Schwarzer Musik geht. Und dazu steppen sie und machen all diese wunderschönen Dinge, wenn diese Schwarze Musik gespielt wird. Das sind diese Künstler*innen, nach denen ihr fragt, das ist die Musik, die wir schon als Kinder aufgesogen haben.

Das ist jetzt vielleicht eine sehr deutsche Frage, aber Common, du benutzt in deinen Lyrics oft das Wort “Soul” und das spiegelt sich genauso auch in der Musik wider. Natürlich haben wir alle ein allgemeines Verständnis davon, was das Wort bedeutet. Aber was bedeutet es speziell für euch und wieso ist die Seele so ein essenzieller Teil eurer Musik?
Common: “Soul” ist dieses spirituelle und himmlische Ding, das Gott jedem Menschen auf dem Planeten gegeben hat. Deine Seele, weißt du? Wenn jemand sagt: Ich spüre es in meiner Seele. Dann in der Lage zu sein, sich musikalisch mit der Seele von jemandem zu verbinden… Das bedeutet auch, dass es aus deiner eigenen Seele kommen muss, aus deiner Wahrheit und deinem Geist. Es muss aus der wahrhaftigsten Form gegeben werden, auf die befreiendste Weise.
Ich glaube, Soul Music hat die Möglichkeit, das Leben von Menschen zu verändern, eben weil es die Seele berührt. Musik inspiriert Menschen, es heilt Menschen und motiviert sie. Ich rede immer über die Seele, weil es das ist, was ich mit meiner Musik berühren möchte. Ich möchte in der Lage sein, deine Seele zu berühren, dein Herz, noch mehr als deinen Verstand. Weil du denkst und intellektuell sein willst, aber darum geht es nicht! Wie lässt dich diese Musik fühlen?
Das ist der Kram, der bei mir schon mein ganzes Leben lang nachhallt. Ob es nun beim Filme gucken ist oder sogar die Zeit, die ich mit Menschen verbringe. Wie fühle ich mich in diesen Zeiten? Ich glaube, Dr. Maya Angelou hat etwas darüber gesagt: Wenn du eine Person triffst, geht es nicht darum, was sie sagt, sondern wie du dich dabei gefühlt hast. Und ich denke, danach suche ich auch in der Musik. Wie kann ich das reinste Gefühl in mir selbst und meinem Kollaborateur erreichen, sodass wir es Menschen ermöglichen, auch etwas zu fühlen? Ohne bestimmen zu können, was sie fühlen?
Das ist immer das eine, um das es geht, wenn man versucht Musik zu beschreiben und die Kreation von Musik. Aber es ist eben nur ein Teil, weil es eigentlich gar nicht geht. Es geht nicht, weil es zu überragend ist. Es ist eher so: “Yo, ich kann dir nur so viel über meine Gefühle sagen, aber vielleicht bist du in der Lage zu fühlen, wie ich mich gefühlt habe.” Man kann es nicht immer in Worte fassen. Aber für mich geht es darum, das zu nutzen, was Gott kreiert hat und unsere Musik dazu zu bringen, das ebenfalls anzuzapfen und der Menschheit zu überliefern.

Wenn man jetzt an die aktuelle erfolgreiche Mainstream Musik denkt, besonders was gerade so im Hip Hop trendet, glaubt ihr dann, dass eine Teil dieser Seele fehlt? Oder verloren gegangen ist?
Pete Rock: Schon ein bisschen, aber dann haben sie es wiederum ein bisschen zurückgebracht. Es ist jetzt vielleicht ein bisschen beschleunigt, aber das ist nun mal der Stil der jüngeren Generation: ein bisschen geistreich und mit viel Aufregung. Die Art, wie wir es damals getan haben, war einfach zu sampeln. Mit den Drums dazu hat es dann funktioniert. Es ist ein perfektes Beispiel dafür, wie Soulmusik zurückgebracht wurde, indem man sie in den Hip Hop integrierte.

Ich denke, dieses Element im Hip Hop ist immer notwendig. […] Hip Hop war da schon immer real. Ob wir dir erzählen, wie es in Queensbridge ist, oder in Vernon, oder Chicago oder wie Compton wirklich ist.

Common über Authentizität im Hip Hop

Da ihr beide schon lange Teil von Hip Hop seid, habt ihr sehr viele Subgenres und Stile mitbekommen, von denen es einige schon gar nicht mehr gibt. Dennoch sind viele Artists bis heute inspiriert durch den Hip Hop der Neunziger, indem sie Boom Bap Drums und Soul Samples verwenden. Warum glaubt ihr ist dieser Neunzigersound noch immer so relevant?
Pete Rock: Da muss ich direkt eine Sache sagen: Ich möchte mich bei J Dilla bedanken, er war ein wichtiger und essentieller Teil dieses Genres. Er hat viele Dinge zurückgebracht, von denen die Leute gar nichts mehr wussten, weißt du? Er war der Grund, wieso Producer wie ich sehr, sehr doll auf das achteten, was er machte, und uns dadurch auch gezwungen wurden, uns selbst zu verbessern. Es ist mir sehr wichtig, das einmal zu sagen.
Common: Ja, und ich denke auch das Ding mit 90er Musik ist, dass diese immer noch existieren kann, selbst wenn es nur in kleinen Kreisen ist, liegt daran, dass sie einfach wahr ist. Eine gewisse Rohheit. Die Menschen sehnen sich danach in der Welt. In dieser ganzen politischen Korrektheit, in der Menschen zu große Angst davor haben, die Wahrheit zu sagen… Hip Hop war da schon immer real. Ob wir dir erzählen, wie es in Queensbridge ist, oder in Vernon, oder Chicago oder wie Compton wirklich ist. Und wir erzählen es, wie wir das erzählen wollen.
Ich denke, dieses Element im Hip Hop ist immer notwendig. Und die Boombapness des ganzen ist einfach… Boom Bap kommt, danach Soul und Musik der Achtziger. Boom Bap und Hip Hop waren das nächste Genre, das die Welt erobert hat und sich bis heute sich dort gehalten haben. Das liegt daran, dass Boom Bap immer noch so satt ist und einige der Traditionen anderer Musikgenres weiter trägt.
Pete Rock kann über seine ganze Sammlung sprechen. Der Mann besitzt Musik aus all diesen unterschiedlichen Genres. Genau das bedeutet es, Traditionen aus Musik weiterzutragen. Dadurch bleiben wir fresh. Und ich muss ehrlich sein, besonders in den letzten Jahren bin ich mehr in MF Doom drin als zuvor und man, der Typ hatte ein breites Publikum und er hat nie versucht, es irgendwem recht zu machen. Das war befreiend für mich. Weil, auch wenn das Radio für einige Leute relevant ist, gibt es wiederum andere Leute, die es eben nicht benutzen, um erfolgreich zu werden und dadurch ihre Kunst so ausdrücken, wie sie es wollen und Leute damit berühren.

Redet ihr deshalb auch über Hip Hop als Bewegung und nicht nur als Genre?
Pete Rock: Es war definitiv schon immer eine Bewegung. Eine meiner Lieblings Hip Hop Gruppen, die auch richtig kraftvoll ist, ist Public Enemy. Aber wenn man von einzelnen Artists redet, dann wären es Emcees wie Rakim, KRS One, Big Daddy Kane, solche eben. Das ist die Richtung, in die wir das Schiff steuern wollen. 
Common: Genau, und diese Bewegung, wie Pete schon sagte, mit Public Enemy und KRS. Das hörte nicht bei den Songs auf, sie beeinflussten die Art, in der die Leute dachten. Ich habe über bestimmte Bücher der Bibel gelernt, weil Chris das runterbrach: “Abraham was the father of Isaac. Isaac was the father of Jacob…” Ich lernte über verschiedene Schwarze Anführer*innen durch Chuck D. Das ist Schule. Genau das ist die Bewegung. Und die Leute haben stolz afrikanische Medaillen getragen und dadurch konnte es mehr werden als nur die Musik. Es ist die Art, in der wir redeten. Wenn man darüber nachdenkt, dann ist das eines der Dinge, die Amerikanische Schwarze und Latinos kreiert haben, die unsers ist. Es wurde von keinem Konzern bestimmt und keiner konnte es wahrlich zerstören. Von daher ja, etwas sehr kraftvolles.

Ein wichtiger Teil davon sind Lyrics und Lyricism. Ich muss da an Rapsody denken und ihr neustes Album »Please Don’t Cry«, wo sie zum einen das Thema Sexismus in der Industrie anspricht. Es ist auch einer der Gründe, wieso sie nicht die Anerkennung bekommt, die sie verdient hat. Das ist auch etwas, das ihr auf dem Album behandelt: Anerkennung für, ich nenne es jetzt mal “wahre Musik“, wo Lyrics und Beats Bedeutung haben, könnt ihr dazu was sagen?
Pete Rock: Zum Thema Beats: Ich war schon immer eine sehr tiefgründige, gefühlvolle Person. Wenn ich Platten oft abspiele, dann höre ich da eine Menge sentimentaler Sachen. Und dann arbeite ich einfach rückwärts, damit es sich mehr nach Hip Hop-Soul anhört, weißt du? Dann präsentiere ich es Common und er macht den Rest und das macht es dann zu einer Soulful-Hip-Hop-Platte. 
Common: Ja, und für mich ist das auch einer der Gründe, weshalb Pete so echt und wahrhaftig ist. Dafür können wir ihn zelebrieren und seinen Fortschritt anerkennen, genau aus den Gründen, die du gerade genannt hast. Es gibt Leute, die diesen populären Ort nicht anerkennen. Es geht um die Liebe, die du für die Musik haben solltest. Mit diesem Album wollen wir natürlich hunderte Millionen von Menschen erreichen, aber das wird es nicht. Wen wir damit erreichen werden, war nicht der Keim, aus dem wir kreiert haben. Es geht einfach nur darum, zu tun was wir lieben.
Pete Rock: Yeah.
Common: Und ich denke, Rap(sody) tut auch das, was sie liebt. Sie ist ein MC. Es ist großartig, wenn es Künstler*innen gibt, wie wir sie schon genannt haben: MF Doom oder auch Earl Sweatshirt. Für mich tun sie das, weil sie es lieben. Wen es erreicht, den erreicht es. Und ich denke, darüber gibt es eine Menge zu sagen: über Dinge, die manchmal nicht den ganzen Weg zum Mainstream schaffen. Dennoch haben sie ein Publikum, das sich danach sehnt, die zu deinen Shows kommen, denen es wichtig ist und die dann dein Merchandise kaufen. Sie lieben die Musik und spielen sie auch. In einem anderen Interview sprachen Pete und ich darüber, dass wir niemals vom Geld motiviert waren. Wir kreieren der Kreativität zuliebe. Du hoffst, dass es möglichst viele Menschen erreicht, aber du musst es aus einem Ort heraus schaffen, der der wahrhaftigste ist.

Ein anderes Problem beim Thema Anerkennung ist auch der Unterschied, der zwischen Produzent*in und Künstler*in gemacht wird. Das Thema geht gerade wieder viel durch die Medien. Auf eurem Album habt ihr es schon mal anders gelöst, ihr habt das Album zusammen veröffentlicht und steht mit euren Namen gleichwertig nebeneinander. Wie fühlt ihr die Dynamik zwischen Künstler und Produzent?
Pete Rock: Ich liebe es einfach, weil ich einen guten MC habe, mit dem ich Musik machen kann. 
Common: Ja, das stimmt, und ich denke auch wir Artists würden ohne Produzent*innen keinen Erfolg haben. Ich meine, was sollen wir tun? Wozu sollen wir singen oder rappen? Besonders bei einem Producer wie Pete Rock, bei allem was er schon für die Industrie und Musik getan hat. Es ist einfach großartig mitzuerleben, wenn wir an Orte gehen und die Leute sagen: Man, ich kann es kaum erwarten, das neue Pete Rock Album zu hören! Einen Künstler neben einen Produzenten zu stellen, der sich auf diese Weise etabliert hat und einen eigenen Sound besitzt. Es ist großartig, dass Producer genauso anerkannt werden, einfach weil sie so viel bedeuten.

Ja, vor allem wenn man bedenkt, wie damals alles angefangen hat…
Pete Rock: Ja, ja, sicher!
Common: Exactly!

Weil ihr beide das schon so lange erfolgreich macht, habt ihr auch eure Fußabdrücke in der Bewegung hinterlassen. Gibt es noch Ziele, die ihr erreichen wollt? Was bleibt euch noch zu erreichen?
Pete Rock: Oh, ich denke, da gibt es noch eine Menge.. Ich mag kochen und sowas. Also, vielleicht werde ich als nächstes Chefkoch und koche dann richtig. Wie wär’s damit? (alle müssen lachen)
Common: (schmunzelt noch) Ich meine für mich… Ich möchte unbedingt weiter als Künstler wachsen. Ich habe das Ziel, noch mehr Musik mit Pete Rock zu machen und Musik zu machen, die einfach Musik ist, die ich liebe und die die Leute dann hoffentlich auch lieben. Natürlich möchte ich auch als Schauspieler wachsen und mehr Filme und Serien in die Kinos da draußen bringen. Ich würde auch gerne produzieren. Eines meiner Ziele ist es, dass Pete Rock den Soundtrack für etwas macht, das ich produziere, für einen Film oder etwas fürs TV. Das wäre eines meiner Ziele.

Dafür hättest du unsere vollste Unterstützung! 
Common: Das ist eines meiner Ziele.

Perfekt! Und es gibt eine offensichtliche Frage, die wir abschließend stellen müssen: Euer Album heißt »The Auditorium Vol. 1«, gibt es schon Pläne für Vol. 2? Könnt ihr da schon was zu sagen?
Pete Rock: Es ist am köcheln, ich würde sagen, es köchelt.
Common: Ja, wie er’s schon sagt, es ist am köcheln. 

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In der Umkehr ist es allerdings auch schwieriger, sich allein an Elementen festzuhalten, die außerhalb des Inhalts liegen. Im Fall vom Vorgänger »Ramona Park Broke My Heart« ist das beispielsweise der sommerliche Unterton, beim Self-Titled Album »Vince Staples« der Bounce von Kenny Beats oder bei »Big Fish Theory« die komplett experimentelle Soundlandschaft. Das kann sich »Dark Times« trotz ein paar Bangern (namentlich »Black&Blue«, »Étouffée«, »“Radio“« und »Little Homies«) nicht leisten. Insofern ist das Projekt gleichzeitig ohne Interesse am Inhalt weniger zugänglich als andere, andererseits legt genau deswegen die Produktion den dunkelroten Teppich für den Text und die ehrliche, teilweise fast zitternde Delivery aus.

Ein thematischer Alleingang

Umso vorteilhafter ist es, dass der Inhalt des Albums die wahrscheinlich gereifteste textliche Vorstellung in der Karriere von Vince Staples ist. Dabei sind zentrale Themen der Umgang mit der Gangvergangenheit und den Erwartungen, die daraus folgen –
für Vince Staples als Artist und für Vince Staples als Privatperson. Das ist zum Beispiel im Track »Children’s Song« zu erkennen, wo Staples seinen früheren Mitstreitern rät, ihn nicht auf sein „crippin‘“ anzusprechen und sich lieber um ihre Kinder zu kümmern, während auf »Étouffée« die Erwartungen von Label und Fans dargestellt werden, die ihm nahelegen, lieber wieder Musik wie der frühere Vince Staples zu machen.

Label tryna give me feedback, told me “Bring the streets back” / Fans said they want 2015 Vince

»Étouffée«

Und genau dieser Push & Pull funktioniert auch mit vielen weiteren Themen: der Lüge, Beziehungen, Geld, emotionaler Offenheit, verstorbenen Mitstreitern und dem Verlassen der gegebenen Verhältnisse. Das sind alles keine Themen, die das inhaltliche Rad des Raps neu erfinden. Größtenteils sind es sogar dieselben Inhalte seiner vergangenen Alben und dennoch ist die Ausarbeitung und persönliche Reflektion so stark, dass dieses Projekt wie eine Art Beipackzettel genutzt werden kann, um vorige Observationen mit seinen Gedanken zu ergänzen.

Licht am Ende des Tunnels?

Obwohl insbesondere der Anfang aus dem Intro »Close Your Eyes« und den vier nachfolgenden Tracks ein fast hoffnungsloses Setting darlegt, lockert sich die Stimmung über die Zeit hinweg punktweise auf, bis am Ende auf »Little Homies» und »Freeman« eine Akzeptanz für die Situation geschaffen wird: „Life hard but I go harder“ (»Little Homies«).

Und insofern hat die LP neben ihrer inhärenten Dunkelheit auch etwas Befreiendes in Form von Hoffnung auf bessere Zeiten. Diese Befreiung ist für Vince Staples personalisiert auf »Freeman« durch die Erfüllung des Plattenvertrags dargestellt, der ihn unter Druck der Performance und inhaltlicher Vorgaben gestellt hat. Gleichermaßen ist die Platte auch ein persönlicher Abschluss mit der Vergangenheit und den auf seiner Diskografie immer wiederkehrenden Themen.

Passenderweise wird das Album, das an sich auf Selbstreflektion aufgebaut ist, noch einmal im Outro »Why Won’t the Sun Come Out?« in Form eines Monologs von Santigold extern reflektiert, obwohl der Monolog über einen Aufatmungsmoment hinweg inhaltlich nicht viel zu dem hinzufügt, was auf dem Album schon thematisiert wurde, was auch für das Interlude »Liars« zur Halbzeit gilt.

Fazit

»Dark Times« ist ein unglaublich konsistentes und (trackweise) stimmiges Projekt, das allen externen Zusatz fallen lässt und auf 35 Minuten straight-to-the-point einen ausgefleischten Strang durchzieht – von der Depression bis zur Akzeptanz. Während die Produktion oftmals nicht flashy ist, ist sie keinesfalls generisch und gibt einem sonst oft emotionslosen Künstler die volle Möglichkeit, sich so emotional zu entfalten, dass man es nicht nur innerhalb des Albums spürt, sondern dieselben Ideen auf Inhalte der Vorgänger übertragen kann.

Das Projekt ist sicherlich nicht für alle Situationen geeignet (fürs Aux-Kabel z.B.), dennoch sind einzelne Tracks auch gut isoliert zu hören und verlieren außerhalb des Handlungsstrangs des Albums nicht ihre Wirksamkeit. Vince Staples verlässt Def Jam somit inhaltlich on-top-of-his-Game mitsamt Closure und es ist mit Spannung abzusehen, welche Wege er nun einschlagen wird – als Rapper, als Schauspieler/Regisseur und als Künstler im Allgemeinen.

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“I know some producers that’s popping that’s complaining about n***a albums that dropped months ago, that none of us got paid off of. These n****s is out here touring, making millions of dollars, bro, and we’re trying to beg the label to pay us a measly bullshit ass fee.”

Die Frustration, die Hit-Boy ausdrückt, spiegelt die Erfahrungen vieler Produzent*innen wider, die sich oft mit undurchsichtigen Verträgen und unzureichenden Zahlungen konfrontiert sehen. Aber wie groß ist das Problem tatsächlich? Warum werden gerade Produzent*innen oft nicht bezahlt? Und war das schon immer so?

Mussten Produzent*innen immer schon um ihr Geld kämpfen?

Die Geschichte von Hip-Hop – und damit auch der Producer – reicht bis in die 70er Jahre zurück, als das Genre in den Straßen von New York seinen Ursprung fand. Zu dieser Zeit traten Persönlichkeiten wie DJ Kool Herc und Grandmaster Flash auf den Plan und legten den Grundstein für die Hip-Hop-Kultur. Diese Pioniere waren allerdings nicht für Rap-Skills bekannt, sondern vor allem für ihre innovativen DJ- und Sampling-Techniken, die den Sound von Hip-Hop prägten. In den Anfängen des Hip-Hop waren die MCs, also die Rapper*innen, oft lediglich Begleiter des DJs, die mit ihrem Sprechgesang den Beat ergänzten und die Menge anheizten.

Mit dem Aufkommen der ersten Hip-Hop-Platten wie »Rapper’s Delight« von der Sugar Hill Gang in den 1980ern änderte sich das allerdings. Rap wurde zum zentralen Element des Genres und Rapper*innen zu den Galionsfiguren für Hip-Hop und seinen kommerziellen Erfolg. Doch während Rapper*innen und Plattenlabels das Rampenlicht eroberten und große finanzielle Gewinne einfuhren, blieben die Produzent*innen oft im Schatten und erhielten nur einen Bruchteil der Einnahmen.

In den 90er Jahren wurden Beatmaker oft besser bezahlt, allerdings war die Bezahlung je nach Bekanntheitsgrad des Producers sehr ungleich. Nur wenige Ausnahmen wie DJ Premier, Timbaland oder The Neptunes erlangten großen finanziellen Erfolg und Anerkennung für ihre Arbeit. Sie konnten durch ihre Beteiligung an den Verkäufen erfolgreicher Alben beträchtliche Gewinne einfahren und sich darüber hinaus als öffentliche Person etablieren. Es ist fast schon erschreckend, dass trotz ihres enormen Einflusses auf den Sound und die Ästhetik des Hip-Hop nur so wenige Produzent*innen aus dieser Zeit zu waschechten Stars wurden.

Durch die Verbreitung des Internets in den frühen 2000ern änderte sich dann die gesamte Musikindustrie. Auch die Landschaft für Produzent*innen wandelte sich grundlegend. Durch Plattformen wie SoundCloud, YouTube und Beat-Selling-Websites wurde es viel einfacher für sie, ihre Beats einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Auch die Möglichkeiten zur Kollaboration wurden quasi unendlich. So war es beispielsweise plötzlich möglich, dass Produzent*innen aus dem deutschsprachigen Raum ihre Beats leicht auch in Übersee platzieren konnten. Das vielleicht beste Beispiel für solch eine internationale Zusammenarbeit sind die Instrumentals von OZ, welche neben Shindy regelmäßig von Drake und anderen US-Größen besungen werden.

Allerdings brachten diese Neuerungen auch Nachteile. So schwanden zum einen die Einnahmen aus physischen Verkäufen, was sich natürlich auch auf den Verdienst der Produzent*innen auswirkt. Zum anderen konnten Rapper*innen die als Hörproben hochgeladenen oder zugeschickten Beats einfach benutzen, ohne die Producer*innen überhaupt zu kontaktieren, geschweige denn zu bezahlen. Solchen Vorwürfen sah sich Capital Bra noch im letzten Jahr ausgesetzt. Er soll den marokkanischen Produzenten Makafish für den Beat zum Song »Kein Platz« nicht bezahlt haben. 

Die traurige Realität in der Musikindustrie war also immer schon, dass viele Produzent*innen nicht angemessen – manchmal sogar überhaupt nicht – für ihre Arbeit entlohnt werden, obwohl sie einen unverzichtbaren Beitrag zum Erfolg von Hits und Alben leisten. Deutschrap-Produzent Rooq beschreibt die Misere im Jahr 2016: „Im schlimmsten Fall […] ist man für den Rapper […] ein Dienstleister, der es scheinbar weder verdient hat, mit Respekt behandelt zu werden noch überhaupt als Mensch zu zählen scheint.“

Warum werden Produzent*innen nicht fair bezahlt?

Auf die Frage, warum viele Produzent*innen schlecht bezahlt werden, gibt es viele Antworten. Oftmals werden Vereinbarungen nur mündlich getroffen, ohne klare schriftliche Verträge zu verfassen, was Raum für Missverständnisse und Streitigkeiten schafft. Von solchen Streitigkeiten hört man im Rap-Game seit Jahrzehnten. Beispielsweise hat Kollegah Produzent und Rapper Maxito Flow nie für den Beat zum Titelsong seines Albums »Boss der Bosse« bezahlt: „Mit Maxito Flow hatte ich danach leider ein bisschen Ärger. Damals hat man für Beats eigentlich nichts bezahlt, doch Maxito Flow wollte Geld von mir haben“, heißt es von Kollegah dazu. 

Zusätzlich werden Produzent*innen oft mit Versprechungen von zukünftigen Placements oder „exposure“ gelockt, nur um später feststellen zu müssen, dass sie nie die vereinbarte Vergütung erhalten werden. In anderen Fällen nutzen Rapper, Plattenlabels und Manager die Unerfahrenheit und Unwissenheit von vor allem jungen Beatmakern aus, um sie zu unfairen Verträgen zu drängen, welche ihre Rechte und ihre finanzielle Entschädigung beeinträchtigen. 

Besonders in Amerika stellen sogenannte „Payouts“ ein großes Problem dar. Hier erhalten Produzent*innen im Voraus eine Pauschalzahlung für die gesamten Rechte an einem Beat. Sollte dieser Beat dann zu einem Superhit werden, an dem die Rapper*innen und das Label potenziell sogar Millionen verdienen, erhalten die Produzent*innen keine weitere Vergütung. Ein bekanntes Beispiel hierfür ist das Instrumental des Smash-Hits »Panda« von Desiigner aus dem Jahr 2015. In einem Interview bei „The Breakfast Club“ erklärte das One-Hit-Wonder, er habe nur 200 Dollar für den Beat gezahlt – und 10 Millionen an dem Song verdient.

Die Schnelllebigkeit der Musikindustrie ist ein weiterer kritischer Punkt. Künstler*innen veröffentlichen oft Alben – zum Teil auf Drängen der Labels – bevor alle Rechte geklärt sind, was zu langwierigen Verhandlungen und Verzögerungen bei der Bezahlung führen kann. Die Vielzahl von Beteiligten an einem Song – darunter Produzent*innen, Songwriter*innen und Gastkünstler*innen – macht die Vertragsverhandlungen zusätzlich kompliziert. Mit eben einer solchen Konstellation machte Superstar Travis Scott Anfang diesen Jahres Schlagzeilen. Während er noch im Februar bei den Grammys performte, verhandelten mindestens vier Produzent*innen und Songwriter*innen, welche an seinem vor circa acht Monaten erschienenen Erfolgsalbum »UTOPIA« beteiligt waren, um ihre Entlohnung. Das zeigt, dass selbst wenn die Songs der Rapper*innen erfolgreich werden und möglicherweise Millionen verdienen, Produzent*innen oft nicht angemessen und rechtzeitig bezahlt werden. 

Die Liste an Rapper*innen, die beschuldigt werden, ihre Produzent*innen nicht zu bezahlen, ist schier unendlich und erstreckt sich von A$AP Rocky über Joey Bada$$ bis hin zu Lil Wayne. Letzterer rückt gemeinsam mit Birdman und seinem Label YMCMB leider recht häufig in den Fokus, wenn es um unbezahlte Rechnungen geht. So haben nach dem Release von »Tha Carter III« gleich mehrere Produzenten Klage eingereicht. So wurden sogar Jim Jonson und Deezle, welche für Lil Waynes Multi-Platin-Hit »Lollipop« verantwortlich waren, schlichtweg nicht bezahlt. Die Streitsummen in den verschiedenen Fällen beliefen sich zwischen 500.000 und 20 Millionen Dollar. 

Was können die Produzent*innen dagegen tun?

Produzent*innen können sich auf verschiedene Weise von Rappern und Labels emanzipieren, um fairere Vergütung und Anerkennung für ihre Arbeit zu erlangen. Ein entscheidender Schritt ist die Sicherstellung klarer Verträge. Produzent*innen sollten darauf bestehen, klare schriftliche Vereinbarungen abzuschließen, die alle Details ihrer Beteiligung am Song oder Album festhalten, einschließlich Vergütung, Nutzungsrechten und Abrechnungsmodalitäten. Zudem ist es wichtig, sich über die eigenen Rechte zu informieren und gegebenenfalls von Fachleuten beraten zu lassen, um faire Verträge auszuhandeln und Missverständnisse zu vermeiden. In jedem Fall sollten sich Produzent*innen gegen die Nichtzahlung von Tantiemen wehren. So gab Bangladesh, ein weiterer Lil Wayne-Produzent, der den Beat zum Song »A Milli« beisteuerte – und ebenfalls nicht bezahlt wurde – anderen Produzent*innen einen Rat: „I get cheques from Sony for [work with] Beyoncé, cheques from different labels for different artists; it just comes to you. You don’t have to call them, sue them and all that junk. This is what you’re owed … [But] you have to sue these guys so that they pay up.“

Dem gegenüber steht natürlich ein unglaublicher Druck aus der Industrie. Die wenigsten Produzent*innen könnten sich einen Rechtsstreit mit einem großen Major Label leisten. Darüber hinaus haben viele Produzent*innen Angst davor, von den Labels oder Künstlern bei zukünftigen Placements blockiert zu werden. Verlangt ein Produzent in den Augen des Rappers oder Labels zu viel für seine Arbeit, wird er einfach nicht mehr gebucht und durch einen günstigeren Newcomer ersetzt. Dieser Mangel an finanzieller Sicherheit und die Angst vor beruflichen Konsequenzen schaffen ein Klima der Unsicherheit, das es für Produzent*innen noch schwerer macht, für ihre Rechte einzutreten.

Darum sollten Produzent*innen auch aktiv ihre eigene Brand aufbauen, um ihre Bekanntheit und ihren Wert als eigenständiger Artist in der Industrie zu steigern. Eines der besten Beispiele für einen solchen Markenaufbau ist Metro Boomin. Allein schon sein oft verwendetes Producer-Tag „If young Metro don’t trust you I’m gon’ shoot you“ hat regelrechten Kultstatus erreicht und sorgte beispielsweise bei »Father Stretch My Hands, Pt. 1« von Kanye West für gespitzte Ohren bei zahlreichen Hörenden. Des Weiteren hat er es mit seinen letzten Alben geschafft, sich auf Augenhöhe mit Künstlern wie 21 Savage oder Future zu präsentieren – etwas, was nur extrem wenigen Produzent*innen gelingt. Hierzulande wären Miksu und Macloud ein passendes Pendant, deren Producer-Tags fast schon als Ritterschlag gelten. Sie haben vor allem mit Ihren Alben »Futura« und »Teil vom Ganzen« bewiesen, dass sie sich ebenfalls nicht scheuen müssen, sich neben ihre Kolleg*innen an den Mikrophonen auf ein Podest zu stellen. 

Ein weiteres Beispiel für einen Producer, der sich ein starkes Standing aufgebaut hat, ist der eingangs erwähnte Hit-Boy. Dieser hat sich mit unter anderem niemand geringerem als Rap-Legende Nas zusammengetan und mit ihm gemeinsam ganze sechs Alben releast, denn um eine eigene Marke zu entwickeln, ist es auch wichtig eigene Projekte auf den Markt zu bringen. Sei es als Ein-Rapper-ein-Producer-Album oder als Projekt mit vielen verschiedenen Gästen. Producer-Alben bieten die Möglichkeit, ihre Fähigkeiten und ihren individuellen Sound einem breiteren Publikum zugänglich zu machen und sich neben ihren Gäst*innen als eigenständige Künstler*innen zu etablieren. Etwa hat Produzenten-Legende The Alchemist in den letzten 20 Jahren ganze 13 Alben – unter anderem mit Havoc, Freddie Gibbs oder Earl Sweatshirt – veröffentlicht, die gänzlich von ihm produziert wurden und ihn auf eine Stufe mit seinen Gästen gehoben haben. So hat er, wie auch Metro Boomin und Hit-Boy, seine ganz eigene Fanbase aufbauen können. 

Der Hamburger Beatvirtuose Farhot hat im Jahr 2016 mit Kabulfire sogar ein ganzes Label für Produzenten gegründet. Vor kurzem konnte dieses Label mit dem Album »Believe in Gerda« auf sich aufmerksam machen. Hier konnte das Kollektiv GERDA fast schon einen regelrechten Mythos um sich schaffen. Damit wurde der Fokus – trotz unglaublich interessanter Kombinationen verschiedener Rapper aus der Deutschrap-Elite – stark auf die agierenden Produzenten und ihre Beats gelenkt.  

Die Herausforderungen für Hip-Hop-Produzent*innen in der Musikindustrie sind vielfältig und komplex. Von undurchsichtigen Verträgen bis hin zu unfairen Praktiken seitens Labels, Manager*innen und Artists stehen Produzent*innen viele Hindernisse im Weg. Trotzdem gibt es Wege, wie Produzent*innen ihre Situation verbessern können, sei es durch klare Verträge, den Aufbau einer starken Marke oder die Veröffentlichung eigener Alben. Letztendlich ist es jedoch ein gemeinsamer Kampf, den Produzent*innen zusammen mit anderen Akteuren der Industrie führen müssen, um eine gerechtere und transparentere Arbeitsumgebung zu schaffen, in der ihr Beitrag angemessen anerkannt und entlohnt wird. Mit Engagement, Zusammenarbeit und Durchhaltevermögen können Produzent*innen die Anerkennung und Belohnung erhalten, die sie verdienen, und weiterhin einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung und zum Erfolg der Hip-Hop-Kultur leisten.

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Obwohl die Erstveröffentlichung etwas ungewöhnlich war, passt sie dennoch perfekt zu Earl Sweatshirt, dem wohl größten Eigenbrötler der Hip-Hop-Szene. Auf Gala Music konnte das Album gegen NFTs erworben werden, wobei jeder Track auch ein eigenes animiertes Bild besaß. Nachdem der Hype um NFTs bereits verflogen ist und allgemeine Verwirrung herrschte, wurden Fans zurecht laut. Ihre Proteste und Gebete wurden erhört, und das Warten hat sich gelohnt: Mit leicht veränderter Tracklist erfüllt »VOIR DIRE« sämtliche Erwartungen.

Für Hip-Hop-Heads der älteren Generation mag sich die Kombination der beiden Künstler zunächst wohl eher etwas schräg anhören. Earl Sweatshirt, der mit knappen achtzehn Jahren schon bei Odd Future herausstach und mit 19 sein Debüt »Doris« veröffentlichte – ein Album, das bis heute Kultstatus besitzt und die doch ziemlich düsteren und mürben Gedanken von Earl offenbart –, trifft bei The Alchemist auf einen Producer, der für seinen Old-School-Sound – mit klassischen Samples und klaren Beats – bekannt ist. Dennoch scheint genau das die richtige Formel zu sein. Wie zwei Seiten einer Münze ergänzen sich die beiden perfekt und kreieren einen zeitlos wirkenden Sound, der sowohl Lyrikfans als auch Beat-Enthusiasten anspricht.

Das Album kann bisher nur digital gestreamt oder als Download erworben werden. Eine Vinyl-Version gibt es leider noch nicht, dafür aber passendes Merchandise. Für Fans mag es jetzt schon ein Favorit sein, aber schafft »VOIR DIRE« es auch, sich neben dem Hype um Drakes am selben Tag erschienenem »For All The Dogs« zu behaupten?

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Earl kämpft über die 10 Songs mit seinen inneren Dämonen – wie seiner Alkoholsucht – aber auch mit äußeren Einflüssen, denn das Album wurde gänzlich während der Corona-Pandemie produziert, geschrieben und aufgenommen. Dabei sticht immer wieder sein Talent für verschachtelte Lyrics und Reime hervor. »SICK!« klingt eventuell klarer und weniger experimentell als vorherige Releases von Earl. Nichtsdestotrotz verliert er über die 24 Minuten Spielzeit kein Stück seiner Eigensinnigkeit. Beispielsweise lässt sich nicht eine einzige Bridge oder ein echter Refrain auf der Platte finden, was ihr aber keinen Abbruch tut, denn hier geht es weniger um Ohrwürmer und eingängige Melodien.

Dies macht sich natürlich auch am Sound bemerkbar. So sind die Kicks im Titelsong »Sick!« rückwärts gespielt und »God Laughs« kommt mit der halligen Vocalaufnahme fast wie eine Spoken Word-Nummer daher. Das Album an sich ist sehr divers. So finden sich darauf sowohl harte Trapsounds wie auf »Titanic« als auch weiche Streicher im Opener »Old Friend« und Soulsamples auf »Tabula Rasa«. Für die Produktionen auf »SICK!« waren sieben Produzenten am Werk. Drei der Beats stammen sogar von niemand geringerem als The Alchemist. Die einzigen Featuregäste auf der Scheibe sind ZelooperZ aus Detroit und das Duo Armand Hammer aus New York.

Insgesamt ist »SICK!« schwere Kost und definitiv kein Album, das man nebenher hören sollte, obwohl es zumindest stellenweise zum Abschalten einlädt. Dennoch – oder gerade deshalb – sticht es heraus und wird sicher noch lange von Fans gehört werden, denen er mit seinem neuesten Album Abwechslungsreichtum und gleichzeitige Besinnung auf seine Wurzeln präsentiert.

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Cover: Cordae
Was ist euer Lieblingsrelease diese Woche?

Ihr findet die besten Releases dieser Woche übrigens auch ab jetzt in unserer neuen Releases Worldwide-Playlist auf Spotify. Checkt die aus, um die neuesten Tracks gesammelt an einem Ort zu haben.

Was es diese Woche zu bereden gibt:

CORDAE – FROM A BIRDS EYE VIEW (A)

Cordae hat sein heiß erwartetes zweites Album »From A Birds Eye View« veröffentlicht. Features von u.a. Freddie Gibbs oder Eminem und sogar Altmeister Stevie Wonder zeigen, wie groß der Rapper mittlerweile ist.

FKA TWIGS – CAPRISONGS (M)

Außerdem hat FKA twigs ihr neues Mixtape »CAPRISONGS« veröffentlicht, das nicht nur durch Features von Jorja Smith oder The Weeknd auffährt. Die Britin sorgt wie gewohnt für eine ganz eigene Atmosphäre, die wohl nur sie so schaffen kann.

EARL SWEATSHIRT – SICK! (A)

Obendrauf kommt das neue Album von Earl Sweatshirt, der mit »Sick!« sein viertes Album präsentiert – und dabei auch soundtechnisch deutlich neue Pfade einschlägt.

Diesen Track und viele andere vom heutigen Releasetag findet ihr natürlich in unserer neuen Releases Worldwide-Playlist!

Der Beitrag International Releases KW2 (mit Cordae, FKA twigs u.v.m.) erschien zuerst auf Mostdope.

Cover: Gunna
Was ist euer Lieblingsrelease diese Woche?

Ihr findet die besten Releases dieser Woche übrigens auch ab jetzt in unserer neuen Releases Worldwide-Playlist auf Spotify. Checkt die aus, um die neuesten Tracks gesammelt an einem Ort zu haben.

Was es diese Woche zu bereden gibt:

THE WEEKND – DAWN FM (A)

The Weeknd eröffnet ein hoffentlich voll an großen Releases sein werdendes 2022 mit dem ersten Ausrufezeichen. Knapp zwei Jahre nach »After Hours« ist nach nur kurzer Promophase sein mittlerweile fünftes Studioalbum erschienen, das wohl auf dem momentanen Höhepunkt seiner Karriere veröffentlicht. »Dawn FM« kommt als Konzeptalbum und mit Features von Tyler, The Creator und Lil Wayne. Noch überraschender als diese Gäste sind die Narrator-Auftritte von Jim Carrey und Quincy Jones, die dem Album ein trügerisches Gefühl von richtiger Radioatmosphäre einhauchen.

Neben der detailreichen Konzepterstellung macht der kanadische Superstar natürlich auch das was er am besten kann: Hits schreiben. Mal sehen, welche Tracks ähnlich erfolgreich wie »Blinding Lights« oder »Save Your Tears« werden. Unser Geld ist auf »Less Than Zero« und »Best Friends« gesetzt.

YOUNG T & BUGSEY & CHRONIXX – BLESSINGS

A new classic – das britische Duo Young T & Bugsey verbindet auf ihrem neuem Track »Blessings« old school rap mit Dancehall Beats. Das Ganze wird mit dem Feature vom Jamaikaner Chronixx und seinem für ihn typischen Reggae/Roots Sound abgerundet. »Blessings« hört sich schon jetzt an wie ein Klassiker, der das neue Jahr gut einleitet und auf Sommer und bessere Zeiten hoffen lässt

2 CHAINZ & 42 DUGG – MILLION DOLLARS WORTH OF GAME

2 Chainz hat jüngst sein kommendes Album »Dope Don’t Sell Itself« für den xx.xx. angekpndigt – und schickt direkt die erste Singleauskopplung ins Rennen. Als klugen Promoschachzug holt er sich in 42 Dugg einen der derzeit größten Namen der amerikanischen New Wave auf den ersten Albumvorboten. Auf »Million Dollars Worth of Game« flexen die beiden auf einem Brecher von Beat wie erwartet über Status und Reichtum, stellen aber beide ihre jeweiligen Stärken erstaunlich gut unter Beweis. Dugg schafft es scheinbar mühelos catchy Hooks zu schreiben und 2 Chainz beweist, warum sein Wordplay seit knapp 20 Jahren im Game immer noch zu den besten zählt.

Diesen Track und viele andere vom heutigen Releasetag findet ihr natürlich in unserer neuen Releases Worldwide-Playlist!

Der Beitrag International Releases KW1 (mit The Weeknd, Young T & Bugsey u.v.m.) erschien zuerst auf Mostdope.