In einem Statement an Variety schrieb die Familie:
“The shining star of our family has dimmed his light for us in this life…After a prolonged and courageous battle with cancer, we are heartbroken to announce that Michael D’Angelo Archer, known to his fans around the world as D’Angelo, has been called home, departing this life today, October 14th, 2025. We are saddened that he can only leave dear memories with his family, but we are eternally grateful for the legacy of extraordinarily moving music he leaves behind. We ask that you respect our privacy during this difficult time but invite you all join us in mourning his passing while also celebrating the gift of song that he has left for the world.”

Er galt als Schlüsselfigur des Neo-Soul, der in den 1990er-Jahren entstand. Mit nur drei Alben prägte er das Genre nachhaltig. Sein Debüt »Brown Sugar« erschien 1995, erhielt Platin und gilt bis heute als eines der zentralen Werke des Neo-Soul. Der von Funk, Gospel und klassischem Soul geprägte Sound beeinflusste eine ganze Generation von Künstler*innen, darunter Erykah Badu, Maxwell und Lauryn Hill.

Fünf Jahre später folgte »Voodoo«, aufgenommen mit Mitgliedern der Soulquarians um Questlove, J Dilla und James Poyser. Das Album wurde mehrfach für den Grammy nominiert und zählt zu seinen wichtigsten Arbeiten. Das Video zu »Untitled (How Does It Feel)« wurde ikonisch, machte ihn aber zugleich zur Zielscheibe öffentlicher Projektionen, die ihn schließlich aus der Bahn warfen. Nach der Tour zog er sich für mehr als ein Jahrzehnt aus der Öffentlichkeit zurück.
2014 erschien »Black Messiah« – ein Album, das über viele Jahre hinweg entstand und gesellschaftliche Themen stärker in den Vordergrund rückte. Es bezog sich direkt auf die Black-Lives-Matter-Bewegung und wurde international als musikalisches Statement gefeiert.

Insgesamt wurde D’Angelo 14-mal für den Grammy nominiert und gewann vier Auszeichnungen, darunter zweimal für das „Beste R&B-Album“ – 2001 für »Voodoo« und 2016 für »Black Messiah«. Sein letzter veröffentlichter Song war »I Want You Forever« auf dem Soundtrack zu Jeymes Samuels Film The Book of Clarence.

R.I.P. – one of the best to ever do it. ❤️

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Die Beats ruhen auf einem Boom-Bap-Fundament, das tief in der Tradition verankert ist, aber genug Raum für Details lässt: mal ohne Drums wie in »Seeing Double«, mal mit leicht versetztem Swing wie in »Rain Every Season«. An den Reglern standen The Alchemist, Sebb Bash, Beat Butcha, DJ Babu, Conductor Williams, C-Lance, Graymatter – und natürlich Evidence selbst. Seine eigenen Produktionen prägen den Sound mindestens so stark wie die Beiträge der Gäste: staubige Loops, knisternde Drums, alles aufgeräumt und ohne unnötigen Ballast.

Von Veränderung und Ausdauer

Lyrisch zieht sich das Thema Veränderung durch das Album. Gleich zum Start macht »Plans Change« klar, dass Pläne selten in Stein gemeißelt sind. In »Outta Bounds« zeigt er deutlich, dass sein Platz nicht nur hinter dem Pult, sondern am Mic ist. »Define Success« verschiebt den Blick auf Erfolg – weg vom Status, hin zu klaren persönlichen Prioritäten.

Success defined by the person who defines it

Evidence

Die Features sind gezielt gesetzt: Blu, Larry June, Domo Genesis und The Alchemist bringen jeweils eigene Nuancen ein, ohne den Gesamtcharakter des Albums zu verändern. Jedes Feature wirkt wie eine natürliche Erweiterung, nicht wie ein Fremdkörper.

Aktuell bringt Evidence das Album auch live auf die Bühne – inklusive einiger Europa-Termine – und überträgt den gleichen Fokus, den die Platte hat.

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Doch mit Central Cee hat die so stolze wie eigene Insel nun ihren ersten Rap-Superstar von internationalem Format, der gleichermaßen in Auckland wie New York gefeiert wird und den Zahn der Zeit vorgibt, anstatt ihm hinterher zu laufen. 25,7 Mio. monatliche Spotify-Hörer*innen, zehn Top 10 Singles und sechs Videos mit über 100 Millionen Views sprechen bereits zahlenmäßig eine eindeutige Sprache, doch so richtig undiskutierbar wird Cenchs internationaler Impact durch seine momentan laufende World-Tour zum »Can’t Rush Greatness«-Album. 39 Termine umfasst die gigantische Tour, seine Route führt ihn von Europa über die Staaten bis hin nach Neuseeland.

Das von Apple Music Live exklusiv aufgezeichnete Konzert in der ausverkauften Londoner O2 Arena vom 24. April 2025 im Rahmen demonstriert dabei abermals, welchen Status er mittlerweile innehat. Wenn dort nicht nur die großen UK-Rapper wie Dave und Skepta zum Fest geladen sind, sondern auch Lil Baby, Sexyy Red und Shallipopi wie selbstverständlich nach London kommen, dann ist die Rapsensation endgültig auf dem vorläufigen Zenit angekommen.

Drei Faktoren für den heutigen Status

Um zu verstehen, warum Central Cee 2025 nicht nur London mühelos ausverkauft und sich seine Special Guests quasi nach Belieben aussuchen kann, lohnt ein Blick zurück auf sein Come-Up. Denn sein Erfolg ist einer auf Ansage gewesen: Cees Weg zu seinem heutigen Standing ist nicht übereilt gewesen, auch wenn ihm manches Mal das Klischee des viralen TikTok-Rappers entgegen gehalten wurde. Doch drei Faktoren spielen eine maßgebliche Rolle bei dem Versuch, seinen Pfad zum Superstar nachzuzeichnen.

Da ist zum einen der unbeirrbare Wille, Rap größer zu denken als in den heimischen Hemisphären und erst dann das Debütalbum zu veröffentlichen, wenn sich der Name schon lange international gefestigt hat. So wird zunächst England 2020 quasi über Nacht erobert, als der damals 22-Jährige mit der Single »Day in the Life« die große britische Hip-Hop Plattform GRM Daily überrennt. Aufbauend darauf erscheinen weitere nationale Hits wie »Loading« oder »Commitment Issues«, die schließlich 2021 im Debüt-Mixtape »Wild West« münden und seinen Namen in der UK-Rapszene endgültig festigen.

Der bekennende UK-Fan Drake bekommt dadurch Wind vom jungen Rapper aus dem Westen Londons und nimmt ihn – zunächst noch ob seiner Modelqualitäten – für die Modelinie von Nike x Nocta an seine Seite. Doch das lässt Cench nicht etwa auf dem ersten Erfolg ausruhen, stattdessen beginnt vielmehr der Fokus auf den einen Song, der auch außerhalb der Insel seine Kreise zieht.

Central Cee betritt Neuland

Die Jagd nach dem international wirksamen Smash-Hit findet ein Jahr und das zweite, die UK-Charts toppende, Mixtape »23« später ihr Ende mit der Standout-Single »Doja«. Durch sein Musikvideo bei Cole Bennets generationsprägendem Lyrical Lemonade-Format, der eingängigen Introzeile sowie dem nostalgieentfachenden Sample von Eve’s 2001er Evergreen »Let Me Blow Ya Mind« spielt sich »Doja« in Windeseile in die Herzen und Topchartplatzierungen der weltweiten Hip-Hop Szene.

Und das ist auch der zweite Faktor: Wie kaum ein Zweiter versteht Cee es, poppige Y2K Samples mit harten Trap- bis Drill-Beats zu mischen und damit einen gleichermaßen zugänglichen wie distinktiven Sound zu gestalten, der sowohl gelegentliche als auch orthodoxe Raphörer*innen begeistert. Sein Song »Let Go« samplet bspw. Passengers gefühliges »Let Her Go« und baut den 2012er-Folktrack zu einem melodischen Drill-Lostlovesong um.

West Connect

Und dann sind da ja noch die Connections, die sich Central Cee über die vergangenen Jahre fein säuberlich und mit weitreichendem Blick aufgebaut hat. Der eben erwähnte Drake zählt zu dem engen Kreis und hat mit dem gemeinsamen On the Radar-Freestyle einen weiteren Stein dafür gelegt, dass der Name des Briten auf die nordamerikanische Karte kommt. Seine Platzierung unter den zehn Rapper*innen der begehrten XXL-Freshman Class ist da 2023 lediglich Formsache. Ein Jahr zuvor hat Cench schon als erster britischer Rapper überhaupt mit dem angesprochenen Lyrical Lemonade-Video sowie einem Freestyle bei dem beliebten L.A. Leakers-Format sich selber den Weg dafür geebnet.

Auch seine Features übersteigen längst Grenzen und Genres. Eine Auswahl gefällig? Mit Zusammenarbeiten von Lil Baby, J. Cole, 21 Savage oder Luciano bis Ice Spice und PinkPantheress sind Namen im Telefonbuch gelandet, die eine riesige Spannweite an Sounds mitbringen und Cees Fokus auf andere Länder unter Beweis stellen. Egal, ob deutscher Luxury-Rapper, etablierter US-Platinrapper oder up-and-coming Alt-Pop Sängerin – das Feature mit dem britischen Überflieger ist in den letzten Jahren Garant für einen Hit gewesen. Die »Split Decision«-EP mit Dave setzt inklusive seines bisher größten Songs »Sprinter« weitere Maßstäbe. Weiterhin ausbleibend aber: das erste Album. Die beiden vorausgegangenen Mixtapes landeten zwar bereits beide weit oben in den Albumcharts, doch an dem offiziellen Debütalbum ist vorsichtig im Hintergrund geschliffen worden, während Central Cee mit viralen Singles, Features oder öffentlichkeitswirksamen Auftritten an der Seite von Pop-Phänomenen wie Sabrina Carpenter oder Ice Spice Stück für Stück der Szene seinen Stempel weiter aufdrückt.

Gut Ding will Weile haben

Im frühen 2025 ist dann aber tatsächlich das Debütalbum erschienen, passenderweise »Can’t Rush Greatness« benannt. Gut Ding will Weile haben sagt man hierzulande ja so schön und Central Cee scheint das britische Pendant dazu nur allzu verinnerlicht zu haben, der Titel schlägt zumindest in dieselbe Kerbe. In Großbritannien, Deutschland, Norwegen, Österreich, Schweiz, Irland und der Niederlande geht der Plan des Sich-Zeit-Lassens auf und das Debüt erobert auf Anhieb die Pole Position in den Charts. Auch in Amerika gelingt eine Top 10-Platzierung der offiziellen Charts, während die Apple Charts sogar eine noch eindeutigere Sprache sprechen: in insgesamt 71 Ländern grüßt Cench mit dem Album von der Spitze. Es ist kaum weiter verwunderlich, dass die Tour derartig groß angelegt worden ist und »Can’t Rush Greatness« rund um die Welt gespielt wurde und in knapp 40 Städten zu sehen gewesen ist.

Apple Music Live fängt einen Superstar auf seinem vorläufigen Zenit ein

Es hat also genug Möglichkeiten gegeben, um den mittlerweile 27-Jährigen live erlebt zu haben. Doch wer das nicht geschafft hat, hat mit dem seit heute exklusiv bei Apple Music Live zu streamenden Auftritt aus London die Möglichkeit, das noch einmal auf dem heimischen Fernseher nachzuholen. Im Prinzip spulen die zwei Stunden des Konzerts noch einmal seinen Weg nach ganz oben ab: wo im ersten Viertel noch die anfänglichen Hits wie »Day in the Life« und »6 For 6« den Nostalgiefaktor erheblich erhöhen, klettert Cee im Laufe der 32 Songs umfassenden Setlist immer weiter seine stark gewachsene Diskographie entlang bis zu den großen Songs des Debütalbums.

Prägende UK-Gäste wie Grime-Legende Skepta oder sein nur ein Tag jüngerer Hauptkollaborateur Dave lassen sich die Einladung in die O2 Arena nicht entgehen, während in der zweiten Hälfte der Show eine ganze Reihe an Special Guests das Spektakel komplettieren. Sexyy Red performt völlig aus dem Nichts ihre beiden größten Songs, Shallipopi bringt nigerianischen Flair ins kalte England und »Band4Band« bekommt nach einem ersten Solo-Durchlauf für eine Zugabe noch Zuwachs von Featuregast Lil Baby. Es ist ein Spektakel gewesen beim Heimspiel, das Apple Music Live in Gänze aufgezeichnet und jetzt verfügbar gemacht hat. Die Dimensionen rund um den britischen Superstar sind unüberblickbar geworden, aber dieser Auftritt schafft es, einen Moment dieses Durchmarschs festzuhalten.

Central Cee schlägt die Brücke über den Atlantik

Welcher UK-Rapper feiert zuerst den richtig großen Erfolg Übersee? Diese Frage hat sich in den vergangenen Jahren immer weiter aufgedrängt, nachdem Künstler wie Skepta oder Dave die Tür schon weit aufgestoßen haben und mit US-Acts wie dem A$AP Mob oder Jack Harlow kollaboriert haben. Doch der ganz große internationale Durchbruch ist trotz höchstem angebrachten Respekt nicht erreicht worden – zumindest, bis Central Cee gekommen ist.

Nobody else from London has gone Hollywood

Central Cee auf »CRG«

Von Beginn an hat der West-Londoner ein Ziel gehabt: dem Vereinigten Königreich zu entwachsen, ohne dabei die Wurzeln und damit verbundene Identität zu vergessen. Nicht umsonst prangt auch beim Cover des Debütalbums die Nationalflagge auf seiner Mütze. Doch die Mission ist seit Jahren klar und wird in logisch aufeinander folgenden Schritten seit fünf Jahren unaufhaltsam nachgegangen.

Diesen Freitag soll ein gemeinsamer Song mit Drake erscheinen, den die beiden beim diesjährigen Wireless Festival vor 50.000 Menschen uraufgeführt haben. Schon unveröffentlicht knüpft »Face First« mühelos an den Hype an, der mittlerweile bei jeder Central Cee-Veröffentlichung gesetzt zu sein scheint. Den Höhenflug richtig zu erfassen ist ein Ding der Unmöglichkeit, doch eine Momentaufnahme davon ist mit dem von Apple Music Live aufgezeichneten Heimspiel in der Londoner O2-Arena zu erhaschen.

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Der Wegfall alter Gatekeeper bedeutet nicht automatisch Zugang – sondern häufig nur eine Verschiebung der Hürden. Was früher Chefredaktionen entschieden, regeln heute Algorithmen. Und ja – es gibt sie. Die, die trotzdem Formate aufbauen, sich Räume schaffen, ihre Stimme hörbar machen. Good for them. Aber sie kämpfen auf einer Bühne, deren Regeln nicht öffentlich verhandelt werden. Sondern von Plattformen diktiert, von Metriken bestimmt und von Markeninteressen gelenkt. Was sagt das über den Zustand dieser Branche, wenn Sichtbarkeit ≠ Substanz ist? Wenn Aufmerksamkeit zur Währung wird – und Musik nur Mittel zum Zweck?

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René selbst schreibt: „Was bleibt, ist Gossip mit Genre-Tag. Rap wird noch gecovert – aber nicht mehr gespiegelt.“ Und Influencer*innen übernehmen heute Funktionen, die früher Redaktionen hatten – mit anderen Interessen, anderen Maßstäben. Sichtbarkeit funktioniert fast ausschließlich über Inszenierung. Wer Inhalte schafft, aber sich selbst nicht mitverkauft, bleibt unsichtbar – unabhängig davon, wie relevant oder gut recherchiert der Beitrag ist. Und trotzdem machen viele mit. Müssen es vielleicht.

René bricht mit der romantisierten Vorstellung, es hätte mal eine gerechte Medienlandschaft im HipHop gegeben. Er schreibt: „Die Szene, die du vermisst, war vielleicht nie für dich gedacht.“ Seine Kritik trifft da einen wunden Punkt: die Nähe zur Industrie, elitärer Opportunismus, PR-Nähe. Die Szene war nicht für alle da – das stimmt. Allerdings: Der Rückzug der Medien war keine bewusste Entscheidung, sondern das Ergebnis eines schleichenden Kollapses. JUICE, Splash Mag und Rap.de verloren nicht nur Relevanz, sondern oft auch den Anschluss ans Digitale. Das „too cool for school“-Verhältnis gegenüber Social Media war mehr Grabstein als Haltung – und sind wir ehrlich: Es hatte seinen nicht unbeträchtlichen Anteil am unausweichlich langsamen Downfall. Und in diesem Vakuum übernehmen heute Influencer*innen Funktionen, die früher Redaktionen innehatten – mit anderen Interessen, anderen Maßstäben. Ich kritisiere nicht, dass Influencer*innen heute Diskurse prägen – ich erkenne ihre Rolle, ihre Wirkung, ihre Nähe zu Communitys an. Aber ich unterscheide sehr genau zwischen Haltung und Reichweite. Und um das klar zu sagen: Ich bin weder kulturpessimistisch noch nostalgisch. Aber ich frage mich, was verloren geht, wenn Kritik nur noch aus Likes besteht.

Was bleibt vom Musikjournalismus?

Der Preis für diesen Musikjournalismus im Selbstbedienungsmodus ist hoch: Kontext wird gekürzt, Kritik weichgezeichnet, Recherche zur Randnotiz. Musikjournalismus funktioniert zunehmend als verlängerter Arm von Major-Strukturen, weichgespült und glatt. Größere Plattformen sind auf die Bereitschaft von Artists angewiesen. Unabhängige journalistische Arbeit hingegen wird heute oft als Pro Bono verstanden. PR-Agenturen verdienen an jedem Pitch, während diejenigen, die aus Liebe zur Kultur schreiben, maximal mit einem Barter Deal abgespeist werden. René schreibt: „Macht es selbst. Kein Retter kommt.“ Dieser Impuls ist verständlich – aber nicht jede*r kann „mal eben“ im Alleingang einen Newsletter starten, Videos drehen, Communitys aufbauen. Sichtbarkeit ist keine rein persönliche Entscheidung, sondern eine Frage von Netzwerken, Zugang zu Technik, Zeit – und manchmal schlicht Glück. Wir haben selbst mit Mostdope ein Musikmagazin gestartet, aus Liebe zur Kultur – nicht, weil wir Reichweite gesucht haben. Unsere Texte entstehen unabhängig, oft spät nachts. Es wäre vermessen, uns als Alternative zu inszenieren. Aber der Diskurs, den René anstößt, betrifft auch uns, weil es close to home trifft. Wir schreiben, weil es uns nicht egal ist. Weil wir glauben, dass Kontext wichtig bleibt – auch wenn kaum Zeit und noch weniger Kompensation dafür da ist.

Noch einmal: Ich bin weder kulturpessimistisch noch nostalgisch. Aber ich will, dass Musikjournalismus wieder etwas mit Musik zu tun hat. Ich will nicht Teil eines Systems sein, das nur dann zuhört, wenn es auch klickt. Ich will nicht an diesem Dauerlauf der Selbstvermarktung und -inszenierung teilnehmen.
Denn ja: Ich kann laut. Ich kann mich inszenieren. Ich kann auch funktionieren. Aber ich will’s nicht müssen.

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Der neue Longplayer heißt nun »hopefully!« und vermittelt mehr Ruhe. Ob das am Alter liegt (Carner wird bald 30), am Erfolg, oder an der Vaterschaft – lässt er offen: “I’m no longer the main character in my own movie – and honestly, that’s a good thing.”

Ein Album, das nach vorn schaut – ohne zu vergessen

Leichte Themen sind bei Loyle Carner selten. Gerade darin liegt seine Stärke: Er zählt zu den reflektiertesten Stimmen im britischen Rap der letzten Jahre. Während frühere Alben vor allem das Verarbeiten schwieriger Erfahrungen in den Mittelpunkt stellten, zeigt sich Carner auf seinem vierten Werk »hopefully!« versöhnlicher. Die elf Stücke sind introspektiv wie eh und je, aber sie wirken zugewandter – und öffnen sich stilistisch stärker. Musikalisch öffnet er sich weiter. In »lyin« singt er erstmals selbst – ursprünglich nur als Platzhalter gedacht: “I had just recorded a melody to replace it later – but then everyone told me to leave it in.”

Carner greift nach wie vor auf Rap zurück, doch dieser ist eingebettet in ein Klangbild aus Jazz, Soul und Indie. Er nennt Bands wie Idles, Big Thief oder Fontaines D.C. als jüngste Einflüsse. Hip-Hop bleibt ein Teil seines Ausdrucks, aber nicht mehr der einzige. Indie-Einflüsse treten auf Songs wie »in my mind« oder »all i need« zutage. Carner hat dabei erstmals mit einer Liveband gearbeitet. In »strangers« tritt der Rap zurück, er singt – mit dem Ziel, mehr Atmosphäre als Aussage zu transportieren. Der Perspektivwechsel bringt Zeilen wie “How much pressure on a man ‘fore he break? / My heart ache, tryna find a way to ease the pain“ in einen anderen Kontext. Trotz des helleren Grundtons ignoriert Carner auf »hopefully!« keine Konflikte. In »about time« stellt er sich etwa der Frage, welche Rolle er als Vater einnehmen will:

They said my son needs a father, haha
Not a rapper / can I give him what he’s after?

about time

Und im Titeltrack ist posthum Benjamin Zephaniah zu hören – Carners Mentor, der 2023 unerwartet starb. Der Text verhandelt Verlust und Vermächtnis, ohne in Pathos zu kippen. Loyle Carner bleibt seinem Ansatz treu, persönliche und intime Themen nicht auszusparen, sondern sie ungeschönt sichtbar zu machen. Diesmal begegnet er ihnen mit mehr Verständnis und Geduld. »hopefully!« ist vielleicht keine glatt polierte Wohlfühlplatte, aber gerade weil er die Dinge nebeneinander stehen lässt, wirkt das Album klarer und geschlossener als seine Vorgänger. Er gibt seinen Musiker*innen mehr Raum, nimmt sich selbst zurück und rückt stärker in die Rolle des Dirigenten. Die Texte und Kompositionen sind komplexer geworden, fügen sich aber enger zusammen. Die Stücke wirken gezielter und zugleich offener.

Am Ende steht ein Album, das wie ein neuer Anfang klingt – was als Nächstes kommt, deutet Carner selbst in »time to go« an:

I don’t know, who am I supposеd to be today? / I don’t know, all I can do is take it slow, ayy

time to go

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Unter dem Titel ‘was ist aus dir geworden?’ bringt Ahzumjot im Februar vier Shows in Köln, Frankfurt, Stuttgart und Berlin auf die Bühne. Die Tour markiert den Abschluss seiner Albumtrilogie: Nach »WINTER TAT WEH« (2024) und »FRANCIS« (2025) folgt nun das finale Kapitel – erstmals live in diesem Rahmen.

Erzählt wird dabei nicht einfach ein neues Kapitel, sondern bewusst gegen die Strukturen von Streaming-Formaten und klassische Release-Zyklen gearbeitet. Statt schnellem Output: ein länger geplanter Bogen, der auf der Bühne zu Ende erzählt wird.

Tickets sind ab Mittwoch, den 28. Mai im Vorverkauf erhältlich.
Köln, Frankfurt, Stuttgart, Berlin – let’s go.

Tour-Termine:

• 10.02.2026 – Köln, Club Volta
• 11.02.2026 – Frankfurt, Nachtleben
• 12.02.2026 – Stuttgart, Schräglage
• 15.02.2026 – Berlin, Lido

Ticket-Link:

chimperator-tickets.de/ahzumjot

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Giwar Hajabi, besser bekannt als Xatar, ist tot. Der Rapper wurde 43 Jahre alt. Die Nachricht wurde am Freitag (9. Mai) zunächst aus seinem Umfeld verbreitet und später von Rooz, Fler und weiteren Szenegrößen bestätigt.

Offizielle Informationen zur Todesursache gibt es bisher nicht. Fest steht: Xatar hatte in den letzten Jahren mit gesundheitlichen Problemen zu kämpfen. 2021 kam es zu einem medizinischen Vorfall, den er später öffentlich machte. Damals sprach er von einem „Reset“ seines Körpers. Dazu kam ein drastischer Gewichtsverlust – laut eigener Aussage nahm er rund 50 Kilo ab, nachdem ihn ein Arzt auf das Risiko eines Herzinfarkts hingewiesen hatte.

Auf Social Media melden sich inzwischen zahlreiche Künstler zu Wort. Farid Bang schreibt: „Du hast Deutschrap als eine der größten Rap-Legenden verlassen.“ Haftbefehl spricht Xatar in seinem Post direkt an: „Mir fehlen die Worte, mein Bruderherz.“ Auch Kalim, Manuellsen, Azzi Memo, Olexesh, und andere teilen ihr Beileid.

Xatar galt für viele als Schlüsselfigur – als jemand, der Straße, Business und Unternehmertum auf seine eigene Weise gelebt hat. Er hat Maßstäbe gesetzt – musikalisch wie geschäftlich.

Rip Baba aller Babas 🕊️

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Zwischen den Welten

Tommy Richman bewegt sich irgendwo zwischen P-Funk-Vibes, Y2K-Nostalgie und modernem Hyperpop. Seine Musik klingt, als hätte jemand das Beste aus Anderson .Paak, Pharrell und Playboi Carti in einen Synthesizer gesteckt, und durch einen übersteuerten Discord-Filter gejagt.

»Million Dollar Baby« ist der perfekte Beweis dafür: ein Basslauf, der direkt aus einer George-Clinton-Séance entsprungen sein könnte, ein hektisch-tänzelnder Flow und dazu eine Produktion, die gleichzeitig vintage und futuristisch klingt.

Aber Richman ist kein simpler Revival-Künstler. Vielmehr nimmt er das Erbe des Funk und Soul, zerlegt es und setzt es mit den Tools der Jetztzeit neu zusammen. Während andere sich in der Post-Drake-Ära irgendwo zwischen Gefühlsschmerz und Minimalismus verlieren, ballert er mit einer Energie aus den Boxen, die den einen oder anderen an die Blütezeit von Neptunes-Produktionen erinneren dürfte. Jetzt aber genug Name-Dropping. Lassen wir ihn selber zu Wort kommen.

Honestly man, I just try to make cool shit for people but more so for me. It’s not about the gimmicks or cliches for me. I wanna make stuff that’s palatable and listenable but also just shit I like and am interested in.

Tommy Richman (via Lyrical Lemonade)

O-Töne von Richman zu finden ist eine Challenge für sich. Er scheint ein Künstler zu sein, der den alten Grundsatz lebt: “Let the music do the talking.” Sein Stil ist minimalistisch – nicht in der Musik, aber in der Außendarstellung. Kein Image, das auf Hochglanz poliert ist, keine aufdringliche “Ich bin der nächste große Star”-Attitüde. Eher das Gegenteil: Richman wirkt, als wäre er aus Versehen berühmt geworden. Er liefert Hits, aber wirkt nie kalkuliert. Statt sich der üblichen Industrie-Mechanik zu unterwerfen, bleibt er unnahbar. Während seine Songs sich viral verbreiten, hält er sich selbst im Hintergrund und sein öffentliches Bild bleibt bewusst verschwommen.

Die Genre-Debatte, die er nicht führt

Während sein Sound viral ging, blieb sein weiteres Schaffen eine einzige Volte gegen Erwartungshaltungen. Sein Debütalbum »Coyote« erschien letzten Herbst ohne große Ankündigung, ohne kalkulierte Single-Strategie, ohne erkennbaren Plan für die Charts. Die Konsequenz: Kein Billboard-Entry, aber eine Fangemeinde, die ihn für genau diese Widersprüchlichkeit feiert. Einigen galt es als mutiges Statement gegen die standardisierte Streaming-Formel, anderen als verpasste Chance. Richman selbst ließ die Debatte ins Leere laufen. Diese Unbestimmtheit zieht sich durch sein gesamtes öffentliches Bild. Die Industrie würde ihn gerne irgendwo verorten, doch er bleibt eine Blackbox. In den Kommentarspalten wird spekuliert, ob er sich bewusst der Kategorisierung entzieht oder einfach selbst nicht weiß, welchen Weg er als Nächstes einschlagen will.

Die Diskussion, ob Richman nun R&B, Rap oder Hyperpop macht, scheint außerhalb seiner Bubble wichtiger als für ihn selbst. Streaming-Algorithmen verlangen dennoch nach Schubladen, doch Richman verweigert sich einer festen Zuordnung, aber sobald es um die Frage geht, wo er hingehört, bleibt er vage. Mal sagt er nichts, mal deutet er an, dass er sich nicht als Hip-Hop-Künstler sieht – eine beiläufige Bemerkung, die schneller Kreise zog als der eigentliche Song. Dass jemand, der offensichtlich aus dem Genre schöpft, sich so entschieden von dessen Bezeichnung distanziert, wurde als kalkulierter Befreiungsschlag verstanden – ein Balanceakt zwischen Aneignung und Abgrenzung. Die Diskussion ist nicht neu. Weiße Künstler, die sich in einem primär schwarzen Genre bewegen, stehen immer wieder vor diesem Spagat – von Post Malone, der nach einer vielversprechenden Rap-Karriere den Cowboyhut aufsetzte und sich mit Akustikgitarre und Lagerfeuer-Romantik in die Arme des Country-Pop flüchtete, bis Mac Miller, dessen Status als Rapper lange infrage gestellt wurde, und nicht zuletzt Machine Gun Kelly, der nach einer künstlerischen Demontage durch Eminem, die E-Gitarre umschnallte und sich ins Pop-Punk-Exil verabschiedete.

Richman selbst reagiert nicht auf diese Debatten. Kein Statement, keine Klarstellung, keine Gegendarstellung. Er überlässt es anderen, sich über seine künstlerische Einordnung den Kopf zu zerbrechen. Nicht aus kalkulierter Coolness, sondern weil er sich für solche Diskussionen schlicht nicht zu interessieren scheint. Während sich andere Künstler in Podcast-Runden erklären oder in kryptischen Social-Media-Posts Gegenpositionen einnehmen, veröffentlicht er einfach seinen nächsten Track – und überlässt es dem Internet, den Rest zu erledigen.

Ein Künstler, der sich weder in Interviews rechtfertigt noch in Promophasen anbiedert, sondern einfach Tracks veröffentlicht und sich wieder zurückzieht. Doch genau diese Weigerung, sich festlegen zu lassen, sorgt gleichzeitig für Kontroversen. Für die einen ist er das Gegenmodell zu einer durchformatierten Industrie, für die anderen ein Künstler ohne klare künstlerische Identität. Wer alles sein kann, ist am Ende vielleicht nichts davon.

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Fans von Mac Miller zählen die Tage: Am kommenden Freitag erscheint »Balloonerism«, ein Album, das seit Jahren inoffiziell im Internet kursiert und nun erstmals komplett – und offiziell – veröffentlicht wird. Vorab teilt das Mac Miller Estate heute einen Song daraus: »5 Dollar Pony Rides«.

»5 Dollar Pony Rides« ist einer dieser Tracks, die Mac Miller meisterhaft beherrschte: Über ein zurückgenommen-jazziges Instrumental legt der Rapper introspektive Zeilen und launige Adlibs, während er über eine Beziehung nachdenkt, die zwischen romantischen Idealen („I could show you the world, girl“) und ernüchternden Alltagsrealitäten („Goin’ crazy, keepin’ all of these secrets/How is that livin’?”) aufgerieben wird.

Dabei fing alles so unbeschwert an: „Every time I reminisce, I keep thinkin’ it was better then/I remember when we made out underneath the rain clouds.” Unten könnt ihr den Track hören, den Miller unter seinem Pseudonym Larry Fisherman auch co-produzierte – gemeinsam mit Thundercat, Ronald Bruner Jr. und Kintaro.

Low-Quality-Leaks von »5 Dollar Pony Rides« geistern seit fünf Jahren im Internet herum. Auf den Tweet eines Fans, der 2020 schrieb: „Imagine if Thundercat and Mac Miller did an entire album together“, antwortete Thundercat damals: „It exist.“ In einem weiteren Tweet erklärte er, dass er das Projekt aus Respekt wohl nie veröffentlichen werde: „Everything isn’t meant to be put out like that. Me and Mac worked on a lot of different things. He did as he saw fit y’all gotta relax lol. Bout to get my emotions flying all over the place.“

Nun, mit dem Segen des Mac Miller Estates, kommt die Welt doch noch in den Genuss. Das Album entstand in derselben intensiven Schaffensphase, in der Mac Miller an »Watching Movies with the Sound Off«, »Delusional Thomas«, »Faces« und anderen Projekten arbeitete. Es ist Ausdruck seines unbändigen künstlerischen Ehrgeizes – unabhängig davon, welchem musikalischen Genre er sich gerade widmete. Eine Eigenschaft, die sich im Laufe seiner Karriere immer stärker herauskristallisieren sollte und hier bereits deutlich zu erkennen ist.

Der Beitrag Mac Miller: »Balloonerism« erscheint nächste Woche – erste Single »5 Dollar Pony Rides« out now erschien zuerst auf Mostdope.

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Schoolboy Q – Blue Lips Tour

Datum: 01. Juli 2025
Ort: Carlswerk Victoria, Köln
Einlass: 18:30 Uhr
Beginn: 20:00 Uhr

Der Ticketverkauf läuft über Eventim: Hier Tickets sichern

Pressetext:

Es gibt viele Messwerte, um das Standing eines Rappers zu bewerten. Nennen wir aus aktuellem Anlass diesen hier: Feature-Gast auf dem Rap-Album zu sein, über das gerade die halbe Welt spricht. Und damit wären wir bei ScHoolboy Q, den man aktuell auf Tyler, The Creators „CHROMAKOPIA“ hören kann, wo er an der Seite von Santigold und Tyler im Track „Thought I Was Dead“ am Start ist. Aber der aus L.A. stammende Quincy Matthew Hanley alias SchHoolboy Q hat selbst ein starkes Album im Rücken: Im März veröffentlichte er das lange erwartete „Blue Lips“ – die sechste Platte einer eindrucksvollen Diskografie, die 2011 mit „Setbacks“ ihren Anfang nahm.

In seiner Karriere hat der in South Central aufgewachsene ScHoolboy Q Gold- und Platin-Auszeichnungen gesammelt, war fünfmal für einen Grammy nominiert, machte Tracks mit Kendrick Lamar, A$AP Rocky, 2 Chainz, oder eben Tyler, The Creator. Aber ScHoolboy Q war und ist vor allem ein Rapper, der von Fans und Konkurrenten gleichermäßen für seine Skills gefeiert wird. Tracks wie „Collared Greens“, „X“ vom ikonischen „Black Panther“-Soundtrack oder „Hands On The Wheel“ sind massiv gestreamte und gekaufte Hits, obwohl sie mit gängigen Rap-Konventionen brechen und mit einem sehr eigenen, faszinierenden Flow funktionieren.

Trotzdem dauerte es fast fünf Jahre, bis sich ScHoolboy Q mit einem neuen Album zurückmeldete. Kurz vor Ausbruch der Pandemie wähnte er sich in einer Sackkasse und sagte später in einem Interview: „Ich war nicht mehr ich selbst. Ich habe so viel erreicht in der Branche, meine eigene Bucket List längst abgearbeitet. Ich hatte das Game gewonnen. Und war trotzdem nicht glücklich.“ Die 18 Songs auf „Blue Lips“ verarbeiten diese Erkenntnis, ringen mit einer tiefsitzenden Traurigkeit, reflektieren die Gründe seines Downs. Man hat fast das Gefühl, in Echtzeit zuzuhören, wie ScHoolboy Q sich aus dem Loch herauskämpft und dabei eine stilistische Abenteuerlust findet, die selbst in seinem vor Ideen sprühenden Werk heraussticht. Man höre nur Tracks wie wütend brummende „Yeern 101“, das den Boxen einiges zumutet, oder das angriffslustige „Pop“ mit Rico Nasty, das mit einem herzlichen „Oh, fuckface! Punkrock! Bi(a)tch“ eröffnet wird. “Germany86” wiederum klingt wie eine Rap-Matinee, bei der ScHoolboy Q in einem schummrigen Club erst Schampus zur Performance reicht – und einem dann das Glas ins Gesicht schmeißt. „oHio“ feat. Freddie Gibbs wiederum hat einen jazzigen, schwebenden Vibe.
Lange Zeit konnte man ScHoolboy Q nicht mehr live in Deutschland erleben – aber nun schafft es endlich über den großen Teich und wird im Juli 2025 in Berlin und Köln spielen.

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