Der Text ist ein langer Flug, hier sind Hyperjumps per Link auf die einzelnen Kapitel:

Geräusche aus dem Weltall (Sound)

Die Entstehung

Die Kraft des Sterns (Glauben)

Ein Sonnensyste(a)m

Besonders hell (Alleinstellungsmerkmal)

Vision (Aussicht)

Geräusche aus dem Weltall (Sound)

Wenn BOI EDEN Musik macht, versucht er alles andere auszublenden und nur das zu machen, was er tut, erzählt er. Deshalb musiziert er am liebsten alleine im stillen Kämmerchen (obwohl er Jamsessions auch feiert). Wenn er am Beats bauen ist, dann ist er im Tunnel und möchte am liebsten, dass niemand ihm reinredet, denn: sein Geschmack ist sein Kompass im Universum.

„Man kann eh‘ nicht einschätzen, was bei anderen ankommt. Die einzige wirkliche Referenz, die ich habe, ist mein Geschmack.“ Während des Produzierens ist es mehr ein Agieren als aktives Drüber-nachdenken, was er da tut. Er fragt erst im Nachhinein, was er da gemacht hat. Kunst in seiner puren Form.

Auf der »LEBEN OHNE GOTT« EP verfolgt er einen von Trap geprägten Sound. Wabernde 808s, flächiger Sound, knisternde Hi-Hats, verträumte Samples – ein sphärisches Gesamtpaket. Ausgefeilt und durchdacht kuratiert, damit es zusammenpasst. Gegen Ende der EP tröpfelt der Trap langsam aus und es wird jammiger. Mehrspurige Gesangsparts halten Einzug. Ein Stilmittel, dessen Entwicklung man förmlich beobachten kann, welches auf der neusten EP »OB DU ES GLAUBST ODER NICHT« in ausgeprägterer Form eine Bühne erhält.

Ohne Zweifel sucht seine Musik mit Release seines neuesten Werkes seinesgleichen. Bässe streicheln die Seele, Orgeln zwitschern spielerisch, Boombap, Trommelemente, Spitter-Qualitäten und ganz viel Gesang vereint auf nur 4 Liedern. So gehaltvoll, dass man die EP mehrmals back-to-back hören kann, ohne dass der Sound an Kraft verliert oder zu viel wird. Vielmehr gewinnt er an Substanz. Jedes Detail minuziös getimt und am Ende wieder auf die Essenz runter gebrochen damit die Balance stimmt.

Und dann ist da noch der Gospel. „Gospel ist erst so richtig dieses Jahr reingekommen weil ich das ultra anspruchsvoll und schwierig finde. Ich hab Gospel schon immer geil gefunden. Aber immer, wenn ich das probiert hab, war das scheiße. Vor allem weil ich keinen Chor hab, mit dem ich arbeiten kann und selbst vorm Mic sitze und 40 Spuren einsinge. Das heißt, es hat lange Zeit gebraucht um zu reifen. Als es dann geklappt hat, war ich direkt so: JA, ich check‘s jetzt so bisschen wie‘s geht.“ Macht euch am besten selbst mal ein Bild:

Die Entstehung

Ursprünglich kommt er aus einer Kleinstadt aus Süddeutschland, wo er schon seit Anbeginn seiner Zeit Musik macht. Als Kind lernt er früh Musikinstrumente und findet durch seinen musikalischen Vater inspiriert zur „ganzen geilen Mucke, die es so gibt.“ Ab seinem 10. Lebensjahr kommt er ganz klassisch durch Youtube-Tutorials zum Beats bauen und entdeckt seine Liebe zum Hip-Hop.

„Alles was ich an Hip-Hop feier sind diese geil musikalischen, experimentellen, jazzigen Sachen. Dieser Hip-Hop, der noch diese musikalische Komponente bedient, da fühl ich mich wohl.“

Er probiert sich aus und forscht an seinem Sound. Lange hatte er das Gefühl „das ist geil, was ich mach“, aber 100% zufrieden war er noch nicht. Dann folgt der Schritt in die Metropole mit B.

„Als ich in Berlin war, hab ich mir vorgenommen: Okay, ich kann jetzt schon viel, aber jetzt will ich das so richtig verfeinern was ich kann. Und da hab ich mich sehr bewusst dafür entschieden, im stillen Kämmerchen ganz viel auszuprobieren. Ich will das, was ich gerade probier‘ und mach, noch nicht damit verfälschen, das nach draußen zu bringen.“

Ein eher unüblicher Schritt. Während andere sich in das Getümmel der Großstadt stürzen, stürzt er sich in sich selbst. BOI EDEN ist zu diesem Zeitpunkt noch kein festes Alias. Sein Sound geht wild zwischen Indie, Jazz, Psychedelic-Rock und vielen anderen Genres hin und her. Knappe 2 Jahre geht das so. 3 Monate Arbeit, 3 Monate Musik im Wechsel.

„Ab dem Punkt, ab dem es sich so richtig richtig angefühlt hat, das jetzt zu starten, hab ich‘s direkt in die Hand genommen.“ Und so entsteht ein neuer Stern.

Die Kraft des Sterns (Glauben)

Nicht viele Rapper*innen gehen heutzutage offen mit ihrem Glauben in der Musik um. BOI EDEN ist da anders. Früher hatte er gar keinen Bezug dazu, weil es ausschließlich mit Christentum konnotiert war. Aber das ist heute anders. Für ihn muss Glauben nicht mit Gott zu tun haben. Nicht mit dem christlichen, dem muslimischen oder sonst einem. Einfach Vertrauen in etwas, das größer ist als man selbst. „Das kann auch mein Unterbewusstsein sein, das kann das Universum als Ökosystem sein, Vertrauen in das, was mich umgibt.“

„Es war ganz lange nicht Teil meines Lebens. Das hat erst so richtig vor anderthalb Jahren angefangen, als ich angefangen habe die »LEBEN OHNE GOTT« EP zu machen, da wurde es zum Teil meines Lebens und dann wurde es halt auch zum Teil meiner Mucke und meiner Texte. Ich hab’ angefangen, an was zu glauben, was ich davor ganz lange nicht getan hab. Und dann hab ich auf »LEBEN OHNE GOTT« ein reflektiert, was es mit einem macht, wenn man gar nicht an irgendetwas glaubt. In diesem Prozess wurde es dann immer mehr eine Sache, mit der ich mich auseinandergesetzt habe und auf die ich mich gefühlsmäßig eingelassen hab. Dabei kam die aktuelle EP »OB DU ES GLAUBST ODER NICHT« dabei rum, die ja sehr die Seite beleuchtet was passiert wenn man glaubt.“

Optimismus und Vertrauen, das ist Glaube für BOI EDEN. Es hilft ihm, positiver an Dinge ranzugehen und den langen Atem zu bewahren. Zu allem, was er macht, trägt es etwas Gutes bei. Egal ob es gute oder schlechte Phasen sind, durch die er geht. „Ist ein richtig wichtiger Skill“, hebt er hervor.

Das spürt man, wenn man die Musik hört. Seine positive Einstellung zu den Dingen steckt an. Er schafft es einen guten Mittelweg zu wählen. Er ist weder Missionar, noch versteckt er sich. Er ist er, ehrlich und deshalb nahbar.

Ich warte meine Lebzeit schon auf diesen Tag/
Ich hab nicht mehr zu geben, das ist alles, was ich hab/
Was man alles so erträgt, was ein’ hält in dieser Bahn/
Ich weiß alles kann so leicht sein, es kommt nur darauf an/
Ob man glaubt oder nicht, ob du es glaubst oder nicht…

BOI EDEN – FANG AN

Ein Sonnensyste(a)m

BOI EDEN ist ein strahlender Planet. Doch wie in anderen Sonnensystemen, gibt es auch hier Planeten, die dieses Bild vervollständigen. Statt Erde, Venus und Mars heißen sie hier Rick, Lamm66 und Alex. Es sind BOI EDENs engste Freunde. In dieser Konstellation können alle machen, was sie am liebsten mögen, sagt er. An Rick kommt nichts vorbei, was mit Visuals zu tun hat, Alex hat das Know-How an der Kamera und Lucy aka Lamm66 ist eine richtungsweisende Kreativallrounderin. Zusammen machen sie sich Gedanken zur Optik und kuratieren die Erscheinung BOI EDENs.

„Ich mach einfach Musik und mach so viel wie möglich und so pur wie möglich. Das was mir genau jetzt gefällt. Im Nachhinein frag ich mich dann, wie kann ich das sortieren? und dann find‘ ich die paar Tracks, die in dem Fall die EP bilden. Dann fragen wir uns zusammen im Team: Wie sieht das aus, was ich da gemacht hab und wie kann man das nice kommunizieren? Mit welchen Schritten könnte man auch die Kommunikation so verkacken, dass es die Musik ganz verändern würde?“

Für »OB DU ES GLAUBST ODER NICHT« haben sie sich für himmlisches Blau und sandiges Hellbraun entschieden. Man könnte interpretieren, dass das Braun für das geerdete Wesen BOI EDENs steht und das Blau für den Glauben. Das Cover erinnert sowohl an die Landschaftskunst von James Turrell und Kanye West als auch an eine Art Gotteshaus mit offenem Dach. Die Videoaufnahmen sind bei klarem Himmel und zwischen Steinen und Felsen aufgenommen. Es passt alles zusammen und gibt dem Ganzen eine einheitliche Richtung. Aktuelles Beispiel für die gleiche Farb- und Setting-Auswahl: die Optik von Dune.

„Ich will da immer dabei sein und ich bring mich auch überall ein. Aber ich merk mal für mal wieder, dass ich echt kein visueller Künstler bin.“ Nicht nur BOI versorgt die anderen Planeten mit Energie, auch Rick, Lamm66 und Alex versorgen ihn mit Energie. Eine Beziehung in beide Richtungen.

Besonders hell (Alleinstellungsmerkmale)

Da das hier ein NEXT UP ist, müssen wir uns noch fragen, warum wir gerade diesen Stern aus all den anderen Sternen da oben am Himmel ausgewählt haben.

Allem voran geht seine breit gefächerte Musikalität. BOI EDEN versteht viele musikalischen Sprachen und kann diese für sich umsetzen. Dadurch ist sein Sound schwer einzuordnen und variabel. Dazu spielt seine Musik qualitativ auf einem hohen Niveau.

Ohne sein Team, welches ihm hilft seine Message zu delivern, wäre BOI EDEN nur halb so präsent und auffällig. Die kreative Optik und Herangehensweise an Veröffentlichungen sind ein wesentlicher Teil des Projekts. Unterstützung gibt dem BOI den extra Glow.

Ein weiteres Alleinstellungsmerkmal ist, dass es bei ihm nicht um Bitches, Drugs oder Money geht. Eine Seltenheit im geschäftigen Getriebe der Musikindustrie. Musik, die vom Glauben handelt, kommt ganz anders daher und ist allein dadurch auffällig. Die Art und Weise wie er dann auch noch drüber spricht ist nahbar und relatable. Er besitzt einen grundsätzlichen Optimismus, welcher durch seinen Glauben angetrieben wird und durch jeden seiner Texte klingt. Aber auch seine Ausgeglichenheit, Ruhe und Geduld im Umgang mit Stolpersteinen strahlt. Er hat die Stärke, sich zu etwas zu bekennen, wovon sich viele in der heutigen Welt abgewendet haben. Alles, was aus seinem Glauben entsteht, hilft ihm, er selbst zu sein.

Und weil gut Ding Weile haben will/
Nur auf die Fresse fallen mein Hang zum zu viel einzuatmen stillt/
Erlerne ich Humbleness, Geduld und werde deinen Namen singen/
Und mich waschen an jedem Tag, bis ich mal reiner davon bin

Aber auch er ist ein Stern aus unzähligen im weiten Universum der Musikbranche, in der es sich erst mal zu beweisen gilt. Dazu muss er konstant so weitermachen, wie bisher, sich mit dem ein oder anderen Sonnensystem verbinden und vor allem Glück haben.

BOI EDEN – UMWEG

Vision (Aussicht)

Wir blicken in die Zukunft des Sterns. Egal, was sie bringt, „die Mucke werd‘ ich immer machen, egal unter welchen Umständen.“ Im Moment ist alles gut, wie es ist. Er und seine Mitstreitenden haben Lust, das Ganze auf ein krasseres Level zu heben. „Alles mit der Purheit und Liebe“ wie bisher.

BOI EDEN weiß, dass gesunder Wachstum seine Zeit braucht. Beweist er weiterhin seinen langen Atem, werden ihn vielleicht auch andere Menschen von der Erde aus sehen und gefallen an seiner Musik finden. Wir wünschen: Gute Sicht und blauen Himmel!

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Auf den gerade mal 25 Minuten Spielzeit zeichnet die ebenfalls in Buffalo geborene Rapperin ein eindrucksvolles Bild vom Leben als Frau, welche sich von niemandem Vorschriften machen lässt und sich auch in männerdominierten Sphären durchsetzen kann – und zwar von der Straße bis zur Rap-Cypher. Dabei flowt Armani Caesar stets gelassen und verteilt mit verruchter Stimme reihenweise Tiefschläge. Passend dazu zeigt das von Isaac Pelayo gemalte Cover die Ikone Elisabeth Taylor mit einem dritten Auge und sorgt damit gleichzeitig für die Titelgebung der Platte. Die andere Liz, die für den Titel Namenspatin war, ist übrigens die Wrestling Managerin Miss Elizabeth – sie ist auf dem Backcover der Platte zu sehen.

Griselda-Typisch arbeitet Armani auf knisternden Boom Bap-Beats. Jedes der 9 Instrumentals wurde von einem anderen Produzenten geschaffen. Unter anderem findet sich auch ein Beat von niemand geringerem als Gang Starr-Legende DJ Premier auf »Simply Done«, den Armani zusammen mit Benny The Butcher bearbeitet. Desweiteren finden sich natürlich auch die anderen eingangs erwähnten Acts auf der Gästeliste von »THE LIZ«.

Insgesamt liefert Armani Caesar hier ein solides, aber leider viel zu kurzes Tape, denn von den 11 Anspielstationen sind sowohl Intro als auch Outro lediglich Skits. Auf den vorhandenen Songs zeigt, sie aber, dass sie sowohl Bars als auch Delivery hat und sich auch in so einer extrem stark besetzten Crew nicht zu verstecken braucht.

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Allesamt Klassiker auf ihre Art, aber als im November ’95 die Fackel an GZA weitergegeben wurde, sorgte er für das bis dahin und vielleicht auch bis heute stärkste Wu-Tang Soloalbum überhaupt: »Liquid Swords«

Wie gewohnt hat sich RZA, das Hirn des Clans, dem Großteil der Produktion angenommen und für die detailreichen, samplelastigen und vor allem düsteren Klänge gesorgt, die einem ab Sekunde 1 entgegenschallen. Da wird für den Titeltrack und gleichzeitiges Intro der Martial Arts-Film Shogun Assasin aus 1980 gesampled, der übrigens auch im weiteren Verlauf des Albums immer wieder Satzfetzen zur Bearbeitung für den RZA bietet. Und wenn dann eine merkwürdig ruhige Kinderstimme erzählt, wie der Vater getötet werden sollte und wie sich seitdem alles geändert hat, dann weiß man: Dieses Album wird keine leichte Kost: Es wird dunkel, es wird gewalttätig und es wird verflochten.

Das unterstreichen auch das Schachbrett, das der passionierte Schachspieler GZA auf sein Cover setzen hat lassen. Gemeinsam mit den abgetrennten Köpfen und den Kampfszenen wird die Richtung des Albums bereits hier vorgegeben. GZA lässt dem auf den Songs dann auch Taten folgen, wenn er über “bloodbaths in elevator shafts” (»Duel Of The Iron Mic«) oder “hitmen who pull out TECs and then drop those who crack like tacos from mexican” (»Gold«) rappt. Berichte von den Straßen erfinden im Hip-Hop und auch beim Wu-Tang Clan wahrlich nicht das Rad neu, aber wenige beschreiben die Geschehnisse so eindrücklich und sprachgewaltig wie der GZA auf »Liquid Swords«.

Es drehen sich aber nicht alle seiner Texte ausschließlich um die Gewalt da draußen und das harte Leben in den Projects. Auf »Labels« rechnet er zum Beispiel mit ausbeuterischen Hip-Hop Labels ab – Erfahrungen, die er selber vor den Erfolgen beim Clan am eigenen Leibe gemacht hat. “Tommy ain’t my motherf*ckin boy” ist eine der Zeilen aus diesem Track, die vermutlich nicht nur dem vormalig bei Tommy Boy gesigneten RZA sondern bis zuletzt auch De La Soul aus der Seele gesprochen haben. »Living In The World Today« ist dagegen ein Social Commentary-Track, der zwar eigentlich auf die Probleme der damaligen Zeit Bezug nimmt, in vielen Fällen aber leider immer noch höchst aktuell ist.

Die absolute Highlight-Passage des Albums setzt aber zur Mitte des Albums ein: Erst sorgen GZA, RZA, Ghostface Killah und Killah Priest auf »4th Chamber« für einen Song, der genauso gut auf dem Wu-Debüt hätte landen können, dann stellt Method Man beinahe GZA auf seinem eigenen Album in den Schatten. Auf »Shadowboxin’« gehen beide All-In und bringen den vermutlich bekanntesten – und auch besten – Song des gesamten Albums hervor. “Allow me to demonstrate the skill of Shaolin” = Peak Wu-Tang! Abgerundet wird dieser Drei-Track-Run von »Hell’s Wind Staff / Killah Hills 10304«. Ohne Hook und mit langem Intro ist der Track deutlich sperriger als seine beiden Vorgänger, macht das aber dafür mit einem ausgiebigen und metaphergetränktem Verse des GZAs mehr als wett.

Der hintere Teil des Albums lässt einen schließlich etwas durchatmen, bevor es zum Bonus-Song kommt – dem einzigen nicht vom RZA produzierten Song des Albums. Es ist auch der einzige Track des Albums, auf dem GZA selber nicht rappt oder überhaupt beteiligt ist. Stattdessen sind es 4th Disciple an den Geräten und Killah Priest am Mic, die sich hier austoben dürfen. »B.I.B.L.E.« fällt aber nicht aus der Reihe, sondern ist mit seinen tiefgehenden Parts und dem Ohio Players-Sample stattdessen sogar einer der Höhepunkte des Albums.

Irgendwie passt es deshalb zum gesamten Album und zum Clan allgemein, dass der 13. und letzte Track von »Liquid Swords« nicht etwa vom Hauptcharakter GZA aufgeführt wird, sondern einer der vermeintlich schwächeren Parts des Wu-Tang Clans die Hörer*innen nach dieser beinahe filmischen Albumerfahrung entlässt. Man wird eben immer wieder aufs Neue überrascht bei den Jungs aus Staten Island.

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Das Intro »Benjamin Button« fasst es eigentlich ganz gut zusammen: Fatoni altert wie ein guter Wein. Der Sommerhit »Feeling« dieses Jahr unterstreicht das genauso wie sein letztes Soloalbum »Andorra«, das 2017 gemeinsam mit Mine veröffentlichte Kollaboalbum »Alle Liebe Nachträglich« – oder eben unser Staff Pick »Yo, Picasso«, der so etwas wie der Startschuss für die Reihe an erfolgreichen Veröffentlichungen war. Mit jedem Release scheint sich der Münchner noch ein Stück weiter zu entwickeln.

Angefangen hat bei Fatoni dabei alles schon weitaus früher. Bereits im Jahr 2000 wurde die Crew Creme Fresh ins Leben gerufen, so richtig durchschlagende Erfolge konnte die Gruppe um die heutigen Moop Mama-Mitglieder Bustla, Keno und ihn aber nie verbuchen. Die 2011 begonnene Solokarriere lief da schon besser und brachte unter anderem die gefeierte Edgar Wasser-Kollaboplatte »Nocebo« hervor. Trotzdem war es vor allem das Jahr 2015, das endgültig einiges änderte:

Dieses Album hat viel für uns verändert! Damals war Dexter noch auf Nachtschicht und Fatoni stand auf der Theaterbühne und spielte um 9 Uhr morgens das Wintermärchen vor einer Horde Kindern.

Fatoni auf Instagram über das Album

Drei Jahre wurden laut demselben Insta-Post benötigt, um »Yo, Picasso« fertigzustellen. Drei Jahre, in denen an jeder noch so kleinen Snare und jeder Zeile geschraubt und gewerkelt wurde. Die harte Arbeit hat sich ausgezahlt: Viel hat sich seitdem verändert. Nicht nur ist Fatoni seit neuestem auch im Tatort zu sehen und damit seinem z.B in der »splash! Mag Cypher 22« angesprochenen Traum, ein Tatortkommissar zu werden, ein entschiedenes Stück nähergekommen. »Yo, Picasso« ist auch das erste seiner Projekte, das in den Charts einstieg (Platz 23) und ihn zu einem Namen außerhalb der einschlägigen Deutschrap-Bubbles gemacht hat.

»Yo, Picasso« bietet aber auch wirklich so gut wie alles, was man als Deutschrap-Fan haben möchte. Die mit Liebe gediggten Samples von Dexter bieten mit ihrem mal jazzigen, mal von Blues durchzogenem aber immer modernem Sound den nötigen Unterbau für Tonis stets unterhaltsame und bisweilen bissige Zeilen. Das geht auf der Standout-Single »Authentizität« los, für die der gelernte Schauspieler Fatoni einen starken Kurzfilm auffährt und die Glaubwürdigkeit der Gesellschaft, seines Umfelds und vor allen Dingen sich selbst hinterfragt.

Auch Tracks wie »Semmelweisreflex« oder »32 Grad« sind ähnlich tiefgehend gestrickt und bieten Einblick in seine Reflektion über Mittelmäßigkeit oder Ignoranz. Mit viel subtiler Ironie gespickt, liefert Fatoni so viel Raum zum Nachdenken – ohne direkt mit dem Finger draufzuzeigen. All das macht »Yo, Picasso« zu einem Album, das auch sechs Jahre nach Erscheinen noch neue Sachen zum Entdecken beinhaltet und genau deshalb auch Teil dieser Plattenkiste ist.

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Sein zweites Album »Because the Internet« schlägt dabei die Brücke zwischen Film und Musik so gut wie kein anderes seiner Projekte. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung im Jahr 2013 wurde gerade die fünfte Staffel von »Community« gedreht – mit allerdings nur fünf Folgen, in denen sein Charakter Troy vorkommt. Die Priorität in dieser Zeit hat eindeutig auf der Musikkarierre gelegen, auf die Bino sich konzentrieren wollte. Kein Wunder, denn »Because the Internet« ist mit ordentlich Promo, Konzept und vor allem Arbeit gekommen. Es sollte ein Album werden, das die universelle Sprache des Internets spricht und die Internetkultur ins Zentrum rückt – einen Ort, den er eigentlich schrecklich findet und wo er sich weniger menschlich fühlt, wie er 2018 mal im New Yorker Magazine erzählt hat.

Trotzdem oder genau deswegen wird »Because The Internet« von einer multimedialen Promophase begleitet, die wohl die größte in seiner musikalischen Karriere bleiben wird. Das Album, das im Dezember 2013 erscheinen soll, wird bereits im Juli vorsichtig mit dem Track »Centipede« angeteasert. Ein Monat später folgt der Kurzfilm »Clapping for the Wrong Reasons« und zwei Monate darauf mit »3005« die erste richtige Single des Albums.

Vier Tage vor Albumrelease dann das Herzstück zu »Because the Internet«: Durch ein 72-seitiges Screenplay, das damals über becausetheinter.net abrufbar war, erhält das Album eine komplette Geschichte, die den Rahmen für die Musik legt. Über fünf Akte erstreckt sich die Geschichte, die von einem Hauptcharakter erzählt, der lediglich als “The Boy” vorgestellt wird. Die sehr kurze Kurzfassung des Screenplays: The Boy verbringt seine Tage damit, Prominente auf Twitter zu trollen und Videos auf WorldStarHipHop hochzuladen. Zum Ende hin verkauft er Drogen, um an Geld zu kommen. So richtig zielführend ist die Geschichte nicht, sondern wirft ständige Fragen auf und zwingt quasi dazu, sich mit ihr und damit auch mit der Musik auseinanderzusetzen, in der man auf eventuelle Antworten hofft.

Alle clevere Promo und ausuferndes Begleitmaterial hilft aber nicht, wenn die Musik nicht hinterherkommt, denn genug Menschen werden die 72 Seiten niemals gelesen haben. Macht nichts, denn »Because the Internet« lässt sich auch ohne begleitende Geschichte wunderbar anhören. Die Produktionen dafür kommen von ihm selbst und einem alten Bekannten. Der schwedische Community-Komponist Ludwig Göransson zeigt sich mitverantwortlich für den Sound des Projekts, der von atlantatypischem Trap über samtigen R’n’B bis hin zu staubigen Jazzklängen reicht. Dass die beiden häufig genug kreativ zusammengerabeitet haben, zeigt sich wieder und wieder auf den insgesamt 19 Tracks. Die ausgewählten Features in Form von R’n’B-Sängerin Jhené Aiko, der kontroversen Rapperin Azealia Banks oder einem Chance the Rapper in »Acid Rap«-Form tun gemeinsam mit Göransson ihr übriges, um »Because the Internet« nicht zu einer Donald Glover One Man Show werden zu lassen.

Das funktioniert einigermaßen, trotzdem liegt nach dem Abklingen des Outros »III. Life: The Biggest Troll« natürlich der Gedanke in erster Linie darauf, dass dieser Childish Gambino einfach eine Ausnahmeleistung abgeliefert hat. 58 abwechslungsreiche Minuten sind vorbei, einige Fragen wurden geklärt, andere sind gerade erst aufgekommen und eine steht nach wie vor im Raum: “Was kannst du eigentlich nicht?”

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2014, zwei Jahre nach dem Start bei Rap am Mittwoch, also schließlich das Debütalbum. »Pilsator Platin« hat er es genannt, mit dem Bezug zur Biersorte ein erster Hinweis auf das, was man so halb schon erwartet hat: Rap, der sich stark auf die hiesige Kneipenkultur konzentriert und das Drumherum voller Alkohol und allen denkbaren anderen Drogen zelebriert. Wenn es mal nicht um die Absteigen Berlins geht, werden schnell auch mal U-Bahn-Fahrten (selbstverständlich schwarzgefahren) zur Mutter der imaginären Gegner zum Thema gemacht. Überhaupt kriegt die Mutter auch auf Albumlänge immer noch genauso viel ab wie davor bei den echten Gegnern auf der Bühne. Treu bleibt man sich in Neukölln definitiv.

Bei dem ständigen Berlin-Bezug fällt gar nicht auf, dass Karate Andi ursprünglich aus einer niedersächsischen Kleinstadt kommt. Viel zu authentisch sind die Beschreibungen der Kneipentouren durch den Mann mit dem Hang zu allerhand billigen Biersorten. Insbesondere die vorgetragene gesunde Abneigung gegenüber der BVG und Friedrichshainern könnte selbst Berliner der sechsten Generation stolz machen.

Was bei all dem Punchline-Geflexe, der Asozialität und den Mutterlines aber nicht zu vernachlässigen ist, ist die Art und Weise wie sie vermittelt werden. Die fröhliche Abwechslung zwischen purer Stumpfheit und durchdachten, humoristischen Lines ist definitiv eine der Kernkompetenzen von Andi. Wo in einem Moment noch Vodka und Viagra als passendes Datemitbringsel ausgemacht werden, bringt er im nächsten Moment eine Referenz an Lemmy Kilmister von Motörhead, der u.a. für seine speziellen Uniformen auf der Bühne bekannt war. Ausflüge in andere Gefilde stellen generell keine Seltenheit bei »Pilsator Platin« dar: Mal wird auf Hip-Hop Altmeister Big Daddy Kane geschworen, mal vergleicht er sich mit Smiths-Frontmann Morrissey und mal wird der den Drogen nicht gerade abgeneigte Autor Charles Bukowski für eine Line herangezogen.

Das sorgt laufend für Unterhaltung – eben ganz wie bei seinen Battles. Besonders aufmerksame Fans können vereinzelt Zeilen aus alten Runden in den Tracks wiedererkennen, die der Rapper aus gutem Grund recyclet hat. Zu schade, wenn sie nur den RaM-Fans bekannt geblieben wären. Um den Bogen zu Rap am Mittwoch vollständig zu spannen: Die Instrumentals sind ausschließlich von 7inch produziert, der Andi bei einem Battle sah und ihn daraufhin ins Studio holte.

Gemeinsam schaffen die beiden ein absolut gelungenes Debüt, das nicht nur letzte Zweifel beseitigt, ob Andi den nächsten Sprung auf die große Rapbühne schafft, sondern sogar Selfmade Records davon überzeugt, ihn zu signen. Nur ein knappes halbes Jahr nach Release unterschreibt Karate Andi beim damals vielleicht wichtigsten Label und bringt sich in eine noch aussichtsreichere Position, um auch weiterhin die Kneipen zu terrorisieren.

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Um die Dramatik rund um die Trennung von Lauryn Hills Ex-Band Fugees ausführlich zu behandeln, bräuchte es einen eigenen Beitrag, aber dies ist gewissermaßen der Auslöser für ein Soloprojekt der damals gerade 23-Jährigen gewesen. Das zweite Album der Fugees, »The Score«, hatte sich zwei Jahre davor zu einem riesigen Erfolg aufgeschwungen und war zu diesem Zeitpunkt längst über die Grenzen von Hip-Hop und den USA hinaus erfolgreich. Ein Album, das sowohl dein Bruder als auch deine Mutter im Schrank gehabt haben und an Erfolg wohl kaum zu toppen sein könnte – haben zumindest alle gedacht. Lauryn aber hat mit ihrem Solodebüt bewiesen, dass man diesen Hype sogar noch übertreffen kann.

»The Miseducation of Lauryn Hill« bringt auf Albumlänge alle Stärken hervor, die sie auf »The Score« schon gezeigt hat und erweitert den Sound dabei sogar nochmal um einiges. Da ist die Leadsingle »Doo-Wop (That Thing)«, die ganz offen mit dem Pop flirtet und diese gewisse Massentauglichkeit mit sich bringt. Es gibt MTV-Awards, so weit das Auge reicht, für diesen Song – vom Besten R’n’B Video bis hin zum Video des Jahres ist alles dabei und lässt Lauryn zu einer der erfolgreichsten Künstlerinnen des Jahres werden.

Da ist aber auch der Rückbezug auf deutlich Hip-Hop-lastigere Tracks im Stile der Fugees mit Songs wie »Lost Ones« oder dem boombappigen »Final Hour«. Überhaupt kommen auf diesem Album – ähnlich wie bei »The Score« – viele verschiedene Klänge und Einflüsse zusammen. Reaggae, Gospel und R’n’B reichen sich ebenso die Hand wie Soul und ganz klassischer Rap in seiner Ursprungsform. Das lässt die knapp 70 Minuten des Albums zu keiner Sekunde erstarren, stattdessen passiert andauernd etwas Neues und man wird förmlich gezwungen dauerhaft zuzuhören. Da trifft es sich gut, dass die abwechselnd als Rapperin oder Sängerin auftretende Lauryn viel zu erzählen hat. Sehr viel sogar, denn das Drama rund um die Trennung von den Fugees sitzt ihr noch in den Knochen und will durch Musik verarbeitet werden. Dazu kommt eine Schwangerschaft, die auf »Miseducation« ebenfalls stark thematisch vertreten ist. Kurzum: Es kann gar nicht viel mehr Stoff geben, der dieses Album hätte legendärer machen können. Jeder Track erzählt eine Geschichte, es wird an manchen Stellen spirituell, an vielen emotional und an noch mehr einfach nur schön.

Was für viele fest als Startpunkt einer großen Solokarriere gesehen worden ist, entpuppt sich rückblickend als ganz kurzer Zenit in der Karriere der Ms. Lauryn Hill. Auf ihre Solodebüt folgt kein weiteres Album mehr, obwohl sie zu diesem Zeitpunkt wohl kaum hätte größer sein können. Wer weiß aber, ob folgende Alben ähnlichen Impact gehabt hätten oder daran hätten anknüpfen können. Es ist eine der vielen What-If-Geschichten des Hip-Hop. So oder so bleibt der Zauber rund um die kurze, aber dafür umso ertragreichere Zeit Mitte bis Ende der 90er auf ewig bestehen.

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Savas ist vor Veröffentlichung seines offiziellen Albumdebüts mit seinem expliziten Battlerap um die Nullerjahre bei Westberlin Maskulin und M.O.R. einer der kontroversestesten Rapper in Deutschland gewesen. Die Kompromisslosigkeit findet sich 2002 zwar auch noch auf »Der beste Tag meines Lebens«, doch auffällig – und vielleicht auch im Rückblick zukunftsweisend – sind die persönlicheren Passagen. So zeigt gerade der Titeltrack einen äußerst reflektierten KKS, der sich „von negativem Dreck“ entfernt und nach dem Sinn des Lebens sucht.

Ein weiterer Themensong des Albums ist »Keep It Gangsta«, auf dem Savas seinen Tribut an die ihn prägende Westcoast-Szene zollt. Niemand Geringeres als Kurupt aus South Central steht ihm dabei auf dem Track zur Seite, während KKS Referenzen an Snoop Dogg, Dr. Dre oder Luniz droppt. Kurupt bleibt auf dem Album dabei nicht das einzige US-Rap Feature, denn Royce Da 5’9, Tre Little sowie A-Plus von den Souls Of Mischief sind ebenfalls dabei und sorgen für einen transatlantischen Vibe. Die deutschen Antworten darauf kommen weitestgehend von seiner Optik-Crew, nur FFM-Representer Azad (hier unser »Leben«-Staff Pick)  kommt nicht aus den eigenen Reihen.

Seine Fans bekommen trotz tiefsinnigeren Teilen über weite Strecken natürlich trotzdem den battlenden Savas, der sich mit seinen unbeschönigten Lines wie gewohnt auf den gänzlich von damaliger Freundin Melbeatz austobt und kein gutes Haar an seiner Rap-Konkurrenz lässt. Trotzdem zeigte das erste eigene Album von Kool Savas bereits damals auf, dass er weit mehr als »LMS« und »Battlekings« ist.

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Nachdem der Atlanta-Rapper sich 2017 mit seinem selbstbetitelten Mixtape inkl. seines Durchbruchshits »Magnolia« erstmalig dem Hype gerecht wurde, der ihm seit den ersten Soundcloud-Veröffentlichungen drei Jahre zuvor prophezeit wurde, stand 2018 das erste offizielle Album an. In einer schnell mal nach der immer gleichen Formel klingenden Szene warf Carti mit seinem radikalen musikalischen Ansatz alle Normen über den Haufen. Auf dem 2017er Tape legte er den bereits da schon wüsten Grundstein seines Sounds, auf »Die Lit« bewies er, dass dieses Tape im Vergleich sogar noch konservativ klang.

Da sind die gefühlt wahllos eingestreuten Adlibs, die große Teile der Parts dominieren. Da sind die Vocalfragmente, die weniger Fokus auf die Lyrics und umso mehr Fokus auf die Delivery legen. Da sind die reduzierten Texte, die mal gemurmelt, mal geschrien und häufig einfach nur bis ins Endlose wiederholt werden. Kurzum: Es ist alles sehr minimalistisch, chaotisch und extrem gehalten. Vergleiche mit Punks und ihrem Sprengen von geltenden Regeln drängen sich geradezu auf – das Cover und Cartis allgemeine Ästhetik tun ihr Übriges, um diesen Vergleich weiter zu befeuern.

In dieses Chaos fügen sich die vielen Features des Albums nahtlos ein. Mal sind es komplette Gegensätze, die den Song erweitern, etwa wenn Grime-Instanz Skepta mit seinem ruhigen und gleichzeitig drückendem Flow auf »Lean 4 Real« den zweiten Part dominiert. Mal lassen sich Gäste aber komplett auf den Sound des Albums ein und versuchen in einer ähnlich spielerischen Art und Weise dem Beat ihre Eigenart aufzudrücken, z.B. wenn Young Thug auf »Choppa Won’t Miss« Carti Konkurrenz bei der Durchgeknalltheit von Geräuschen macht.

Beinahe eine Stunde vermischen Carti, sein Hausproduzent und elementar wichtiger Bestandteil des Konstrukts Pi’erre Bourne sowie seine Gäste so den modernen Trapsound mit weitergedachten Bestandteilen und sprengen ganz nebenbei die Grenzen des Möglichen – bis dato.

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»Halleluja« lebt von den scharfen, bitterbösen Zeilen, mit denen sich das Duo bereits über die Jahre einen Namen gemacht hat. Angefangen mit dem Titeltrack, in denen sich Audio und Yassin zu gottgleichen Gestalten aufschwingen und ihre eigene Version der biblischen Gebote vortragen, geht es über in das bereits angesprochene »Asia Box«. Wo der erste Track sich noch eher gegen die Gesamtgesellschaft gerichtet hat, werden jetzt auf dem zweiten Song vor allem die Deutschrap-Kollegen ins Visier genommen. Das Grundprinzip des Gegen-Alles-Und-Jeden-Schießens ist also klar und wird über die gesamte Länge hinweg von den beiden detailliert verfolgt. Punchlines über Punchlines gegen wahlweise Camp David tragende Patrioten, reimkettenzählende Deutschrapbubbles oder misogyne Schellenverdiener werden über Instrumentals von den Haus- und Hofproduzenten Dexter, Torky Tork oder Fid Mella zielsicher abgefeuert.

Zwischendurch gesellen sich noch die für cool befundenen Kollegen Nico K.I.Z und doZ9 auf einzelne Tracks und dürfen sich mit in den Rundumschlag einreihen. 50 Cent, Madlib und der Wu-Tang Clan sind zwar nicht selber vertreten auf »Halleluja«, werden aber durch kleinere und größere Referenzen ebenfalls geschickt in Szene gesetzt.

Und so ruft dieser Absacker in Musikform das Gegenteil von dem was er tun soll hervor – man möchte eigentlich mehr als nur diese halbe Stunde.

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