Kae Tempest – Statue In The Square

In Zeiten, in denen die Regierungen der Welt sich auf die falschen 1 % einschießen – um Laverne Cox zu zitieren –, ist Kunst als Protest wichtiger denn je. Es gibt gerade viele starke Stimmen in der Musikszene, die sich gegen den Status quo äußern, auch in den UK. Aber kaum eine Stimme bringt es so präzise auf den Punkt wie Kae Tempest auf dem Song »Statue in the Square«.

Wie immer schreitet Kae auf der feinen Linie zwischen Hip-Hop und Spoken Word, mit Lyrics, die eine ganz klare Ansage gegen die starke Trans*-Feindlichkeit und Diskriminierung von LGBTQIA+ Personen sind, die gerade massiv auf der Welt zunimmt. Über allem steht aber auch eine starke Message an alle Personen, die gerade darunter leiden: durchhalten und weitermachen, denn am Ende werden sie uns doch eine Statue bauen. Genau das macht diesen Song so bedeutsam und wichtig.
Kae Tempest trifft mit »Statue in the Square« ins Schwarze und liefert den stärksten Song der Woche. Wenn ihre UK-Fans ihr dafür keine Statue bauen, dann werden wir es auf jeden Fall tun.

“It’s not a disorder or a dysfunction / Disgusting the way they discuss us / But just ’cause a person’s not decent to me / Don’t mean they’re not decent to someone / The norm is not normal: it’s a construction / Designed to stifle the inner life and increase production”

Kae Tempest – Statue in the Square

Gxhan – APOPSI

Ein griechischer Künstler, der etwas außerhalb unserer normalen Bubble liegt, aber mal wieder zeigt, dass man die Sprache nicht sprechen muss, um die Musik zu fühlen. GXHAN kommt aus Athen und hat sich dort mit seinem alternativen Stil einen Namen gemacht, indem er gekonnt Rap mit unterschiedlichen Musikgenres verbindet.

Das neue Album heißt »APOPSI« und obwohl es an einigen Stellen noch etwas geschliffener sein könnte, macht es Spaß, sich das ganze Projekt zu gönnen. Teilweise bekommt man da richtig Nostalgie für die frühen 2000er und auch für die Soundtracks der ersten The Fast and the Furious Filme. Ein sehr spannendes Projekt, das uns definitiv dazu bringt, GXHAN nicht aus den Augen zu verlieren.

Goya Gumbani – Warlord of the Weejuns

Ein Künstler, der wiederum genau unsere Bubble trifft, ist Goya Gumbani. Geboren in Brooklyn und aufgewachsen in Südlondon, verbindet er in seiner Musik Rap mit Jazz und Neo-Soul und schafft dabei eine ganz spannende Dynamik, die weit weg ist von langweiliger Fahrstuhl-Dudel-Musik.

Sein neues Album heißt »Warlord of the Weejuns« und sollte UK-Fans von Ezra Collective, Jeshi und Lex Amor genauso überzeugen wie OG Hip-Hop-Heads, die ihren Kopf sonst nur zu neunziger Rap wippen. Ein sehr lässiges Album.

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Wenn man mit Mac Miller Fans spricht, ist den meisten das Album schon lange ein Begriff, denn inoffizielle Versionen irren bereits seit Jahren durchs Netz. Aufgenommen wurde »Balloonerism« 2014 und reiht sich somit zwischen den Projekten »Watching Movies With the Sound Off« und »Faces« ein. Im März 2023 bestätigte Madlib, dass er an einem bisher unveröffentlichten Projekt von Mac Miller arbeitete. Welches genau er damit meint, war zu dem Zeitpunkt noch nicht klar. Aufklärung gab es letztendlich knapp eineinhalb Jahre später, während des »Camp Flog Gnaw« Festivals, wo ein kleiner Teaser Trailer zwischen den Sets von Sampha und The Alchemist & Friends die Veröffentlichung des Albums bestätigte. Zudem wurde angekündigt, dass das Album von einem Kurzfilm unter der Regie von Samuel Mason begleitet wird. Seine Familie schrieb kurz darauf über Instagram:

Wir glauben, dass das Projekt sowohl die Breite seines musikalischen Talents als auch seine Furchtlosigkeit als Künstler zeigt. In Anbetracht der Tatsache, dass inoffizielle Versionen des Albums seit Jahren im Internet kursieren und dass die Veröffentlichung von Balloonerism etwas war, das Malcolm häufig als wichtig für ihn bezeichnete, hielten wir es für angemessen, der Welt eine offizielle Version des Projekts zu präsentieren.

Die Kunst der Weiterentwicklung

Als Künstler, dessen Musik von stetiger Weiterentwicklung geprägt war, zeichnete sich Mac Millers Sound bis etwa 2013 durch eine Coming-of-Age-Ära aus. Er war experimentierfreudig, lieferte gerne humorvolle Lines und zeigte seine jugendliche Seite. Das Jahr 2014 war eine der prägendsten Phasen in Mac Millers Karriere. Zum einen befand er sich mental in einer dunklen Zeit, zum anderen vollzog er einen bedeutenden Wandel. Er verließ das Pittsburgher Indie-Label Rostrum Records, bei denen er unter anderem das Mixtape »K.I.D.S.« und sein Debütalbum »Blue Slide Park« veröffentlichte, und wechselte mit Warner zu einem Major. In den darauffolgenden Jahren schlug er einen reiferen Weg ein. Seine Alben wurden konzeptioneller, die Songs wirkten durchdachter und erzählten zusammenhängende Geschichten. Mac setzte sich häufiger mit Themen wie Selbstreflexion, Liebe oder auch Vergänglichkeit auseinander. »Balloonerism« steht genau für diesen Übergang. Das Album spiegelt diese Phase der Entwicklung von Mac Miller wider – nicht nur zeitlich, sondern auch musikalisch.

Die vorab erschienene Single »5 Dollar Pony Rides« legt den Grundstein für das Album. Über ein verspieltes Jazz-Instrumental reflektiert Mac mit einer Mischung aus Sehnsucht und Frustration über eine komplexe Beziehung und die Hin- und Hergerissenheit zwischen sofortiger Aufmerksamkeit und einer tieferen emotionalen Bindung. Besonders hervorzuheben sind vor allem Thundercat am Bass (der beinahe auf jedem Song auf dem Album vertreten ist), Kintaro am Keyboard und die Percussions von Ronald Bruner Junior.

„Die erste Person, die an mich glaubte“

Der Name, der beim Blick auf die Tracklist sofort ins Auge sticht, ist SZA. Die 35-Jährige, die kürzlich mit der Veröffentlichung ihres Albums »LANA« sowie der Ankündigung einer gemeinsamen Tour mit Kendrick Lamar für Aufsehen sorgte, liefert ein echtes Highlight. Der Track »DJ’s Chord Organ« ist ein experimenteller und psychedelischer Trip, produziert von Mac Miller selbst und untermalt durch SZAs wunderschönen Gesang und bittersüßen Lyrics über Einsamkeit und Sehnsucht.

You’ve been up for three days with one nap
I know you miss the nighttime
I know you miss your lifetime
Tell me the truth about it

»DJ’s Chord Organ«

Der Song markiert die erste offizielle Zusammenarbeit der beiden Künstler und das obwohl sie bereits seit den Anfängen ihrer Karrieren immer wieder kooperiert haben. Mac Miller produzierte beispielsweise unter einem seiner vielen Alter Egos Larry Fisherman den Song »UR« auf SZAs 2014 erschienener EP »Z«. SZA trägt außerdem zum Chorus von »Friendly Hallucinations« bei und ist damit gleich zweimal auf dem Album vertreten. 2018 schrieb sie über ihn in einem Post:

Du warst die erste Person, die ich hier kennengelernt habe. Du hast mich jeden Tag zu dir kommen lassen und mir den Raum gegeben, so zu sein, wie ich wollte. Du warst für mich da auf eine Weise, die ich niemals in Worte fassen oder zurückzahlen kann. Meine Dankbarkeit dafür ist grenzenlos. Du warst die erste Person, die an mich geglaubt hat und mit mir etwas erschaffen hat.

Einblick in dunkle Gedanken

Emotional wird es auch auf dem Track »Funny Papers«, der ein absoluter Höhepunkt des Albums ist. Mac verbindet dabei positive und negative Aspekte von Zeitungsinhalten mit seinen eigenen Gefühlen. Der Song erzeugt mit seinem Text schon fast eine „beatlesque“ Stimmung und erinnert an den 1967 erschienenen Song »A Day in the Life«. Der Titel „Funny Papers“ wirkt dabei leicht paradox: Zum einen steht er für den humorvollen Teil der Zeitung, zum anderen spricht Mac Miller im Song über ernste und deprimierende Themen, begleitet von einem wunderschönen Klavier. Besonders eindringlich ist die Zeile: „Didn’t think anybody died on a Friday“ – eine Aussage, die besonders unter die Haut geht, wenn man bedenkt, dass Mac Miller selbst Jahre später an einem Freitag verstarb. Der Song endet mit den Worten „Why does it all matter?“ und hinterfragt damit die Vergänglichkeit des Lebens.

Die Songs »Do You Have a Destination« und »Stoned« greifen ähnliche Themen auf. Mac Millers düstere Gedanken und Texte über Drogenkonsum ziehen sich beinahe durch das gesamte Album. Zeilen wie „Need to let the drugs go. Tryna find Heaven, I get high but never come close“ auf »Do You Have a Destination« sind dabei nur eines von mehreren Beispielen.

Der Song »Shangri-La« ist ein ruhiger und atmosphärischer Track, der wie der Titel verrät, die Vorstellung eines paradiesischen Ortes aufgreift. Der Begriff „Shangri-La“ stammt ursprünglich aus dem Roman »Lost Horizon« von James Hilton, in dem er einen idyllische und abgeschiedenen Rückzugsort in Tibet beschreibt. Gleichzeitig bezieht sich der Titel auch auf Rick Rubins Musikstudio in Malibu, in dem Mac im Sommer 2014 viel Zeit verbrachte. Der spätere Song »Rick’s Piano« ist eine Hommage an diese Zeit.

Trotz der überwiegend positiv klingenden Instrumentals enthält das Album viele melancholische und bedrückende Stücke, die dabei vor allem in abstrakte Sphären ausschweifen und eine Seite des Pittsburghers zeigen, die man so nicht immer von ihm gewohnt ist. Für Fans seiner Mixtapes »Faces« oder »Delusional Thomas« dürften jedoch viele Parallelen erkennbar sein, da dort ähnliche Themen und Sounds aufgegriffen werden.

If I die young, promise to smile at my funeral
Yeah, it’s just a rule to follow
If you’re lax, you can lose tomorrow

»Shangri-La«

Ein Finale mit großer Wirkung

Neben dem bereits angesprochenen SZA-Feature gibt es auf dem Album einen weiteren besonderen Moment: Auf dem Track »Transformations« tritt Mac Millers als sein eben angesprochenes Alter Ego Delusional Thomas in Erscheinung. Der Track ist einer der experimentellsten des Albums und beeindruckt mit seiner psychedelischen Stimmung, die durch staubige Drums, das Zischen eines Feuerzeugs und das Klirren von Eiswürfeln in einem Becher eine düstere Atmosphäre erzeugt. Macs hohe und zum Teil verzerrte Stimme machen ihn zu einem der spannendsten Songs auf dem Album und zu einem Highlight in der Tracklist. Das Album endet mit dem Track »Tomorrow Will Never Know«. Ein Song, der das Album nicht besser hätte zusammenfassen können. Ein 12-minütiges, wunderschönes, düsteres und psychedelisches Epos über das Streben nach innerer Erleuchtung, das den Hörer bis zur letzten Sekunde in den Bann zieht.

Zum Abschluss sollte dennoch die Frage aufgeworfen werden, inwieweit sich ein posthumes Release wie dieses überhaupt genießen lässt. Auf dem Album finden sich, wie auf »Rick’s Piano« oder auf »Manakins«, direkte Bezüge zu Mac Millers Tod. Er spricht offen über das Thema, was dem gesamten Hörerlebnis eine ernüchternde Stimmung verleiht. Gerüchten zufolge empfand Mac »Balloonerism« damals als zu deprimierend und widmete sich stattdessen der Arbeit an »Faces«, welches er schließlich selber fertigstellte und der Veröffentlichung vorzog. Zwar wird aus dem Umfeld von Mac Miller immer wieder betont, wie wichtig ihm dieses Album gewesen sei, doch es bleibt unklar, welche Songs er tatsächlich für die Öffentlichkeit vorgesehen hatte. Thundercat schrieb 2020 in einem Tweet: „Nicht alles ist dafür gedacht, einfach so veröffentlicht zu werden. Mac und ich haben an vielen verschiedenen Dingen gearbeitet. Er hat das getan, was er für richtig hielt.“

Das sind natürlich alles nur Spekulationen und man muss dazu erwähnen, dass Mac Millers Familie bis jetzt hervorragende Arbeit geleistet hat, sein Vermächtnis und seine Privatsphäre nach seinem Tod zu wahren. Sie haben ausschließlich Projekte veröffentlicht, von denen sie sicher waren, dass Mac sie auch für eine Veröffentlichung vorgesehen hatte – was offenbar auch bei diesem Album der Fall ist.

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Jeden Freitag werden wir wieder aufs Neue mit Alben, EPs und Mixtapes überhäuft. Überfordert? Ja, definitiv. Aber keine Sorge, Mostdope schafft Klarheit im Dschungel der Neuerscheinungen mit einer Auswahl der besten internationalen Releases der vergangenen Woche.

Diese Woche wird es insgesamt etwas melancholischer und ruhiger bei den Internationalen Releases. Für alle, die sich von Nicki Minaj und ihrem Ensemble auf »FTCU (SLEEZEMIX)« nicht so wirklich abgeholt fühlen, empfehlen wir, sich mal ganz dem eigenen emotionalen Kosmos zu öffnen.

Headie One & Stormzy – Cry No More

Den Start machen diese Woche bei uns zwei unserer UK Lieblinge Headie One und Stormzy. Die beiden finden auf dem Track »Cry No More« erneut zusammen. Im Vergleich zu vorherigen Songs der beiden wie »Audacity« oder »Ain’t It Different« ist der Track deutlich ruhiger, aber durch die Produktion von Tay Keith und einem wirklich schönen Sample fehlt es dem Song nicht an Tiefe. Die Probleme in London sind nicht weniger geworden, aber zwei Vorbilder mehr gibt es hier auf jeden Fall. Eine erneut gelungene Kollabo der beiden, die das Wochenende bittersüß einstimmt.

PIP MILLETT – BETTER

Es wird zwar nicht wirklich fröhlicher dafür, aber noch etwas schöner auf dem neuen Song »Better« der Manchester Künstlerin Pip Millett. Zuletzt erschien ihre EP »Tell Jimmy« und wenn man sich das Cover der neuen Single etwas genauer anguckt, scheint diese auf ein größeres Projekt mit dem Namen »Tell Jimmy I’m Fine« hinzudeuten. Es geht um Herzschmerz, Selbstzweifel und einfach sehr viele Gefühle, die immer genau den Kern treffen. Aber genau deshalb gehen Pip Milletts Songs auch direkt unter die Haut, mit ihrer besonderen Stimme malt sie Bilder von Situationen, die nachvollziehbar sind und ganz große Emotionen beim Hören auslösen. Noch schöner am neuen Track ist die Live Version mit COLORS. Einfach mal die Kopfhörer aufsetzen und in Ruhe die Gedanken fließen lassen. 

BLUE LAB BEATS – BLUE ECLIPSE

Mal etwas anderes gibt es diese Woche vom künstlerischen Duo Blue Lab Beats und dem neuen Album »Blue Eclipse«. Entspannter Jazz, der genau das Richtige ist, um die Motoren der Woche mal einen Gang runter zu schalten. Mr DM & NK-OK die hinter Blue Lab Beats stecken überzeugen hier vor allem durch künstlerische Kollaboration und holen sich auf den meisten Tracks Unterstützung von bekannten und weniger bekannten Gesichtern dazu. Auch Nicht-Jazz-Fans können sich an den Songs mit IDK oder Kojey Radical erfreuen. Einfach mal ausprobieren und dem Album eine Chance geben. 

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Das Album wird von BLK ODYSSY promotet als »DIAMONDS & FREAKS – The Erotic Novel Of Love & Lust«. Die fünfzehn Tracks sind aufgeteilt in vier Kapitel, durch die uns Keisha Plum – die Holy Mother of Stank – und die Funklegende Bootsy Collins führen. Die Kapitel sind thematisch unterteilt und neben uns mit durch eine Achterbahn der Gefühle und Erotik. Dabei verlieren BLK ODYSSY hier trotz ganz anderer Thematik zum vorherigen Album kein bisschen an Atmosphäre.
Sämtliche Genres werden als Tool Box benutzt und jede Kollaboration sitzt perfekt. Jazz trifft auf P-Funk, Hip-Hop auf R&B und Soul und dennoch ist es kein Klischee und keine Nachahmung. Der Einfluss von Bootsy Collins und Parliament & Funkadelic ist zwar deutlich rauszuhören. Es ist aber vielmehr auch die Philosophie dieser, die BLK ODYSSY sich zu eigen macht, um Genregrenzen aufzubrechen. Es ist eine offene Studie über Lust und Begierde, die wir so nur sehr selten zu hören bekommen. 

CHAPTER 1 – DOPAMINE & HENNESSY

»Dopamine & Hennessy« ist nicht nur der Titel des ersten Kapitels sondern auch der Titel des ersten Tracks. Eingeleitet wird der Song durch Keisha Plum, gefolgt von einer scheinbar aufgewühlten Sprachnachricht einer betrogenen Liebhaberin. Sam Houston eröffnet den den Track mit expliziten Lyrics, die Intimitäten im Rausch von „Cocaine, Dopamine & Hennessy“ beschreiben. Neben Plum und Houston sind auch Bootsy Collins, CHERRI VALLI und Eimaral Sol zu hören. Letztere leitet dann vom Rausch in die Ekstase über.

Wessen Ohren danach noch nicht glühen, sollte beim zweiten Track besser hinhören. Die Hitze wird auf »Ms. Sweet Tea« in keinster Weise runtergedreht. Im Gegenteil, der Beat bleibt smooth und untermalt damit perfekt das Gefühl von endlos berauschender Leidenschaft:

Okay, verse two, keep it real, I hope my words don’t trip me / She taste like sweet tea, she must be from Mississippi / I’m feeling nervous so I spit outrageous shit / I said: “Girl, you look so good, I’d suck yo’ daddy’s..”
Pause.
I’m playing / But one can never be smooth when the dog in him is chasing / And I’m atomic dog, I’Il keep your secrets like freemason / Get learned me lesson, uh / I run your bath water, take a sip when you exit, come on

BLK ODYSSY auf »Ms Sweet Tea«

Why don’t you tell them, how we first met?

Der Wendepunkt des ersten Kapitels ist der vierte Song »Adam & Eve«. Nach der langsamen Ekstase bekommen wir nun einen Einblick in den Wahnsinn von BLK ODYSSY. Der Track fängt an mit einer Gitarre, die an Urlaube im Süden erinnert. Es geht um die erste Begegnung mit der „goddess of beauty“ oder eher „goddess of booty“. Anfänglich ein Engel, dann doch Lucifer welche ihm als erstes in die Welt des Kama Sutra einführt. „I was Adam and she was Eve“ mit der Aussage sich das Lied dann ab Minute 01:33 wendet. Der erste Geschmack führt schnell zur unbändigen Sucht, die den Protagonisten komplett einzunehmen scheint. Der Wahnsinn wird perfekt durch die unterschiedlichen Stimmen von Houston & Co. erzeugt. Der Song ist ein Zeugnis für Houstons lyrische Fähigkeiten.

Die Art in welcher die expliziten Lyrics vorgetragen werden, erzeugen eine sehr bildliche Szene. Produziert wurde »Adam & Eve« von BLK ODYSSY und Tedd Boyd. Zu hören sind Sam Houston, B-Lo und Cory Henry. Jazz trifft auf einen epischen Chor, der fast schon geisterartig immer wieder im Hintergrund ertönt. Durch das Saxophon und teilweise schon fast manisch wirkende Stimmengewirr kommt leicht der Gedanke an Kendrick Lamars »To Pimp A Butterfly«, speziell »u«. Definitiv eines der Highlights des Albums 

CHAPTER 2 – COOCHIE & BIG BOOTY

Nach der Verführung von der Sucht und Lust führt uns Bootsy Collins in das zweite Kapitel des Albums ein. Eröffnet wird Coochie & Big Booty mit drei Songs die bereits als Single-Auskopplungen dienten. »Honeysuckle Neckbone« ist ein Song, der einen trotz bereits intensiven Hörens nicht langweilt oder enttäuscht (zur Songreview geht es hier). Vertraut und wohlig erzeugt der Song eine sehnsüchtige und leicht wehmütige Atmosphäre, wozu auch Bootsy Collins als Feature beiträgt. Der Track ist so zähflüssig süß wie die Frau, die beschrieben wird. 

Nicht weniger süß, aber deutlich komplizierter geht es auf »You Gotta Man« feat. KIRBY weiter. Eine verbotene Affäre zwischen zwei Liebenden: “You gotta man, I got a girlfriend. I see you next lifetime“ heißt es im Refrain und der Gewissenskampf zieht sich auch durch den ganzen Song. Perfekte Ergänzung zu Houston ist in diesem Track KIRBY, die im zweiten Verse die Dinge aus der weiblichen Perspektive schildert. Spannend ist auch der Einsatz der Sitar, welche das Lied noch spannender macht und den Effekt von epischer Erzählung verstärkt. Der titelgebende Track des Albums »Diamonds & Freaks« featured keine geringere als eine Queen des US-Rap Rapsody. Nachdem Fans nun seit vier Jahren auf einen Nachfolger ihres Meisterwerks »Eve« warten, ist jedes Feature Gold wert. Umso schöner, dass sie auf diesem Projekt direkt zweimal zu hören ist. Obwohl Diamonds & Freak deutlich ruhiger ist, geht er auf keinem Fall unter. 

„500 Baccarat / She could smell the scent of lust / That’s an easy plot / This n**** loves pussy / Baptize him in her twat / She’s on top to be on top“

Rapsody auf »Diamonds & Freaks«

CHAPTER 3 – THE DEVINE STANK

Diamonds & Freaks leitet perfekt über in das dritte Kapitel. Wie ein roter Faden zieht sich die Stimmung von »Judas & The Holy Mother Of Stank« durch das ganze Kapitel. Es könnte keine besseren Narrators für dieses Album geben als Keisha Plum und Bootsy Collins. Produziert wurde der Song wieder von BLK ODYSSY selbst, dazu kommt mit The Alchemist ein besonderer Gastproduzent. Der Song spielt mit dem Grenzen zwischen Bedrohlichkeit und Verführung. Keisha Plum liefert den perfekten Ton für die epische Erzählung von Liebe, Lust und dem Spiel drum rum.

„Motherfuckers been ruthless / Seduction, seduce then remove / Who me? I got the juice / Silk sheet interludes / His favorite color nude / Erotica painted like art at the Louvre / Purple rain, comet trails, silver walks / Pillow talk / Pillow between his jaw and my hawk“

Keisha Plum auf »Judas & The Holy Mother of Stank«

Nach dieser Einführung fühlt sich »Pink Marmelade« mit der Künstlerin Eimaral Sol fast schon zu unschuldig an. Es geht um das erste High der ersten Liebe. Die erste Begegnung, die einen trotzdem schon an eine gemeinsame Zukunft denken lässt. Dennoch – auch diese Form von Begierde gehört in das erotische Buch der Liebe und Lust. Kleines Highlight ist hier auf jeden Fall auch Mono Neon am Bass.

»Pink Marmelade« ist ein Song, der beim Hören an sonnige Spaziergänge, Erdbeeren und klebrige Hände vom Eis essen denken lässt. Ein besonders schöner Kontrast auch zum extra funkigen Track »Broke Folk Funk«. Der Song ist das zweite Feature mit Rapsody. Diese steigt hier noch mehr in die Stimmung ein als im vorherigen Song. Die Bläser und Keys bringen das ultimative P-Funk Gefühl. Rapsody und BLK ODYSSY übersetzen es für unsere Zeit. Beim Hören gehen die Mundwinkel automatisch nach oben und der ganze Körper fängt an im Takt zu schwingen.

„Your respect is too expensive to be played for cheap ass / You a classic, not the kind that throw the diamonds in back / You too cute, he too toxic we got no time for that / And that applies to brothers too don’t let ’em catch you in traps“

Rapsody auf Broke Folk Funk

CHAPTER 4 – DIAMONDS & FREAKS

Ask yourself: “Are you a diamond, ore are you a freak?”. Diese Frage stellt uns Bootsy im Track »Ephesians« und eröffnet damit das letzte Kapitel des Albums. Die Frage reflektiert das ganze Album. Der Song ist ein explosiver Jazz-Song. Produziert von Alejandro Rios, JeMarcus Bridge und Juwan Elcock, allesamt Mitglieder von BLK ODYSSY. Begleitet von flüsternden Stimmen, mal deutlich hörbar, verschmelzen sie wieder mit dem Hintergrund. Wir bekommen hier wieder einen Einblick in das scheinbare Gefühlschaos.

Auf die Explosion folgt wieder die Ruhe. »Let Me Go« feat. Grace Sorenson wirkt fast schon wie eine kurze Pause. Der Protagonist nuschelt den Dialog gedämpft in sich hinein. Wobei man sich als Hörer*in nie sicher ist, ob er nur zur sich selbst redet. Die vielen Spielchen scheinen zu viel geworden sein. Der Spaß ist scheinbar vorbei. Wirklich schön wirkt hier die Harmonie von Sorenson und Houston, untermalt vom Piano und Saxophon.

Sweet like Orange Wine geht es auf dem gleichnamigen Track »Orange Wine« weiter. Es geht wieder um die Zerrissenheit und schwere Entscheidungen. Das letzte Kapitel des Album trägt den Konflikt zwischen Schwere und Zerbrechlichkeit aus. Die Schattenseite zur reinen Ekstase zuvor. Aber dennoch so süß, dass man sie nicht missen möchte. Die Gitarre ist sanfter, auch der Bass versucht bloß nicht zu aufdringlich zu werden.

Should we let it grow?

Der letzte Song »Let It Grow« knüpft genau an dieser Zerbrechlichkeit an und ist dabei fast schon unschuldig zart. Das Gefühl wird durch Sam Houston betont. Unterstützt von der Sängerin Stout, offenbart er in seiner Stimme eine rohe Verletzlichkeit. Dabei versucht er der Frage nachzugehen, ob man die Blume – als Sinnbild für die Liebe – wirklich wachsen lassen sollte. Diese rohe Zärtlichkeit wird noch unterstützt durch das Murmeln eines Babies. Zusammen mit der Flöte verschmilzen beide immer wieder mit der Musik. Im Kontrast dazu stehen Saxophon und Piano, die sicher durch das Lied führen. Zusammen untermalt dies wunderschön den Gedanken vom Wachsen der Beziehung zu etwas neuen und stärkerem. Nach der wilden Achterbahnfahrt zuvor ein passender, bittersüßer Ausklang für »Diamonds & Freaks«.

ARE WE DIAMONDS, OR ARE WE FREAKS?

Ganz im Sinne von musikalischen Vorbildern wie P-Funk, Kendrick Lamar und OutKast ist »DIAMONDS & FREAKS« ein musikalischer Aufbruch. BLK ODYSSY brechen mit dem langweiligen, generischen Pop-Funk-Rap, der gerade unsere Radios bestimmt. Dadurch schaffen sie eine eigene Religion aus dessen Trümmern. Es ist Musik für Musikliebhaber. Die Geschichte wird langsam über das ganze Album erzählt. Ein Konzeptalbum, auf dem Begierde, Leidenschaft und nahezu alle Facetten von Intimität erforscht werden. Sam Houston läutet eine neue Era des Funks ein. Einhundert Prozent freaky, nasty und gleichzeitig aber auch sehr verletzlich und offen. Klar, es geht um Sex und Sex sells. Aber die Art und Weise, in welcher BLK ODYSSY darum ein ganzes Album entwerfen lässt uns nur den Hut ziehen.

Wer es schafft mit nur zwei Alben schon einen so komplett eigenen Sound zu kreieren, hat alle Lorbeeren verdient. »DIAMONDS & FREAKS« ist wie der Titel sagt ein Juwel für Freaks. Eine kleine musikalische Revolution von der immer gleichtönenden Einöde. Um Keisha Plums Worte zu wiederholen: „All that is good is nasty“ und das ist »Diamonds & Freaks« auf jeden Fall.  Nach Track 15 muss sich jede*r persönlich mit der Frage auseinandersetzen: Sind wir Diamanten oder Freaks?

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