Fatoumata Diawara – Fala

Fatoumata Diawara ist eine Künstlerin, die wir wie so viele andere erst durch die Band Gorillaz entdeckt haben. Auf deren Album »Song Machine, Season One: Strange Timez« arbeitete sie mit der illustren Band auf dem Track »Désolé« zusammen. Seitdem gab es noch einige andere Kollaborationen zwischen ihr und Damon Albarn, mal für ihre Solo-Projekte und zuletzt für das Africa Express-Album »Bahidorá«. Der neueste Track von Diawara heißt »Fala« und ist mal wieder der beste Beweis, dass Musik jegliche Sprachbarriere überwindet und man Musik auch einfach fühlen kann. Fatoumata Diawara kommt aus Mali und singt häufig, wie auch auf diesem Song, in ihrer Muttersprache Bambara. Im Refrain wechselt sie dann auf Englisch (sie singt aber auf anderen Tracks auch Französisch).

»Fala« ist ein fast zarter Song mit einer leichten Gitarrenmelodie, sehr sanften Drums und zarten Backing Vocals, die allesamt dazu dienen, Diawaras starke Stimme sanft einzubetten. Auch wenn wir kein Wort Bambara verstehen, läuft uns beim Hören absolute Gänsehaut über den ganzen Körper. Der Song ist die erste Single für das Album »Massa«, welches am 5. Juni erscheinen soll. Wer von der Musik genauso verzaubert ist, hat die Chance, Fatoumata Diawara im November live in Berlin, München oder Hamburg zu sehen.

Isaiah Rashad – SAME SH!T

Womit wir ehrlicherweise gar nicht mehr gerechnet haben, aber leider auch, weil er in den letzten Jahren ein bisschen untergegangen ist zwischen den anderen sehr starken TDE-Artists, ist Isaiah Rashad. Diese Woche haben dann seine Kolleg*innen wie Doechii, ScHoolboy Q und SiR alle über Social Media »It’s Been Awful« gepostet. Denn nach fünf Jahren wird Rashad am 01. Mai sein neues Album veröffentlichen. Sowohl der Albumtitel wie auch der Name der neuen Single »SAME SH!T« lassen vermuten, dass die letzten Jahre für ihn wohl eher nicht so rosig waren und es einiges zu verarbeiten gibt. Die neue Single freut uns zwar sehr, überzeugt uns aber nur so semi. Wir sind aber dennoch gespannt auf das ganze Album.

Wesley Joseph & Jorja Smith – July

Nach vier sehr überzeugenden Singles ist es endlich so weit und Wesley Joseph hat diese Woche sein neues Album »Forever Ends Someday« veröffentlicht. Neben der bereits veröffentlichten Single »Peace Of Mind« mit Danny Brown hat er zusammen mit dem Album auch den neuen Song »July« mit Jorja Smith rausgebracht. Die beiden Artists haben bereits auf Josephs erstem Album »ULTRAMARINE« zusammengearbeitet. Als Fan von beiden sind wir verständlicherweise sehr begeistert. Neben den Singles überzeugt uns das Album durch seinen typischen, leicht surrealen, dystopischen und manchmal auch etwas melancholischen Sound, der ab und zu auch tanzbar ist, aber wirklich mit jedem Track Kopfkino auslöst. Sehr schönes Projekt.

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Kofi Stone – Gardener Flow

Ein Song für alle Fans, die gestern schon beim Konzert in Köln waren oder morgen Karten für Hamburg haben. Es geht um den Mann mit den “mad man flows” oder auch dem Mayor of Brum, Kofi Stone himself. Der Rapper aus Birmingham befindet sich zurzeit auf seiner
»All The Flowers Have Bloomed« Tour, um das gleichnamige Album auch endlich hierzulande live zu performen. Mit dem neuen Track »Gardener Flow« führt er seine blumige Ära noch etwas weiter. Wer Stone bis jetzt noch nicht kennt, lebt wahrscheinlich unter einem sehr großen Stein. In den UK ist er schon seit längerem bekannt für seine Lyrics, in denen er sehr persönlich über sein eigenes Leben und die Welt reflektiert.
Dabei kann er lange, verzwickte Geschichten erzählen, von denen sich andere noch eine Scheibe abschneiden können. Hinzu kommen dann meist noch sehr entspannte Beats, die vielleicht weniger aufregend sind als einige der modernen Drill-Beats, die gerade deutlich mehr Aufmerksamkeit bekommen, aber dafür hat Kofi Stones Musik einen Mehrwert, der anderen populären Songs fehlt. Wir freuen uns sehr und sind Samstag im Mojo Club auf jeden Fall am Start.

Earl Sweatshirt, MIKE & SURF GANG

Fans werden es die letzte Woche mitbekommen haben: Earl Sweatshirt war fleißig am Singles veröffentlichen und nun gibt es das neue Album »POMPEII // UTILITY«. Das Album ist in Kollaboration mit MIKE entstanden und in zwei Teile aufgeteilt. Alle 33 Tracks wurden von der Gruppe SURF GANG produziert, einem Kollektiv an Producern und Rappern aus New York. Ein bisschen gibt Earl damit als ODD FUTURE-Veteran die Fackel an die nächste Generation ab. Earl hören wir bis auf einen Track erst im zweiten Teil und es ist auf jeden Fall ein Album für Fans und Liebhaber und nichts, das großartig im Mainstream Erfolg haben wird. Aber genau das ist ja die Erfolgsformel des Artists und wer die Zeit hat, sollte sie sich auf jeden Fall nehmen.

SWAE LEE & Jhené Aiko – MURAL

Es ist leider kein Track aus dem Soundtrack für den nächsten Spider-Verse Film, hört sich aber fast danach an. Was daran liegen könnte, dass Swae Lee an beiden bisherigen Soundtracks beteiligt war. Nun hat Lee aber ein neues Solo-Album rausgebracht und es ist irgendwie genauso, wie wir es erwartet haben. Einige Songs gefallen uns, einige dann wieder gar nicht. Bleiben wir beim Positiven: Überzeugt haben uns bisher »EVERYONE WANTS«, »TAKE MY HEART« und dann eben noch »MURAL« mit Jhené Aiko. Die beiden haben schon auf diversen Tracks zusammengearbeitet und auch diesmal stimmt die Chemie. Insgesamt ist das Album »SAME DIFFERENCE« aber mit dem Namen ein bisschen zu nah an dessen bisherigem Sound. Vielleicht fehlt uns aber auch einfach nur Metro Boomin im Producer-Line-up.

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The Sessions beim DNA Weekender 2025

Der Samstag beginnt mit The Sessions – powered by ARD Kultur, dem Auftakt einer bundesweiten Workshop-Reihe in Kooperation mit Deutschrap ideal. Erwartet werden über 500 Hip-Hop-Akteur:innen. Drei Formate stehen auf dem Programm: Songwriting mit JokA, Rapper und Bremen-Next-Moderator, HipHop x Mental Health mit Aylo sowie Be Your Own Brand mit Wavyjosh, Deutschlands größtem Deutschrap-Content-Creator. Durch das Programm führt Host Simon Tellz. Mit The Sessions wird eine neue Reihe gestartet, die Hip-Hop-Themen erstmals in einer bundesweiten Workshop-Tour bündelt und in Hamburg Premiere feiert.

2-vs-2 All-Style-Battle

Am Nachmittag startet die Preselection für das 2-vs-2 All-Style-Battle. Die teilnehmenden Teams qualifizieren sich in Vorrunden und treten anschließend in mehreren Runden gegeneinander an. Das Siegerteam gewinnt 1.000 Euro Preisgeld und zusätzlich eine Reise nach Paris zum Snipes Beyond Doubt Battle, inklusive Unterkunft und Teilnahme.

Battle of the Year Central Europe

Der Sonntag steht im Zeichen des Battle of the Year Central Europe in der Großen Freiheit 36, einer internationalen Reihe, die seit den frühen 1990er-Jahren Breaking-Crews weltweit zusammenführt. Das Format läuft als „4 Districts – Germany Edition“: Vier All-Star-Teams aus Nord, Süd, Ost und West treten im All-Battles-All Modus gegeneinander an. Die beiden besten Crews bestreiten das Finale, bei dem 10.000 Euro und die direkte Qualifikation für die nächste Ausgabe 2026 auf dem Spiel stehen.

Tickets für den DNA Weekender 2025

Tickets und Registrierung für alle Programmpunkte – Workshops wie Battles – laufen über and8.dance. Dort werden auch Zeitpläne und weitere Informationen veröffentlicht.

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IMAGINE TOGETHERNESS

Wie jedes Jahr findet das Reeperbahn Festival unter einem rahmengebenden Motto statt, das sich quer durch die vier Tage zieht und den Status Quo der aktuellen Musikszene ein wenig einfängt. 2025 heißt es nun Imagine Togetherness und wenn man tief in sich geht, ist das ein Aufforderung, die deutlich mehr als die knapp 45.000 erwarteten Besucher*innen betrifft. Wo derzeit vor allem Konflikt, Spaltung und Hetze regieren, ist es bitter nötig, dass Momente entstehen, die an Gemeinschaft und wertschätzenden Umgang erinnern.

Dass Musik Momente wie diese schaffen kann, daran zweifelt wohl niemand, wenn man sich dieser Tage die Reunion-Auftritte von Oasis oder die gemeinschaftlichen Anstrengungen rund um das beinahe abgebrannte Tomorrowland vor Augen führt. Mit dem Reeperbahn Festival werden Zusammenkünfte gleich zweierlei möglich: da ist zum einen das Conference-Programm, bei dem Showcases, Receptions, Panels, Matchmakings und jede Menge andere Möglichkeiten zum Sprechen gegeben sind. Egal, ob es der derzeitige Stand der Musikindustrie, die Diskussion über oder Mentoring-Programme sind, der Conference-Teil legt viel Wert auf Networking, Zusammenkommen und Austausch.

LINE UP

Doch natürlich soll die Musik selber auch im Fokus stehen, denn immerhin genießt das Reeperbahn Festival seit nun zwei Jahrzehnten den Ruf, die vielversprechendsten und aufregendesten Künstler*innen aus allen Genres und Ländern im Line Up stehen zu haben – Jahre bevor sie die größten Hallen füllen und zu großen Stars heranwachsen. Charli XCX, Bon Iver, Apache 207, AnnenMayKantereit, Nilüfer Yanya, Berq: die Liste an Artists mit späterem großem Erfolg ist schier endlos.

Auch in diesem Jahr kann das Booking wieder spannende Acts en mas präsentieren. Seien es up-and-coming Deutschrap-Artists wie Charlize, FRISO, Tape Head & NONI oder Marnele oder bereits etabliertere Künstler*innen wie Die P, Ahzumjot, Lugatti oder RAPK, alleine für Fans von deutschem Hip-Hop scheint das Line Up wie gemacht zu sein. Doch so gut wie jedes erdenkliche Genre findet seinen Platz in dem mittlerweile fünf Seiten füllende Aufgebot. Mit Daniel Caesar, Luvcat, Pip Millet und Yukimi sind auch die internationalen Acts breit und weit aufgestellt.

TICKETS

Tickets für das Reeperbahnfestival 2025 können noch auf der offiziellen Website erworben werden. Dabei können sich Besucher*innen noch zwischen Tarifen für den einzelnen Tag oder das ganze Programm von Mittwoch bis Samstag entscheiden. Für die Conference gibt es auch separate Tickets. Allen in Hamburg und Umgebungm denen das nötige Kleingeld fehlt, die aber trotzdem mal ein wenig gucken wollen, können wir nur wärmstens die Flaggstock Posterausstellung auf dem Heiligengeistfeld ans Herz legen. Hier können Siebdruckposter von internationalen und heimischen Künstler*innen erworben – oder auch einfach nur bewundert – werden. Besonders für Musikliebhaber*innen sollte da das ein oder andere einzigartige Konzertposter zu finden sein.

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In diesem Interview spricht Julia Gröschel über die Vision hinter dem Format und die Kraft von Live-Momenten. Sie erzählt von ihrer Beziehung zu Hip Hop und den Herausforderungen in der Industrie. Es geht um Mut, den Anspruch an sich selbst und darum, was passiert, wenn man sich mitten im Aufbau schon raus traut – auf die Bühne, ins Gespräch und zurück zur Community.

DIE VORBEREITUNG

Was war deine Idee hinter dieser Tour?

Für so viele Projekte, wie mein eigenes, ist es einfach super schwer, heutzutage digital Gehör zu finden und somit auch organisch zu wachsen. Es gibt so viele Sachen, es gibt so viel Content, und ein Podcast ist auch nur ein weiteres Content Piece – und dann auch noch super longform. Das heißt, die Leute müssen auch Bock haben, sich das eine Stunde zu geben. Und in einem Zeitalter, wo alle nur noch drei Sekunden Aufmerksamkeit haben, habe ich für mich die Lösung gefunden, dass wir uns wieder offline treffen können und wirklich einen Community-Space schaffen, in dem es wieder möglich ist, einem Gespräch zuzuhören, einen Impuls mitzunehmen und in den Austausch zu kommen.

Wir werden es auch trotzdem digital verlängern und als Podcast rausbringen. Das heißt, es war für mich so ein bisschen Best of both Worlds: Ich schaffe endlich den Fokus wieder auf das Offline-Geschäft. Und ich liebe einfach Live-Sachen, ich liebe Konzerte.

Hast du eine Location oder eine Person, auf die du dich besonders freust oder bei der du vielleicht auch ein bisschen aufgeregt bist?

Ehrlicherweise bin ich auf jede Show gespannt, weil die so individuell ist. Das heißt, wir haben kein Schema F, das wir jetzt immer abfrühstücken, und wir sagen nicht: „Ja, jede Show ist gleich und es ändert sich quasi nur der Gast.“ Das heißt, alles ist super individuell, und darauf freue ich mich.

Eine Sache, auf die ich sehr gespannt bin, ist die Show im Admiralspalast in Berlin. Das ist ein sehr geschichtsträchtiges, riesengroßes Theater, wo noch nie Hip-Hop in der Form stattgefunden hat. Und ich greife jetzt die Möglichkeit beim Schopf und sage: Das ist zwar für unsere Verhältnisse viel zu groß – also da passen 1.700 Leute rein, das ist komplett gestört. Aber I’ll give it a try. Das wird ganz sicher eine sehr, sehr besondere Produktion. Das heißt, da versuche ich, das eh schon neue Konzept „Podcast und Konzert“ dann auch noch in einem solchen Setting. Es wird spannend, ob und wie uns das gelingt.

Bereitest du dich auf einen Live-Podcast genauso vor wie auf eine Studioaufzeichnung? Oder lässt du das eher wie ein richtiges Event wirken? Kann man sich überhaupt so richtig darauf vorbereiten?

Ich sage mal, der Anfang der Vorbereitung ist der gleiche. Man geht in die Recherche, man scannt das durch, hört und guckt sich alles an, was es schon gibt. Da habe ich auch Unterstützung. Dann schreibt man ein Skript, damit ich einen Gesprächsfaden habe. Das heißt nicht, dass ich mich immer 100 % an diesen Faden halte. Aber ich möchte eben doch eine Interviewsituation haben und nicht nur eine reine Gesprächssituation. Ich möchte etwas aus meinen Gästen herauskitzeln und dass die Zuhörenden auch etwas mitnehmen aus dem Podcast. Es kann auch sein, dass ich mir ein ultralanges Skript schreibe und am Ende hatte ich ganz viele Fragen, die ich einfach nicht gestellt habe. Weil entweder gerade ein Moment entsteht bei einem Thema, wo ich sage: Okay, das ist gerade so special und so intim, da kann ich jetzt keinen harten Cut machen. Das heißt, das ist immer super individuell.

Aber was gleich ist: die Recherche und das Skriptschreiben. Und dann unterscheiden sie sich natürlich signifikant, dass das eine vor Publikum ist und das andere nicht. Sprich, man ist mit Publikum natürlich aufgeregter als im Studio. Und man muss das Publikum auch ein bisschen lesen, versuchen, sie noch mal ein bisschen zu hooken oder auch mit Humor zu arbeiten. Es gibt viele Parallelen, aber natürlich – emotional – ist live viel auftreibender als eine Studiofolge für mich.

DER EIGENE ANSPRUCH

Du bringst deine Arbeit bewusst aus dem digitalen Raum auf die Bühne und suchst den direkten Kontakt mit dem Publikum. Geht es dir dabei auch um das unmittelbare Feedback – also um mehr als nur Likes oder Kommentare im Netz? Gibt dir die Live-Reaktion ein anderes Gefühl der Bestätigung?

Ich muss sagen, ich ziehe keine Bestätigung per se aus dem Podcast. Deswegen mache ich das nicht, damit Leute sagen: „Du bist so toll.“ Mir geht es um die Mission dahinter. Ich möchte Einblicke in die Industrie geben und eine andere Gesprächsführung haben als die, die in den anderen Medien gerade häufig stattfindet.
Bloß, ich bin eine Frau – eine junge Frau. Darüber kann man streiten: Was ist jung, was ist alt? (lacht) Und die Stimmen gibt es ja eh schon viel zu wenig überall. Das heißt, ich finde es auch wichtig, dass man mal eine andere Perspektive hört – in dem Fall meine –, als jemand, der auch Erfahrung in der Industrie und mit Künstler*innen hat. Ich bringe also ganz viel Expertise mit, weswegen ich ein Gespräch auch einfach nochmal anders führen kann und ein bisschen tiefer gehe und schneller zum Punkt komme, weil ich es eben verifizieren kann.

Und was ich selber als Konsumentin nicht so gerne mag, ist dieses „Abkumpeln“ und man erzählt sich irgendwelche Geschichten, wie geil es früher alles war. Das finde ich ultra boring. Also, was soll ich da mitnehmen? Es sind immer die gleichen Geschichten, die da kommen. Und deswegen versuche ich, einen journalistischen Anspruch an meine Folgen zu haben. Dass man sagt: Klar, man kann lustige Momente haben, man kann auch oberflächliche Momente haben – das ist alles cool. Aber ich sehe es als Infotainment. Man ist eben auch unterhalten und kriegt jetzt nicht eine Stunde Frontalunterricht.

Unterscheidet das »Hip Hop Lebt« von einem klassischen “Laber-Podcast” ?

Ich meine Laber-Podcasts können auch Entertainment sein. Und wie man das bewerten möchte oder wann man was konsumieren möchte, ist ja sowieso nochmal eine ganz andere Frage. Denn manchmal braucht man auch dieses leichte Entertainment. Ich will die anderen Formate damit gar nicht downgraden. Ich sage nur, dass ein Podcast, so wie ich ihn mache, auch eine gewisse Schärfe braucht. In der Recherche, in der Durchführung und es eben kein Laber-Podcast ist, die genauso ihre Daseinsberechtigung haben. 

Aber ein Gespräch zu führen, auch den Raum für den Gast zu lassen, ist mir sehr wichtig. Oft habe ich natürlich auch meine eigene Meinung und würde am liebsten auch etwas dazu sagen, aber an dem Punkt ist es dann einfach wichtig zu wissen, dass es nicht um mich geht in dem Fall. Denn ich bin eher das Medium, um die Message von dem Gast zu transportieren. Das Feingefühl zu haben, wann man bei einem Thema bleiben sollte und wann man es liegen lassen sollte, ist halt mental schon ein 100-Meter-Lauf. Ich glaube dieses Bild passt ganz gut. Ein Podcast hat ja leider oft den Stempel: diese Person redet einfach nur drauf los.

EIN BLICK ZURÜCK

Wusstest du schon immer, dass du das machen möchtest, also dass du deine Stimme nutzen möchtest und als Medium, wie du es ja beschrieben hast, zu arbeiten?

Ich wollte schon sehr lange so ein Format machen, aber es hat sich nie wirklich passend angefühlt. Ich hatte einfach nicht das Gefühl, dass ich voll und ganz dahinterstehe. Vor über zehn Jahren habe ich an einem kleines Interviewformat auf YouTube mitgewirkt – im Rahmen einer Veranstaltungsreihe. Wir haben dort Backstage einfach Künstler*innen interviewt. Das war ganz simpel, aber es hat mir einen ersten Eindruck gegeben, wie sich das anfühlt. Und da habe ich gemerkt: Ich kann das. Es liegt mir. Damals bin ich selbst überall hingefahren, habe viel organisiert – auch als bewusster Kontrast zu den Jungs, mit denen ich das gemacht habe. Die meisten Künstler, die wir gebucht haben, waren männlich.

Es war eben eine andere Zeit – vor elf, zwölf Jahren. Ich sollte da so ein bisschen “die Frau im Raum” sein – als Kontrast. „Setz dich mal hin, mach das mal“ – so ungefähr. Und da habe ich gemerkt: Das macht mir Spaß. Besonders der Kontrast: Ich bin eben kein Kumpel. Kein Bro. Mit mir kann man nicht einfach locker rumhängen, Joints rauchen. Allein dadurch, dass mich viele nicht kennen, entsteht automatisch eine gewisse professionelle Distanz – und das ist ein Vorteil. Ich kann dadurch kritische Fragen stellen. Nicht, weil ich jemanden bloßstellen oder roasten will – sonst würde ich die Person ja gar nicht einladen. Aber kritische Nachfragen sollten möglich sein. Ich will kein reiner Feelgood-Podcast sein. Ich will auch Themen ansprechen, die kontroverser sind – vor allem dann, wenn ich weiß, dass mein Gast dazu eine klare Meinung hat.

Die Idee hatte ich also schon lange, aber erst mit »Hip Hop Lebt« vor zweieinhalb Jahren habe ich mich wirklich bereit dafür gefühlt. Persönlich. Und auch, was mein Standing betrifft. Denn wenn man sich in die Öffentlichkeit stellt, wird man – ob man will oder nicht – bewertet und kommentiert. Und das hätte ich in jüngeren Jahren sicher nicht so leicht weggesteckt wie heute.

Erinnerst du dich an diesen einen Moment, in dem du zum ersten Mal das Gefühl hattest, dass Hip-Hop mehr ist als nur Unterhaltung, sondern etwas, über das du in deiner Arbeit sprechen möchtest? Und wie hat sich deine Beziehung zu Hip-Hop seitdem verändert?

Ich glaube, ich habe gar keine andere Wahl, als über Hip-Hop zu sprechen, über Kultur zu sprechen und über das Ökosystem, in dem ich mich bewege, nämlich Musik- und Medienindustrie – das ist zu 100 Prozent meine Expertise. Da kenne ich mich aus, das heißt, es wäre für mich jetzt auch völlig out of character, über Fashion zu sprechen. Also, ich schließe das jetzt nicht kategorisch aus, dass ich irgendwann über etwas anderes sprechen werde, aber intrinsisch ist das immer mein erstes Thema, worüber ich mit Leuten auch sprechen möchte. Also, ich bin vielleicht älter geworden und bin gereift, aber meine Liebe und mein Verständnis für Community und Kultur sind gleich geblieben. Und ich möchte einfach etwas zurückgeben, was mir Hip-Hop gegeben hat. Ich versuche einen Beitrag beizusteuern mit den Mitteln, die ich habe.

Podcast ist ein super dankbares Format, weil es eben auch so lang ist und so individuell, vom Gast abhängig. Man hat die Möglichkeit in die Lebensrealitäten von Künstler*innen, die man feiert oder z.B. von Songwriter*innen, die Nummer-Eins-Hits geschrieben haben, einzutauchen. Was geht denn in denen vor, also sind das normale Menschen oder sind die komplett fernab von meiner Realität? Was sind die Struggles, die die haben? Sind die auch mal unsicher? Wie gehen die mit Streaming-Druck um? Wie gehen die mit Geldsorgen um? Und all das mal wirklich auf den Tisch zu packen um am Ende festzustellen: Überraschung, wir sind alles nur Menschen.

WÜNSCHE

Gibt es denn irgendjemanden, den du gerne mal als Gast in deinem Podcast hättest, egal ob realistisch oder Träumerei? 

Man sagt ja, never meet your idols, von daher, mit Drake wäre bestimmt witzig. Da weiß ich aber nicht, ob ich das wirklich machen wollen würde (lacht). Also klar, ich habe halt gewöhnlich so ein paar Idole, Drake, Stormzy, Skepta, Jack Harlow. Das sind so meine Idole, bei denen ich sage, oh Gott, da würde ich wirklich Schnappatmung bekommen, wenn sie plötzlich vor mir stehen. Aber ich finde auch einige Leute aus der Industrie interessant. Persönlichkeiten wie Scooter Braun, dem ehemaligen Manager von Taylor Swift und Justin Bieber. Ich glaube, mit dem könnte man über so einiges sprechen. Bei Personen wie bei ihm ist das Problem, die haben dann natürlich auch ihre Standardantworten, da kommst du wahrscheinlich eh nicht durch und das Gespräch wäre wahrscheinlich nicht wirklich spannend. 

Aber ich möchte mich tatsächlich, auch wenn es um meine Gäste geht, gar nicht festlegen. Denn ich habe das Gefühl, es kommt auch immer zu einem. Das heißt, ich versuche die Sachen nicht so zu forcieren und lasse mich da auch einfach ein bisschen treiben. Das ist ein ganz guter roter Faden, für dieses ganze Projekt: einfach offen zu sein, du als Person, aber auch deine Zuhörer*Innen. Ich glaube, das fasst es ganz gut zusammen.

Gibt es denn noch eine Sache oder eine Information, die du Leuten mitgeben möchtest, bevor sie zum Beispiel zu einem Live-Event kommen oder sich in diese Welt rein begeben? 

 Neugierig zu sein, Lust auf etwas Neues zu haben und auch wieder ein bisschen der Kuration von Menschen zu vertrauen, weg von einem Algorithmus und einer KI. Viele denken sich wahrscheinlich: Ich kenne sie nicht, was ist »Hip Hop Lebt«? Die Zahlen sind auch noch nicht so doll, bla bla bla. Etwas, das irgendwie jeder von uns heutzutage macht: Man scannt erst mal ab, und ganz oft ist die Reaktion: Ich kenne das nicht, das wird von niemandem gehört, interessiert mich nicht. Ich würde mir wünschen, dass Leute sagen: Okay, ich kenne es vielleicht nicht, aber ich mag Hip-Hop, ich mag Gespräche.

Es ist mein Wunsch, dass die Leute einfach offen bleiben und sagen: Hey, ich interessiere mich für das Thema. Ich interessiere mich für Hip-Hop, für Kultur, vielleicht für die Musikindustrie, für persönliche Entwicklungen. Dass sie dem Ganzen eine Chance geben – das würde ich mir wünschen. Das ist ja auch im Grunde genau das, was alle an dieser Industrie oder an dieser ganzen Bubble – mich jedenfalls – total inspiriert: Wenn man dem Ganzen offen gegenübersteht, kriegt man super viel zurück.

Gibt es sonst noch irgendwas, das du gerne zu dieser Tour noch loswerden möchtest? 

Dass wir die Ersten sind, die das machen. Wir sind so wirklich die Ersten, die Podcast mit einem Live-Konzert verbinden. Und auch der Mut, den wir als Team haben. Das bin ja nicht nur ich, die man vorne sieht. Es sind ja immer Leute im Hintergrund, die mit mir an dem Projekt arbeiten. Sie sorgen dafür, dass es so aussieht und auch inhaltlich so ist, wie es ist. Und diesem Team bin ich jeden Tag dankbar, dass die mit mir an dieser Vision zusammenarbeiten. Und dafür, dass wir aus eigener Kraft was auf die Beine stellen und jetzt mutig genug sind, unser kleines Format, was noch mitten im Aufbau ist, auf die Bühne zu bringen.

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Neben Rap scheint aber auch noch eine andere Konstante sein Leben zu begleiten: das Spielen. Sei es sein Album »Spiel des Lebens«, das »Kopf oder Zahl«-Tape oder Songs wie »Dice Freestyle« und »Kartentrick« – Tom Hengst ist immer auf der Suche nach dem Plus. Kein Wunder, dass seine neue Tour auch in diese Richtung benannt ist: die »High Stakes«-Tour führt ihn im Oktober in 14 Städte. Presented by Mostdope macht die Tour am 13. Oktober Halt in Dresden – im Tante JU.

Bestens vernetzt

Wer seine Liveshows noch nicht kennt: Tommy H liefert eine Liveshow, die von Anfang bis Ende alles an Energie abverlangt – sowohl vom Artist selber als auch vom Publikum. Moshpits, Hip-Hop-Hände, Kopfnicker, alles findet seinen Platz im Set des 29-Jährigen. Und die Chance ist nicht gering, dass einige Tourstopps noch Special Guest-Besuch aus seinem seinem riesigen Umfeld bekommen. Sei es seine Kollabo mit Kwam.E als Concrete Cowboys, seine Connection mit der Rhein-Main Crew um OG Keemo oder die KDK-Fraktion aus dem Westen mit Lugatti & 9ine – alleine wird Tom Hengst auf seiner Tour mit Sicherheit nicht bleiben. Könnte man drauf wetten, wenn man wollte.

Für alle anderen gibt es hier noch Tickets zu bestellen!

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Unter dem Titel ‘was ist aus dir geworden?’ bringt Ahzumjot im Februar vier Shows in Köln, Frankfurt, Stuttgart und Berlin auf die Bühne. Die Tour markiert den Abschluss seiner Albumtrilogie: Nach »WINTER TAT WEH« (2024) und »FRANCIS« (2025) folgt nun das finale Kapitel – erstmals live in diesem Rahmen.

Erzählt wird dabei nicht einfach ein neues Kapitel, sondern bewusst gegen die Strukturen von Streaming-Formaten und klassische Release-Zyklen gearbeitet. Statt schnellem Output: ein länger geplanter Bogen, der auf der Bühne zu Ende erzählt wird.

Tickets sind ab Mittwoch, den 28. Mai im Vorverkauf erhältlich.
Köln, Frankfurt, Stuttgart, Berlin – let’s go.

Tour-Termine:

• 10.02.2026 – Köln, Club Volta
• 11.02.2026 – Frankfurt, Nachtleben
• 12.02.2026 – Stuttgart, Schräglage
• 15.02.2026 – Berlin, Lido

Ticket-Link:

chimperator-tickets.de/ahzumjot

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Wir haben die Gelegenheit genutzt und uns anlässlich des neuen Releases mit Skuffy via Zoom zu einem kleinen Schnack getroffen.

Erstmal alles Gute nachträglich zum Geburtstag.

Dankeschön.

Wie fühlt es sich an, das neue Lebensjahr mit der neuen EP zu beginnen?

Fühlt sich sehr gut an! Ich habe wirklich das Gefühl, je älter man wird, desto mehr steht man in seiner Energie und in seinem Strahlen. Also ich fühle mich richtig gut.

Sehr schön. Bevor wir tiefer in die Musik eintauchen, wollte ich mit dir über den Titel deiner EP sprechen – »Barbylon«. Da verbergen sich viele kulturelle Anspielungen. Neben Barbie und Nicki Minaj denke ich da sofort an den Rastafari-Glauben, Reggae-Musik und natürlich auch die biblische Bedeutung. Was steckt für dich hinter dem Namen?

Barbylon ist – wie du schon richtig erkannt hast – symbolisch eine Anspielung auf den Weltuntergang. Das hat auch mit der Bibel zu tun. In Kombination mit meinem Künstlernamen habe ich beim Schreiben viel darüber nachgedacht, wie unsere Gesellschaft gerade funktioniert, wie ich mit sozialen Medien und der Schnelllebigkeit der Technologie umgehe, mit dem ständigen Informationsfluss. Was macht das mit mir, mit meinem Umfeld? Wir leben in einer extrem schnellen Zeit und in einem krassen Wandel. Es fühlt sich manchmal wirklich an, als würde die Welt untergehen – mit allem, was passiert. Unsere Generation versucht, das irgendwie zu kompensieren. Und das spiegelt sich auch in meiner Musik wider. Ich habe das Gefühl, dass elektronische Musik seit Corona viel präsenter geworden ist – was ich schön finde, weil ich dadurch eine neue Seite von mir entdeckt habe. All das fließt in den Titel mit ein – auch viele persönliche Erfahrungen.

Was ich auch ganz spannend fand, waren die Cover deiner bisherigen Singles. Die hatten für mich so einen nostalgischen Vibe – im positiven Sinne. Besonders bei »Neuanfang« hat mich das total an Winx Club erinnert. Was sind deine musikalischen Einflüsse aus deiner Kindheit und Jugend? Wer beeinflusst dich heute noch?

Shoutout an meine beste Freundin, SKEP-SIS – sie hat alle Cover gezeichnet und da richtig viel Herzblut reingesteckt. Musikalisch waren meine Vorbilder in der Kindheit Frauen wie Tina Turner, Aretha Franklin, Rihanna, Beyoncé und Shakira. Das waren meine Heldinnen – das lief auch viel bei uns zu Hause. Ich hatte auch eine ältere Cousine, die mir das Tanzen beigebracht und mir gezeigt hat, wie ich meine Hüften bewege. Heute bin ich mehr im Drum-and-Bass-Film. Ich setze mich gerade intensiv mit der Szene und Musikkultur auseinander. Über Freunde habe ich Zugang dazu gefunden. Einer meiner ersten Tracks vom alten Album, »Locker«, hatte schon Elemente davon – schnellere Drums, mehr Energie, auch Melancholie. Das fand ich spannend – da hat’s für mich angefangen. Sorry. Kann sein, dass ich gerade ein bisschen abschweife.

Eigentlich der perfekte Übergang! Ich bin großer Fan von Jungle und Drum’n’Bass und freue mich total, dass das in Deutschland endlich mehr Aufmerksamkeit bekommt. Magst du erzählen, wie du zur Szene gefunden hast?

Durch zwei meiner Produzenten – vor allem Jaromyr. Den kenne ich schon länger, und er macht Drum’n’Bass seit über 20 Jahren. Er hat »Locker« gehört und meinte direkt: „Da kann man noch mehr draus machen.“ Kurz bevor ich von Münster nach Köln gezogen bin (wo er auch lebt), haben wir schon an zwei Songs gearbeitet, die auch schon in die Richtung gingen. Da habe ich gemerkt, wie spannend es ist, mit der Geschwindigkeit und den Flows zu spielen. Meine Lyrics passen sich dem Sound an und jetzt schnuppere ich immer mehr in die Szene rein. Ich entdecke immer neue Sounds und Flows, die sich mit anderen Genres kombinieren lassen – wie RnB, Jungle, Reggae. Ich singe z. B. auch auf D’n’B-Tracks. Da kommt vieles zusammen und wir sind gerade ganz viel am Experimentieren.

Sehr spannend. Und wie würdest du so die Szene in Deutschland beschreiben? Oder vielleicht auch speziell in Köln? Ich habe das Gefühl, da geht immer noch ein bisschen mehr als zum Beispiel bei uns in Hamburg.

Tatsächlich habe ich das Gefühl, dass in Hamburg mehr geht. Ich bin übrigens auch gerade in Hamburg (lacht). Unsere DJane SO’SU’SA ist voll in der Szene drin und legt z. B. regelmäßig im Thier auf. Ich habe das Gefühl, in Hamburg ist es größer als in Köln. In Köln habe ich noch nicht so viel mitbekommen – es gibt halt ein- bis zweimal im Monat eine Party im Bootshaus, aber ich bin leider noch nicht dazu gekommen, da mal hinzugehen. Ich hoffe, dass ich über Gigs mehr Anschluss finde und mich inspirieren lassen kann.

Sehr cool. Ich hatte im Januar ein Interview mit einer jungen DnB-Künstlerin aus London, die musikalisch viele parallelen zu deiner Musik hat. Sie macht auch alles Indie und meinte, dass die elektronische Szene sie zwar sehr herzlich aufgenommen hat, aber oft als sehr weiß und männlich wahrgenommen wird – obwohl die Wurzeln ja nicht aus der weißen Musik kommen. Ihr Ziel ist es, als Schwarze Frau mit ihrer Musik die Szene wieder für ein diverses Publikum zu öffnen. Wie ist deine Erfahrung in der deutschen Szene? Kannst du da parallelen sehen?

Die Szene ist schon sehr dominiert von Personen mit weißer Haut. Aber ich würde das genauso unterschreiben, dass ich deshalb einen Zugang für PoCs schaffen möchte. Es ist wichtig, dass sich Menschen wie ich in solchen Räumen wohlfühlen. Ich werde da total herzlich aufgenommen – die Leute freuen sich über Diversität in solchen Räumen. Ich hoffe, wir können da ein bisschen die Game Changer sein. Bei der c/o pop habe ich gemerkt, dass es sehr viele Leute gibt, die eben auch dunkelhäutig sind und die Bock haben, auch auf solche Beats abzugehen. Weil man da wirklich ausrasten kann, man kann emotional sein, man kann sich da einfach fallen lassen in in den rhythmischen elektronischen Sound. Wenn wir dranbleiben, können wir die Türen öffnen und es zugänglicher machen.

Du veröffentlichst ja alles ohne großes Label im Rücken. Was sind aktuell die größten Herausforderungen?

Also ich habe Gott sei Dank meine Managerin Li – sie hält mir den Rücken frei, sodass ich mich frei bewegen kann. Aber gerade die Promophase ist hart. Man muss ständig aktiv dabei sein, präsent sein, posten. Aber es macht mir persönlich auch Spaß, weil ich auch merke, dass meine Community dadurch wächst und mich immer mehr als Person wahrnimmt. Ich fühle mich unterstützt von den Leuten dir mir folgen und mich sehen.

Wenn du schon über deine Community sprichst, du hast bei Insta zum Release von »Erinner mich« darüber geschrieben wie wichtig die Menschen und deren Support um dich herum sind. Was würdest du jungen Artists raten, die so einen Rückhalt noch nicht haben?

Immer fragen! Fragen kostet nichts. Sei einfach dabei. Geh zu Events, wo Leute Musik machen, connecte dich, trau dich, dich zu zeigen. Ja, vielleicht auch ab und zu mal auf Partys gehen, wo eben Leute am Freestylen sind. Einfach trauen und sich öffnen. Und man wird immer jemanden finden, der deine Sachen cool findet – Auf jeden Fall.

Hoffentlich! Ich wollte noch über »Wer bin ich« sprechen. Du singst im Refrain:
„Ich weiß genau, wer ich bin / lauf durch den Regen und den Wind / brenn alles nieder mit Absinth / bevor die Zeit mir entrinnt.“ Das fand ich beeindruckend – so viel Selbstbewusstsein ist in unserem Alter gar nicht so selbstverständlich. Was ging dir bei dem Song durch den Kopf?

Ich war ehrlich gesagt wütend. Auf Menschen, die mich unterschätzt und mein Potenzial nicht gesehen haben. Ich musste mir selbst immer wieder vor Augen halten, dass ich die Person bin, die mich erschafft – die diese Kunst macht. Es gibt immer wieder Leute da draußen , die einem vom Gegenteil überzeugen und die dich kleinhalten wollen. Ich würde auch behaupten, dass wir Menschen nie vollständig wissen werden, wer wir sind, weil wir uns immer weiterentwickeln und immer neue Eigenschaften an uns erkennen. Aber ich weiß, wer ich bin – eben, weil ich weiß, dass ich mich weiterentwickle. ich werde mich neu entdecken und ich werde mir nicht mehr einreden lassen, dass ich nicht gut genug bin. Ich werde durch den Regen und Wind gehen und meinen Weg erkämpfen. Der Song soll dich pushen und und dich aufbauen und dich niemals vergessen lassen: Du bist eine Kämpferin.

Sehr schön.

Vielen Dank.

Was sind jetzt für dich nach der EP deine nächsten Schritte? Bist du im Sommer jetzt groß auf Festivals unterwegs, oder geht es direkt weiter mit dem nächsten Projekt?

Ich bin auf jeden Fall irgendwie auf beiden Gleisen unterwegs! Ich spiele auf schönen Festivals, z. B. am 10. Mai bei Floating Bars mit Eko Fresh und einem befreundeten Künstler Omar Jatta – das wird auf einem Boot sein. Also das wird ganz sweet, wir schippern so ein bisschen und dann gibt’s Livemusik. Dann spiele ich auf der Fusion und beim BURGBEBEN STRNBRG. Es wird spannend, da kommt einiges auf mich zu. Ich hatte eine tolle Geburtstagswoche – du gehörst auch zu dieser Zeit. Ich habe übrigens Udo Lindenberg getroffen!

Das habe ich gesehen – krass!.

Ja, das war wild. Ich wollte nur auf Toilette, und zack – saß er da. Ich dachte: Wenn ich jetzt vorbeilaufe, bereue ich das. Wir haben cool gequatscht, und er hat nach meiner Mucke gefragt. Vielleicht sieht man sich wieder – ich bin ja öfter in Hamburg.

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Nach »Man Made« ist es das zweite Album von Greentea Peng und deutlich düsterer – ihrer Spiritualität bleibt sie jedoch treu. Auf »Tell Dem It’s Sunny« wird schonungslos über die eigenen Fehler und Verluste reflektiert – allerdings mit einem Hoffnungs-schimmer, denn all das gehört zur menschlichen Veränderung. Für uns ein wahnsinnig spannendes Album, das nicht nur emotionalen, sondern vor allem auch großen künstlerischen Wachstum bei Greentea Peng zeigt. Wir sind extrem froh, dass wir die Gelegenheit hatten, uns via Zoom persönlich mit der Künstlerin über diese Reise zu unterhalten.

Zunächst einmal: Herzlichen Glückwunsch zu deinem neuen Album. Wie fühlst du dich jetzt wo die Veröffentlichung endlich da ist?

Ich bin aufgeregt. Ich bin bereit. Ich bin bereit, mich fallen zu lassen. Es war lange in der Mache, und es ist schön zu sehen, dass es endlich Wirklichkeit wird.

Sehr schön. Das Album ist großartig. Ich finde, dass du deinen einzigartigen Stil beibehalten hast, aber es fühlt sich auch so an, als hättest du deinen Sound noch weiter entwickelt, wie ein neues Kapitel. Und wenn wir uns die Credits dieses Albums ansehen, scheinst du viel mehr in die Produktion involviert zu sein, da du bei einigen Songs auch Bass gespielt hast. War die Entstehung von »Tell Dem It’s Sunny« anders als bei »Man Made« und den Projekten davor?

Es war definitiv ganz anders als »Man Made«. Es war viel sporadischer und verteilte sich über einen längeren Zeitraum. Außerdem bin ich einfach ein ganz anderer Mensch, seit das Album herauskam. Ja, es ist ganz anders als die früheren Projekte, aber ich habe auch das Gefühl, dass es sich in der gleichen Sphäre befindet. Ich habe nicht das Gefühl, dass es ein großer Sprung in etwas anderes ist. Aber wie du schon sagtest, ist es in gewisser Weise eine natürliche Entwicklung.

Und ich hoffe, dass ich mich als Mensch und als Künstlerin immer weiter entwickeln kann. Also ja, ich bin froh über dieses Feedback. Ich danke dir. Und ja, ich schätze, ich war klanglich viel stärker involviert, auch wenn ich keine Instrumente spielte. Ich war sozusagen im Raum und diktierte, wie sich die Sonics anfühlen und bewegen sollten, weißt du? Das war cool. Und ich glaube, das wird in Zukunft immer häufiger der Fall sein.

Das ist gut zu hören. Und ich finde, dass das ganze Projekt generell ein anderes Gefühl vermittelt. Ich will nicht zu klischeehaft klingen, wenn ich sage, dass es sich ein bisschen “düsterer” anfühlt, weil du schon immer sehr politisch und sehr offen warst. Aber neben deiner persönlichen Reflexion auf diesem Album gibt es auch eine Art “die Schnauze voll haben”, würde ich sagen, vom Status Quo. Zum Beispiel auf »Tardis (the hardest)«, wenn das Sinn macht?

Ja, das habe ich gehört. Ich schätze, ich habe mich in diesem Album mit punkigeren und dunkleren Aspekten von mir selbst beschäftigt. Ich war in der Lage, ich meine, es gibt viele Sonics, also gibt es viele verschiedene Sounds. Ich denke, dass ich in diesem Album verschiedene Aspekte meiner Persönlichkeit sehr gut herausarbeiten konnte, was sehr schön ist. Aber ja, ich denke, es gibt immer einen Unterton von Melancholie oder, ich weiß nicht, ich denke, es gibt ein wenig Wut in diesem Album, aber nicht zu viel. Ich glaube, ich habe es geschafft, es einigermaßen zu verpacken.

Ja, es gibt ein gutes Gleichgewicht, würde ich sagen.

Ja, es ist ein Gleichgewicht. »Tardis« ist ein sehr selbstbewusster und selbstsicherer Song. Ich schätze, da sind Elemente von “die Schnauze voll haben” drin. Ja, das ist schon seltsam. Es ist nicht so offenkundig politisch wie »Man Made« es als Projekt war. Es ist eher Selbstpolitisch. So beschreibe ich es gerne. Aber ja, es gibt viele Themen und ja, ich habe die Rückmeldung gehört, dass es viel düsterer ist, sogar das Artwork ist, du weißt schon, schwarz-weiß und so. Ich denke, dass ich diese launische Version von mir in diesem Projekt geehrt habe.

Und auf »Nowhere Man« sprichst du davon, dass du keinen konkreten Plan hast, es fühlt sich an wie eine moderne Version des Beatles-Songs, den du im Refrain zitierst

Ist da ein Beatles Referenz drin? Ich höre mir die Beatles nicht wirklich an.

Ja, sehr sogar (lacht)

Wirklich? Wie das?

Der Beatles-Song »Nowhere Man«, in deinem Refrain wirkt es als hättest du eine moderne Version des Liedes geschaffen. Ich war wirklich begeistert davon. Aber wenn es nicht so ist (lacht)

Das ist so lustig (lacht).

Ja, nein, ich habe mich nie wirklich mit den Beatles beschäftigt. Das ist verrückt, denn es gab auch eine Anspielung auf Roots Manuva, die ich gar nicht kannte, weil ich den Song gemacht habe. Aber ja, »Nowhere Man« ist für mich eher ein Gespräch darüber mixed race zu sein oder ein gemischtes Erbe zu besitzen. Es geht um meine Erfahrung, mixed race zu sein und nicht wirklich zu wissen, wo ich herkomme. Physisch und technisch gesehen bin ich natürlich aus London, aber ich passe nicht in diese Art von Vorstellung, die Vorstellung, dass ich von nirgendwo herkomme, aber eigentlich, scheiß drauf, ich bin von überall her und behaupte das. Das ist es also, worum es in diesem Lied geht. Aber das ist so witzig, dass die Beatles einen Song namens Nowhere Man haben. Ich werde mir das anhören müssen (lacht).

Es ist lustig, dein Refrain ist wirklich mit dem alten Song verbunden, aber ich denke, dein Song fühlt sich wie deine eigene Version davon an, natürlich mit anderen Themen, aber es ist sehr lustig.

Das ist so lustig. Ich werde mir das anhören müssen. Ja, ich hatte keine Ahnung.

Es ist ein sehr alter Beatles-Song.

Ich finde das ist so ein kranker Titel, da dachte ich, den nehme ich! That’s jokes. Das werde ich mir anhören müssen. Ja, da geht es nur um Verwechslungen und so. Ich identifiziere mich nicht wirklich mit irgendeiner Gruppe.

Hast du manchmal das Gefühl, dass die Menschen oder die Gesellschaft dich in eine bestimmte Schublade stecken wollen, in die du nicht gehören willst?

Um ehrlich zu sein, spüre ich keinen Druck von der Gesellschaft. Ich habe meine eigene kleine Realität, die ich für mich geschaffen habe. Und ja, ich habe das Gefühl, dass ich mich in einer kleinen Blase befinde. Ich glaube, in der Musikindustrie stecken mich die Leute gerne in eine R&B-Kiste, was nervig sein kann. Aber ansonsten ignoriere ich die Kisten, ich zerschlage sie.

Auf »Glory« erzählst du am Anfang des Liedes, wie die Welt sein könnte. Das klingt vielleicht komisch, aber was bedeutet die “Sonne“ für dich? Denn abgesehen vom Albumtitel ist es etwas, das meiner Meinung nach immer wieder in deiner Musik auftaucht und das wir nicht nur auf »Glory« hören, sondern auch auf älteren Songs wie »Mr. Sun (miss da sun)« was bedeutet ein wirklich sonniger Tag für dich?

Ich meine. Für mich ist die Sonne die Spenderin des Lebens, verstehst du? Sie war schon immer meine Herrscherin, weißt du, ich werde von der Sonne beherrscht. Meine herrschenden Planeten sind Jupiter und die Sonne. Ich war schon immer von der Sonne besessen. Ein Sonnenschein-Mädchen, weißt du? Also, ja, für mich, Sonne ist das Leben. Und einen großen Teil meines Lebens, vielleicht nicht jetzt, aber einen großen Teil meines Lebens, habe ich die Sonne angebetet. Viele meiner Tätowierungen haben mit der Sonne zu tun. Und ja, ich glaube, »Glory« ist meine Vorstellung von einem besseren Tag für das Kollektiv. Ich bin es, die sich in diese Situation hineinversetzt.

Sehr schön.

Die Sonne ist ein wichtiger Bestandteil meiner, wie heißt es? Meiner Verfassung (lacht).

Das ist sehr gut. Und einer meiner, ich will nicht sagen Lieblingstracks, denn das wäre sehr, sehr schwer. Aber »My Neck« gefällt mir besonders gut wegen der eindringlichen, gespenstischen Stimmung der Melodie. Und du sprichst davon, dass die Taschen und Koffer zu schwer für deinen Nacken, deinen Rücken und deine Knie sind und dass du wieder frei tanzen möchtest. Aber du warst sozusagen eingesperrt und bist in Gewässern ertrunken, die nicht deine eigenen sind. Kannst du ein bisschen mehr über den Song und die Bedeutung dahinter erzählen?

Ich meine, der Song ist metaphorisch, aber auch ziemlich wörtlich. Ich leide oft unter Rücken- und Nackenschmerzen. Ich fühle mich sowohl metaphorisch als auch physisch wie eine ziemlich schwere Person. Ich befinde mich in einer Phase meines Lebens, in der ich während der Aufnahmen zu diesem Album viel hin und her reise. Ich lebe in Portugal, aber meine Arbeit ist in London. Mein Kind ist dort, meine Band ist hier. Weißt du, was ich meine?

Ich habe viele verschiedene Häuser. Ich bin ständig mit Koffern und Taschen unterwegs. Es ist also buchstäblich, aber auch metaphorisch, denn ich habe das Gefühl, dass ich eine ziemlich schwere Last auf meinen Schultern trage. Eine Menge Verantwortung, eine Menge Stress. Es geht also darum, diese Themen zu erforschen, die sich irgendwie unterdrückt und gefangen anfühlen. Ja, eine schwere Last, eine schwere Bürde. Sich belastet fühlen weißt du?

Ja, auf jeden Fall und ich denke, viele dieser Reflexionen über dich selbst können wir auch auf »Raw« und »Stones Throw« hören, und du bist, wie ich finde, auch sehr offen, was deine eigenen Schwächen und Fehler angehen. Inwieweit hilft dir die Musik dabei, diese Gefühle und vielleicht sogar Verluste zu verarbeiten?

Ja, zu 100 %. Das ist Musik für mich, sie ist wie Alchemie. Es ist meine Art, Schmerz und Leid in etwas Schönes zu verwandeln. Es ist mein Transmutations Prozess. Es ist Blei zu Gold machen. Als würde man Scheiße in Rosen verwandeln, verstehst du? Ohne sie? Ja, es wäre eine schwierige Situation.

Ich finde du nimmst uns Hörer*innen durch das ganze Album mit auf deine persönliche Reise, mit all den Höhen und Tiefen. Besonders auf »The End (Peace)« und »I AM (Reborn)« beschreibst du, dass alles, was dir passiert, dich formt. Du bist aber auch nicht mehr dieselbe Person, weil du ein Mensch bist, und hoffentlich kann sich jeder Mensch ändern. Bist du der Meinung, dass die Menschen offener dafür sein sollten, Frieden zu finden, indem sie ihre Schwächen akzeptieren und daran arbeiten, anstatt nach Perfektion und Makellosigkeit zu streben?

Ja, auf jeden Fall. Ich denke, dass ich aus meiner persönlichen Erfahrung heraus festgestellt habe, dass Frieden durch Akzeptanz entsteht. Es ist nicht immer ein ständiges Bestreben, die Dinge direkt zu verändern. Frieden kann auch dadurch entstehen, dass man einfach akzeptiert, dass manche Dinge so sind, wie sie sind, und dass sie morgen vielleicht nicht mehr so sind. Aber im Moment sind sie noch so. Und es hat keinen Sinn, sich ständig darüber aufzuregen.

Das bedeutet nicht, dass wir keine Verantwortung übernehmen. Das Gegenteil ist der Fall. Zum Beispiel Verantwortung übernehmen, aber auch akzeptieren. Und das ist der eigentliche Punkt, an dem Fortschritt und Wandel einsetzen. Sobald du dich selbst akzeptierst und einfühlsam mit dir selbst umgehst, weißt du?

Sehr gut. Ich hab nur noch eine Frage. Ich weiß, dass du einen anstrengenden Tag hast.

Ich mag deine Fragen.

Dankeschön. Ich möchte noch über deine Tour sprechen. Im Mai gehts los und ich habe bereits meine Tickets für Hamburg gekauft. Ich bin sehr aufgeregt.

Ich danke dir.

Künstler*innen wie Kate Nash und Organisationen wie Save Our Scene UK haben begonnen, öffentlich über die Belastung zu sprechen, die das Touren für Künstler*innen bedeutet. Du tourst mit einer Band, also nicht als Solokünstlerin. Zusätzlich stirbt die Clubkultur in London langsam, weil die Unterstützung durch die Regierung fehlt, etc., das ist etwas, was wir in Hamburg sehr gut nachempfinden können, weil wir hier ähnliche große Probleme haben. Wie geht es dir mit deiner anstehenden Tournee?

Ich bin wirklich aufgeregt. Ich meine, ich liebe das, was ich tue. Am liebsten trete ich auf, weißt du? Es ist buchstäblich eines meiner Lieblingsdinge auf der Welt. Ich liebe es, mit meiner Band zu spielen. Also ja, ich bin aufgeregt. Aber offensichtlich ist es halbwegs stressig. Ich meine, auf Tournee zu gehen, ist definitiv kein Geldbringer. Es kann sogar das Gegenteil der Fall sein. Man hat Glück, wenn man einigermaßen kostendeckend arbeitet. Vor allem, wenn man wie ich eine so große Band hat. Es gibt eine zehnköpfige Reisegruppe, verstehst du, was ich sagen will? Aber ich habe schon immer mit der Band gespielt, also war es für mich immer so. Es war schon immer ein teures Unterfangen, aber für mich ist es das wert.

Aber es ist bedauerlich, dass Musiker*innen mit Auftritten an sich kein Geld verdienen können. Du wirst gezwungen andere Wege zu gehen. Wie brand stuff. Es ist eine schwierige Zeit. Es ist eine schwierige Zeit für alle, nicht wahr? Ich glaube, wir müssen aufhören, von der Regierung zu erwarten, dass sie unsere Bemühungen unterstützt. Denn ich glaube, die Regierung will nicht, dass wir singen und tanzen. Sie wollen, dass wir Wirtschaftssklaven sind, die Käfer fressen und Scheiße bei Amazon bestellen. Also, ja, ich schätze, es geht darum, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen, was die Rave-Kultur und solche Sachen angeht. Meiner Erfahrung nach ist es auf jeden Fall teuer, aber es macht auch verdammt viel Spaß.

Ab April geht es auf Tour und im Mai ist Greentea Peng für zwei Stops in Berlin und Hamburg. Tickets gibt es auf ihrer Website. Eine Tour die wir euch nur ans Herz legen können, da ihre Stimme Live nochmal eine ganz andere Magie entfacht.

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Greentea Peng – One Foot

Mit ihrer letzten Single »TARDIS (The Hardest)« vermuteten wir bereits, dass dies nur der Anfang eines neuen, größeren Projekts von Greentea Peng sein könnte.
Genau das wurde nun bestätigt. Die britische Künstlerin veröffentlichte diese Woche ihren neuen Track »One Foot«, in dem sie von schweren Zeiten singt und davon erzählt, wie schwierig es manchmal ist, auch nur einen Schritt vorwärts zu kommen – etwas, das wir in den aktuell weltweit turbulenten Zeiten alle nachvollziehen können. Auch wenn der Song vielleicht nicht die Hoffnung bringt, die wir gerade dringend bräuchten, schimmert dennoch ein Lichtblick hindurch: Am 21.03.2025 wird Greentea Peng ihr neues Album »Tell Dem It’s Sunny« veröffentlichen. Im Anschluss geht die Neo-Soul-Künstlerin im Mai auf Europatour, mit zwei Deutschland-Stopps in Berlin und Hamburg. Das Musikvideo zu »One Foot« erscheint nächste Woche Montag – unsere Wecker sind bereits gestellt.

Nia Archives, Jami xx, The xx – Waited All Night (Nia Archives Remix)

Der “Junglist Summer” ist noch lange nicht vorbei. Fans, die das Glück hatten, live dabei zu sein, werden diesen Track aus Nia Archives‘ Tour wiedererkennen. Die britische Künstlerin und DJ hat den eher ruhigen und atmosphärischen Song 
»Waiting All Night« von Jamie xx und seinen Bandkolleg*innen von The xx (Romy & Oliver Sim) in einen Jungle-Abriss-Track verwandelt. Viel mehr gibt es dazu nicht zu sagen – ein extrem geiler Track, der nicht nur Jamie xx, sondern auch uns vollkommen überzeugt hat.

Annika Kilkenny – Snowflakes In Town

Auch wir können Ende November dem anstehenden Weihnachtskitsch nicht mehr entkommen. Doch die irische Musikerin Annika Kilkenny hat es mit ihrem Folk-Song »Snowflakes in Town« geschafft, selbst unser türkisfarbenes Grinch-Herz zum Wachsen zu bringen. Ein Song, der uns inmitten des ganzen Stress‘ und der dunklen, deprimierenden Tage daran erinnert, wie gemütlich diese Jahreszeit auch sein kann. Kilkenny verzaubert uns mit ihrer ehrlichen und unglaublich schönen Musik – und euch hoffentlich auch.

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