Wir haben die Gelegenheit genutzt und uns anlässlich des neuen Releases mit Skuffy via Zoom zu einem kleinen Schnack getroffen.

Erstmal alles Gute nachträglich zum Geburtstag.

Dankeschön.

Wie fühlt es sich an, das neue Lebensjahr mit der neuen EP zu beginnen?

Fühlt sich sehr gut an! Ich habe wirklich das Gefühl, je älter man wird, desto mehr steht man in seiner Energie und in seinem Strahlen. Also ich fühle mich richtig gut.

Sehr schön. Bevor wir tiefer in die Musik eintauchen, wollte ich mit dir über den Titel deiner EP sprechen – »Barbylon«. Da verbergen sich viele kulturelle Anspielungen. Neben Barbie und Nicki Minaj denke ich da sofort an den Rastafari-Glauben, Reggae-Musik und natürlich auch die biblische Bedeutung. Was steckt für dich hinter dem Namen?

Barbylon ist – wie du schon richtig erkannt hast – symbolisch eine Anspielung auf den Weltuntergang. Das hat auch mit der Bibel zu tun. In Kombination mit meinem Künstlernamen habe ich beim Schreiben viel darüber nachgedacht, wie unsere Gesellschaft gerade funktioniert, wie ich mit sozialen Medien und der Schnelllebigkeit der Technologie umgehe, mit dem ständigen Informationsfluss. Was macht das mit mir, mit meinem Umfeld? Wir leben in einer extrem schnellen Zeit und in einem krassen Wandel. Es fühlt sich manchmal wirklich an, als würde die Welt untergehen – mit allem, was passiert. Unsere Generation versucht, das irgendwie zu kompensieren. Und das spiegelt sich auch in meiner Musik wider. Ich habe das Gefühl, dass elektronische Musik seit Corona viel präsenter geworden ist – was ich schön finde, weil ich dadurch eine neue Seite von mir entdeckt habe. All das fließt in den Titel mit ein – auch viele persönliche Erfahrungen.

Was ich auch ganz spannend fand, waren die Cover deiner bisherigen Singles. Die hatten für mich so einen nostalgischen Vibe – im positiven Sinne. Besonders bei »Neuanfang« hat mich das total an Winx Club erinnert. Was sind deine musikalischen Einflüsse aus deiner Kindheit und Jugend? Wer beeinflusst dich heute noch?

Shoutout an meine beste Freundin, SKEP-SIS – sie hat alle Cover gezeichnet und da richtig viel Herzblut reingesteckt. Musikalisch waren meine Vorbilder in der Kindheit Frauen wie Tina Turner, Aretha Franklin, Rihanna, Beyoncé und Shakira. Das waren meine Heldinnen – das lief auch viel bei uns zu Hause. Ich hatte auch eine ältere Cousine, die mir das Tanzen beigebracht und mir gezeigt hat, wie ich meine Hüften bewege. Heute bin ich mehr im Drum-and-Bass-Film. Ich setze mich gerade intensiv mit der Szene und Musikkultur auseinander. Über Freunde habe ich Zugang dazu gefunden. Einer meiner ersten Tracks vom alten Album, »Locker«, hatte schon Elemente davon – schnellere Drums, mehr Energie, auch Melancholie. Das fand ich spannend – da hat’s für mich angefangen. Sorry. Kann sein, dass ich gerade ein bisschen abschweife.

Eigentlich der perfekte Übergang! Ich bin großer Fan von Jungle und Drum’n’Bass und freue mich total, dass das in Deutschland endlich mehr Aufmerksamkeit bekommt. Magst du erzählen, wie du zur Szene gefunden hast?

Durch zwei meiner Produzenten – vor allem Jaromyr. Den kenne ich schon länger, und er macht Drum’n’Bass seit über 20 Jahren. Er hat »Locker« gehört und meinte direkt: „Da kann man noch mehr draus machen.“ Kurz bevor ich von Münster nach Köln gezogen bin (wo er auch lebt), haben wir schon an zwei Songs gearbeitet, die auch schon in die Richtung gingen. Da habe ich gemerkt, wie spannend es ist, mit der Geschwindigkeit und den Flows zu spielen. Meine Lyrics passen sich dem Sound an und jetzt schnuppere ich immer mehr in die Szene rein. Ich entdecke immer neue Sounds und Flows, die sich mit anderen Genres kombinieren lassen – wie RnB, Jungle, Reggae. Ich singe z. B. auch auf D’n’B-Tracks. Da kommt vieles zusammen und wir sind gerade ganz viel am Experimentieren.

Sehr spannend. Und wie würdest du so die Szene in Deutschland beschreiben? Oder vielleicht auch speziell in Köln? Ich habe das Gefühl, da geht immer noch ein bisschen mehr als zum Beispiel bei uns in Hamburg.

Tatsächlich habe ich das Gefühl, dass in Hamburg mehr geht. Ich bin übrigens auch gerade in Hamburg (lacht). Unsere DJane SO’SU’SA ist voll in der Szene drin und legt z. B. regelmäßig im Thier auf. Ich habe das Gefühl, in Hamburg ist es größer als in Köln. In Köln habe ich noch nicht so viel mitbekommen – es gibt halt ein- bis zweimal im Monat eine Party im Bootshaus, aber ich bin leider noch nicht dazu gekommen, da mal hinzugehen. Ich hoffe, dass ich über Gigs mehr Anschluss finde und mich inspirieren lassen kann.

Sehr cool. Ich hatte im Januar ein Interview mit einer jungen DnB-Künstlerin aus London, die musikalisch viele parallelen zu deiner Musik hat. Sie macht auch alles Indie und meinte, dass die elektronische Szene sie zwar sehr herzlich aufgenommen hat, aber oft als sehr weiß und männlich wahrgenommen wird – obwohl die Wurzeln ja nicht aus der weißen Musik kommen. Ihr Ziel ist es, als Schwarze Frau mit ihrer Musik die Szene wieder für ein diverses Publikum zu öffnen. Wie ist deine Erfahrung in der deutschen Szene? Kannst du da parallelen sehen?

Die Szene ist schon sehr dominiert von Personen mit weißer Haut. Aber ich würde das genauso unterschreiben, dass ich deshalb einen Zugang für PoCs schaffen möchte. Es ist wichtig, dass sich Menschen wie ich in solchen Räumen wohlfühlen. Ich werde da total herzlich aufgenommen – die Leute freuen sich über Diversität in solchen Räumen. Ich hoffe, wir können da ein bisschen die Game Changer sein. Bei der c/o pop habe ich gemerkt, dass es sehr viele Leute gibt, die eben auch dunkelhäutig sind und die Bock haben, auch auf solche Beats abzugehen. Weil man da wirklich ausrasten kann, man kann emotional sein, man kann sich da einfach fallen lassen in in den rhythmischen elektronischen Sound. Wenn wir dranbleiben, können wir die Türen öffnen und es zugänglicher machen.

Du veröffentlichst ja alles ohne großes Label im Rücken. Was sind aktuell die größten Herausforderungen?

Also ich habe Gott sei Dank meine Managerin Li – sie hält mir den Rücken frei, sodass ich mich frei bewegen kann. Aber gerade die Promophase ist hart. Man muss ständig aktiv dabei sein, präsent sein, posten. Aber es macht mir persönlich auch Spaß, weil ich auch merke, dass meine Community dadurch wächst und mich immer mehr als Person wahrnimmt. Ich fühle mich unterstützt von den Leuten dir mir folgen und mich sehen.

Wenn du schon über deine Community sprichst, du hast bei Insta zum Release von »Erinner mich« darüber geschrieben wie wichtig die Menschen und deren Support um dich herum sind. Was würdest du jungen Artists raten, die so einen Rückhalt noch nicht haben?

Immer fragen! Fragen kostet nichts. Sei einfach dabei. Geh zu Events, wo Leute Musik machen, connecte dich, trau dich, dich zu zeigen. Ja, vielleicht auch ab und zu mal auf Partys gehen, wo eben Leute am Freestylen sind. Einfach trauen und sich öffnen. Und man wird immer jemanden finden, der deine Sachen cool findet – Auf jeden Fall.

Hoffentlich! Ich wollte noch über »Wer bin ich« sprechen. Du singst im Refrain:
„Ich weiß genau, wer ich bin / lauf durch den Regen und den Wind / brenn alles nieder mit Absinth / bevor die Zeit mir entrinnt.“ Das fand ich beeindruckend – so viel Selbstbewusstsein ist in unserem Alter gar nicht so selbstverständlich. Was ging dir bei dem Song durch den Kopf?

Ich war ehrlich gesagt wütend. Auf Menschen, die mich unterschätzt und mein Potenzial nicht gesehen haben. Ich musste mir selbst immer wieder vor Augen halten, dass ich die Person bin, die mich erschafft – die diese Kunst macht. Es gibt immer wieder Leute da draußen , die einem vom Gegenteil überzeugen und die dich kleinhalten wollen. Ich würde auch behaupten, dass wir Menschen nie vollständig wissen werden, wer wir sind, weil wir uns immer weiterentwickeln und immer neue Eigenschaften an uns erkennen. Aber ich weiß, wer ich bin – eben, weil ich weiß, dass ich mich weiterentwickle. ich werde mich neu entdecken und ich werde mir nicht mehr einreden lassen, dass ich nicht gut genug bin. Ich werde durch den Regen und Wind gehen und meinen Weg erkämpfen. Der Song soll dich pushen und und dich aufbauen und dich niemals vergessen lassen: Du bist eine Kämpferin.

Sehr schön.

Vielen Dank.

Was sind jetzt für dich nach der EP deine nächsten Schritte? Bist du im Sommer jetzt groß auf Festivals unterwegs, oder geht es direkt weiter mit dem nächsten Projekt?

Ich bin auf jeden Fall irgendwie auf beiden Gleisen unterwegs! Ich spiele auf schönen Festivals, z. B. am 10. Mai bei Floating Bars mit Eko Fresh und einem befreundeten Künstler Omar Jatta – das wird auf einem Boot sein. Also das wird ganz sweet, wir schippern so ein bisschen und dann gibt’s Livemusik. Dann spiele ich auf der Fusion und beim BURGBEBEN STRNBRG. Es wird spannend, da kommt einiges auf mich zu. Ich hatte eine tolle Geburtstagswoche – du gehörst auch zu dieser Zeit. Ich habe übrigens Udo Lindenberg getroffen!

Das habe ich gesehen – krass!.

Ja, das war wild. Ich wollte nur auf Toilette, und zack – saß er da. Ich dachte: Wenn ich jetzt vorbeilaufe, bereue ich das. Wir haben cool gequatscht, und er hat nach meiner Mucke gefragt. Vielleicht sieht man sich wieder – ich bin ja öfter in Hamburg.

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Die Liste seiner Kollaborationen liest sich wie das Who’s Who der Musikgeschichte: Michael Jackson, Aretha Franklin, Frank Sinatra, Ray Charles – Namen, die wie Meilensteine der Popkultur stehen. Besonders seine Arbeit an Jacksons »Thriller«, dem meistverkauften Album aller Zeiten, hat Maßstäbe gesetzt, die auch heute noch den Sound und das Selbstverständnis einer neuen Generation von Musiker*innen prägen.

Die Echos seiner Vision

Auch wenn Gen Z und Gen Alpha seinen Namen vielleicht nicht zwingend kennen, trägt die Musik, die Sounds und Stile, die sie heute hören, deutlich seine Handschrift, denn sein Vermächtnis prägt die aktuellen Charts, in denen genreübergreifende Musik zum Standard geworden ist. Durch die Fusion von Pop, Funk und Rock auf »Thriller« setzte Jones Maßstäbe und inspirierte Jones Künstler*innen dazu, mit neuen Sounds und Technologien zu experimentieren – eine Basis, auf der das Musikverständnis von heute aufbaut

Jones war überzeugt davon, dass Alben mehr sein müssen als eine bloße Sammlung von Singles – sie sollten Geschichten erzählen, mit den Hörerinnen in Kontakt treten und kommunizieren. Diese Philosophie, die Betonung auf ein kohärentes Hörerlebnis, findet sich bis heute in den Werken von Künstlerinnen wie Frank Ocean, Bruno Mars und auch Taylor Swift. Auch wenn er Swift zu Beginn als Songwriterin kritisierte, folgt sie in Alben wie »1989«, »reputation« und »folklore« seiner Vorstellung vom “vollständigen Album,” – einem Gesamtwerk das eine zusammenhängende Geschichte ist und mehr als eine reine Abfolge einzelner Lieder.

Ein kultureller Impulsgeber

Für die Künstlerinnen, mit denen er arbeitete, war Jones vor allem eines: ein Vermittler. Er erkannte das Talent anderer, bündelte es und schuf Räume, in denen Musikgeschichte geschrieben wurde. Er brachte Stile zusammen, formte sie zu etwas völlig Neuem und bewahrte dabei stets die Essenz des Einzelnen. Berichten zufolge verbrachte er mit den Künstlerinnen oft endlose Studio-Nächte, bis der Sound genau so war, wie er sein sollte – bis die perfekte Version einer Aufnahme im Kasten war.

Sein Einfluss, Musik auch als Werkzeug für gesellschaftliche Veränderungen zu nutzen, inspiriert bis heute Künstler*innen wie Beyoncé und Kendrick Lamar. So vereint Lamar in »To Pimp a Butterfly« Jazz und Hip-Hop, um Themen wie schwarze Identität und soziale Gerechtigkeit zu beleuchten – ganz in der Tradition, die Jones zu Lebzeiten geprägt hat und die sich auch hierzulande in Alben wie »Mann beisst Hund«, »Russisch Roulette« oder dem kürzlich erschienenen »Haut wie Pelz« von Apsilon widerspiegelt.

Jones’ Einfluss reichte weit über die Musik hinaus: Er war es, der die Sitcom The Fresh Prince of Bel-Air produzierte und Will Smith ermutigte, für die Hauptrolle vorzusprechen – ein Schritt, der eine ganze Generation vor den heimischen Bildschirme prägte – ein Produzent im wahrsten Sinne, der nicht nur Musik, sondern auch Karrieren orchestriert.

Seine Familie verabschiedet sich mit den Worten: „Auch wenn dies ein enormer Verlust für uns ist, feiern wir das großartige Leben, das er geführt hat, und wissen, dass es nie wieder jemanden wie ihn geben wird.“

Mit 80 Grammy-Nominierungen und 28 Auszeichnungen über sieben Jahrzehnte bleibt Quincy Jones der am häufigsten nominierte Künstler in der Grammy-Geschichte. Seine Werke zählen zu den bedeutendsten Beiträgen der modernen Musik und haben der Industrie einen unauslöschlichen Stempel aufgedrückt.

Ruhe in Frieden, Quincy Jones.

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Mit »Messy« präsentiert Olivia Dean eine Sammlung von Songs, die – unverblümt und authentisch – über das Erwachsenwerden, über Beziehungen und das unvermeidbare Durcheinander des Lebens philosophieren. Mit einer gekonnten Mischung aus souligem Pop, einem Hauch R’n’B und gefühlvollen Texten stellt sie unter Beweis, dass sie mehr kann als nur mit eingängigen Ohrwurm-Melodien zu glänzen.

Dean, die ihre musikalischen Wurzeln im Norden Londons hat, beeindruckt durch ihren zeitlosen Soul und außerordentliches Songwriting-Talent, das sie schon in jungen Jahren entwickelt hat. Inspiriert von Musikgrößen wie Amy Winehouse, Lauryn Hill und Aretha Franklin formte sie ihren eigenen Stil, der Elemente des R&B, Pop und Soul vereint. Der Titel »Messy« mag vielleicht auf ein Durcheinander hindeuten, doch es ist genau dieses kreative Chaos, das Deans Musik so besonders macht. Kein Durcheinander, sondern ein gekonnter Sprung ins Rampenlicht. 

It’s an album about learning to love again, the fear that comes with it, finding independence within that still and being grateful for where you came from

Olivia Dean über »Messy« (via instagram)

Einblick in das musikalische Universum

Wir beginnen die Reise mit »UFO«, das klanglich zu einem interstellaren Ausflug einlädt. Eine Art musikalische Startrampe, die uns in die Schwerelosigkeit der Emotionen führt. Die eingängige Synthie-Melodie bildet dabei den perfekten Hintergrund für Deans präzise und gleichzeitig sanfte Stimme, die uns durch den Track leitet. Metaphorisch behandelt der Song den Beginn einer neuen Beziehung – dieses Gefühl der Fremdheit, das mit der Aufregung des Unbekannten einhergeht. Ein perfekte Intro, das gleichzeitig neugierig auf die noch vor uns liegenden Songs macht

»Dive« taucht in neue Tiefen und man kann sich des Eindrucks nicht verwehren, dass Olivia Dean einen verdammt guten Job gemacht hat, den Alltagsblues in eine schimmernde Pop-Hymne zu verwandeln. Ein Höhepunkt des Albums, der die schiere Vielfalt und künstlerische Versiertheit von Olivia Dean auf eindrucksvolle Weise zum Ausdruck bringt.

Oberflächlich und Tiefgründig

Wir bleiben nicht weiter in der endlosen Tiefe, sondern tauchen mit »Ladies Room« und »No Man« zurück auf den Wasserspiegel, der uns ein ungeschöntes, ehrliches Bild zeigt und ins Alltägliche zurückführt. Die Songs reflektieren die Gesellschaft und geben Einblick in das Leben einer modernen Frau – mit all seinen Herausforderungen, direkt und unverstellt, aber dennoch voller Schönheit.

Die folgenden Tracks »No Man« und »Dangerously Easy« verdeutlichen erneut Olivia Dean’s Talent, eingängige Pop-Melodien zu kreieren. Dennoch bleiben sie in Bezug auf ihre thematische Tiefe eher seicht und mit einer Hand am Beckenrand. Hier setzt »Getting There« einen starken Kontrast. Das minimalistische Interlude schenkt unseren Ohren einen ruhigen Pianomoment, während »Danger« von einem etwas zu überambitionierten Schlagzeug begleitet wird, das die entspannte Melodie unnötig antreibt und sich mit seiner monotonen Präsenz störend in den Vordergrund drängt.

»The Hardest Part« fährt dann die treibenden Schlagzeug-Rhythmen runter und lässt uns alleine mit Deans Stimm, die nun Center Stage einnimmt. Ein Stück, das den Herzschmerz feiert und uns zeigt, dass man auch in den leisen Momenten große Geschichten erzählen kann. Da sind keine überflüssigen Schnörkel, keine aufgesetzte Attitüde – nur pure Emotion. Wer Olivia Dean schon einmal live gesehen hat, weiß, dass es das ist was sie am besten kann.

Einen deutlichen Kontrast dazu bildet »I Could Be A Florist«, ein Track, der trotz vielversprechender Ansätze hinter den Erwartungen zurückbleibt. Dean beschreibt ihre Sehnsucht nach einem einfachen, ruhigen Leben – ein Bild, das charmant beginnt, aber in der Umsetzung nicht überzeugt. Der Song zeigt zwar erkennbare kreative Ansätze, verliert sich jedoch in einer repetitiven und monotonen Struktur. Statt einen bleibenden Eindruck zu hinterlassen, verbleibt er in der Tracklist nur als zwischengeschobener Übergang ohne Nachklang und hinterlässt uns letztendlich unberührt.

Im Herzen des Chaos

Weiter geht es mit dem Track »Messy«, der die Wahrheit hinter dem Titel offenbart. Keine Auflistung von Chaos oder Durcheinander, wie der Name vermuten lässt, sondern vielmehr eine Art Momentaufnahme des menschlichen Daseins – die uns daran erinnert, dass das Leben nicht immer geradlinig und geordnet ist, sondern oft voller Unordnung und Unsicherheit. Der Song lehrt die wichtige Lektion: Es ist in Ordnung, das Leben nicht immer im Griff zu haben. Es ist in Ordnung, mal loszulassen. Es ist in Ordnung, sich selbst nicht allzu ernst zu nehmen.

It goes if you let it/
Its okay to regret it/
I’m on your side/
Don’t need to be ready/
It’s okay if it’s messy/
I’m on your side

Olivia Dean – Messy

Das Album klingt sich mit »Everybody’s Crazy« und »Carmen« aus. Hier präsentiert sich Olivia Dean von ihrer verletzlichen Seite. Beide Songs setzen auf eingängige Pop-Melodien, aber auch hier fehlt es an einer gewissen Tiefe und Originalität, um sich von der Masse abzuheben. Obwohl solide und gut gesungen, fehlt es diesen Songs an der innovativen Note, die das Album insgesamt prägt. Dennoch sind sie angenehme Abschlüsse, die das Album in einem positiven Licht ausklingen lassen.

Der letzte Akkord

Mit »Messy« legt Olivia Dean ein beachtliches Debüt hin, das weit mehr ist als eine Ansammlung von Songs – es ist eine musikalische Visitenkarte, die zeigt, wer Olivia Dean ist und wofür sie steht. Sicher, es gibt ein paar Unebenheiten auf dem Weg – einige Songs könnten durchaus mehr Tiefe und Struktur vertragen, doch gerade diese Unebenheiten machen das Album aus. Es ist keine perfekte Popmusik – es ist echte Musik, Musik, die das Leben widerspiegelt: Ein bisschen chaotisch, ein bisschen unordentlich, aber am Ende immer schön.

Tracklist: Olivia Dean – Messy

01. UFO
02. Dive
03. Ladies Room
04. No Man
05. Dangerously Easy
06. Getting There – Interlude
07. Danger
08. The Hardest Part
09. I Could Be A Florist
10. Messy
11. Everybody’s Crazy
12. Carmen

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