Rapsody & Madlib – MadRaps

Ein Projekt, das in seiner physischen Form als Vinyl oder Kassette schon seit Längerem draußen ist. Aufgrund der irren weißen Männer, die politisch gerade die Welt kaputt machen, ist es uns allerdings noch nicht gelungen, diese in die Finger zu bekommen. Umso glücklicher sind wir also, dass eines der besten Team-Ups des Jahres nun (zumindest in Teilen) auch auf den gängigen Streaming-Plattformen erhältlich ist. Rapsody und Madlib haben sich für eine EP zusammengetan und uns genau das gebracht, was wir von beiden erwarten und gerade dringend benötigen. Eine selbstbewusste Rapsody, die ihr Talent nicht mehr hinterfragt und lyrisch über die malerischen Beats von Madlib tänzelt. Das Ergebnis: »MadRaps«.
Der Song »Daddy’s Girl« steht ganz in der Tradition von Lauryn Hills “I add a “motherfucker“ so you ignant n***** hear me“. Was sollen wir dazu noch großartig schreiben, wenn Rapsody alles sagt, was gesagt werden muss?

Little Simz – Don’t Leave Too Soon

Little Simz zieht IDLES nach und liefert mit »Don’t Leave Too Soon« den Titeltrack für den Soundtrack des kommenden Netflix-Films Steve. Allerdings legt die Künstlerin noch eine Schippe drauf: Simz ist nicht nur musikalisch an dem Drama beteiligt, sondern stellt auch mal wieder ihr schauspielerisches Talent unter Beweis. Der Film behandelt die Geschichte eines Lehrers (Cillian Murphy), der in einer britischen Besserungsanstalt mit einem gewalttätigen Jugendlichen (Jay Lycurgo) konfrontiert wird. Kein einfacher Film – geht aber großartig unter die Haut und ist leider mal wieder wichtiger denn je.
Weil, Überraschung: Zuhören und Empathie helfen wirklich. Produziert wurde der Track von Miles Clinton James, der auch an Little Simz’ letztem Album »Lotus« beteiligt war.
Die beiden funktionieren einfach zusammen, und der Song überzeugt durch Vielschichtigkeit.

Gorillaz & Sparks – The Happy Dictator

Gorillaz haben gerade vier sehr legendäre Shows in London gespielt. Pro Abend wurde ein ganzes Album aus dem Repertoire des Kollektivs um Damon Albarn und Jamie Hewlett performt. Die Reise begann mit »Gorillaz (2001)«, gefolgt von »Demon Days (2005)« und »Plastic Beach (2010)«. Am vierten Abend gab es dann die große Mystery Show bei der nur neue Songs gespielt wurden. Auch wenn einige Fans enttäuscht waren, könnten wir uns ehrlicherweise nichts Besseres vorstellen als einen Abend nur neue Mucke der Band zu hören. Einer der Songs der Mystery Show dürfte der neue Song »The Happy Dictator« sein. Ein Upbeat-Gute-Laune-Track, der in Zusammenarbeit mit Sparks entstanden ist. Das neue Album »The Mountain« soll am 20. März 2026 erscheinen und wird mit Features von Mos Def und Black Thought auch wieder einige Abstecher in die Hip-Hop-Welt haben. Wir können es kaum erwarten.

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Außerdem haben Künstler*innen wie FKA twigs, The Weeknd, Moonchild Sanelly und Mac Miller (posthum, zum Soundcheck geht es hier) bereits Alben veröffentlicht, die die Messlatte ganz oben ansetzen. Seit Beyoncés Album »BEYONCÉ« sind große Album-Rollouts und feste Veröffentlichungstermine out – wir arbeiten mit dem, was wir haben und die Hoffnung stirbt ja bekanntlich zuletzt.

Alben, die angekündigt sind

Diese Alben wurden angekündigt und haben wenigstens schon einen Namen, oder ein Releasedatum.

Playboy Carti – I am Music

“2024 Music” – sang Playboi Carti noch im Jahr 2023 und ebnete damit den Weg für sein drittes Studioalbum »I am Music«. Es folgte eine Welle von Singles wie »HOODBYAIR« oder »Backr00ms« mit Travis Scott – allerdings ausschließlich auf Instagram oder YouTube. Seitdem ist der Hype um das neue Album riesig und fast kein anderer Artist hat das Rap-Game derzeit so fest im Griff wie der 30-Jährige. Doch nun schreiben wir das Jahr 2025 und die Fans warten immer noch sehnlichst auf das Album. Doch statt neuer Musik gibt es vor allem mysteriöse Outfit-Posts und kryptische Instagram-Storys. 

Aber es gibt Licht am Ende des Tunnels: Bereits im September konnte das Album in verschiedenen Box-Sets vorbestellt werden, und die Produktbeschreibung verspricht eine Lieferung bis spätestens 13. März. Zudem spielte der Rapper im Dezember beim 10-Jährigen Jubiläum von Rolling Loud in Miami zahlreiche neue Songs und kündigte zusammen mit The Weeknd eine gemeinsame Tour an, die am 09. Mai in Phoenix starten wird. Ob Playboi Carti sein Versprechen einhält und bis dahin sein Album veröffentlicht, bleibt abzuwarten. Wir sind auf jeden Fall gespannt, ob er den hohen Erwartungen gerecht wird. 

Doechii – Debütalbum TBA

Mit »Alligator Bites Never Heal« hat Doechii nicht nur ein Projekt veröffentlicht, das als moderne Hip-Hop Studie angesehen werden kann – study the greats to become even greater. Das Mixtape ist auch eine Studie über sie selbst und die zeigt, dass sie als Schwarze Frau in der Musikindustrie nicht nur in ein Genre gesteckt werden kann. Vielmehr hat die Swamp Queen alle Nuance studiert und in einem Konzept-Mixtape gemeistert. Der Grammy für das beste Rap-Album war der krönende Abschluss.

Harte Arbeit und Entschlossenheit zahlen sich nämlich doch aus und auch Schwarze queere Frauen lassen sich nicht länger unterkriegen, sondern zeigen, dass sie die neuen Musiktrends angeben und ihnen nicht blind folgen. Auf »Alligator Bites Never Heal« konnte sich Doechii kreativ komplett ausleben. Wir hoffen sehr, dass sie diese kreative Arbeit auf ihr nächstes Projekt überträgt, denn auf den Lorbeeren wird sich nicht lange ausgeruht. Doechii machte in einem Interview mit Variety öffentlich, dass dieses Jahr ihr Debütalbum folgen soll. Ein Veröffentlichungsdatum gibt es aktuell noch nicht, aber wir können uns ziemlich sicher sein, dass bis dahin noch einige erfolgreiche Singles folgen werden. Ihre Grammy-Siegeshymne »Nosebleeds« macht schonmal einen grandiosen Anfang. 

A$AP Rocky – Don’t Be Dumb

Wo soll man überhaupt anfangen? A$AP Rocky, der bereits im letzten Jahr auf unserer Liste der meist erwarteten Alben vertreten war, sichert sich auch dieses Mal wieder einen Platz. Bereits im Dezember 2022 vermeldete Rocky: „Album’s finished. Don’t Be Dumb. Let’s go!“ Doch trotz dieser Ansage lässt Lord Pretty Flacko seine Fans weiter zappeln. Der ursprünglich für den 30. August 2024 angesetzte Veröffentlichungstermin wurde mehrfach verschoben: erst auf Herbst, dann auf Winter und nun auf unbestimmte Zeit.

Dabei lief es doch eigentlich alles so gut. Mit drei starken Singles inklusive einer Grammy-Nominierung für das beste Musikvideo für »Tailor Swif« weckte das A$AP-Mob-Mitglied Hoffnungen auf ein Comeback. Doch stattdessen häufen sich die Rückschläge. Vorbestellungen wurden storniert und erstattet und ein neues Releasedatum ist nicht in Sicht. Hauptgrund für die ständigen Verzögerungen seien sowohl Leaks als auch nach eigenen Aussagen sein Perfektionismus.
Eine zeitnahe Veröffentlichung von »Don’t Be Dumb« scheint aktuell doch wohl eher in weiter Ferne zu liegen, denn dem US-Rapper drohen bis zu 24 Jahre Haft wegen schwerer Körperverletzung. Laut Anklage soll er nach einem Streit auf seinen ehemaligen Weggefährten A$AP Relli geschossen haben. Der Prozess begann bereits im letzten Jahr und wurde jetzt im Januar fortgesetzt. Inwiefern der Prozess die Veröffentlichung des Albums beeinflusst, bleibt abzuwarten. Es ist jedoch wahrscheinlich, dass sich der Release dadurch weiter verzögern wird.

Clipse – Let God Sort Em Out (TBA)

Gerüchte um ein neues Clipse-Album gibt es schon seit einiger Zeit. Seit der Louis Vuitton Spring-Summer 2025 Show von Pharrell Williams, die letztes Jahr im Juni präsentiert wurde, wird aus dem Gerücht langsam etwas Handfestes. Neben der neuen funkelnden Kollektion präsentierte Pharell auch neue Musik wie den Song »Birds Don’t Sing« von Clipse featuring John Legend.
Es folgte die Nachricht von Pusha T im November, dass die Arbeiten offiziell beendet wurden und das Album fertig sei. Für Pusha und seinen Bruder Malice wäre es nach sechzehn Jahren das erste gemeinsame Album. Auch Pharell, als inoffizieller dritter Bruder im Geiste, soll als Produzent das Comeback komplett machen. Auch hier gibt es leider noch kein offizielles Veröffentlichungsdatum, aber das Album soll nicht nur authentisch, sondern mit größter Sorgfalt produziert sein – ein wahrer Schatz. Das neuste Gerücht unter Fans ist außerdem, dass Kendrick Lamar als Feature auftauchen könnte. Nicht ganz unwahrscheinlich – und ein Gedanke, der Drake wahrscheinlich in seinen Albträumen verfolgt. 

Lana Del Rey – The Right Person Will Stay

Ganz egal, ob man sie mag oder nicht – eines steht fest: Kaum eine Künstlerin prägt den modernen Pop so sehr wie Lana Del Rey. Doch während Künstlerin wie Beyoncé, Taylor Swift und Sabrina Carpenter im vergangenen Jahr allesamt neue Alben veröffentlichten, blieb es um Lana ungewohnt still. Dabei hatte sie noch im Januar 2024 ihr neues Album »Lasso« angekündigt, das ursprünglich im September erscheinen sollte. Zwar blieb uns dieses Album verwehrt, doch im Gegensatz zu anderen Artists auf dieser Liste hat Lana bereits ein neues Releasedatum bekanntgegeben: Demnach erscheint am 25. Mai ihr neues Projekt  »The Right Person Will Stay« – der Twist? Es wird ein Country-Album. Auf Instagram schrieb sie:

Ich bin so dankbar, dass meine 13 Tracks mit meiner wunderbaren Arbeit zwischen Luke, Jack, Zach und Drew Erickson und anderen zusammengekommen sind.

Gemeint sind unter anderem die Musiker und Produzenten Jack Antonoff, der durch seine jüngste Zusammenarbeit mit Kendrick Lamar auf »GNX« große Aufmerksamkeit erregte, Zachary Dawes und Luke Laird, die bereits an dem 2023 veröffentlichten Album »Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd« mitgewirkt haben.
Lanas Schritt in Richtung Country-Musik mag auf den ersten Blick zwar ungewöhnlich erscheinen, ergibt bei genauerem Hinschauen aber durchaus Sinn. Lana Del Rey ist eine Künstlerin, die sich immer wieder in neue musikalische Richtungen wagt. Ein Beispiel dafür ist ihr 2019 erschienenes Album »Norman Fucking Rockwell!«, auf dem sie in eine psychedelische Rock-Atmosphäre eintaucht. Außerdem ist ihr das Country-Genre nicht völlig fremd. Sie hat bereits einige Klassiker wie »Stand By Your Man« oder »Take Me Home, Country Roads« gecovert und wird im April als Headlinerin auf dem größten Country-Festival der Welt, dem Stagecoach, auftreten. In ihrem Instagram-Post kündigte sie außerdem an, dass ihre erste Single aus dem neuen Album, »Henry«, die sie bereits vor einigen Monaten angeteasert hat, zeitnah erscheinen wird. Fans können sich also schon bald auf neue Musik von „Mother Lana“ freuen.

Summer Walker – Finally Over It (TBA)

Nach »Over It« und »Still Over It« will Summer Walker die erfolgreiche Albumreihe dieses Jahr als Trilogie mit »Finally Over It« beenden. Dabei können sich Fans nicht wirklich beschweren. Obwohl das letzte Album bereits vier Jahre zurückliegt, fütterte Walker unsere Sehnsucht regelmäßig mit neuen Singles und EPs wie der »CLEAR 2: SOFT LIFE EP« (zum Soundcheck geht es hier) und zuletzt mit ihrem Feature auf »POOKIE’S REQUIEM« der Sängerin SAILORR. Von ihrer Interview-Show Over It Radio auf Apple Music 1 mal ganz abgesehen. Die erste offizielle Single für »Finally Over It« erschien bereits im Oktober und heißt »Heart Of A Women« – ein klassischer R&B Track, der verständlich macht, wieso wir Walker so treu ergeben sind. Wir sind bereit für das neue Album und den epische Abschluss dieser Reihe. 

Freddie Gibbs & Madlib – Montana

Es wäre wohl der Traum eines jeden Hip-Hop Fans: Ein drittes Kollabo-Album von Freddie Gibbs und Madlib. Doch während Fans seit Jahren auf eine neue Zusammenarbeit warten, könnte dieser Traum dieses Jahr tatsächlich in Erfüllung gehen. Bereits im Mai 2019 und somit sogar noch vor dem Release von »Bandana«, kündigten die beiden an, dass sie ein drittes Album geplant haben, das ihre Trilogie vervollständigen soll. Der Name: »Montana«.
Letztes Jahr feierte ihr erstes gemeinsames Album »Piñata« sein 10-Jähriges Jubiläum. Das Album, das sowohl Fans als auch Kritiker begeisterte, gilt mittlerweile als eines der besten Rap-Alben der 2010er und umso mehr sehnen sich Fans nach einer Fortsetzung der gemeinsamen Arbeit. Madlib weckte Hoffnungen, als er im Mai letzten Jahres auf einem Konzert ankündigte: „Y’all ready for Freddie Gibbs? I’m about to drop this live shit on y’all. Montana up next.“ Doch anstatt »Montana« erschien zusammen mit Talib Kweli »Liberation 2« sowie Freddie Gibbs Solo-Album »You Only Die 1nce«. Wann genau das Album erscheint, ist noch unklar, »Montana« scheint allerdings nur noch eine Frage der Zeit zu sein und wir rechnen damit, dass Madlib und Freddie Gibbs noch dieses Jahr mit einem neuen Album zurückkehren.

Yugen Blakrok – The Illusion of Being (21.05.2025)

Ein Name, der leider nach wie vor viel zu wenigen ein Begriff ist, aber dieses Jahr in aller Munde sein wird, ist Yugen Blakrok. Die Künstlerin aus Südafrika ist nicht nur ein Astra Goth, sondern auch ein Dot Connector und Microphone Checker. Mit ihren Lyrics spinnt sie detaillierte Netze von anderen kosmischen Welten. Zusammen mit den Beats ihres Produzenten Kanif The Jhatmaster entstehen dadurch Soundwelten, die sich nicht so leicht in eine Schublade stecken lassen.
Bis auf einige verstreute Singles ist es seit ihrem letzten Projekt »Anima Mysterium« aus 2019 eher ruhiger bei Blakrok geworden. Sie nutzte die Zeit, um die Welt zu bereisen und Musik aufzunehmen, unter anderem auch in Berlin. Seit Ende letzten Jahres ist sie aber offiziell zurück, zuerst zusammen mit Lee Scott auf der Single »Outnumbered«, gefolgt von ihrem Solotrack »Niacin«. Zuletzt erschien Yugen Blakrok als Feature auf »Osiris« von der Band Mohama Saz und obwohl die Songs alle nicht Teil eines neuen Albums sind, folgte heute am 11. Februar die gute Nachricht: das neue Album »The Illusions of Being« kommt im Mai und die erste offizielle Single dazu folgt in der kommenden Woche. Das Album wird mit I.O.T Records veröffentlicht. Obwohl die Zeiten gerade wirklich nicht einfach sind, ist dies ein kleiner Lichtblick. Wie Blakrok es am besten schreibt: „It doesn’t get easier, we just go harder“.

Joey Bada$$ – TBA

Mit neuer Single inklusive Musikvideo und den Worten “I’m Back” meldete sich Joey Bada$$ pünktlich am 01. Januar dieses Jahres zurück. Mit gewohnt starkem Flow und Punchlines wie: “Too much West Coast dick lickin’, I’m hearin’ n*ggas throwin’ rocks, really ain’t shit stickin’”, rappt Joey über einen souligen Boom-Bap-Beat von Conductor Williams und macht definitiv Lust auf mehr. Und sind wir doch mal ehrlich, ein bisschen ist uns Joey Bada$$ doch auch ein neues Album schuldig.
Schließlich liegt sein letztes Album »2000« inzwischen über zweieinhalb Jahre zurück und während es einige solide Tracks und nostalgische 90s-Vibes lieferte, blieb es für viele Fans doch eher hinter den Erwartungen zurück. Joey selbst hat immer wieder angedeutet, dass er noch einiges in petto hat und »The Ruler’s Back« könnte der erste Vorgeschmack auf etwas Größeres sein. Die Frage bleibt also: Kommt 2025 endlich ein neues Album? Die Voraussetzungen stehen gut, denn wenn »The Ruler’s Back« eines zeigt, dann, dass Joey Bada$$ immer noch hungrig ist. Außerdem feierte er vor einigen Wochen seinen 30. Geburtstag – ein Meilenstein, der nach unserem Geschmack in Form eines Albums zelebriert werden darf.

Greentea Peng – Tell Dem It’s Sunny (21.03.25)

Ein Album, bei dem mal nicht nur der Name, sondern auch schon das Release-Date im März und die zugehörige Tour im Mai feststehen, ist »Tell Dem It’s Sunny« der britischen Neo-Soul-Künstlerin Greentea Peng. Die Londonerin hat mit den Single-Auskopplungen »TARDIS (hardest)«, »One Foot« und »Stone Throw« bereits ein sehr düsteres Bild vom neuen Album geschaffen.
Die Cover und zum Teil auch Musikvideos sind alle in Schwarz-Weiß gehalten und auch thematisch geht es eher ernster zu: mit jede Menge Wut und Frustration, aber auch Reflexion über die eigenen Fehltritte. Das alles mit einem Sound der zwischen Neo-Soul und typischen UK-Elementen wandelt, immer auch spirituell angehaucht, aber genauso im Flow wie Peng mit ihren Reimen und Gesang. »Tell Dem It’s Sunny« soll am 21.03. erscheinen und wer noch keine Tickets für die Tour hat, sollte sich dringend welche besorgen. Live zieht die Stimme von Greentea Peng einen noch mehr in den Bann als die Aufnahme es schafft. 

Wunschalben, die hoffentlich kommen

Diese Alben sollen gerüchteweise noch dieses Jahr erscheinen oder wir wünschen sie uns herbei.

Frank Ocean

Und täglich grüßt das Murmeltier. Was wäre eine Mostdope-Liste mit den meist erwarteten Alben ohne eine Frank Ocean Erwähnung? Doch mal ganz ehrlich, wie groß ist die Hoffnung noch? Wir sind ja schon froh, wenn Frank sich alle sechs Monate mal mit einer Instagram-Story meldet – von einem öffentlichen Auftritt ganz zu schweigen. Doch wie Variety kürzlich berichtet hat, arbeitet Frank Ocean zurzeit an einem Film, bei dem er selbst Regie führt.
Gedreht wird in Mexiko-City und die Hauptrolle übernimmt David Johnson. Worum es in seinem Filmdebüt geht, wann er erscheint und ob er einen Soundtrack dazu liefern wird, ist bislang unklar. Pharrell Williams sagte über Frank Ocean noch vor einigen Monaten: „Frank stays in the kitchen. And that’s probably the reason why he doesn’t serve as much. He really enjoys the culinary process.” Wir können nur hoffen, dass Frank bald fertig gekocht hat und uns an seinem leckerem Essen teilhaben lässt. Bis dahin bleibt uns wohl nichts anderes übrig, als »Nostalgia Ultra«, »Channel Orange«, »Endless« und »Blonde« auf Dauerschleife zu hören.

Rosalía

Die spanische Künstlerin Rosalía hat mit ihrem Stilmix aus traditioneller Flamenco-Musik, Pop und Einflüssen von Trap, Hip Hop und Reggaeton ein ganz neues Genre geschaffen, mit dem sie Kritiker*innen und Fans weltweit begeistern könnte. Ihr letztes Album »Motomami« wurde stark von japanischen Animes wie Durarara!! beeinflusst, ohne sich dabei in peinlichen Klischees zu verlieren. Dennoch liegt das Album nun auch schon drei Jahre zurück.
Zu Halloween postet Rosí dann Bilder von ihrem Kostüm, das Fans aufgeregt spekulieren ließ. Mit einer CD, die blutig in ihrer Stirn steckt, ist es eine Homage an das Albumcover zu »Imaginal Disk« von Magdalena Bay. Spannend daran ist aber der Schriftzug auf der CD. Mit schwarzem Edding wurde “R4” auf die Disc geschrieben, was für ihr kommendes viertes Projekt stehen könnte. Immerhin blieb Rosalía nie ganz still und veröffentlicht in regelmäßigen Abständen Singles wie »TUYA« oder diverse Features mit Artists wie Björk, LISA, Tokischa und Ralphie Choo. Die Sterne scheinen dieses Jahr aber sehr gut zu stehen. Auf ihrer Vorsatzliste für 2025 hat Rosalía „Saar nuevo disco“ geschrieben, auf deutsch „neues Album veröffentlichen“. Ein Vorsatz, den wir mehr als unterstützen können.

Baby Keem – Child with Wolves

Während Kendrick Lamar 2024 wortwörtlich alles auseinander genommen hat, was ihm im Weg stand und gerade einen neuen Grammy-Rekord aufgestellt hat mit den meisten Auszeichnungen für einen Rap-Song, war es um seinen Cousin im vergangenen Jahr ziemlich still. Dabei kündigte Baby Keem bereits im letzten Jahr sein Album inklusive Titel an und launchte eine dazugehörige Webseite. Alle Zeichen standen auf ein Rollout, doch seit Februar letzten Jahres gibt es so gut wie kein Lebenszeichen mehr des Rappers. »The Melodic Blue« jährt sich in diesem Jahr zum vierten Mal und bis auf die Singles »The Hillbillies« mit Kendrick Lamar und »leavemealone« mit Fred again… gab es keine neue Musik des 24-Jährigen. Wir können nur hoffen, dass ihn der Erfolg seines Cousins angespornt hat und er in diesem Jahr sein Album veröffentlicht.

J.I.D & Metro Boomin

Eine Kollaboration, die sich bereits auf dem Track »Danger (Spider)« bewährt hat und von beiden seit längerem angeteased wird. Producer Metro Boomin soll angeblich ein Album mit JID in Arbeit oder sogar schon fertig haben. Beide nutzen immer wieder die Gelegenheit, auf Social Media das Album zu erwähnen oder sogar Songausschnitte zu spielen. Vier der gemeinsamen Songs sind bereits teilweise im Umlauf gewesen, darunter einer, der JAY-Z als Feature hat. Ob und wann das Album nun wirklich erscheint, ist unklar, aber das von beiden solo oder als Kollabo definitiv Musik erscheinen wird, ist dafür ziemlich sicher. Vielleicht nutzt Metro auch den Soundtrack für die Fortsetzung der Spiderman Miles Morales Filme, um diese Traum wahr werden zu lassen. Wir bleiben gespannt.

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Wenn man mit Mac Miller Fans spricht, ist den meisten das Album schon lange ein Begriff, denn inoffizielle Versionen irren bereits seit Jahren durchs Netz. Aufgenommen wurde »Balloonerism« 2014 und reiht sich somit zwischen den Projekten »Watching Movies With the Sound Off« und »Faces« ein. Im März 2023 bestätigte Madlib, dass er an einem bisher unveröffentlichten Projekt von Mac Miller arbeitete. Welches genau er damit meint, war zu dem Zeitpunkt noch nicht klar. Aufklärung gab es letztendlich knapp eineinhalb Jahre später, während des »Camp Flog Gnaw« Festivals, wo ein kleiner Teaser Trailer zwischen den Sets von Sampha und The Alchemist & Friends die Veröffentlichung des Albums bestätigte. Zudem wurde angekündigt, dass das Album von einem Kurzfilm unter der Regie von Samuel Mason begleitet wird. Seine Familie schrieb kurz darauf über Instagram:

Wir glauben, dass das Projekt sowohl die Breite seines musikalischen Talents als auch seine Furchtlosigkeit als Künstler zeigt. In Anbetracht der Tatsache, dass inoffizielle Versionen des Albums seit Jahren im Internet kursieren und dass die Veröffentlichung von Balloonerism etwas war, das Malcolm häufig als wichtig für ihn bezeichnete, hielten wir es für angemessen, der Welt eine offizielle Version des Projekts zu präsentieren.

Die Kunst der Weiterentwicklung

Als Künstler, dessen Musik von stetiger Weiterentwicklung geprägt war, zeichnete sich Mac Millers Sound bis etwa 2013 durch eine Coming-of-Age-Ära aus. Er war experimentierfreudig, lieferte gerne humorvolle Lines und zeigte seine jugendliche Seite. Das Jahr 2014 war eine der prägendsten Phasen in Mac Millers Karriere. Zum einen befand er sich mental in einer dunklen Zeit, zum anderen vollzog er einen bedeutenden Wandel. Er verließ das Pittsburgher Indie-Label Rostrum Records, bei denen er unter anderem das Mixtape »K.I.D.S.« und sein Debütalbum »Blue Slide Park« veröffentlichte, und wechselte mit Warner zu einem Major. In den darauffolgenden Jahren schlug er einen reiferen Weg ein. Seine Alben wurden konzeptioneller, die Songs wirkten durchdachter und erzählten zusammenhängende Geschichten. Mac setzte sich häufiger mit Themen wie Selbstreflexion, Liebe oder auch Vergänglichkeit auseinander. »Balloonerism« steht genau für diesen Übergang. Das Album spiegelt diese Phase der Entwicklung von Mac Miller wider – nicht nur zeitlich, sondern auch musikalisch.

Die vorab erschienene Single »5 Dollar Pony Rides« legt den Grundstein für das Album. Über ein verspieltes Jazz-Instrumental reflektiert Mac mit einer Mischung aus Sehnsucht und Frustration über eine komplexe Beziehung und die Hin- und Hergerissenheit zwischen sofortiger Aufmerksamkeit und einer tieferen emotionalen Bindung. Besonders hervorzuheben sind vor allem Thundercat am Bass (der beinahe auf jedem Song auf dem Album vertreten ist), Kintaro am Keyboard und die Percussions von Ronald Bruner Junior.

„Die erste Person, die an mich glaubte“

Der Name, der beim Blick auf die Tracklist sofort ins Auge sticht, ist SZA. Die 35-Jährige, die kürzlich mit der Veröffentlichung ihres Albums »LANA« sowie der Ankündigung einer gemeinsamen Tour mit Kendrick Lamar für Aufsehen sorgte, liefert ein echtes Highlight. Der Track »DJ’s Chord Organ« ist ein experimenteller und psychedelischer Trip, produziert von Mac Miller selbst und untermalt durch SZAs wunderschönen Gesang und bittersüßen Lyrics über Einsamkeit und Sehnsucht.

You’ve been up for three days with one nap
I know you miss the nighttime
I know you miss your lifetime
Tell me the truth about it

»DJ’s Chord Organ«

Der Song markiert die erste offizielle Zusammenarbeit der beiden Künstler und das obwohl sie bereits seit den Anfängen ihrer Karrieren immer wieder kooperiert haben. Mac Miller produzierte beispielsweise unter einem seiner vielen Alter Egos Larry Fisherman den Song »UR« auf SZAs 2014 erschienener EP »Z«. SZA trägt außerdem zum Chorus von »Friendly Hallucinations« bei und ist damit gleich zweimal auf dem Album vertreten. 2018 schrieb sie über ihn in einem Post:

Du warst die erste Person, die ich hier kennengelernt habe. Du hast mich jeden Tag zu dir kommen lassen und mir den Raum gegeben, so zu sein, wie ich wollte. Du warst für mich da auf eine Weise, die ich niemals in Worte fassen oder zurückzahlen kann. Meine Dankbarkeit dafür ist grenzenlos. Du warst die erste Person, die an mich geglaubt hat und mit mir etwas erschaffen hat.

Einblick in dunkle Gedanken

Emotional wird es auch auf dem Track »Funny Papers«, der ein absoluter Höhepunkt des Albums ist. Mac verbindet dabei positive und negative Aspekte von Zeitungsinhalten mit seinen eigenen Gefühlen. Der Song erzeugt mit seinem Text schon fast eine „beatlesque“ Stimmung und erinnert an den 1967 erschienenen Song »A Day in the Life«. Der Titel „Funny Papers“ wirkt dabei leicht paradox: Zum einen steht er für den humorvollen Teil der Zeitung, zum anderen spricht Mac Miller im Song über ernste und deprimierende Themen, begleitet von einem wunderschönen Klavier. Besonders eindringlich ist die Zeile: „Didn’t think anybody died on a Friday“ – eine Aussage, die besonders unter die Haut geht, wenn man bedenkt, dass Mac Miller selbst Jahre später an einem Freitag verstarb. Der Song endet mit den Worten „Why does it all matter?“ und hinterfragt damit die Vergänglichkeit des Lebens.

Die Songs »Do You Have a Destination« und »Stoned« greifen ähnliche Themen auf. Mac Millers düstere Gedanken und Texte über Drogenkonsum ziehen sich beinahe durch das gesamte Album. Zeilen wie „Need to let the drugs go. Tryna find Heaven, I get high but never come close“ auf »Do You Have a Destination« sind dabei nur eines von mehreren Beispielen.

Der Song »Shangri-La« ist ein ruhiger und atmosphärischer Track, der wie der Titel verrät, die Vorstellung eines paradiesischen Ortes aufgreift. Der Begriff „Shangri-La“ stammt ursprünglich aus dem Roman »Lost Horizon« von James Hilton, in dem er einen idyllische und abgeschiedenen Rückzugsort in Tibet beschreibt. Gleichzeitig bezieht sich der Titel auch auf Rick Rubins Musikstudio in Malibu, in dem Mac im Sommer 2014 viel Zeit verbrachte. Der spätere Song »Rick’s Piano« ist eine Hommage an diese Zeit.

Trotz der überwiegend positiv klingenden Instrumentals enthält das Album viele melancholische und bedrückende Stücke, die dabei vor allem in abstrakte Sphären ausschweifen und eine Seite des Pittsburghers zeigen, die man so nicht immer von ihm gewohnt ist. Für Fans seiner Mixtapes »Faces« oder »Delusional Thomas« dürften jedoch viele Parallelen erkennbar sein, da dort ähnliche Themen und Sounds aufgegriffen werden.

If I die young, promise to smile at my funeral
Yeah, it’s just a rule to follow
If you’re lax, you can lose tomorrow

»Shangri-La«

Ein Finale mit großer Wirkung

Neben dem bereits angesprochenen SZA-Feature gibt es auf dem Album einen weiteren besonderen Moment: Auf dem Track »Transformations« tritt Mac Millers als sein eben angesprochenes Alter Ego Delusional Thomas in Erscheinung. Der Track ist einer der experimentellsten des Albums und beeindruckt mit seiner psychedelischen Stimmung, die durch staubige Drums, das Zischen eines Feuerzeugs und das Klirren von Eiswürfeln in einem Becher eine düstere Atmosphäre erzeugt. Macs hohe und zum Teil verzerrte Stimme machen ihn zu einem der spannendsten Songs auf dem Album und zu einem Highlight in der Tracklist. Das Album endet mit dem Track »Tomorrow Will Never Know«. Ein Song, der das Album nicht besser hätte zusammenfassen können. Ein 12-minütiges, wunderschönes, düsteres und psychedelisches Epos über das Streben nach innerer Erleuchtung, das den Hörer bis zur letzten Sekunde in den Bann zieht.

Zum Abschluss sollte dennoch die Frage aufgeworfen werden, inwieweit sich ein posthumes Release wie dieses überhaupt genießen lässt. Auf dem Album finden sich, wie auf »Rick’s Piano« oder auf »Manakins«, direkte Bezüge zu Mac Millers Tod. Er spricht offen über das Thema, was dem gesamten Hörerlebnis eine ernüchternde Stimmung verleiht. Gerüchten zufolge empfand Mac »Balloonerism« damals als zu deprimierend und widmete sich stattdessen der Arbeit an »Faces«, welches er schließlich selber fertigstellte und der Veröffentlichung vorzog. Zwar wird aus dem Umfeld von Mac Miller immer wieder betont, wie wichtig ihm dieses Album gewesen sei, doch es bleibt unklar, welche Songs er tatsächlich für die Öffentlichkeit vorgesehen hatte. Thundercat schrieb 2020 in einem Tweet: „Nicht alles ist dafür gedacht, einfach so veröffentlicht zu werden. Mac und ich haben an vielen verschiedenen Dingen gearbeitet. Er hat das getan, was er für richtig hielt.“

Das sind natürlich alles nur Spekulationen und man muss dazu erwähnen, dass Mac Millers Familie bis jetzt hervorragende Arbeit geleistet hat, sein Vermächtnis und seine Privatsphäre nach seinem Tod zu wahren. Sie haben ausschließlich Projekte veröffentlicht, von denen sie sicher waren, dass Mac sie auch für eine Veröffentlichung vorgesehen hatte – was offenbar auch bei diesem Album der Fall ist.

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Wenig Konzept – dafür viel Spaß

Die ersten Eindrücke, die »Fieber« vermittelt, sind vielfältig und zeigen ein abwechslungsreiches Werk. Auf den 38 Minuten Spielzeit zeigen sich Keemo und Frank in Höchstform. Doch im Gegensatz zu »Mann beißt Hund« wird dieses Mal auf durchgängiges Storytelling verzichtet. Stattdessen setzt Keemo selbstbewusste Lines über Cash, Sluggies und den eigenen Legendenstatus. Der Grundton des Mixtapes ist sehr oberflächlich, jedoch verleiht er jeder Zeile einen durchdachten und verschachtelten Twist. Zwischendrin finden sich dennoch Realtalk und ernste Töne, in denen er über seine Herkunft und persönlichen Werdegang rappt. Keemo wirkt auf dem Tape – natürlich auch aufgrund der vorgetragenen Inhalte – wesentlich losgelöster als auf den vorherigen Releases und scheint in der Booth großen Spaß gehabt zu haben.

Viele Styles und viele Features

Das Mixtape präsentiert sich in seiner Vielfalt auch durch die unterschiedlichen Stimmungen der Beats. Während einige, wie der Titeltrack »Fieber« und der düstere Chopped-and-Screwed Brecher »Galgen«, hart und bedrohlich daherkommen, zeigen andere, wie »Aus dem Schneider Freestyle«, eine entspanntere Seite mit starken Einflüssen von Producern wie The Alchemist oder Madlib. Hier zeigt Funkvater Frank abermals sein großes Talent dafür, einen Trademark-Sound auf verschiedenste Stile zu übertragen.

Besonders auffällig sind die zahlreichen Features auf »Fieber«. Neben Namen aus dem eigenen Kreis wie Souly, 2Lade oder Levin Liam, finden sich hier auch die Bietigheimer Schwergewichte Shindy und RIN auf der Gästeliste. So verschieden die Featuregäste auch sein mögen, sie alle fügen sich nahtlos in den jeweiligen Song ein und lockern das Projekt an den richtigen Stellen auf.

Ein kluger Schachzug

»Fieber« ist definitiv eine kluge Entscheidung von OG Keemo und Funkvater Frank gewesen. Statt krampfhaft zu versuchen, einen Nachfolger für das vielgefeierte »Mann beißt Hund« zu schaffen, haben die beiden ein konzeptloses, aber extrem starkes Mixtape released, das einfach nur Spaß macht und keinen roten Faden nötig hat. Zeitgleich ist die Platte auch eine Machtdemonstration, denn ein lockeres Mixtape zu releasen, welches bereits im Januar als Anwärter auf das Album des Jahres gehandelt wird, ist äußerst bemerkenswert.

Tracklist: OG Keemo & Funkvater Frank – Fieber

01. Konsil – Intro
02. Tasche (feat. Souly)
03. Fiesling
04. OKAY! (feat. 2lade)
05. Pimpsport Interlude
06. Feber drom – Skit
07. Tórshavn
08. BeeGees (feat. Levin Liam)
09. 99 Grad (feat. RIN)
10. Fieber
11. Galgen
12. Guten Tag – Fv Remix (feat. PS Hitsquad)
13. Tiefschlaf (CGOON) (feat. CGOON)
14. Aus dem Schneider – Freestyle
15. Pimpsport (feat. Shindy & Sumpa)
16. Boiler
17. Feber drom 2 – Skit
18. Süden
19. 3 Ringe – Outro

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Von Cheriimoya’s und Sierra Kidd’s beunruhigenden Blick hinter die düsteren Vorhänge des Alltags, über OG Keemo’s durchdringende und ungeschminkte Botschaft, bis hin zu Lance Butters‘ introspektiver Auseinandersetzung mit den persönlichen Geister, die uns nachts heimsuchen – diese Tracks bieten eine Vielzahl von Sounds und Geschichten, die perfekt zur Halloween-Stimmung passen.

15. Eminem & Rihanna – The Monster

“Was macht dieser Song in der Liste? Euer Ernst?” fragt ihr euch zurecht, doch Rihannas Refrain auf ihrem gemeinsamen Song mit Eminem ist perfekt für Halloween, auch wenn er vielleicht nicht von typischen Halloween-Monstern handelt:

I’m friends with the monster that’s under my bed/ Get along with the voices inside of my head/ You’re tryin’ to save me, stop holding your breath/ And you think I’m crazy, yeah, you think I’m crazy.

Es geht weniger um gruselige Kreaturen und mehr um die inneren Dämonen, mit denen Eminem jahrelang gekämpft hat. Das Monster symbolisiert seine Sucht, ein persönlicher Kampf, den er zu meistern versucht. In Wirklichkeit sind diese realen Ängste in unseren Köpfen wahrscheinlich sogar eine Spur beängstigender als die, die wir aus Horrorfilmen kennen. Der Song offenbart, wie tief und persönlich solche Kämpfe sind und erinnert uns daran, dass die wahren Schrecken in den täglichen Herausforderungen liegen, denen wir uns stellen.

14. Cheriimoya & Sierra Kidd – Living Life, In The Night

Weiter geht es mit dem nächsten Duo: Sierra Kidd, Pain oder einfach nur Kidd (Moment, zählt jemand mit?) und vielleicht bald mit genauso vielen Namenswechseln wie P. Diddy, hat es geschafft, mit seinem Song »Living Life, In The Night« gemeinsam mit Cheriimoya einen internationalen Hit zu landen. Und obwohl sein Englisch sich anhört, als hätte er einen Crashkurs an der VHS absolviert, hat er mit dem Track einen absoluten Hit gelandet. Der Beweis? Beeindruckende 352 Millionen Streams auf Spotify und ein enormer Hype auf TikTok.

Doch was macht den Song so besonders für Halloween? Anstatt von Geistern, Hexen oder Monstern zu handeln, spricht er über die dunklen und beunruhigenden Aspekte des menschlichen Lebens. Die wiederholten Zeilen “I’ve been awake for days, so we out livin’ life in the night” und “Pray to God, man, I hope I don’t die in the night” vermitteln eine bedrückende und unheimliche Stimmung. Genau das, was Halloween ausmacht: Es geht nicht nur um Gruselgeschichten, sondern auch darum, sich seinen Ängsten und Herausforderungen zu stellen – und dieser Song trifft genau diesen Nerv.

13. DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince – A Nightmare On My Street

Now, this is a story all about how/
My life got flipped-turned upside down

The Fresh Prince of Bel-Air

Wir blicken einmal rüber über den Ozean und ja das Zitat stammt aus dem falschen Song, aber an der Stelle halt komplett passend, denn mit »A Nightmare On My Street« wurde Will Smiths und DJ Jazzy Jeffs Leben mehr als nur auf den Kopf gestellt wurde. Das Duo schrieb den unbestreitbar eingängigen Track für den vierten Freddy Kruger-Film, nur um dann festzustellen, dass die Produzenten sich weigerten, das komplett abgedrehte Musikvideo rauszubringen und in den Giftschrank verbannten. Daraufhin verklagte New Line Cinema das Duo. Dennoch, obwohl der Song nie denselben Erfolg wie »Summertime« oder »Parents Just Don’t Understand« hatte, erblickte das Video nach einigen Jahren das Licht der Welt. Es war nicht das Ende, das viele erwartet hatten, aber immerhin ein positives. Einen Halloween-Track von Will Smith hätte ja to be honest nun auch niemand erwartet.

12. MC Hammer – Addams Groove

Und wes wird noch eine Spur skurriler. Im Herbst 1991 war die Horror-Komödie Die Addams Family einer der größten Filme des Jahres, und ihr Titelsong»Addams Groove« sagt vielleicht den meisten vom Namen her nicht mehr sofort etwas. Und praktisch noch mehr in Vergessenheit geraten ist, dass der fast schon absurd eingängige Song von MC Hammer höchstpersönlich stammt – ganz genau, der “Hammer Time!” MC Hammer. Der Song erreichte in den USA die Top Ten und erschien auf Hammers Album »Too Legit To Quit«, dem Nachfolger von seinem 90s Classic Album »Please Hammer Don’t Hurt ‘Em«.

Als Bonus gab es on top das dazugehörige Musikvideo, das im Grunde genommen eher ein kompletter Kurzfilm ist und in dem der gesamte Cast vom Film kurze Gastparty hat, inkl. der Original Wednesday Darstellerin Christina Ricci. Netflix-Gucker wissen bescheid.

11. KitschKrieg, Trettmann & Alli Neumann – Keine Angst

Wie zuvor schon Rihanna besingen in »Keine Angst« Trettmann & Alli Neumann das Monster unter dem Bett. Gemeinsam mit KitschKrieg führen sie uns ins Schlafzimmer, wo anstelle von Geborgenheit die Angst vor dem Unbekannten lauert, die wir noch alle aus Kindheitstagen kennen.

Der knüpft Song musikalisch und inhaltlich an »Zeit steht« aus Trettmanns 2019er Album an und präsentiert das Monster nicht als Bedrohung, sondern als ständigen Begleiter durch die Höhen und Tiefen des Lebens.

 Zeilen wie “Ich hab keine Angst vor dem Monster unter meinem Bett, Denn in all den Jahr’n war es immer, immer da” verdeutlichen, dass die wahren Monster nicht immer so furchteinflößend sind, wie sie erscheinen, und in Wirklichkeit ein integraler Teil unseres Selbst sein können.

10. ROSALÍA & Rauw Alejandro – VAMPIROS

Einer der besten Halloween-Tracks auf Spanisch ist »Vampiros« von ROSALÍA und Rauw Alejandro. Nur ein Jahr nach der Veröffentlichung von Rosalías genialem Album »MOTOMAMI« gab es eine weitere gute Nachricht für Fans: Die Verlobung mit ihrem langjährigem Partner Rauw Alejandro, der selbst erfolgreich in der Musikbranche ist. Als Krönung dieser besonderen Phase in ihrem Leben brachten die beiden eine gemeinsame EP namens »RR« heraus, die drei Songs enthält. Das Highlight darunter ist »Vampiros«, ein Liebeslied gespickt mit mystischen Elementen und großartigem Musikvideo. »Only Lovers Left Alive« trifft auf Latin Trap und 2000er Style – einfach gruselig gut!

9. Haiyti – Ghostmane

»Ghostmane« von Haiyti ist ein dunkles Juwel aus ihrem fünften Soloalbum »Influencer«. Die self-proclaimed Gangsta-Rapperin aka. Robbery oder auch manchmal auf einfach ganz bescheiden nur Trap-Queen entführt uns in eine schattenhafte Welt voller Geister und urbanem Größenwahn.

Küstennebel in mei’m Red Cup/
Eine Geisterstadt mein Set-Up/
Und aus Kilos werden Zentner/
Ich seh’ überall Gespenster.

Gewohnt avantgardistisch schwebt Haiyti zwischen den dunklen Gassen des Undergrounds und dem grellen Scheinwerferlicht. Das Übernatürliche wird verwoben mit dem Realen, und das Protzige mit dem noch Protzigeren. Das Wort “Understatement” scheint ihr fremd zu sein.

8. Stockmann & Psassa – Dämonen

Die Szene ist ständig im Wandel und bringt immer wieder neue Genres und Subgenres hervor, aber wenige passen so gut in die düstere Jahreszeit wie Darkwave oder Synthwave. In diesem Zusammenhang sollte Stockmann nicht übersehen werden.

Kenner wissen natürlich bereits, dass sich hinter dem Namen das ODMGDIA Mitglied fka. Dollar John verbirgt. Mit dem Namenswechsel kam auch eine Neuausrichtung seines musikalischen Stils. Man könnte es sich als eine modernisierte Version von Falco vorstellen – bisschen mehr Rap und ohne Wiener Schmäh. 

Zusammen mit PSASSA nimmt er uns in »Dämonen« mit auf eine Reise durch finstere Gassen. Und obwohl der Song eigentlich um Weihnachten letzten Jahres herauskam, passt er vom Feeling her deutlich besser in die Halloween-Zeit.

7. Madvillain – Supervillain Theme

Von einem der ikonischsten Duos im Hip-Hop, MF DOOM und Madlib, stammt »Supervillain Theme«, ein Track, der sich perfekt in die dunkle und geheimnisvolle Halloween-Stimmung einfügt. Dieses rein instrumentale Stück klingt, als wäre es direkt aus einem alten Gruselfilm entnommen, in dem der Bösewicht im Schatten lauert, bereit zuzuschlagen. Madlib’s Produktionsgenie sorgt für eine treibende, fast hektische Stimmung, unterstützt von den Klavierklängen und dem bedrohlichen Bassriff. Es mag keinen Text geben, aber die Musik spricht für sich, sie weckt ein Gefühl von Unbehagen und Spannung. Mit seinem kriminell genialen Klang und Anspielungen auf klassische Schurken, ist »Supervillain Theme« ein Muss für jede Halloween-Playlist und zeigt einmal mehr, wie Madvillain’s »Madvillainy« das Hip-Hop-Genre neu definierte. Ein düsteres Meisterwerk, das sicherlich Gänsehaut verursacht.

Cold gettin’ dumb Yeah

der komplette Text von Supervillain Theme

6. OG Keemo – 216

Es wäre zu einfach, sich für Songs mit Namen wie »Geist« oder »Sandmann« für unseren Halloween Soundtrack zu entscheiden. Doch mit »216« haben OG Keemo und Funkvater Frank einen Track geschaffen, der – abgesehen vom Titel – in puncto Sound und Botschaft perfekt zur dunklen Jahreszeit passt.

»216« ist ein Aufruf gegen die Obrigkeit und eine Botschaft an jene, die die gleiche Hautfarbe wie Keemo teilen und sich dennoch anpassen und unterordnen und so zum Problem werden.

 OG Keemo bleibt stolz und standhaft, selbst wenn er im Musikvideo zu seinem eigenen Henker geführt wird. Eindringlich und direkt starrt er in die Kamera. Sein durchdringender Blick, begleitet von dem E-Piano, das auf einem Ton verharrt, bevor die Schlinge sich zuzieht, schafft eine erdrückende Atmosphäre. Funkvater Franks Beat erinnert an beklemmende Szenen aus einem Horrorfilm. Die klare und direkte Botschaft ist unverkennbar: OG Keemo lässt sich nicht fesseln, außer man legt ihm Ketten an.

Es ist ein Song, der nicht nur durch seine Botschaft, sondern auch durch seine musikalische Gestaltung heraussticht und sich hervorragend in die dunkle Stimmung von Halloween einfügt.

5. DISSY & Luvre47 – lauf!

Knapp 2,5 Jahre ist es her seit DISSY und Luvre47 mit »lauf!« die bockstarke Single aus »bugtape side b« gedroppt haben. Der Track thematisiert das Erkennen eigener Dämonen und innerer Kämpfe, während er Raum für die Selbstfindung in einer potenziell toxischen Umgebung schafft.

Die Hook “wenn du nicht hier sein willst, dann lauf” wird zu einem mächtigen Mantra, das den Wunsch nach Freiheit und Selbstbestimmung unterstreicht. Durch Zeilen wie “du wolltest dass ich bleib’ so wie du mich kennst” und “vergebe mir nur, dass ich leben will” vermittelt DISSY die Spannungen in Beziehungen, wenn die Partner immer weiter voneinander abdriften und neue Wege gehen.

Die düstere Atmosphäre des Songs wird durch den Beat und besonders durch das von DISSY selbst inszenierte Musikvideo verstärkt. Für die perfekte Halloween-Stimmung empfiehlt sich auch DISSYs kürzlich veröffentlichte Single »Schatten Oo«. Darüber hinaus können wir uns auf DISSYs kommendes Album »Schattentape« freuen, das am 9. Februar 2024 veröffentlicht wird.

4. Tyler, the Creator – Transylvania

Das Debütalbum »Goblin« von Tyler, the Creator, oft unterschätzt, ist mehr als ein billiges Horrorcore-Album mit Schockwert. Es gibt einen intensiven Einblick in jugendliche Depressionen, dargestellt von einem 19-jährigen aufstrebenden Künstler – rebellisch, kontrovers, aber unverkennbar talentiert. Aber wir sind nicht hier, um über das ganze Album zu sprechen, sondern um den nächsten Eintrag in unserer Liste »Transylvania«.

In diesem Track schlüpft Tyler in die Rolle von Dracula, mit kontroversen Lyrics, die entfernt an Favorite und Hollywood Hank anno 2005 erinnern. Nichts für schwache Gemüter.

G*ddamn I love women/
Daydream about penis being in ’em/
Meet them with a big grin with a Mac-10/
Rope, katana, and then I skin ’em

Unterlegt von einem von Left Brain produzierten Beat, dröhnenden Drums und bedrohlichen Synthie-Klängen, ist »Transylvania« perfekt für das gruseligste Fest des Jahres.

3. Little Simz – Venom

Ein Horror für das Patriarchat der Musikindustrie ist der Track »Venom« der UK Künstlerin Little Simz. Auf dem Song stellt Simz ihre Reimkunst unter Beweis und behandelt innere Dämonen, den Kampf als Frau in der Industrie zur Spitze und macht daraus mal eben eine extrem starke musikalische Kampfansage. Stellt euch Little Simz in den Weg und ihr werdet das Gift zu spüren bekommen. Diese Frau hat einen starken Biss und hat sich mit ihren letzten drei Alben zurecht zu einer der besten Artists in Great Britain etabliert.

Fuck those who don’t believe / They would never wanna admit I’m the best here / From the mere fact that I’ve got ovaries / It’s a woman’s world, so to speak / Pussy, you sour / Never given credit where it’s due / `Cause you don’t like pussy in power / Venom.

2. Lance Butter – Keller

Während »Keller« von Lance Butters vielleicht nicht von Geistern, Ghulen oder Monstern handelt, verkörpert es den Geist von Halloween: Eine introspektive Auseinandersetzung mit den eigenen Ängsten und dem Blick in die Tiefen der Seele. Mit dem Track entführt er uns in sein symbolisches Unterbewusstsein, das er als »Keller« bezeichnet. Dieser Ort ist für ihn kalt, leer und verlassen – eine Metapher für seine intensivsten und oft düsteren Emotionen. Obwohl der Song nicht die typischen Halloween-Themen behandelt, passt die Atmosphäre perfekt zu der gruseligen Jahreszeit.

An der Stelle soll erwähnt sein, dass bei der Suche nach weiteren Tracks, die diese düstere Stimmung einfangen, könnten »RIOT« (mehr lesen) von der »Loner« EP und »Knock Knock« von der »Sommer« EP von Lance Butters genauso gut ihren Platz in dieser Liste verdient hätten.

2. Gravediggaz – 2 Cups of Blood

Eine Gruppe die auf keiner Hip-Hop Halloween Playlist fehlen darf ist Gravediggaz. Die Horrorcore Gruppierung hat in den 90er Jahren die Szene schockiert und ganze Alben rund um das Thema Horror, Tod und andere morbide Themen geschaffen. Songs wie »1-1800 Suicide« oder »The Night The Earth Cried« zeigen das hinter Gravediggaz aber noch viel mehr steckt und der Hang zum gruseligen mehr ein Stilmittel ist um mit dem Horror des Alltags klar zu kommen. Zu den Gründungsmitgliedern gehörte unter andern Wu-Tang Clan member RZA. Der Beat von »2 Cups of Blood« sollte vor allem Tyler, the Creator Fans bekannt vorkommen, da dieser den Track für seinen Song »LUMBERJACK« gesampelt hat.

Sicherlich gibt es noch viele andere Tracks, die perfekt zur gruseligen Stimmung von Halloween passen. Wenn ihr eigene Vorschläge oder Geheimtipps habt, die in unserer Liste fehlen, dann teilt sie uns mit! Schreibt eure Song-Empfehlungen einfach unten in die Kommentare. Wir freuen uns darauf, eure persönlichen Halloween-Hits zu entdecken!

Der Beitrag Die 15 besten Tracks für Halloween erschien zuerst auf Mostdope.

Heute auf dem Cover: JELEEL! mit seiner neuen Single »GNARLY!« (feat. Armani White)

Stolze 2,5 Mio. monatliche Hörer*innen kann der muskelbepackte Koloss JELEEL! mittlerweile stolz auf Spotify zählen – Tendenz steigend. Immerhin hat der Rapper aus Rhode Island gerade bei Rolling Loud performt, ein Feature mit Denzel Curry eingetütet und nun auch mit Armani White. Seine Verkaufspunkte sind ganz klar seine Energie mit der er nicht nur Auftritte abreißt sondern auch auf den Tracks abliefert. Rückwärtssaltos und zerissene Kleidung gehört bei ihm zum absoluten Standardprogramm. Neben dem ganzen Auftritt macht bei ihm auch die Musik viel Spaß, wie er bei der neuesten Auskopplung seines im Mai erscheinenden Albums »REAL RAW!« wieder unter Beweis stellt.

JGrrey & Kojey Radical – May

Wie es sich anfühlt, wenn man sich langsam nicht mehr an das Lachen einer geliebten verstorbenen Person anhört, verarbeitet die Londoner Singer-Songwriterin JGRREY in ihrem neuen Song »May«. Dass wir nicht weinend, eingerollt in einen Ball, unter unserer Bettdecke liegen macht das Feature von Kojey Radical und der sommerlich melancholische Beat von STANA/IVTH. Ein wirklich wunderschönes Lied, das überzeugt und zeigt, wieso wir alle mal ein etwas schärferes Auge auf die aktuelle UK-Szene werfen sollten. JGRREY erinnert an Künstlerinnen wie Pip Millet, Greentea Peng und Joy Crookes im Sinne, dass eine starke Stimme auf schlaues Songwriting und eigenen Stil trifft. Hoffentlich kann der Song einigen Menschen Trost spenden, die gerade ähnliches durchmachen. So oder so freuen wir uns sehr, dass »May« uns auf JGRREY aufmerksam gemacht hat und wir werden weitere Projekte mit Spannung verfolgen. 

Der Beitrag Die internationalen Releases der Woche mit JELEEL! u.v.m. erschien zuerst auf Mostdope.

Escape hat einiges zu erzählen und er tut das, wie kaum ein anderer in Deutschland. Mal attackiert er sperrige Trap-Beats mit passgenauen Flows, mal rappt er lässig über organische Instrumentals. Witzige Punshlines folgen auf todernste Parts, Flex auf Therapie, Verherrlichung auf Reflektion. Escape ist ein Meister des Drahtseilakts, er spielt mit den Schwankungen und behält dabei stets stabilen Kontakt zur Mitte, zum Beat, zu sich selbst. Escape ist authentisch, keine Kunstfigur, sondern Sprachrohr, Tagebuch, narrative Instanz einer echten Person mit echten Problemen.

Mostdope hat ihn im Friedrichshainer Burgeramt getroffen und ein paar Fragen loswerden dürfen. Welche Einflüsse die Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Produzenten wie DeLaurin und Ikarus auf seinen Stil hat, wie sich sein neuer Lebensalltag mit dem Dasein als Rapper verträgt und was man in Zukunft von ihm erwarten darf, erfahrt Ihr nun im folgenden Interview.

Du befindest dich ja gerade mitten in einem ordentlichen Release-Flow. Auf der einen Seite eine Konzeptreihe als Trilogie gemeinsam mit Ikarus, auf der anderen Seite quasi zwischendurch das »Die Or Die Tryin« Tape mit DeLaurin. Was genau ist das Konzpt hinter dieser Trilogie und wie fügt sich das aktuelle Tape da rein?
Die Trilogie besteht aus »Leben auf Minus«, »Leben auf Null« und »Leben auf Plus«. Die Idee kam mir, als wir »Leben auf Minus« gedroppt haben, dass wir auch eine Trilogie draus machen könnten und ich diese harte Zeit verarbeite. »Leben auf Minus« ist straight das „illegale Leben“, »Leben auf Null« soll nochmal die Zeit kurz vor der Therapie Revue passieren lassen und »Leben auf Plus« soll dann aus der Zeit entstehen, wo ich nicht mehr von meinem Dispo lebe. Geplant hatten wir eigentlich, dass es im Sommer kommt, aber ich denke, dass wir es erst 2024 liefern können, weil ich noch ein bisschen Zeit brauche, bis »Leben auf Plus«. Es hat sich zwar viel getan, aber noch ist es nicht so weit und deswegen habe ich das Album jetzt nachgeschoben. Ursprünglich wollte ich das erst danach veröffentlichen, aber jetzt ist es fertig und es ist geil und ich denke nicht, dass das irgendwie den Plan überwirft.

Aber was würdest du sagen, welchen Platz es in diesem Trilogie-Rhythmus für einnimmt? Also bist du da auch bei »Leben auf Null« oder nimmt das den ganzen Prozess mit?

Nee, also eigentlich ist es so ähnlich wie »Leben auf Null« weil weil es diesen Mix aus Verherrlichung und Consciousness hat. Es ist von der Message fast gleich, nur nicht so depressiv. Bei »Leben auf Null« ist alles ein bisschen langsamer und bei »Die Or Die Tryin’« gibt es halt einfach das ganze Album lang krass auf die Fresse. Wir haben auch zwei ruhige Songs dabei, die dann für das Reflektieren sprechen. Und der Abschluss vom Album ist auch so ein sehr ruhiger, langgezogener Track und deswegen passt das schon sehr gut rein, finde ich. Ich denke das sogar vor »Leben auf Plus« noch noch ein anderes Album kommen wird und das ich mir für die Arbeit mit Ikarus ein bisschen Zeit lasse, weil wir ja bei »Leben auf Minus« und »Leben auf Null« beattechnisch fast gleich sind. Es hat sich nur viel im Prozess an der Stimme geändert, aber diese Trap-Phonk Beats sind ja so ziemlich gleich geblieben und wir wollen das bei »Leben auf Plus« auf jeden Fall aufbrechen und etwas anderes machen. Vielleicht ein bisschen in die G-Funk/Trap-Schiene, so Shoreline-Mafia mäßig.

Würdest du sagen, dass du vielleicht auch durch die die Arbeit mit DeLaurin Blut geleckt hast, was neue Sounds angeht? Weil da höre ich auf jeden Fall vielfältigere Einflüsse heraus. Oder was macht für dich persönlich die Zusammenarbeit mit DeLaurin aus?
Bei DeLaurin habe ich den Spaß dran gefunden, dass ich im Entstehungsprozess der Beats komplett mit drin bin. Bei Ikarus ist es so, dass der weiß, was ich für Beats mag und dann schickt er mir auch die Richtigen. Aber das ist was komplett anderes, ob ich auf einen fertigen Beat schreibe oder von Beginn an mit im Studio sitze und sage: „Diese BPM-Zahl, diese Snare, diese Hi-Hat, da will ich den Rhythmuswechsel haben.“ Deswegen habe ich dahingehend bei DeLaurin mehr Blut geleckt. Wenn ich mich jetzt für einen Produzenten entscheiden müsste, mit dem ich zukünftig nur noch zusammenarbeite, dann wäre das auf jeden Fall er. Ohne jetzt was schlechtes gegen Ikarus zu sagen, aber das ist halt ein anderer Prozess. Jeder Beat von DeLaurin ist eigentlich zu 50% auch ich. Es war deshalb aber auch der längste Entstehungs-Prozess. Zwischen dem ältesten Track auf dem Album und dem letzten Song, der entstanden ist, liegen ungefähr zwei Jahre Arbeit an dem Album.

Am Ende von »Die or Die Tryin’« rappst du ja: „Ab heute lebe ich mit dem Schmerz.“ Das wirkt für mich schon wie ein versöhnlicher Ausblick, als hättest du da einen Frieden gefunden. Ist dann das Ziel oder die Zukunftsperspektive gar kein Schmerz mehr?
Ich würde sagen, die Perspektive ist es eher so, den Schmerz nicht mehr wegzumachen, sondern einfach damit klarzukommen. Es ist ja nicht jeden Tag Schmerz. Ich habe schlimme Tage zwischendurch, sag ich dir ganz ehrlich, wo die Depression, wenn man es so nennen möchte, ziemlich kickt, aber es ist nicht mehr so extrem. Vorher war das immer so ein Up and Down durch die Substanzen, die man sich gegeben hat, hoch und runter, hoch und runter. Und jetzt ist es eher so eine gleichbleibende Kälte, in der man die besseren Momente auf jeden Fall mehr zu schätzen weiß. Außerdem erlebt man einfach alles mehr und nimmt das alles auch klarer wahr. Und deswegen hat der Abschluss auf dem Album schon was versöhnliches. Es gibt viele Sachen, die noch auf mich zukommen werden und auch schon auf mich zugekommen sind. Aber es ergibt ja keinen Sinn, das alles immer nur zu verdrängen, sondern irgendwo muss man lernen, damit umzugehen. Spätestens wenn es an die eigene Gesundheit geht, so wie bei mir letztes Jahr, dann wird es unverweigerlich klar, dass sich was ändern muss. Und deswegen musste alles dazu kommen, wie es jetzt ist.

Also kann man schon sagen, dass du dich aktuell in einer besseren Phase deines Lebens befindest. Würdest du meinen, dass du in schlechten Zeiten kreativer bist?
Die letzten sechs, sieben Monate hatte ich gar nicht mehr die Möglichkeit, meiner Kreativität freien Lauf zu lassen, wie ich es früher gemacht habe, weil ich halt 40 Stunden arbeite. Dazu bin ich auch nicht unbedingt der liquideste Typ. Ich bin schon immer am Limit mit meiner Kohle. Dann ein Studio zu mieten, Produzenten zu bezahlen, das ganze Promo Material… – das kostet alles Geld und ich kann mir nicht immer nur Leute suchen, die mir aus Liebe alles geben. Ich will ihnen auch was zurückgeben. Die machen ja auch einen extrem wichtigen Job. Deswegen sind die Momente, wo ich gerade mal ins Studio kann, eher spontane Aktionen. Und dann bist du im Studio und bist dabei, wie der Beat gebaut wird und dann kommt halt alles, was sich so angestaut hat raus. Die letzten zwei Wochen, wo du keine Musik machen konntest oder auch gar keinen Kopf dafür hattest. Wenn ich nach Hause komme nach einer neun Stunden Schicht, dann gucke ich zwei Folgen Naruto und penne.

Das heißt, die Texte kommen dann auch im Studio auf den Beat oder schreibst du schon vorher so ein paar Lines zusammen?
Ne! Das ist alles on scratch. Ich wüsste nicht, wann ich das letzte Mal ins Studio gegangen bin und den Text schon hatte. Ich glaube, der Song »Marcel«, der ist so entstanden. Da hatte ich mit DeLaurin nochmal, kurz bevor das Förderungsgeld kam für das Album, auf Druck was machen müssen. Also wir hatten eine krasse Mixing Session, wo wir alles nochmal neu aufgenommen haben und neu gemixt haben und so, damit wir das dann ins Mastering geben können. Und da habe ich auf dem Hinweg ins Studio den Text geschrieben, ohne Beat. Aber lass mich lügen, vielleicht zwölf Zeilen oder so, keine Hook, gar nichts. Wir haben dann zusammen Song den gebaut und da hat es einfach gepasst. Das war aber wirklich das einzige Mal, wo ich mich jetzt bewusst dran erinnern kann, dass ich schon was vorgeschrieben habe. Ansonsten baue ich halt, während der Beat entsteht und bin meistens durch Zufall echt genau dann mit dem Text fertig, wenn der Beat im Arrangement so steht, dass man aufnehmen kann. Im Hintergrund passiert dann noch mal was. Vielleicht schreibt man am nächsten Tag nochmal eine Zeile um oder vielleicht auch ein, zwei Monate später. Aber im Großen und Ganzen ändert sich da nicht mehr viel.

Ja, ich finde, wie du das beschreibst, passt voll darauf, wie ich die Songs wahrnehme. Dass Song für Song jeweils für sich aus einer bestimmten Energie entsteht, kann ich mir gut vorstellen. Was ist dann dein Anspruch? Ab wann holt dich ein Song wirklich ab? Was erwartest du auch von dir selber?
Es gibt eigentlich bei jeder Session diese starken Momente. Beim Beatbauen ist es so, dass ich ab einem bestimmten Punkt richtig Bock habe auf den Beat draufzugehen, weil der bounced, in einer bestimmten BPM Zahl ist oder wie auch immer. Und beim Schreiben ist es dann manchmal so, dass ich über meine eigenen Punchlines lache. Mein einziger Anspruch ist dann wirklich, ich muss den Song gut finden. Ich mach mir keine Gedanken darüber, wie es jemand anderes findet, sondern produziere so, dass ich den geil finde und dass ich den auch immer noch geil finde, wenn ich ihn in vier Wochen noch mal höre. Nur so bleibt das auch irgendwie meine eigene Musik.

Hast du so eine favorite Punchline von dir selber?
„Ich gebe mein letztes Hemd. Sie fragen Was hast du noch?“ Das finde ich zum Beispiel immer noch ziemlich gut. Sowas lässt dann auch einen sehr oberflächlichen, restlichen Text sehr gut wirken.

Weil du vorhin meintest, dein Anspruch sei vor allem erstmal, dass du die Songs selber gut findest. Hörst du dann auch deine Tracks selber?
Ja, tatsächlich. Also letztes Jahr bei »Leben auf Null« habe ich diese ganzen Rohsachen gehört und ich habe das Album einfach gar nicht gefühlt. Dann haben wir im Mixing ganz viel anders gemacht und viel die Stimme verändert und irgendwann kam der Modus, dass ich das durchgehört habe und mir wirklich dachte: „Dicker, das ist ein geiles Album!” Und bei dem Album, was wir jetzt gemacht haben, ist es auch so. Ich höre es von Anfang bis Ende durch. Das ist genau die Strecke von mir zu Hause bis zur Arbeit, vom ersten bis zum letzten Song. Und ich finde es immer noch gut. Ich feiere meine eigene Musik jetzt nicht zu 100%, da bin ich schon auch sehr selbstkritisch, aber ich kann sie definitiv besser hören als als damals.

Und es ist auch so, wenn du alte Sachen hörst, dass du dir bei manchen Stellen unzufrieden bist und daran merkst, was du gern anders machen würdest?
Ja, safe. Ich mag es zum Beispiel gar nicht, wie ich manchmal an bestimmten Stellen so Hausmaus Reime gemacht habe.

…[Ich] bin keine Kunstfigur, sondern ich versuche so viel wie möglich ich selbst zu sein. Anders kann ich das auch gar nicht.

Escape über sein Authentizitätsempfinden

Du hattest ja vorhin schon von »Marcel« gesprochen. Die Kernaussage da ist ja: „Escape ist nur ein Name, der berichtet, was Marcel macht.” Wie viel Marcel lässt du denn in deine Musik rein?

Ich könnte jetzt sagen, 100%. Aber ich denke, durch die Erfahrungen sagt man einige Sachen natürlich nicht. Das ist auch ganz normal. Ich erzähle ja auch nicht jedem Kumpel alles was mich bedrückt oder was ich denke. Aber ich würde schon sagen, dass Marcel und Escape genau die gleichen Personen sind. Das ist, was ich damit auch ausdrücken wollte. Dass ich nicht über irgendwas rappe, was jeder andere auch durchgemacht hat. Na klar gibt es Parallelen und so, aber ich bin keine Kunstfigur, sondern ich versuche so viel wie möglich ich selbst zu sein. Anders kann ich das auch gar nicht. Eigentlich ist jeder Song nur wie eine Seite in einem Tagebuch, wo ich dann in zwei Jahren sagen kann: „Okay, da ging es mir so, jetzt geht es mir so…”

Du meintest im Vorgespräch, dass DeLaurin genau wie du auch aus der Musik herauskommt. Worauf beziehst du dich da?
Also ich habe mit zwölf eine Gitarre bekommen, weil ich einen extremen Flash auf Nirvana hatte. Das war so meine erste Berührung mit Musik. Dann hatte ich eine Schülerband und habe da auch mal Bass gespielt und wenn die Bandprobe vorbei war, auch ein bisschen Schlagzeug. So habe ich extrem Gefallen daran gefunden, nicht nur an bestimmten Musikrichtungen, sondern allgemein am Musikmachen. Genau das merkt man bei DeLaurin auch. Der produziert fast nie mit Samples, das ist alles selbst eingespielt. Es sind alles irgendwelche Synthies oder irgendwelche echten Instrumente, die wir oder die er benutzt. Das ist alles echt.

Dann dazu noch die Klischee-Frage schlechthin, aber wann bist du zum Rap direkt gekommen? Wenn du meinst, deine musikalische Sozialisierung lief vor allem über Nirvana.

Ich hatte eine lange Nirvana Phase. Aber nicht nur Nirvana, auch System of a Down, Limp Bizkit, Korn oder Slipknot. Da dann immer auch noch die Konstante zu diesem Kopfnicken. Also das war Bandmusik, aber irgendwie auch mit Hip-Hop-Einflüssen. Irgendwann ist das dann total umgeschwenkt in Black Metal. Dann hatte ich so eine ganz schlimme Black Metal Phase mit langen Haaren und Springerstiefeln und wirklich abgedrehten Sachen. Da hat man geträumt von Kirchen abfackeln und so einem Scheiß. Irgendwann habe ich aber gemerkt, dass diese Szene voll mit intoleranten und auch mit rechten Menschen ist. Und dann hatte ich keinen Bock mehr auf diesen ganzen Scheiß und habe wieder den Weg zurückgefunden zu Limp Bizkit und von da zu Lootpack, Madlib, Outkast, Eminem, so – dieser ganze amerikanische Rap-Film. Lass mich da 18 gewesen sein. Und dann habe ich, glaub ich, mit 20, 21 mal selber einen Rap-Text geschrieben, weil es in Neubrandenburg, da wo ich gewohnt habe, zu der Zeit zwei Rapper gab, mit denen ich befreundet war. Der eine hieß Don Noah, der andere hieß Lennox und die haben geilen Scheiß gemacht, dafür dass niemand die kannte und man war so ein bisschen angetörnt davon, weil die sich selber aufgenommen haben, selber gemixt haben und so. Und für die war es aber immer eine Lachnummer, weil ich immer nur der war, der deren Texte mit gerappt hat und deren Mucke angemacht. Dann meinen sie irgendwann zu mir, ich solle doch mal selber was machen. Daraufhin habe ich in ein oder zwei Wochen meinen ersten Text geschrieben, bin zu Lennox nach Hause gegangen und habe da aufgenommen. Als ich aufgenommen hatte, war noch ein Part frei auf dem Beat und meinte so zu mir: „Jo, ich rappe da auch noch einen Part ein.” Das war dieses stille Zeichen dafür, dass ich nicht so schlecht abgeliefert hatte. Nach dem Motto: Er würde sich nicht dafür schämen, auf dem Song auch vertreten zu sein. Und dadurch hab ich erst richtig Bock bekommen. Es muss 2009 oder 2010 gewesen sein, da habe ich meine ersten drei Songs gemacht. Dann hatte ich aber eine ganz schlimme Drogenphase und dadurch wurde das alles sehr vernachlässigt. Wenn dann habe ich nebenbei nur voll auf Drogen Musik gemacht. Irgendwann nach einem Auftritt in Greifswald, 2014, das muss mein vierter oder fünfter gewesen sein, habe ich gemerkt , dass ich jetzt ernst machen möchte. Ich hatte keinen Bock mehr, mich von irgendwem aufhalten zu lassen oder irgendwem hinterherzurennen wegen irgendwas. Ich dachte mir, ich mach das jetzt alles selber. Ich will jetzt Rap machen.

Also diese Rock- und Metal-Einflüsse, finde ich, hört man irgendwie so gar nicht raus aus dem, was du jetzt selber musikalisch machst. Würdest du sagen, dass du aus diesen Wurzeln noch was mitnimmst in deine Musik heute?

Das einzige, was mit rübergeschwappt ist von diesen Wurzeln, sind halt ein paar Melodien auf der Gitarre, die wir damals in unserer Black Metal Zeit hatten und so einige andere Melodien auch, die wir, ohne dass es ein Song geworden ist, hatten. Die habe ich hier und da mit einfließen lassen. Auf DeLaurins letztem Release ist ein Song drauf, der heißt “Ich lass mich fallen”, da ist die Gitarre von mir und das ist tatsächlich ein Gitarrenstück, das ich selbst gemacht habe mit 14.

Dann bleiben wir mal in diesem Rückblicksmodus. Du meinst, seit 2014 hast du wirklich voll das Rap-Ding im Kopf. Was sind Achievements, auf die du bisher schon stolz zurückblickst oder mit denen du sehr zufrieden bist?
Mandala. Das war mein erstes Solo Release, da fand eine größere Veränderung statt. Vorher war alles sehr Boom-Bap geprägt. Irgendwie hatte es mich aber gepackt und ich wollte was neues machen, wusste nur nicht, mit wem. Und dann habe ich Audi Bamer gefragt. Er hat mir so 20 Beats geschickt, von denen ich alle scheiße fand. Dann hat er mir nochmal 20 Beats geschickt, von denen ich alle scheiße fand. Und dann habe ich gesagt, hier sind 20 Alben, hör dir die an und dann baue noch mal Beats. Und das hat einfach funktioniert. Dann hat er mir auf einmal Beats geschickt, die geil waren und dann hat er »Mandala« produziert. Sechs Songs, ein Feature und ich wollte mit ihm zusammen das Album auf Platte rausbringen. Nur konnten wir das nicht finanzieren. Aus Verzweiflung habe ich einfach fucking Spenden gesammelt auf Instagram und meinte so: „Jo, wenn 100 Leute mir 17 € geben, lass ich auf jeden Fall 300 Platten machen.” Und innerhalb von ein oder zwei Monaten hatte ich tatsächlich so 1800 € auf PayPal. Und da kamen immer mehr Spenden, wo Leute auch gesagt haben, sie wollen gar keine Platte haben, sondern mich einfach nur unterstützen. Das war so der erste Moment, als ich richtig gemerkt habe, dass da eine Fanbase ist, die mich wirklich supported. Ich kann für die was machen, die machen was für mich. Und dann kam die Platte raus und war ziemlich schnell ausverkauft. Heute kriegst du die auch nicht mehr, außer für 70 € auf Discogs. Da waren wir schon stolz. Das war so diese Wende.

Dann zum Abschluss vielleicht ein kleiner Blick in die Zukunft: Wir wissen, es kommt jetzt noch »Leben auf Plus«. Was ist sonst geplant?
Ich werde auf jeden Fall ein Album machen, welches man gut platzieren und pitchen kann. Einfach als kleinen Try-Out für mich. Zu sehen, was passiert, wenn ich thematisch und beattechnisch versuche, eine bestimmte Gruppe anzusprechen. Das ist eher so ein Experiment. Dann wie gesagt, »Leben auf Null«. wir haben schon angefangen daran zu arbeiten. So, es gibt schon drei vier Songs, die da rumliegen und dann werde ich noch ein Release machen, was punkig wird. So in dem Style, wie Slowthai auf manchen Songs. Also ein verzerrter Bass und dann Musik darüber, wie man halt saufen geht oder so was. Weil ich habe auch auf »Die or Die Tryin’« einen einen Song, der so ähnlich ist (»Im Griff«), wo ich auch selbst den Bass eingespielt habe und sowas würde ich gern mehr auf Konzerten spielen.

Der Song hat für mich beim Hören auf jeden Fall auch rausgestochen.
Und ich hab ihn jetzt auch ein paarmal live gespielt und der hat schon am meisten reingehauen. Da haben auch die Leute sich bewegt, die an der Garderobe standen. Die sonst eher zu Metal oder Punkveranstaltungen gehen oder gar nicht interessiert sind an Hip Hop.

Willst du das dann aber auch mit Live-Band aufziehen?
Ja genau! Also DeLaurin wäre der Drummer. Ich würde dann glaub ich nur den Rap machen, aber trotzdem vorher für die Melodien sorgen. Und dann schauen wir, dass wir noch ein Gitarristen, Pianisten und einen Bassisten finden. Das wäre schon so ein Traum von mir.

Viel Dank geht an das Burgeramt und Maxime Schubert.

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Als Loyle Carner am Ende des Abends anmerkte, dass es die erste Zugabe der aktuell laufenden Tour ist, wussten die Fans, dass das gerade nicht nur für sie, sondern auch für den jungen Mann auf der Bühne, ein Konzerthighlight war. Bei anderen Tourstopps gab es Angaben zufolge zwar auch schon die ein oder andere Zugabe, aber das sei ihm an dieser Stelle verziehen, denn Loyle’s überschwängliche Euphorie übertrug sich restlos aufs Publikum und im Endeffekt hat man während der Show doch ohnehin besseres zu tun als darüber nachzudenken ob die Show vor ein paar Tagen eventuell besser war, oder sich vor Augen zuhalten, dass er vermutlich direkt im Anschluss in den nächsten Flieger steigt, um seine Tour in Luxemburg, Belgien, Irland und UK die nächsten beiden Monate fortzusetzen. Viel wichtiger sind die Energie und die Liebe, die er und seine Band in dem Moment versprühten und im Wechselspiel beeindruckt vom Publikum zurückbekamen.

Live-Termine

20.01.2023 – Berlin, Columbiahalle
24.01.2023 – Köln, Carlswerk Victoria
31.01.2023 – München, TonHalle München (im Werksviertel Mitte)

Verletzlichkeit als Stärke

Spürbar war an diesem Abend die beeindruckende Verbindung, die er zum Publikum aufbaute. Genau das ist Loyle Carner’s Qualität, an der er seit seinen ersten Auftritten vor vielen Jahren weiter und weiter verfeinernd geschliffen hat.

Bereits in der Vergangenheit hat er nie davor zurückgescheut, seine Hörer*innen an seinem Innersten teilhaben zulassen und so teilte er bewegend sein Herz mit der Crowd, als er live sein Album »hugo« performend über sein Aufwachsen ohne Vater, das nun selber Vatersein und die Versöhnung mit eben jenem Mann, den er sich eigentlich ein Leben lang an seiner Seite gesehnt hatte, rappte.

Diese Kraft der Verletzlichkeit und das nicht davor Zurückscheuen sich dieser im Rampenlicht zu stellen, sind Carners Schlüssel, um Menschen emotional zu bewegen und sie auch in Bewegung zu versetzen und zum Tanzen zu bringen. Lieder wie Nobody Knows (Ladas Road) oder das von Madlib produzierte »Georgetown« zeichnen ihn aus: Geschichten eines Jungen, der es wagt, verletzlich zu sein. 

You can’t hate the roots of the tree/
And not hate the tree/
So how can I hate my father /
Without hating me?”

Nobody Knows (Ladas Road)

Ob es nun der beste Auftritt seiner noch bis März andauernden Tour war, muss jeder für sich entscheiden. Doch nach dem Konzert, sah man viele Leute das Carlswerk mit großer Begeisterung in den Augen verlassen.

Wir hatten die Möglichkeit, im Interview mit Loyle Carner auf dem Reeperbahn-Festival über seinen ersten Deutschlandbesuch, seine Vaterrolle, den Umgang mit öffentlicher Wahrnehmung zu sprechen und auch einen Einblick darin zu bekommen, was Loyle inspiriert und welche Richtung er gerne nach »hugo« mit seiner Musik einschlagen würde.

Loyle Carner auf ‘hugo’-Tour im Carlswerk in Köln | Fotogalerie

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Mit »hugo« releast Loyle Carner sein mittlerweile drittes und wahrscheinlich persönlichstes, aber auch düsterstes Album bisher. Neben Themen wie Alltagsrassismus und seinem ADHS thematisiert er vor allem den Versuch einer Rückbesinnung auf seine Wurzeln. Als Sohn einer schottischen Mutter und guyanesischen Vaters, zu dem er kaum Kontakt hat, unternimmt er eine Reise nach Guyana und beschäftigt sich mit seiner eigenen Identität und den Fußstapfen, die er selbst als Vater nun füllt.

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Über die 46 Minuten Spielzeit zeigt Freddie Gibbs, wie sehr er Rap als Handwerk beherrscht und signalisiert absolute Dominanz über die Rapszene. Inhaltlich treffen authentische Street Tales auf Selbstironie und melancholische Rückblicke auf Karriere und Lebensweg. Anders als noch auf »Piñata« oder »Alfredo« sind auf »$$$« nicht alle Beats rein organisch, sondern weisen auch Synthiesounds und digitale Drums auf. Insgesamt sind die Songs soundtechnisch recht breit gefächert, was nicht weiter verwunderlich ist, wenn man bedenkt, dass hier nicht nur ein Producer am Werk war, wie es bei den letzten Projekten von Freddie Gibbs sonst der Fall gewesen ist. Auf »$$$« haben stolze 25 Personen an den Instrumentals mitgewirkt. Unter anderem haben KAYTRANADA, Boi-1da, James Blake und die bereits bekannten Sparringpartner Madlib und The Alchemist Beats beigesteuert. Eben diese Diversität spielt Freddie in die Karten, denn hier kann er zeigen, wie wandlungsfähig er als MC ist, besonders was seine Flows betrifft.

Auch die Gästeliste der Platte strotzt nur so vor Hochkarätern und unterstreicht einmal wieder, wie breit das neue Album aufgestellt ist. So geben sich hier Namen wie Coke Rap-Kompagnon Pusha T, Wu-Tang Member und ebenfalls Coke Rap-Pionier Raekwon, R&B Legende Musiq Soulchild und Ex-Migos Offset die Klinke in die Hand. Insgesamt finden sich zehn Gäste auf der Platte

Ein Highlight der Platte ist definitiv der Dirty South-Banger »PYS«, auf dem Freddie eine extrem starke Performance liefert. Darüber hinaus samplet Three 6 Mafia Member DJ Paul seinen eigenen Klassiker »Pimpin & Robbin« und steuert selbst einen Part bei. Des Weiteren bleibt »Lobster Omelette« mit Rick Ross auf Anhieb im Ohr. Auf diesem Song lassen die beiden ihren Werdegang und ihre jetzigen – sehr komfortablen – Lebensumstände Revue passieren und erzeugen dabei eine melancholische aber gleichzeitig entspannte Atmosphäre. Auf dem letzten Song der Platte, »CIA«, welcher ebenfalls ein Glanzpunkt der Platte ist, beschreibt Freddie Gibbs den Schaffensprozess des Albums und den derzeitigen Stand in seiner Karriere über ein wunderbares, fast hypnotisches Bläser-Sample. 

I did this album off pages ripped out my diary. Confessions and hard lessons, killers confide in me

Freddie Gibbs – CIA

Abschließend lässt sich sagen, dass Freddie Gibbs mit »$oul $old $eperatly« definitiv einen Anwärter auf das Album des Jahres auf den Markt gebracht hat. Nicht ein Song weicht vom hohen Standard der Platte ab, obwohl hier auch das ein oder andere kleinere Experiment gewagt wurde. Auch schafft er es trotz der Vielzahl der involvierten Produzenten einen roten Faden aufrecht zu erhalten und das Album sehr zusammenhängend zu gestalten. Damit wurden alle Erwartungen an das Album erfüllt. Bleibt zu hoffen, dass Freddie Gibbs mit seinem vielleicht besten Album bis dato endlich denselben kommerziellen Erfolg erreichen kann wie seine einstigen XXL Freshman Kollegen – dieser ist ihm nämlich trotz allen Respekts in der Szene nie zuteilgeworden.

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