Aber auch in Deutschland war man in den vergangenen Monaten nicht untätig. So steht mit »tRaence« das heiß erwartete neue Album von Souly an, genauso wie das Kollaboalbum von Karate Andi & Sportler99 und die neuen Werke von Schwesta Ebra oder Zavet.

06.06.

National:

Blokkmonsta – 2K5
Reeza – Reehab
$ono$ Cliq – Zweimal alles
Zavet – Etage 3

International:

Bktherula – LUCY
Kae Tempest – Self Titled
Lil Wayne – Tha Carter VI
Little Simz – Lotus
Loaded Honey – Love Made Trees

13.06.

National:

Souly – tRaence
Vicky – Wann Album?

International:

AJ Tracey – Don’t die before you’re dead
Leikeli47 – Lei Keli ft. 47 / For Promotional Use Only
Slick Rick – Victory

20.06.

National:

6euroneunzig – Slutalarm EP
Dissy – Morgen werde ich mich dafür hassen
Karate Andi & Sportler99 – Spaß beiseite
Schwesta Ebra – Overhyped
Tiefbasskommando – Vol. 5

International:

Aitch – 4
Che Noir – The Color Chocolate 2
Loyle Carner – Hopefully
Yaya Bey – do it afraid

27.06.

National:

Nsheem – Eemperfect Vol. 1 EP

International:

Pi’erre Bourne – Made in Paris
Russ – TBA
Tech 9ine – 5816 Forest

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Kendrick Lamar – GNX

HE DESERVES IT ALL: Kendrick Lamar hat es wie Beyoncé à la »Beyoncé« gemacht und am Freitagabend ohne große Ankündigung überraschend sein neues Album »GNX« veröffentlicht. Mit diesem spontanen Album-Drop hat King Kenny einmal mehr bewiesen, dass dies seine Welt ist – und wir froh sein können, in ihr zu leben. Nachdem Kendrick mit »euphoria«, »Not Like Us« und »meet the grahams« nicht nur Drake, sondern auch alle letzten kritischen Stimmen gegen ihn verstummen ließ, kommt »GNX« nach den sieben Grammy-Nominierungen
(fünf davon für »Not Like Us«) als krönender Höhepunkt seines Runs.

Das neue Projekt »GNX« erinnert in der Produktion teilweise entfernt an sein kommerziell erfolgreichstes Album »DAMN.«, klingt aber gleichzeitig deutlich mehr nach Kendrick Lamar wie wir ihn nach sieben Alben lieben. Es ist ein sehr rohes und direktes Album, mit dem Kendrick einen radikalen Bruch mit seinen vorherigen, langen und komplexen Konzeptalben vollzieht. Damit beweist er den Kritikern dieser Projekte, dass er wirklich jede Facette der Rap-Kunst beherrscht – und sowohl kurz und knackig überzeugen kann als auch auf dem langen, verschachtelten Weg. Dabei spart er weder an lyrischer Finesse noch an cleverem Storytelling

…Erbe der Westküste…

Gleichzeitig unterstreicht er aber auch seinen Stand in der Musikindustrie, seine harte Arbeit und was ihn von den Mainstream-Sellouts unterscheidet. Im selben Zuge zollt er erneut der reichen Geschichte der West-Coast-Hip-Hop seinen Respekt – ein Erbe, dessen Einfluss sich bis heute durch alle seine Projekte zieht. Neben dem Süden, vertreten durch Doechii und Denzel Curry, dominierte die West Coast dieses Jahr mit ScHoolboy Q, Vince Staples, Tyler, the Creator und Kendrick Lamar.

Ein weiteres Highlight: Fans lagen mit ihren Verschwörungstheorien teilweise richtig. Der Snippet, der als Intro für das Musikvideo zu »Not Like Us« diente, wird hier in seiner ganzen glorreichen 80s-Synth-Landschaft auf »squabble up« fortgeführt. Der Track »reincarnated« erinnert melodisch stark an das Instrumental des französischen Rap-Duos La Caution – »Thé à la menthe«. Ein Instrumental, das durch eine ikonische Filmszene aus Ocean’s Twelve bekannt wurde.

Auch wenn der Gedanke an den Diss mit Drake zunächst im Vordergrund von »GNX« stand, wird dieser beim Hören schnell zur Nebensache – ein scheinbar gezielter Schachzug von Kendrick. »The Heart Part 6« war ursprünglich von Drake als ultimativer Diss gedacht, doch Kendrick Lamar kümmert das in der Realität offenbar wenig. Mit seinem eigenen »heart pt. 6« führt er auf dem Album seine eigene Serie fort und erwähnt seinen angeblichen Erzfeind nicht mit einer einzigen Zeile.
Gleichgültiger kann man nicht sein – und der Song beeindruckt durch Kendricks Storytelling über TDE.

…viele Köche…

Produziert wurde »GNX« unter anderem von Jack Antonoff, Sounwave, Dahi, Mustard, M-Tech, Kamasi Washington und Terrace Martin. Jack Antonoff mag überraschen, aber nur, wenn man nichts über dessen vorherige Zusammenarbeit mit TDEs Sounwave weiß. Das Ergebnis ist jedenfalls eine Wiedergutmachung für Antonoffs langweilig produziertes Taylor-Swift-Album »The Tortured Poets Department«. Features kommen von SZA, Ink, Sam Dew, Deyra Berrera und anderen eher unbekannten Artists. Insgesamt haben viele Hände mitgewirkt, ohne die Suppe zu verderben.

Das Album unterstreicht auch noch einmal, warum Kendrick Lamar als Performer für die Super-Bowl-Halftime-Show gegenüber Lil Wayne keineswegs als „Snub“ betrachtet werden sollte. Vielmehr war es die richtige Entscheidung – angesichts dieses Momentums von Kendrick.

Jacob Banks – Yonder: Book I

Eine Person, die als silver-tongued beschrieben wird, besitzt die Fähigkeit, andere Menschen mühelos zu überzeugen – unabhängig davon, wovon. Dies kann sowohl in einem negativen, hinterhältigen Kontext als auch im positiven Sinne gelten. Eine silberne Zunge geht jedoch immer mit einer gewissen Eloquenz und Cleverness einher. All das trifft auch auf Jacob Banks zu, zumindest soweit, dass der nigerianisch-britische Künstler mit seiner Stimme ganze Hallen verzaubern kann.

Auf seinem Track »Silver Tongue« ist allerdings nicht er derjenige mit der Silberzunge, sondern derjenige, der ihrer Versuchung durch innere Stärke widerstehen kann. Der Song ist Teil seiner neuen EP »Yonder: Book 1«, die uns durch cineastische und jazzige Töne einmal mehr überzeugt. Der Titel Book 1 lässt uns dabei vor allem auf eine Fortsetzung hoffen.

Kenny Mason – Angel Eyes

Ein Künstler, den wir vor allem durch Features auf den letzten Projekten von JID, Denzel Curry oder TOBi wahrgenommen haben. Dennoch passt der Begriff „Newcomer“ für Kenny Mason längst nicht mehr – dafür hat der 29-Jährige bereits zu viele eigene Projekte in seiner Diskografie.

Sein neues Album heißt »Angel Eyes« und dürfte vor allem Fans von alternativem Trap mit seinen neun Tracks überzeugen. Insgesamt ist das Projekt jedoch etwas zu eintönig, um wirklich herauszustechen. Songs wie »TEEN GOHAN«, »INTUITION« und »ANGEL EYES« zeigen jedoch ruhige, aber dennoch spannende Ansätze, die auf interessante Projekte in der Zukunft hoffen lassen.

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In den vorab veröffentlichten Singles zeigte Cordae bereits ganz unterschiedliche emotionale Seiten. Während er etwa auf »Summer Drop« zusammen mit Anderson .Paak noch nostalgisch über einen entspannten Boom-Bap-Beat von J. Cole auf seine Jugend und damalige Herausforderungen zurückblickt, teilt Cordae auf »Mad As F*ck« richtig aus und rappt aggressiv auf einem Trap-Beat über seinen kämpferischen Ehrgeiz und sein Leben im Rampenlicht. Sein Schaffen auf der Bühne ist ein zentrales Motiv auf »The Crossroads«. Der Titel des Albums bezieht sich auf einen Wendepunkt in Cordaes Karriere. Im Interview mit Billboard erzählt er:

Ich hatte das Gefühl, dass ich an einem Wendepunkt in meinem Leben stand (…) Es ging um Leben und Tod. Wenn ich nach rechts gehe, wird alles perfekt sein und das Leben ist großartig, wenn ich nach links gehe, ist das ganze Leben schrecklich. Irgendwann habe ich erkannt, dass eine einzelne Entscheidung nicht so viel Gewicht hat. Es ist die Summe aller Entscheidungen.

Lyrische Vielseitigkeit

Cordae zeigt sich übers Album verteilt lyrisch in Hochform mit humorvollen One-Linern, allerdings auch mit tief emotionalen Zeilen, die seine introspektive Seite beleuchten. Mit einen dynamischen Flow und eine authentische Mischung aus Cleverness und Verletzlichkeit bringt Cordae gekonnt Themen wie Selbstreflexion, das Streben nach Wachstum oder seine Lebensweisheiten als junger Vater ins Spiel. Vor allem der Song »Shei Afeni«, der den Namen seiner Tochter trägt, oder der Track »Dreaming 06«, der an seine Mutter gerichtet ist, stechen dabei als emotionale Highlights hervor.

“There’s gon’ be a time when things don’t always go your way
There’s gon’ always be some people with some shit to say
There’s gon’ always be adversity throughout this life
But just remember, everything gon’ be alright”

Cordae »Shei Afeni«

Zwischen Soul, Trap und Eintönigkeit

Insgesamt zeigt sich die Produktion auf dem Album besonders vielfältig. Klug ausgewählte Soul-Samples, wie die Verwendung von Luther Vandross oder Barbara Mason’s Vocals auf »All Alone« und »Never See It«, verleihen den Tracks einen besonderen Charme. Gleichzeitig finden sich auch immer wieder moderne Trap-Beats und jazzige Elemente wieder, die Cordae geschickt nutzt, um einen zeitlosen Sound zu kreieren.
Das Album hat jedoch auch einige Momente, die recht eintönig wirken und die Spannung nicht durchgehend halten können. Ein Beispiel dafür ist der Track »Pray« mit Ty Dolla $ign, dessen Beat sowie Flow recht monoton wirken und wenig bleibenden Eindruck hinterlassen. Gerade im Hinblick auf seine vorherigen Alben fehlt es hier an Abwechslung und frischen Ansätzen. Cordae schafft es nicht durchgehend, sein kreatives Potenzial komplett auszuschöpfen, das er bereits an Stellen auf dem Album angedeutet hat, und hinterlässt somit immer wieder ein Gefühl von Unvollständigkeit.

Feature-Highlights und Fehltritte:

Auf dem Track »Nothings Promised« zollt Cordae einer seiner größten Inspirationen, Kanye West, mit einem beeindruckenden Song Tribut und sampled mit
»Heard ‘Em Say« einen absoluten Klassiker. Gleichzeitig ist Ye höchstpersönlich allerdings auch als Feature auf »No Bad News« vertreten. Was zunächst als großes Highlight in der Tracklist wirkt, bleibt letztendlich hinter den Erwartungen zurück. Der Song bietet zwar ein solides Instrumental, doch insgesamt kann Kanye nicht überzeugen und erinnert an die KI-gesteuerten Parts aus »Vultures 2«. Angesichts der Kontroversen, in die Kanye in letzter Zeit involviert war, bleibt die Zusammenarbeit zudem eine mindestens diskutierbare Entscheidung.
Im Gegensatz dazu zeigen sich die hochkarätigen Albumgäste jedoch von ihrer besseren Seite, wie etwa Lil Wayne, der gleich zweimal auf dem Album vertreten ist. Der 42-jährige knüpft an sein starkes Feature auf Tyler, The Creators »Sticky« an und liefert auf »Back on the Road« und »Saturday Mornings« zwei besonders persönliche Parts. Auch Jordan Ward trägt mit einer ruhigen, aber kraftvollen Hook auf »Don’t Walk Away« zur angenehmen Stimmung des Songs bei. Ravyn Lenae ergänzt den Track perfekt mit ihrem Part, der eine verspielte Atmosphäre schafft.

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Cordae & Joey Bada$$ – Syrup Sandwiches

Cordae steht an einem entscheidenden Punkt seiner Karriere: Mit dem anstehendem Album »The Crossroads« will er wieder an den Erfolg seines Debüts anknüpfen und den Faden aufnehmen, den seine letzten Releases nicht ganz halten konnten. Die ersten Singles »Mad as F**k« und »Saturday Mornings« mit Lil Wayne deuten schon an, dass hier etwas potenziell Vielversprechendes zu erwarten sein könnte. Jetzt legt er mit »Syrup Sandwiches« nach und heizt die Spannung noch einmal etwas weiter an.


Eins ist klar: »Syrup Sandwiches« ist ein starker Track und geht auf jeden Fall geschmeidig gut ins Ohr. Cordae und Joey Bada$$ legen sich hier richtig ins Zeug und gleiten mühelos über die sanfte Produktion während sie sich Lines hin und herwerfen über ihren Grind, ihren Hustle und Frauen mit Ecken und Kanten – erstaunlicherweise weniger über Kurven. Na dann.

Ice Cube, Killer Mike und Busta Rhymes – Ego Maniacs

Drei Schwergewichte auf einem Track: Ice Cube, Killer Mike und Busta Rhymes haben sich für »Ego Maniacs« zusammengetan. Straighte Ansage und jede Menge Confidence strotzt aus dem Testosteron geschwängerten Trio, das mit einer Energie aufwartet, die nur wenige ihrer Generation noch so auf den Punkt bringen.

Inhaltlich geht es vor allem um die vielfach berappten Social issues vor allem innerhalb der Black Community. Während Busta eher das Heavylifting bei Energy und Performance übernimmt und weniger durch politische Statements auffällt, freut es einen doch immer wieder aufs Neue, ihn so in seinem Element zu sehen, und dass ein anständiger Busta Rhymes Part immer noch eine gelungene Ergänzung und Aufwertung eines jeden Songs bedeutet.
Killer Mike wiederum eröffnet mit einem Rückblick auf seine Anfänge, Cube stellt klar, dass ihm nach wie vor niemand das Wasser reichen kann und Busta zollt den alten Größen Respekt, die ihn inspiriert haben: Chuck D, N.W.A. und auch Cube bekommen ihre Rosen.

Ein starker Track mit Haltung – auch wenn etwas mehr Tiefgang noch interessanter gewesen wäre.

Ab-Soul – Soul Burger (Album)

Ab-Soul ist mit dem 15-Track starken Projekt »Soul Burger« zurück und bringt Neo-Soul mit seinem typischen West-Coast-Flair auf den Teller. Gewidmet ist das Werk seinem Freund DoeBurger, der 2021 verstorben ist (R.I.P.) und dessen Verlust Ab-Soul bereits auf »Herbert« verarbeitet hat. Die Tracks »Crazier«, »All That« und »Squeeze 1st 2« waren erste Vorboten mit denen er seine Fans über das Jahr versorgt hat und sind auch allesamt auf dem neuen Album zu finden.

Aber, und da sind wir auch schon bei der Kritik, nicht jeder Bissen von »Soul Burger« sitzt perfekt. Die Tracklist hat leider auch eine gute Handvoll Filler und Experimente, bei denen Ab-Soul sein Ziel nicht ganz trifft. Manche Styleswitches wirken etwas holprig und wackelig auf den Beinen. »Go Pro« mit Ty Dolla $ign beispielsweise, zündet einfach nicht richtig und wirkt unausgegoren und ungewohnt für einen eigentlich sehr versierten Rapper, wie Ab-Soul es ist und in der Vergangenheit ja auch unbestritten vielfach unter Beweis gestellt hat. Klar, er will neue Sounds ausloten – doch manchmal bleibt die Umsetzung hinter dem Potenzial zurück.

Aber es gibt auch starke Momente: Ab-Soul überzeugt mit Tiefgang, cleveren Punchlines und einer Selbstsicherheit, die Respekt verdient. Einige Tracks ( »9 Mile«, »Paiday« und »California Dream«) stechen besonders hervor und zeigen, dass er lyrisch nach wie vor on top of his game ist und eine klare Vision verfolgt – auch wenn vielleicht nicht jeder Track diese ganz erreicht.

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Jessie Reyez – »RIDIN«

Jessie Reyez ist back! Auch wenn sie nie wirklich weg war. Seit ihrer ersten EP »Kiddo« hat sie sich langsam aber sicher ins Herz des Mainstream gearbeitet. Die Mischung aus guten Lyrics und der Tom Boy Attitüde machen Reyez zu etwas Besonderem, das erfrischenden Wind in die Pop-Welt bringt. Ihre Texte sind dabei immer sehr direkt, smart und häufig auch auf der expliziten Seite. Dennoch hat sie mit Songs wie »Saint Nobody«, »Gatekeeper« oder »Figures« auch schon immer eine sehr emotional offene Seite von sich gezeigt. Es geht in ihren Lyrics zwar sehr viel um Beziehungen, Sex und Lust aber auch immer um Verwundbarkeit und vor allem auch die vielen Hürden der Industrie die sie überwinden musste. Neben den Soundtracks zu Rebel Moon und dem Bob Marley Biopic gab es seit Ende letzten Jahres vereinzelte Singles, die durch ein ähnliches Design auf ein größeres kommendes Projekt schließen lassen. Spannend daran ist auch, dass alle Songs Feature-Projekte sind. Auf »JEANS« wurde sie von Miguel unterstützt, gefolgt von »SHUT UP« mit Big Sean und dem aktuellen Track der Woche »RIDIN« mit Lil Wayne. Drei sehr starke Tracks, die Ohrwürmer garantieren und neben schnellen gelben Autos vor allem Lust auf mehr machen.

LARA’ – »Luvology«

Lara’ ist zwar bei uns in den Internationalen Releases keine Unbekannte mehr, bei vielen außerhalb unserer Bubble allerdings schon. Das sollte sich jetzt schleunigst mit ihrem Debütalbum »Luvology« ändern. Das Album kommt vom Herzen und es lässt sich auf Seiten der Produktion deutlich heraushören, dass sie Teil der BLK ODYSSY Familie ist. Smoothe Beats, die einen auf eine verwunschene Art mitnehmen. Sehr schönes R&B Album, das einen vom ersten bis zum letzten Track auf eine Reise mitnimmt.

Benny The Butcher & Drake – »Buffalo Freestyle«

Selbst Drake hater können langsam keine Freude mehr finden an den immer weirderen Offenbarungen rund um den kanadischen Entertainer. Nach der deutlichen Niederlage im Kampf gegen Kendrick Lamar gab es seitens Drizzy zwar immer wieder Versuche, sich durch Releases wie »100 GIGS« aufzurappeln. Diese wurden dann allerdings schnell überschattet von News, die K Dots Anschuldigungen immer mehr Boden geben. Diese Woche hätte er es dann aber doch fast geschafft.
Benny The Butcher veröffentlichte scheinbar gemeinsam mit Drake den Song »Buffalo Freestyle«. Ein Track, der bereits vor Jahren geleakt wurde und von dem Benny selbst sagte, dass der Song zwar dope sei, aber der richtige Zeitpunkt verpasst wurde. Dennoch ist der Track so gut, dass Fans einfach ausrasten würden. Genau so war es auch, bis der Track dann relativ schnell wieder von den Streaming Plattformen und auch von YouTube verschwand. Schade, denn selbst bekanntliche Nicht-Drake-Fans können an dem Song nicht viel aussetzen. The Butcher hat alles aus ihm rausgeholt, was geht. Doof nur, dass es mal wieder absolut schräg endet und wir hier nichts Handfestes präsentieren können.

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“I know some producers that’s popping that’s complaining about n***a albums that dropped months ago, that none of us got paid off of. These n****s is out here touring, making millions of dollars, bro, and we’re trying to beg the label to pay us a measly bullshit ass fee.”

Die Frustration, die Hit-Boy ausdrückt, spiegelt die Erfahrungen vieler Produzent*innen wider, die sich oft mit undurchsichtigen Verträgen und unzureichenden Zahlungen konfrontiert sehen. Aber wie groß ist das Problem tatsächlich? Warum werden gerade Produzent*innen oft nicht bezahlt? Und war das schon immer so?

Mussten Produzent*innen immer schon um ihr Geld kämpfen?

Die Geschichte von Hip-Hop – und damit auch der Producer – reicht bis in die 70er Jahre zurück, als das Genre in den Straßen von New York seinen Ursprung fand. Zu dieser Zeit traten Persönlichkeiten wie DJ Kool Herc und Grandmaster Flash auf den Plan und legten den Grundstein für die Hip-Hop-Kultur. Diese Pioniere waren allerdings nicht für Rap-Skills bekannt, sondern vor allem für ihre innovativen DJ- und Sampling-Techniken, die den Sound von Hip-Hop prägten. In den Anfängen des Hip-Hop waren die MCs, also die Rapper*innen, oft lediglich Begleiter des DJs, die mit ihrem Sprechgesang den Beat ergänzten und die Menge anheizten.

Mit dem Aufkommen der ersten Hip-Hop-Platten wie »Rapper’s Delight« von der Sugar Hill Gang in den 1980ern änderte sich das allerdings. Rap wurde zum zentralen Element des Genres und Rapper*innen zu den Galionsfiguren für Hip-Hop und seinen kommerziellen Erfolg. Doch während Rapper*innen und Plattenlabels das Rampenlicht eroberten und große finanzielle Gewinne einfuhren, blieben die Produzent*innen oft im Schatten und erhielten nur einen Bruchteil der Einnahmen.

In den 90er Jahren wurden Beatmaker oft besser bezahlt, allerdings war die Bezahlung je nach Bekanntheitsgrad des Producers sehr ungleich. Nur wenige Ausnahmen wie DJ Premier, Timbaland oder The Neptunes erlangten großen finanziellen Erfolg und Anerkennung für ihre Arbeit. Sie konnten durch ihre Beteiligung an den Verkäufen erfolgreicher Alben beträchtliche Gewinne einfahren und sich darüber hinaus als öffentliche Person etablieren. Es ist fast schon erschreckend, dass trotz ihres enormen Einflusses auf den Sound und die Ästhetik des Hip-Hop nur so wenige Produzent*innen aus dieser Zeit zu waschechten Stars wurden.

Durch die Verbreitung des Internets in den frühen 2000ern änderte sich dann die gesamte Musikindustrie. Auch die Landschaft für Produzent*innen wandelte sich grundlegend. Durch Plattformen wie SoundCloud, YouTube und Beat-Selling-Websites wurde es viel einfacher für sie, ihre Beats einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Auch die Möglichkeiten zur Kollaboration wurden quasi unendlich. So war es beispielsweise plötzlich möglich, dass Produzent*innen aus dem deutschsprachigen Raum ihre Beats leicht auch in Übersee platzieren konnten. Das vielleicht beste Beispiel für solch eine internationale Zusammenarbeit sind die Instrumentals von OZ, welche neben Shindy regelmäßig von Drake und anderen US-Größen besungen werden.

Allerdings brachten diese Neuerungen auch Nachteile. So schwanden zum einen die Einnahmen aus physischen Verkäufen, was sich natürlich auch auf den Verdienst der Produzent*innen auswirkt. Zum anderen konnten Rapper*innen die als Hörproben hochgeladenen oder zugeschickten Beats einfach benutzen, ohne die Producer*innen überhaupt zu kontaktieren, geschweige denn zu bezahlen. Solchen Vorwürfen sah sich Capital Bra noch im letzten Jahr ausgesetzt. Er soll den marokkanischen Produzenten Makafish für den Beat zum Song »Kein Platz« nicht bezahlt haben. 

Die traurige Realität in der Musikindustrie war also immer schon, dass viele Produzent*innen nicht angemessen – manchmal sogar überhaupt nicht – für ihre Arbeit entlohnt werden, obwohl sie einen unverzichtbaren Beitrag zum Erfolg von Hits und Alben leisten. Deutschrap-Produzent Rooq beschreibt die Misere im Jahr 2016: „Im schlimmsten Fall […] ist man für den Rapper […] ein Dienstleister, der es scheinbar weder verdient hat, mit Respekt behandelt zu werden noch überhaupt als Mensch zu zählen scheint.“

Warum werden Produzent*innen nicht fair bezahlt?

Auf die Frage, warum viele Produzent*innen schlecht bezahlt werden, gibt es viele Antworten. Oftmals werden Vereinbarungen nur mündlich getroffen, ohne klare schriftliche Verträge zu verfassen, was Raum für Missverständnisse und Streitigkeiten schafft. Von solchen Streitigkeiten hört man im Rap-Game seit Jahrzehnten. Beispielsweise hat Kollegah Produzent und Rapper Maxito Flow nie für den Beat zum Titelsong seines Albums »Boss der Bosse« bezahlt: „Mit Maxito Flow hatte ich danach leider ein bisschen Ärger. Damals hat man für Beats eigentlich nichts bezahlt, doch Maxito Flow wollte Geld von mir haben“, heißt es von Kollegah dazu. 

Zusätzlich werden Produzent*innen oft mit Versprechungen von zukünftigen Placements oder „exposure“ gelockt, nur um später feststellen zu müssen, dass sie nie die vereinbarte Vergütung erhalten werden. In anderen Fällen nutzen Rapper, Plattenlabels und Manager die Unerfahrenheit und Unwissenheit von vor allem jungen Beatmakern aus, um sie zu unfairen Verträgen zu drängen, welche ihre Rechte und ihre finanzielle Entschädigung beeinträchtigen. 

Besonders in Amerika stellen sogenannte „Payouts“ ein großes Problem dar. Hier erhalten Produzent*innen im Voraus eine Pauschalzahlung für die gesamten Rechte an einem Beat. Sollte dieser Beat dann zu einem Superhit werden, an dem die Rapper*innen und das Label potenziell sogar Millionen verdienen, erhalten die Produzent*innen keine weitere Vergütung. Ein bekanntes Beispiel hierfür ist das Instrumental des Smash-Hits »Panda« von Desiigner aus dem Jahr 2015. In einem Interview bei „The Breakfast Club“ erklärte das One-Hit-Wonder, er habe nur 200 Dollar für den Beat gezahlt – und 10 Millionen an dem Song verdient.

Die Schnelllebigkeit der Musikindustrie ist ein weiterer kritischer Punkt. Künstler*innen veröffentlichen oft Alben – zum Teil auf Drängen der Labels – bevor alle Rechte geklärt sind, was zu langwierigen Verhandlungen und Verzögerungen bei der Bezahlung führen kann. Die Vielzahl von Beteiligten an einem Song – darunter Produzent*innen, Songwriter*innen und Gastkünstler*innen – macht die Vertragsverhandlungen zusätzlich kompliziert. Mit eben einer solchen Konstellation machte Superstar Travis Scott Anfang diesen Jahres Schlagzeilen. Während er noch im Februar bei den Grammys performte, verhandelten mindestens vier Produzent*innen und Songwriter*innen, welche an seinem vor circa acht Monaten erschienenen Erfolgsalbum »UTOPIA« beteiligt waren, um ihre Entlohnung. Das zeigt, dass selbst wenn die Songs der Rapper*innen erfolgreich werden und möglicherweise Millionen verdienen, Produzent*innen oft nicht angemessen und rechtzeitig bezahlt werden. 

Die Liste an Rapper*innen, die beschuldigt werden, ihre Produzent*innen nicht zu bezahlen, ist schier unendlich und erstreckt sich von A$AP Rocky über Joey Bada$$ bis hin zu Lil Wayne. Letzterer rückt gemeinsam mit Birdman und seinem Label YMCMB leider recht häufig in den Fokus, wenn es um unbezahlte Rechnungen geht. So haben nach dem Release von »Tha Carter III« gleich mehrere Produzenten Klage eingereicht. So wurden sogar Jim Jonson und Deezle, welche für Lil Waynes Multi-Platin-Hit »Lollipop« verantwortlich waren, schlichtweg nicht bezahlt. Die Streitsummen in den verschiedenen Fällen beliefen sich zwischen 500.000 und 20 Millionen Dollar. 

Was können die Produzent*innen dagegen tun?

Produzent*innen können sich auf verschiedene Weise von Rappern und Labels emanzipieren, um fairere Vergütung und Anerkennung für ihre Arbeit zu erlangen. Ein entscheidender Schritt ist die Sicherstellung klarer Verträge. Produzent*innen sollten darauf bestehen, klare schriftliche Vereinbarungen abzuschließen, die alle Details ihrer Beteiligung am Song oder Album festhalten, einschließlich Vergütung, Nutzungsrechten und Abrechnungsmodalitäten. Zudem ist es wichtig, sich über die eigenen Rechte zu informieren und gegebenenfalls von Fachleuten beraten zu lassen, um faire Verträge auszuhandeln und Missverständnisse zu vermeiden. In jedem Fall sollten sich Produzent*innen gegen die Nichtzahlung von Tantiemen wehren. So gab Bangladesh, ein weiterer Lil Wayne-Produzent, der den Beat zum Song »A Milli« beisteuerte – und ebenfalls nicht bezahlt wurde – anderen Produzent*innen einen Rat: „I get cheques from Sony for [work with] Beyoncé, cheques from different labels for different artists; it just comes to you. You don’t have to call them, sue them and all that junk. This is what you’re owed … [But] you have to sue these guys so that they pay up.“

Dem gegenüber steht natürlich ein unglaublicher Druck aus der Industrie. Die wenigsten Produzent*innen könnten sich einen Rechtsstreit mit einem großen Major Label leisten. Darüber hinaus haben viele Produzent*innen Angst davor, von den Labels oder Künstlern bei zukünftigen Placements blockiert zu werden. Verlangt ein Produzent in den Augen des Rappers oder Labels zu viel für seine Arbeit, wird er einfach nicht mehr gebucht und durch einen günstigeren Newcomer ersetzt. Dieser Mangel an finanzieller Sicherheit und die Angst vor beruflichen Konsequenzen schaffen ein Klima der Unsicherheit, das es für Produzent*innen noch schwerer macht, für ihre Rechte einzutreten.

Darum sollten Produzent*innen auch aktiv ihre eigene Brand aufbauen, um ihre Bekanntheit und ihren Wert als eigenständiger Artist in der Industrie zu steigern. Eines der besten Beispiele für einen solchen Markenaufbau ist Metro Boomin. Allein schon sein oft verwendetes Producer-Tag „If young Metro don’t trust you I’m gon’ shoot you“ hat regelrechten Kultstatus erreicht und sorgte beispielsweise bei »Father Stretch My Hands, Pt. 1« von Kanye West für gespitzte Ohren bei zahlreichen Hörenden. Des Weiteren hat er es mit seinen letzten Alben geschafft, sich auf Augenhöhe mit Künstlern wie 21 Savage oder Future zu präsentieren – etwas, was nur extrem wenigen Produzent*innen gelingt. Hierzulande wären Miksu und Macloud ein passendes Pendant, deren Producer-Tags fast schon als Ritterschlag gelten. Sie haben vor allem mit Ihren Alben »Futura« und »Teil vom Ganzen« bewiesen, dass sie sich ebenfalls nicht scheuen müssen, sich neben ihre Kolleg*innen an den Mikrophonen auf ein Podest zu stellen. 

Ein weiteres Beispiel für einen Producer, der sich ein starkes Standing aufgebaut hat, ist der eingangs erwähnte Hit-Boy. Dieser hat sich mit unter anderem niemand geringerem als Rap-Legende Nas zusammengetan und mit ihm gemeinsam ganze sechs Alben releast, denn um eine eigene Marke zu entwickeln, ist es auch wichtig eigene Projekte auf den Markt zu bringen. Sei es als Ein-Rapper-ein-Producer-Album oder als Projekt mit vielen verschiedenen Gästen. Producer-Alben bieten die Möglichkeit, ihre Fähigkeiten und ihren individuellen Sound einem breiteren Publikum zugänglich zu machen und sich neben ihren Gäst*innen als eigenständige Künstler*innen zu etablieren. Etwa hat Produzenten-Legende The Alchemist in den letzten 20 Jahren ganze 13 Alben – unter anderem mit Havoc, Freddie Gibbs oder Earl Sweatshirt – veröffentlicht, die gänzlich von ihm produziert wurden und ihn auf eine Stufe mit seinen Gästen gehoben haben. So hat er, wie auch Metro Boomin und Hit-Boy, seine ganz eigene Fanbase aufbauen können. 

Der Hamburger Beatvirtuose Farhot hat im Jahr 2016 mit Kabulfire sogar ein ganzes Label für Produzenten gegründet. Vor kurzem konnte dieses Label mit dem Album »Believe in Gerda« auf sich aufmerksam machen. Hier konnte das Kollektiv GERDA fast schon einen regelrechten Mythos um sich schaffen. Damit wurde der Fokus – trotz unglaublich interessanter Kombinationen verschiedener Rapper aus der Deutschrap-Elite – stark auf die agierenden Produzenten und ihre Beats gelenkt.  

Die Herausforderungen für Hip-Hop-Produzent*innen in der Musikindustrie sind vielfältig und komplex. Von undurchsichtigen Verträgen bis hin zu unfairen Praktiken seitens Labels, Manager*innen und Artists stehen Produzent*innen viele Hindernisse im Weg. Trotzdem gibt es Wege, wie Produzent*innen ihre Situation verbessern können, sei es durch klare Verträge, den Aufbau einer starken Marke oder die Veröffentlichung eigener Alben. Letztendlich ist es jedoch ein gemeinsamer Kampf, den Produzent*innen zusammen mit anderen Akteuren der Industrie führen müssen, um eine gerechtere und transparentere Arbeitsumgebung zu schaffen, in der ihr Beitrag angemessen anerkannt und entlohnt wird. Mit Engagement, Zusammenarbeit und Durchhaltevermögen können Produzent*innen die Anerkennung und Belohnung erhalten, die sie verdienen, und weiterhin einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung und zum Erfolg der Hip-Hop-Kultur leisten.

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Nur wenige Rapper schaffen es – obwohl sie eigentlich ihren Zenit schon lange überschritten haben müssten – so konstant qualitativ hochwertigen Output zu liefern wie Nas. Das ändert sich auch nicht auf den fünfzehn Songs von »Magic 3«, dem mittlerweile siebzehnten Studioalbum des New Yorkers. Nas zeigt, dass er nach wie vor ein Mcee der alten Schule ist und liefert Lyricism allererster Güteklasse. Inhaltlich besingt er seinen »Superhero Status«, erzählt über das „Life Of A Ghetto Baby“ auf »No Tears« und reflektiert seinen Weg und die eigene Motivation auf »Sitting With My Thoughts«. Damit liefert Nas mindestens ein thematisch abwechslungsreiches Album.

Hit-Boys Instrumentals bleiben abwechslungsreich

Doch auch musikalisch wird »Magic 3« über die 45 Minuten Spielzeit nicht langweilig. Hit-Boy schafft es mit seinen Produktionen eine Brücke zwischen modernen Sounds und klassischen Hip-Hop Motiven zu finden. Horn-Samples auf »Based On True Events« wechseln sich mit 808-Bässen auf »Blue Bentley« ab. Ein produktionstechnisches Highlight der Platte ist »Japanese Soul Bar« mit einem mitreißendem und atmosphärischem Beatswitch. Die Platte kommt gänzlich ohne Gäste aus, mit Ausnahme eines Gastparts auf »Never Die« von niemand geringerem als Lil Wayne.

Wirklich ein Abschied auf ewig?

So lässt sich sagen, dass »Magic 3« ein gelungener Abschluss für die Zusammenarbeit der zwei Schwergewichte ist. Obwohl sie ihre Partnerschaft an dieser Stelle offiziell für beendet erklären, wird deutlich, dass diese Trennung nicht für immer ist. So heißt es im Outro des letzten Songs »1-800-Nas&Hit«: „Six albums, in how many years? We havin’ fun, a crazy run, time flies. Dial the number, 1-800-Nas&Hit. That’s, 1-800-Nas&Hit, leave us a message. Let us know when y’all want us back again.“

Tracklist: Nas & Hit-Boy – Magic 3

01. Fever
02. TSK
03. Superhero Status
04. I Love This Feeling
05. No Tears
06. Never Die (feat. Lil Wayne)
07. Pretty Young Girl
08. Based On True Events
09. Based On True Events Pt. 2
10. Sitting With My Thoughts
11. Blue Bentley
12. Jodeci Member
13. Speechless Pt. 2
14. Japanese Soul Bar
15. 1-800-Nas&Hit

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Während auf dem Vorgänger »Noughty By Nature« die gewohnten Drill-Bahnen so gut wie nie verlassen werden, zeigt sich »Back To Square One« um einiges aufgeschlossener. Der Opener »Fighting For My Soul« präsentiert sich in einem sanften Soundgewand und beschäftigt sich mit seinen inneren Dämonen und der öffentlichen Meinung über ihn. Darauf folgt der finstere Storyteller »Me & Kinz«, der mit gefilterten Drums und einem ergreifenden Sample daherkommt. Natürlich darf auf »Back To Square One« UK-Drill nicht gänzlich fehlen. So finden sich beispielsweise auf der vorab veröffentlichten Single »Energy« und auf »Fuck Drill« – einem Rundumschlag gegen die Szene – die gewohnten Drumpatterns. Somit ist »Back To Square One« eine sehr abwechslungsreiche Platte, die oft gehört werden kann. Die Beats stammen von Drill Veteranen wie beispielsweise Chucks und M1OnTheBeat oder Lil Wayne-Producer GX, welcher an einigen Songs des Projektes beteiligt war.

Before drill, there was rap, and I’m taking it back there for this project. But there’s a double meaning, too. I’m also going back home to Powis [Square] in West London, where I’m from. A lot has changed for me as I’ve grown up and learned different things, and I have more faith now. Not that I never had any before, but I feel like I’m more in tune with myself now, and you can hear it.

Digga D via Apple Music

Zwischen Selbstreflektion und Straßengeschichten

Digga D verarbeitet auf dem Mixtape seine kriminelle und gewaltvolle Vergangenheit, unter welche er nun einen Schlussstrich ziehen will. So rappt er sehr reflektiert über Street Tales, droppt Knowledge und zeigt die unschönen Seiten des Straßenlebens auf. Unter anderem heißt es auf »Energy«: When I look back, all of us stressed our mothers, in prison for five whole summers. Digga D präsentiert eine aufrichtige Darstellung seines Wachstums und seiner Entwicklung. Dabei zeigt er über das gesamte Projekt sein Rap technisches Geschick, mit gewitzten Wortspielen und unvorhersehbaren Flows. Somit führt Digga D Technik, Inhalt und Sound zusammen. Die Gästeliste der Platte ist mit Potter Payper auf dem Representer »Facade« und dem Maskenrapper M Huncho auf »Baby Mum’s Crib« recht kurz. Jedoch hätten viele Featureparts ein so persönliches Projekt wahrscheinlich verwässert.

Alles in allem ist »Back To Square One« ein durchgehend gutes Mixtape ohne große Schwächen, welches aufzeigt wie vielseitig Digga D als Künstler ist. Er meistert verschiedenste Beats und Styles souverän und zeigt neben seinem Rapperkönnen viel Tiefe und Reflektion in seinen Texten – was für einen so jungen Straßenrapper durchaus bemerkenswert ist. Die Tracklist des Mixtapes reicht von introspektiven Momenten bis hin zu schonungslosen Wahrheiten über das Leben auf den Straßen. »Back To Square One« zelebriert die unterschiedlichen Facetten von Digga’s Leben und Karriere und lädt uns ein, in seine Welt einzutauchen. Aus diesem Grund macht es Hunger auf weitere Projekte und könnte vielleicht der Vorbote für ein sehr starkes Debüt-Studioalbum von Digga D sein.

Tracklist: Digga D – Back To Square One

01. Fighting For My Soul
02. Me & Kinz
03. I’m From…
04. Soft Life
05. Facade (feat. Potter Payper)
06. Energy
07. Braids
08. Baby Mum’s Crib (feat. M Huncho)
09. DTF
10. Fuck Drill
11. Bine On ‘Em
12. Kindness For Weakness
13. Burn Bridges
14. Cherish God More
15. West To North West

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Neue Trends und Sub-Kulturen entstehen in der Musik quasi täglich. Die lange Dominanz von Trap-Beats und Triplet-Flows à la »Versace« im Rap ist vor dem Hintergrund einer sich ansonsten immer schneller verändernden Musiklandschaft eine absolute Anomalie. Kein Wunder, dass neue (und alte) Sounds früher oder später den Status Quo aufmischen. Und wo Artists wie Lil Peep in ihrer Musik Trap-Elemente noch recht deutlich zur Schau gestellt haben, schwindet genau dieser Sound immer mehr zugunsten von Gitarrenriffs und Vocals wie aus den 2000ern.

Der zeitweise totgeglaubte Rock mit all seinen Sub-Genres ist alive und well. Neben dem Comeback von Avril Lavigne, neueren Acts wie Mod Sun, KennyHoopla oder YUNGBLUD spielen aber auch Rapper*innen eine große Rolle darin, E-Gitarren und Moshpits auf die ganz großen Bühnen zu holen. Dabei bräuchte es gar kein großes Revival, denn Crossover zwischen Rap und Rock gab es schon immer mit Kollabos zwischen Run-D.M.C und Aerosmith oder dem legendären Soundtrack von »Judgment Night«, auf dem vor 30 Jahren Rapper wie House Of Pain, Cypress Hill oder Onyx mit Bands wie Pearl Jam, Biohazard und Teenage Fanclub eine Brücke zwischen den beiden Genres bauten. In einem anderen Listicle haben wir uns bereits mit Kollaborationen zwischen Deutschrappern und Rocklegenden beschäftigt.

In dieser Liste wenden wir uns aber keinen Kollabos zu, sondern Alben von Rappern, die gänzlich dem Rock zuzuschreiben sind. Denn obwohl 4 davon in Anthony Fantanos Liste der schlechtesten Alben der 2010er auftauchen, versuchen sich immer wieder Rapper*innen an dem Genrewechsel.

1. Lil Wayne: »Rebirth« (2010)

2010 war definitiv eine andere Zeit. Barack Obama war noch in seiner ersten Amtszeit, Facebook war der Place to Be und kaum jemand hat noch offen angezweifelt, dass Lil Wayne der beste Rapper derzeit war. Nach dem gigantischen Erfolg von »Tha Carter III« schien Weezy die Welt zu Füßen zu liegen. Er hatte seine eigene Formel gefunden und so perfektioniert, dass ein Stilwechsel noch nicht nötig, aber durchaus sinnvoll erschien.

Mit »Rebirth« machte der Young Money Chef genau das, und zwar kompromissloser als das viele Fans erwartet und sich vermutlich gewünscht hatten. Mit den obligatorischen schwarz-weißen Vans auf dem Cover und einer E-Gitarre, die quasi Teil jedes Outfits wurde, präsentierte Lil Wayne auf Albumlänge einen Sound, der nicht allen zusagte. 

Er versuchte sich sogar selbst daran, Gitarre zu spielen, kam aber nie über ganz grundlegende Soli hinaus. Dies sorgte dann auch dafür, dass die Leadmelodien auf Songs wie »Prom Queen« oder »Da Da Da« keineswegs originell daherkamen. Was die Songs wirklich schwer zu ertragen machte, waren aber die Vocals selbst, die Weezy in Autotune nahezu ertränkte und damit sicherstellte, dass auch mit etwas Distanz bis auf »Drop The World« das Album nahezu unhörbar ist. Irgendwo ist es aber auch bewundernswert, wie sich ein Rapper an seinem absoluten Zenit zu so einem drastischen Schritt durchringt und sich freiwillig wieder in die Highschool zurückschickt.

2. B-Tight: »Drinne« (2012)

An seinem Zenit stand B-Tight nicht wirklich, als er auf Albumlänge mit dem Rock liebäugelte. Nachdem Aggro Berlin endgültig seine Pforten geschlossen hatte und nach der mäßigen Resonanz auf sein letztes Album »Goldständer« sah B-Tight scheinbar Grund für einen Neubeginn. 

Durch einen Kontakt zu den Emil Bulls kam Bobby auf den Geschmack, auf rockigeren Instrumentals zu rappen. So entstand dann auch ein ganzes Album mit Instrumentierung der Band, die nur noch durch Scratches von Beathovenz aka DJ Perez abgerundet wurde. Und auch wenn B-Tight gleich zu Beginn klarmacht “Das ist für die Hip-Hopper, das ist für die Rocker”, markiert der neue Sound »Drinne« doch einen deutlichen Shift für den Berliner.

Aber auch textlich ändert sich etwas auf »Drinne«. Nach vergangenen Releases, die immer mindestens in Richtung Index schielten, wirkt das Album deutlich harmloser. Obwohl der Humor und einige Zeilen auf Songs wie »Wenn ich komme« und »Tittenmaus« nicht besonders gut gealtert sind, sind sie doch weit entfernt von der Obszönität von B-Tights ersten Alben. Seine neue Massentauglichkeit bewies er dann auch mit einem Auftritt beim Bundesvision Song Contest, wo er mit den Emil Bulls die Hauptstadt vertreten durfte. 

3. Yelawolf: »Love Story« (2015)

Während viele Rockalben von Rappern eher Ausreißer in der Diskographie sind, markierte »Love Story« die Neuerfindung von einem Sound, dem Yelawolf noch bis heute treu bleibt und auf seinem letzten Album »Sometimes Y« mit Country-Sänger Shooter Jennings sogar noch weiter entwickelte.

Das Shady-Signing, das damals in aller Munde war, konnte mit seinem Debüt »Radioactive« leider nicht das Versprechen von Eminems Co-Sign einlösen. Nach einer längeren Phase, in denen Yelawolf nur ein Mixtape und die eher wenig beachtete EP mit Travis Barker »Psycho White« releaste, folgte mit »Love Story« dann der Befreiungsschlag. Das Album wurde vor allem in Yelas Heimatstadt Nashville aufgenommen und kanalisiert seine Südstaatenwurzeln in einen Sound, den es in der Form im Rap noch nicht gab. 

Neben dem erstaunlich radiotauglichen, aber eben auch eingängigen »American You« finden sich mit »Tennessee Love« und »Devil In My Veins« richtige Balladen auf dem Album, das in seiner Gesamtheit ein mehr als würdiges Bild von Yelawolfs bewegtem Leben zeichnet. Wenn dieser auf Songs wie »Till It’s Gone« oder »Best Friend« mit Labelboss Eminemdie neugefundenen Klänge mit seinen Rapwurzeln verbindet, entsteht ohne Zweifel sein bis dato bestes Material, das auch heute noch eine einnehmende Wirkung entfaltet.

4. Kid Cudi: »Speedin’ Bullet 2 Heaven« (2015)

Auch für Kid Cudi war sein Rock-Album nicht der einzige Berührungspunkt mit dem Genre. Bereits 2012 tat sich Mr. Rager mit seinem Produzenten Dot Da Genius zusammen für das gemeinsame Projekt WZRD, das ein gleichnamiges Album und mit »Teleport 2 Me, Jamie« auch einen Fan-Favoriten hervorgebracht hat. Drei Jahre später ist die Situation jedoch eine andere. Anstelle des Releases des langerwarteten dritten Teils der »Man On The Moon« Reihe folgten auf »WZRD« drei Alben, die weder bei Kritiker*innen noch Fans übermäßig großen Anklang fanden und in »Speedin’ Bullet 2 Heaven« kulminierten.

Das komplett selbst geschriebene und produzierte Album war selbst für eingefleischte Fans vom Lonely Stoner eine Herausforderung. Über 90 Minuten gab es das mit Abstand dunkelste und verstörendste Material von Kid Cudi bis dato zu hören. Von den Störgeräuschen, die den ersten Track einleiten, bis zu dem verlorenen Gitarrensolo, das das Album auf »MELTING« beendet, lässt Kid Cudi seinen Zuhörer*innen kaum Raum zu verschnaufen. 

Kid Cudi war zwar immer offen für Experimente, aber »Speedin’ Bullet 2 Heaven« ist gänzlich frei von Songs, die herkömmlichen Mustern folgen oder auch einfach nur das Bedürfnis der Fans nach Harmonie bedienten. Cudi selbst bezeichnete das Album später als einen “Hilferuf”. In einer Phase, in der es Kid Cudi laut eigener Aussage mental so schlecht wie noch nie ging, schreibt er über Themen wie Sucht auf »The Nothing« oder verarbeitet seine Suizidgedanken auf der Single »CONFUSED!«. Die rohe Verzweiflung und ungefilterten Gedanken trösten daher trotz allem Verriss, den das Album damals abbekommen hat, viele Fans bis heute. So finden sich auch knapp 7 Jahre nach Release und in einer Zeit, in der es Cudi offensichtlich deutlich besser geht, immer noch Kommentare unter den Songs, die darauf hindeuten, dass auch dieser Oddball in Kid Cudis Diskographie vielen Menschen durch schlechte Zeiten geholfen hat.

5. Logic: »Supermarket« (2019)

Seit Beginn seiner Karriere hat Logic nie so ganz in das Bild des klassischen Rappers gepasst. Trotz technischen Talents und großem Erfolg seiner ersten Album wurde der aus Maryland stammende Rapper von großen Teilen der Rap-Community immer eher belächelt. Dies hielt ihn 2019 aber nicht davon ab, ganz neue Wege einzuschlagen mit einem Album, das zwar durchaus Neues gewagt hat, aber nach Einschätzung vieler an der Ausführung gescheitert ist.

»Supermarket« erschien als Soundtrack zu einem gleichnamigen Roman, der mal eben auf die Spitze der New York Times Bestseller Liste kletterte. Neben dem unüblichen Format wurden Fans aber vor allem von dem Sound überrascht, denn Logic rappt auf »Supermarket« kaum, sondern versucht sich auf leichten Instrumentals irgendwo zwischen Stoner Rock und Alternative am Gesang. Dazwischen gibt es immer wieder Ausflüge wie auf »Lemon Drop«, das wie ein halbgarer Red Hot Chili Peppers Abklatsch klingt.

Auch auf »Supermarket« scheint durch, das Logic, der immerhin mal den gesamten Wu-Tang Clan auf einem Track versammelt hat, seine Inspiration vor allem in Old School Tracks findet. Seine Cover von »Can I Kick It« oder Biz Markie’s »Just A Friend« auf »Baby« sind aber so glattgebügelt geraten, dass sie den Originalen kaum gerecht werden. »Supermarket« sollte aber nur ein kleiner Sonderfall in Logics Diskographie bleiben, was dieser auch gerade mal zwei Monate später mit dem Release von »Confessions of a Dangerous Mind« deutlich machte. Und auch nach einem selbst für Rapper wirklich kurzen “Karriereende” klingt Logics Musik mittlerweile wieder deutlich mehr nach dem, was ihn ursprünglich groß gemacht hat.

6. Machine Gun Kelly: »Tickets To My Downfall« (2020)

Ebenfalls auch nie gänzlich von der Hip-Hop-Community akzeptiert, hat wohl niemand so erfolgreich einen Genrewechsel zum Rock vollzogen wie Machine Gun Kelly. Nachdem er im 2018er Beef mit Eminem und seinem Disstrack »RAP DEVIL« für viel Furore sorgte, schien der Weg für eine Neuorientierung danach geebnet. Spätestens auf dem letzten Song von seinem Album »Hotel Diablo« ein Jahr später war klar, in welchem Sound MGK seine Zukunft sah. Zusammen mit Travis Barker und YUNGBLUD lieferte er mit »I Think I’m OKAY« nicht nur einen seiner erfolgreichsten Songs bis dato sondern auch den Bauplan für »Tickets To My Downfall«.

Ohne seine Themenpalette von Songs über Drogen, Schicksalsschläge oder Liebe aufzugeben, verpasst er seinen Geschichten einen neuen Anstrich, für den Travis Barker maßgeblich verantwortlich ist. Der Ex-Drummer von Blink-182 war Rap zwar nie ein Fremder, erlebte durch seine Zusammenarbeit mit MGK aber eine Renaissance als Tastemaker für eine neue Generation von Artists, die immer offener mit Pop-Punk liebäugeln. 

Kein Wunder, denn auch wenn Machine Gun Kelly und Barker das Rad nicht neu erfinden und so ziemlich jedes Klischee inklusive Teenage-Kurzfilm im obligatorischen Highschool-Setting erfüllen, ergibt die Kombi aus MGKs Vocals und Travis’ Instrumentierung einfach Sinn. Kelly klingt mehr in seinem Element denn je und erreicht mit »Tickets To My Downfall« zum ersten Mal die Spitze der Charts. Wenig überraschend bleibt er diesem Sound auch auf dem Nachfolger »mainstream sellout« (vielleicht etwas zu) treu. Immerhin gab er hier Lil Wayne die Chance, seine eigenen Rockertage gleich zwei Mal wieder aufleben zu lassen. Genau diese Kombos zeigen zudem, welche Türen »Rebirth« damals aufgestoßen hat.

7. Trippie Redd: »Pegasus: Neon Shark vs Pegasus« (2021)

Wie wichtig Travis Barker für die neue Generation geworden ist, zeigt auch die Deluxe-Version von Trippie Redds Album »Pegasus«. Ähnlich wie schon Nav und Lil Uzi Vert machte sich Trippie Redd 2021 den Trend der immer länger werdenden Deluxe-Versionen zu eigen und verpasste seinem dritten Studioalbum ganze 14 neue Songs, die genauso gut ein eigenes Album sein könnten. Während andere sich bis dato auf Deluxe-Versionen meist treu geblieben sind, klingt »Neon Shark« gänzlich anders als das nicht gerade wohlwollend aufgenommene »Pegasus«.

Auch auf »Neon Shark« hören wir auf jedem Song Travis Barker am Schlagzeug, der im direkten Vergleich zu »Tickets To My Downfall« nochmal einen Gang höher schaltet und Songs wie »SEA WORLD« in ein wahres Inferno verwandelt. Trippie, der selber mit seiner Stimme sowieso nie nur reinen Rap gemacht hat, fügt sich manchmal durchaus gut ein und schreit sich mit viel Ausdruck die Seele aus dem Leib. 

Trippies Affinität zum Rock zahlt sich dann auch auf »GERONIMO« aus, auf dem er Chino Moreno, den Frontmann von Deftones als Feature gewinnen konnte. Auf der Hook offenbart sich aber auch der größte Schwachpunkt des Albums. Denn stimmlich fehlt Trippie für so ein richtiges Rock-Album dann vielleicht doch die nötige Raffinesse. Das gemischte Feedback ist daher auch wenig überraschend. Viel interessanter ist eher, wie wenig Beachtung diesem Album ansonsten geschenkt wurde. Vielleicht ist das aber auch nur ein Symptom dafür, wie fest verankert Rockeinflüsse in manchen Sparten des Hip-Hop mittlerweile sind.

8. Lil Yachty: »Let’s Start Here.« (2023)

Lil Yachty brachte nicht nur das Wock nach Poland, sondern mit »Let’s Start Here.« auch eine der größten Überraschungen des bisherigen Jahres auf den Markt. Der 25-Jährige, der bisher vor allem für seinen exzentrischen Style und Lines wie “She blow that dick like a cello” bekannt war, hatte für sein fünftes Album offenbar ganz andere Ambitionen.

Schon der Teaser »Department of Mental Tranquility« deutete an, dass Yachty auf »Let’s Start Here.« eine größere Vision verfolgte. Mit dem Release überraschte er die gesamte Szene, egal wie gut man mit seinem bisherigen Schaffen vertraut war. Lediglich der Remix von Tame Impalas »Breathe Deeper« hätte ahnen lassen können, welchen Sound Lil Yachty einschlagen würde.

»Let’s Start Here.« macht dabei keinen Hehl aus seinen Einflüssen. Auf »the ride-« lässt sich die Zusammenarbeit mit Kevin Parker gut raushören und auch die Credits von MGMTs Benjamin Goldwasser auf »drive ME crazy!« oder Jake Portrait von Unknown Mortal Orchestra auf jedem zweiten Track hört man auf jeden Fall raus. Überhaupt hat Lil Yachty mit diesem Album etwas geschafft, was den wenigsten Rappern in dieser Liste gelungen ist: ein Album, das sowohl eingefleischte Fans als auch diejenigen gerne hören, die eher im Rock selbst verankert sind. 

Unsere Liste ließe sich ohne Probleme noch um weitere Alben erweitern. Jan Delays »Hammer und Michel« und G-Eazys »Everything’s Strange Here« sind nur zwei weitere Beispiele. Erst letzten Freitag erschien zudem mit »UGLY« das dritte Album von slowthai, für das er mit der Post-Punk-Band Fontaines D.C. zusammengearbeitet hat und selber zum ersten Mal zur Gitarre greift. Die Orientierung an Rock und Punk nicht nur in Ästhetik und Outfits sollte jedenfalls auch in Zukunft für viele weitere interessante Crossover zwischen den Genres sorgen. Wir bleiben gespannt.

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Auf den 15 Anspielstationen gibt sich Jack Harlow, wie man ihn bereits kennengelernt hat: Charmant und mit einem stetigen Augenzwinkern. Raptechnisch beweist er wieder einmal, wie gut er Bildsprache und Wortspiele beherrscht. Nichtsdestotrotz ist »Come Home The Kids Miss You« inhaltlich ein wenig flach, wenn man bedenkt, dass fast jeder Song sich um das Leben als Superstar und beliebter Junggeselle dreht.

Die Platte ist gespickt mit Referenzen an die 00er Jahre und frühen 2010er, in welchen Harlow aufgewachsen ist. So bezeichnet er sich beispielsweise selbst als »Young Harleezy« in Anlehnung an Lil Wayne und sampled auf dem vorab erschienen Hit »First Class« den Song »Glamorous« von Fergie aus dem Jahr 2006 oder »Beautiful« von Snoop Dogg und Pharrell Williams auf »Side Piece«. Auch die Features auf dem Album scheinen eher wie aus dem Jahr 2009. So finden sich auf der Gästeliste Pharrell Williams, Justin Timberlake und Lil Wayne, welche zwar allesamt große Namen sind, allerding ihren Zenit schon vor einigen Jahren überschritten haben. Die einzige Ausnahme unter den Gastmusiker*innen stellt Drake, als aktuell der vielleicht größte Rapper, zurzeit dar. Der kanadische Superstar, den viele als vielleicht größte Inspirationsquelle für Jack Harlow sehen, gibt sich auf »Churchill Downs« die Ehre und liefert einen Featurepart ab, der genauso gut aus »Nothing Was The Same«-Zeiten entstammen könnte.

Alles in allem ist »Come Home The Kids Miss You« ein Album, welches grundsolide ist und durchaus auch seine Glanzpunkte hat. Die fehlende Tiefe lässt sich ganz einfach mit dem Alter des Protagonisten begründen. Ein 24-Jähriger, der gerade zu einem Weltstar aufsteigt möchte, hat nun mal vor allem eines: Spaß. Und eben das bringt »Come Home The Kids Miss You« mit sich, zeigt aber auch, wie viel Luft nach oben noch vorhanden ist.

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