Obwohl fast jede Person mit einem Laptop Musik machen und veröffentlichen kann, ist es dennoch fast nie so schwierig gewesen, aus der Masse an Artists hervorzustechen. Wir haben in den UK nicht mehr das Phänomen von Artists wie Arctic Monkeys oder Lily Allen, die in den Noughties quasi durch MySpace über Nacht weltweiten Erfolg erlangt haben. Wir haben aber auch nicht mehr das Novum, das Grime-Musik mit sich gebracht hat, dieser DIY-Ethos, der aus unbekannten Artists wie Dizzee Rascal und der nachfolgenden Drill-Generation internationale Stars gemacht hat. Heute läuft eigentlich alles über TikTok (oder für die Älteren, mich eingeschlossen, einen Tag später über Instagram). Aber was hat das für Auswirkungen auf Indie-Künstler*innen? Was heißt das für Artists, die DIY sind, genug Talent haben, aber eben von ganz unten in der breiten Masse anfangen müssen, ohne große Hilfe oder Backup von einem Label?

Was all diese Künstlerinnen aber auch verbindet, ist die Art, in der sie Musik veröffentlicht haben, nämlich über viele Umwege und mit wenig Unterstützung von klassischen Major-Labels. Die Londoner Indie-Künstlerin Lavz steht gerade vor diesem riesigen Berg an Problemen, Fragen, aber auch endlosen Möglichkeiten. Wir haben zuerst im Januar 2025 mit ihr gesprochen und nun nach einem Jahr noch mal eine Art Vanity Fair-Check-up à la Billie Eilish gemacht, um zu gucken, was in einem Jahr alles so passiert ist. Die Veröffentlichung ihrer neuen EP »Kaos on Saturn« wollten wir einmal als Anlass nehmen, um zu schauen, wie es ihr persönlich ergangen ist und was es aktuell eigentlich bedeutet, sich als Frau musikalisch zu verwirklichen.

Indie to the Core, aber was bedeutet “Indie” heute eigentlich?

Aber zu Anfang erst mal die wichtigste Frage zum Vokabular: „Indie“ – ein Wort, das in der Musikbranche ähnlich ausgelutscht ist wie „Authentisch“. Zum einen wird damit das Genre Indie-Rock-Musik bezeichnet, in diesem Fall geht es aber um zwei andere Aspekte. Zum einen geht es hier um den Status des Artists an sich: Ist die Person bei einem Label unter Vertrag? Und auch hier gibt es wieder Unterschiede zwischen Major-Labels wie Warner oder Sony oder halbwegs Indie-Labels wie z.B. AWAL oder Human Re Sources, die einen Vertrag mit Artists wie Little Simz, RAYE oder CMAT haben und von Distribution über Management unterschiedliche Pakete anbieten.
Die Artists sind dann technisch gesehen noch unabhängig mit einem eigenen Label, bekommen aber eben Hilfe in gewissen Bereichen der Branche. Diese Firmen sind dann wie ein Dienstleister für die Artists und lassen ihnen deutlich mehr Freiheit, als ein Major-Label es tun würde. Allerdings gehören beide Beispielfirmen wiederum zu Sony Music Entertainment. Es gibt also schon eine gewisse Verbindung zu den drei Major-Labels, die den globalen Markt beherrschen, aber eben über drei Ecken und nicht direkt.

Zum anderen gibt es dann Artists wie Lavz, die keinen Distributionsdeal und keinen klassischen Plattenvertrag mit einem Major- oder Indie-Label haben. Lavz ist das, was wir als richtige Indie-Künstlerin bezeichnen würden: Sie produziert, veröffentlicht und vermarktet ihre eigene Musik. Klar gibt es da auch künstlerische Kollaborationen mit Producern und anderen Artists, aber niemanden, der ihr Entscheidungen abnimmt oder sich um das Organisatorische kümmert.
2025 hat Lavz sich als „Indie to the Core“ beschrieben, weil ihr die kreative Freiheit als unabhängige Künstlerin wichtiger war als ein Vertrag mit einem Major. Vor allem hat sie damals abgeschreckt, dass Artists bei solchen Labels als „Paket“ vermarktet werden – mit Songs, die dafür gemacht sind, der Masse zu gefallen und dadurch fast ein bisschen abgemildert sind und sich zu ähnlich anhören. Als würde man einen richtig leckeren, frisch gepressten Saft mit Wasser verdünnen. Funktioniert, um Kinder reinzulegen, mehr zu trinken, aber auf Dauer ist das nicht richtig befriedigend.

Für Lavz hat sich die Einstellung zum Unabhängig sein etwas geändert, aber vor allem auch, weil der Begriff nicht mehr so greifbar ist wie früher: „Ja, ich denke, ich bin immer noch Indie. Aber dann frage ich mich, was ist heutzutage die Definition von unabhängig? Denn es wird irgendwie so vermarktet, dass man sich abrackert und alles neben dem Leben und den Verpflichtungen jongliert und sein Ding durchzieht.“ Außerdem bemerkt Lavz diese neue Struktur, in der wir leben. Artists haben mittlerweile mehr Möglichkeiten, ihren eigenen Idealen treu zu bleiben und trotzdem Unterstützung von einem Label oder einer Distributionsfirma zu bekommen.

6x work – die Romantisierung des abmühenden Künstlers ist gar nicht so wirklich romantisch

Was sich bei Rihanna noch nach Spaß und Girlboss-Energie angehört hat, ist im richtigen Leben für Künstlerinnen – egal aus welchem Medium – nicht mehr ganz so witzig. Lavz beschreibt es als „abrackern“ und hat diese Work/Life/Art-Balance jahrelang mitgemacht. Als wir zuerst mit ihr gesprochen haben, hat sie freiberuflich als Special-Effects-Technikerin für Musikerinnen gearbeitet. Sie war damit verantwortlich für Special Effects wie Konfetti oder Pyrotechnik bei Konzerten. Dann hat sie noch Workshops für jüngere Menschen, Kinder und Teenager gegeben und ihnen quasi Musik beigebracht: Songs schreiben und zum Teil sogar Musiktherapie. Ganz nebenbei war sie dann selbst noch Künstlerin und hat eigene Musik aufgenommen. Der Job als Technikerin war aber der, der alles andere finanziert hat – eine Tatsache, die große Resonanz findet.
Im Januar 2025 war Lavz Ende Zwanzig und spiegelt damit ziemlich perfekt die moderne Hustler-Generation wider: Wir wollen nicht einen Vollzeitjob haben, der alles einnimmt und uns eventuell am Wochenende Zeit lässt, kreativ zu sein – wenn man nicht zu kaputt ist von der Woche oder die kurze Freizeit schon mit sozialen Verabredungen vollgepackt hat, wie Lavz es auch in ihrem Freundeskreis beobachtet. Die Alternative ist es also, Teilzeitjobs zu haben, aber ein Teilzeitjob kann nicht wirklich die enormen Lebenskosten decken. Denn auch London als Stadt ist nicht günstiger als Hamburg oder Berlin. Also muss noch ein Zweit- oder Drittjob her. Immerhin war der von Lavz schon in der Musikszene, aber dabei ging es eben nicht um ihre eigene Musik, sondern die von anderen. Zwischen den vielen Jobs arbeitet man auf einmal also mehr als vorher und hat noch weniger Zeit und – noch wichtiger – Energie, um sich mit der eigenen Musik zu befassen.

Für Lavz war das eine der größten Veränderungen dieses Jahr: „[…] ich hatte das Gefühl, dass mir das keinen Raum ließ, an meiner eigenen Kunst zu arbeiten. Und ich habe die negativen Auswirkungen davon gesehen. Eigentlich muss ich Dinge erschaffen, ich muss meinen Lebensunterhalt verdienen. Aber ich muss auch, für meinen eigenen Verstand und meinen Ausdruck, Kunst machen. Was auch immer ich also tue, um mich zu finanzieren, muss mir diesen Raum lassen. Also dachte ich mir Ende letzten Jahres tatsächlich: Weißt du was? Dieses Jahr, 2026, werde ich mir eine kleine Auszeit davon nehmen und mich auf andere Aufträge konzentrieren, die mir den Raum und den Platz geben, das zu tun, was ich liebe. Und ich denke, weil ich ein bisschen Musikpädagogik mache […] das nährt diese Seite von mir, während ich gleichzeitig als Künstlerin aktiv bin. Ich denke also, das ist eher das Spektrum dieses Jahr, wie es für mich aussieht.“ Ein Schritt, der aber auch viel Mut verlangt, weil man das Beständige und Sichere gegen etwas Erfüllendes, aber auch sehr Unbeständiges eintauscht.

Wichtig ist auch, dass wir uns in Erinnerung rufen, dass Lavz einen Großteil der Artists widerspiegelt, die Musik veröffentlichen und weniger als tausend Hörer*innen pro Woche oder sogar Monat haben. Wenn man bedenkt, dass Artists pro Stream weit unter einem Cent verdienen und davon häufig noch etwas an Labels, Management & Co. abgeben müssen, ist schnell klar, warum hier niemand davon leben kann. Ein Grund, wieso Artists wie James Blake mittlerweile ihre eigene Streamingplattform gründen, um diesen unfairen Verhältnissen entgegenzuwirken.

KI – Die Konkurrenz aus der Tiefe

Eine der wohl größten Veränderungen im letzten Jahr war die Entwicklung mit KI – ein Thema, das wir beim letzten Mal noch gar nicht besprochen hatten, weil es keinen Bedarf gab und scheinbar aus dem Nichts (für alle außerhalb der Tech-Branche) gekommen ist und alles vereinnahmt hat. Die Streaming-Plattform Deezer veröffentlichte im April letzten Jahres einen Bericht, dass fast 18 % der neu hochgeladenen Inhalte durch KI erstellt wurden, das sind ca. 20.000 Lieder, die komplett durch KI erschaffen wurden. Im Januar des gleichen Jahres waren es nur 10 %. Selbst BBC Introducing, über dessen Reihe wir auch auf Lavz gestoßen sind, hatte auf einmal einen KI-Song im Radioprogramm.
Etwas, das Lavz vor allem auch in ihrer Arbeit mit Jugendlichen mitbekommt, weil einer der Teilnehmenden in ihrem Kurs einen KI-Song präsentiert hat: „Ich musste sogar einen meiner Teilnehmer, der KI benutzt, um einfach kleine Songs und so zu machen, sanft in eine andere Richtung lenken. Er hat nichts veröffentlicht, aber es ist einfach so: Oh ja, ich habe einen Song gemacht, und ich denke mir, in meinem Kopf… Ich denke: Das ist KI […]. Aber wir schreiben den Song hier gemeinsam in diesem Raum. Hier ist das Instrument, mit dem wir arbeiten. Lass uns sehen, wie du zu dem, was schon da ist, etwas beitragen kannst. […] Die Inspiration, die wir daraus ziehen, ist nicht… sie ist nicht greifbar. Es geschieht durch unsere gelebten Erfahrungen. Durch die Dinge, die wir hören, sehen, als ob wir es fühlen. Eine Maschine wird das niemals können.“

Für Lavz ist das undenkbar und gibt der Szene und Artists aber auch eine neue Chance. Denn da, wo KI nicht punkten kann, nämlich live, haben Artists die Chance, durch Auftritte richtige Emotionen und Verbindungen zu Fans aufzubauen, die zunehmende KI wird laut Lavz: „Nachfrage danach schaffen, dass mehr Menschen gemeinsam in Räumen sind, in Gemeinschaft, und Dinge live erleben und zwar kein Hologramm, sondern die Person steht vor mir. Ich kann den Schweiß auf ihrer Stirn sehen.“ Das bestätigen auch die Touren von den bereits erwähnten Artists: Little Simz und ihre Lotus Tour, bei der die Hälfte der Show auf einmal wie zu einem riesigen Rave wurde, weil Simz am DJ-Pult stand. RAYE, die live »Ice Cream Man« in der Royal Albert Hall performt und uns zum Weinen bringt. Charli xcx, die nach Jahren in der Szene endlich ihren Moment hatte und mit brat die Welt erobert. Doechii, die uns in ihre »Alligator Bites Never Heal«-Welt eintauchen lässt.
Authentische menschliche Erfahrungen, die aber auch wichtige Repräsentationen für Indie-Artists wie Lavz sind: „für Doechii war es eine sensationelle Zeit. Und ich finde, das ist ein guter Bezugspunkt für mich. Das ist eine queere Schwarze Frau. Noch dazu dunkelhäutig. Und sie rockt es total.“ Auch wenn der Weg dorthin zwar deutlich schwieriger ist, sind dies alles Erfolgsgeschichten die jungen Artists zeigen das es andere Wege gibt und es neben der Eintönigen KI-Masse auch noch Platz für Individualität und Einzigartigkeit gibt. 

Frausein in einem chaotischen Universum.

Alles Erfahrungen, zu denen es in Lavz’ Werdegang durchaus Parallelen gibt. Ihre neue EP »Kaos on Saturn« ist inspiriert von der Saturn-Rückkehr und den damit verbundenen großen Veränderungen in Lavz’ Leben: „Dein Saturn- Return ist im Grunde der Punkt im Leben, wo es heißt: Okay, so war dein Leben bis jetzt. Als würde das Leben dir die Leviten lesen. Das Universum liest dir die Leviten. Bist du wirklich glücklich mit dem, was du tust? Wie du dich zeigst? Die Dinge, an die du glaubst, harmonisieren die noch mit dir? Es ist irgendwie wie ein großer Check-in, den ich mit mir selbst hatte. Und aus diesen Momenten heraus begannen sich die Songs zu formen. Frausein sieht für mich also so aus: mein authentischstes Ich. Sich zeigen. Ohne Entschuldigung.“ Es ging ihr vor allem auch darum, mit den wiederkehrenden Mustern zu brechen und nicht alles hinzunehmen, wie es kommt. Floskeln wie: „Es ist wie es ist“ oder „Alles hat seinen Grund“ – genau mit dieser Mentalität brechen, den eigenen Rhythmus wiederfinden und vor allem Gleichgesinnte finden und etwas Neues aufbauen.

Geschafft hat sie das vor allem durch viel Reflexion, aber auch durch drastische Schritte: die Sicherheit ihres Jobs zum großen Teil aufgeben und dafür die ganze Energie in die eigene Musik stecken. „Das Leben rief mich einfach dazu auf, bestimmten Dingen Aufmerksamkeit zu schenken und vielleicht ein paar Sachen nicht mehr schleifen zu lassen, die ich bisher ignoriert hatte, oder Dinge anzugehen, die ich vermieden habe.“ Unterstützung hatte sie dabei von langen Weggefährten wie Producer Hurricane, der aus dem gleichen Viertel kommt wie sie, aber auch von neuen Bekanntschaften, die sie per Zufall im Studio getroffen hat, wie David Ariza, wo der Vibe-Check einfach stimmte und man spontan zusammen einen Song aufnehmen konnte. Eine Erfahrung, die auch nur möglich war, nachdem Lavz ihren Lebenswandel geändert hatte.

Die EP behandelt all diese Themen, die sie schon länger mit sich trägt. Den Anfang macht »Under The Sun«, ein Lied, bei dem Lavz die Morde an George Floyd und Sarah Everard verarbeitet hat: “Dabei sollten wir unsere eigene Kraft nicht vergessen und nicht vergessen, auf uns selbst zu achten, während wir gegen diese Dinge kämpfen. Gegen diese Systeme kämpfen. Sogar die Redewendung “unter der Sonne” deutet auf diesen Kreislauf hin. Du hast das schon einmal gesehen. Es ist nur anders verpackt.“ Ein ziemlich schwerer Einstieg. Obwohl die EP musikalisch sehr jazzig und fast schon lo-fi angehaucht ist, sollte einen das nicht ablenken von dem, was gesagt wird.
Der erste Track bleibt nicht der einzig schwere. Lavz verarbeitet in ihren Songs Beziehungen, die vorbeigehen, weil eine Person sich nicht weiterentwickelt. Auf dem dritten Track »Backpack« verarbeitet sie dann quasi alles, was vorher passiert ist, und diesen riesigen Ballast, den sie wie einen Rucksack mit sich trägt: „Ich kann nicht mit leichtem Gepäck reisen, wenn ich wortwörtlich all das Zeug mitschleppe, das ich mich weigere loszulassen. Ich möchte zwar weitergehen, aber an diesem Punkt bin ich daran gewöhnt, es zu tragen.“ 

Abgeschlossen wird »Kaos on Saturn« durch die Tracks »Brand New Day« und »Reside«. Es geht um neue Chancen, um neue Liebe und darum, neue Energien kennenzulernen.

Wir haben Lavz quasi ein Jahr begleitet, auch mit der EP. Es geht um ihre persönliche Reise, die große Resonanz finden sollte, weil es so viele Parallelen zum eigenen Leben gibt. Es ist sicherlich kein einfacher Schritt, aber Lavz hat ihn getan und sich einmal gefragt, wo sie gerade steht und wo sie eigentlich hinwill. Dafür musste sie Opfer bringen und hat aber auch einiges gewonnen. Sie hat Frausein für sich definiert, und das bedeutet für sie, kompromisslos sie selbst zu sein – in einer Industrie, die das nicht gerade zu schätzen weiß. Aber wer »Kaos on Saturn« hört, wird wissen, dass es sich lohnt. Und für Lavz und auch für uns hat das Jahr gerade erst angefangen. Vielleicht sollten wir uns das alle einmal zu Herzen nehmen.

Der Beitrag Lavz ist Indie to the Core und gestaltet die Szene neu erschien zuerst auf Mostdope.

Bevor wir tiefer in das Album einsteigen, würden wir gerne über die Visuals für »GHETTO GODS« sprechen. Vor allem die Charaktere in den Videos und auf dem Albumcover sind sehr faszinierend. Da sind z.B. das Mädchen mit der Blume im Haar und die beiden Jungen auf dem Cover. Stehen sie für etwas Bestimmtes?
Doctur Dot: Alle Kinder die auf dem Cover abgebildet sind, sollen die Kraft, die du seit deiner Geburt in dir hast, repräsentieren. Die göttliche Kraft in deinem Inneren. Deshalb sagen wir “Ghetto Gods”. Die meisten Leute denken, wir benutzen dieses Album, um uns als Götter zu bezeichnen, aber was wir eigentlich versuchen zu erklären, ist, dass du das besondere Licht in dir trägst. Wir alle tragen es in uns, egal wo du herkommst. Die Kinder sollen eben genau das repräsentieren – wie früh wir dieses Licht schon in uns tragen und wie Menschen es auch in sich behalten.
Johnny Venus: Eine weitere Überraschung sind die Augen, die man auf dem Album Cover im Hintergrund der Kinder sieht. Diese stehen für die Community. Denn aus der Community ziehen wir uns unsere Energie. Jemand, bei dem du siehst, dass er oder sie ihr Bestes gibt oder es zumindest versucht, das inspiriert dich. Es stärkt und berührt dich, jetzt besitzt auch du das Gold (bezogen auf das Gold in den Augen, Anm. d. Red.). Das haben wir gelernt.

Wir haben die Visuals sehr genossen. Normalerweise sind die Videos zu den Audio Only Tracks immer nur ein Standbild. Aber eure Visualisierungen für diese Audio Clips sind ja ein Loop. Beim ersten Hören von »WATERBOYZ« dachten wir, das wäre bereits das fertige Musikvideo.
DD: (lacht) sehr cool. 

Von wem kam denn die Idee bzw. wer hat Regie geführt?
JV: Die Visuals sind ein Trailer für eine fünfteilige Serie, die wir bald veröffentlichen werden. Fünf Visualisierungen. Fünf Songs aus dem Album, die wir ausgesucht haben, weil sie die Themen des Albums am besten ansprechen. Regie hat die Resolve Media Group geführt, unter der Leitung von unserem guten Freund Fred Saint Foster, der auch der Creative Director des Albums ist. Dann natürlich noch wir, unser EARTHGANG-Team und unsere Manager. Wir haben alle unsere Köpfe zusammen gesteckt und dabei kam wirklich etwas Großartiges heraus. Wir können es kaum abwarten, dass die Leute es zu sehen bekommen. Es ist etwas wunderschönes.

Es ist also quasi fast ein Cinematic Universe?
JV: Ja, das ist es. Es ist ein eigener Kosmos.
DD: Wir haben schon unsere ganze Karriere lang versucht, unser eigenen kreativen Kosmos zu erschaffen, mit einem Multiversum darin. Ich denke »GHETTO GODS« ist nur eine weitere Welt. Genau wie auch »Mirrorland« ein eigener Ort war, ist »GHETTO GODS« ein ganz neuer anderer Ort. Ein ganz anderes Reiseziel.

Ihr habt ja schon erwähnt, dass die gelben Augen für die Kraft der Community stehen. Das ist auch etwas, das man immer aus eurer Musik heraushören kann, besonders eure Wurzeln in Atlanta. Da Atlanta ja für einen sehr eigenen, bestimmten Style bekannt ist – hat euch das jemals unter Druck gesetzt, diesen Sound zu haben? Sich einem bestimmten Sound anzupassen?
DD: Wir haben ziemliches Glück gehabt, dass unsere Karriere nie darauf gebaut war einen bestimmten Sound haben zu müssen. Unsere Karriere bestand immer daraus, zu experimentieren, neue Dinge auszuprobieren und ein bisschen exzentrisch zu sein. Es war ehrlich gesagt ein Segen, nie einen bestimmten Sound zu haben. Dadurch haben Sounds, die gerade in oder aus dem Trend sind, nie einen Effekt auf uns gehabt. 

Das Album ist insgesamt ja in unterschiedliche Passagen aufgeteilt. Wir sind vor allem neugierig über die Rolle von Frauen, besonders Schwarzen Frauen, die in der mittleren Passage durch das Album führen. Es fängt an mit dem »JEANS INTERLUDE« und endet dann mit »NEEZY’S WALK«. Wie wichtig war es euch, Frauen eine Plattform zu geben?
JV: Das war wirklich das Allerwichtigste. Einfach, weil wir wissen, wie unterrepräsentiert Frauen im Rap und Hip-Hop sind. Es ist einfach genau der gleiche Kram, den wir auch in Atlanta fühlen. Atlanta dreht gerade richtig durch in der Hip-Hop Szene, sogar schon die letzten 20-25 Jahre. Es gibt einfach so viel Diversität und Perspektiven, die nur durch Erfahrungen entstanden sind. Von daher wollten wir für die Geschichten, die wir erzählen, eine Einleitung von Frauen. Gerade auch um deren Energie, Wahrheit und Authentizität gerecht zu werden. Besonders bei Jean. Jean ist Teil unserer Familie, ich kenne sie schon mein ganzes Leben. Sie ist auch einfach verwandt mit ihm (nickt Doctur Dot zu), was verrückt ist, weil wir schon in der High School waren, als beide herausgefunden haben, dass sie verwandt sind. Sie sind Cousins, weißt du? Das ist unsere Familie, von daher sind wir glücklich, sie auf dem Album zu haben. Außerdem an dieser Stelle ein Shout Out für Lynae und alles was sie macht, sie klärt so viele Leute durch ihren TikTok und Instagram Account auf. Sie sind einfach genauso legitime Geschichtenerzähler, wie wir auch, von daher lass uns beides kombinieren und zusammen haben wir die richtige Perspektive.

Speziell zu Lynae Vanee: Besonders die letzten Zeilen von »NEEZY’S WALK« gehen uns nicht mehr aus dem Kopf, wo sie sagt: “The colonization was always in the framing of the three little pigs / but they made the wolf dangerous and weaponized the wind.” Könnt ihr uns mehr dazu sagen?
JV: Da müsst ihr sie fragen.. ich schwöre..
DD: Ich muss ganz ehrlich sein, ich hab über diese Zeile so oft nachgedacht! Ich wach mitten in der Nacht auf und muss darüber nachdenken.
JV: Ihr müsst sie dazu interviewen, jetzt im Ernst.
DD: Ich hätte so gerne eine beeindruckende Antwort, aber ich hab das Gefühl, was immer ich auch sage, würde ihr nicht gerecht werden. Es wäre nicht fair von mir. 

Wir sind aber auch neugierig wegen der Reihenfolge, habt ihr »BLACK PEARL« schon vor dem Interlude von Lynae fertig gehabt?
DD: Die Musik war schon vor allen Interludes und Skits fertig. Wir hatten den Song schon ziemlich früh im Albumprozess fertig, vor allem wenn man alle Änderungen bedenkt, die wir zuletzt noch gemacht haben. Aber ja, »BLACK PEARL« war schon lange davor fertig. Normalerweise kommen wir nochmal auf einen Song zurück oder überdenken nochmal das Konzept, um dann den Skit darum zu basteln. Das macht es ein wenig einfacher. Aber die Musik fertig zu haben und auch die Bedeutung dahinter, das ist es was die Leute wirklich wollen.

Das war dann wahrscheinlich genauso bei dem »ZAZA Skit« und »SMOKE SUM«? 
Beide: Yeah Yeah!
DD: Bei all denen, Ja. Es war allerdings witzig, als DC Young Fly zu uns in Studio kam und wir ihm die Rohversion vom Album vorgespielt haben. Wir haben nur zusammen rumgehangen und er hat einen Witz nach dem anderen gemacht, während wir die Musik abgespielt haben. Er hat uns eigentlich viel mehr Material als das geliefert. 

Wir müssen auf jeden Fall auch über »AMERICAN HORROR STORY« reden. Der Song steht quasi dem American Dream gegenüber, das war auf jeden Fall unsere erste Assoziation. Gerade als Außenstehender ist der amerikanische Traum immer noch das, was man mit den USA verbindet, auch wenn die Realität ganz anders aussieht. Könntet ihr uns dazu noch mehr verraten?
JV: Der Song kam 2020 während der Proteste und den Ausschreitungen zustande. Während all diese Dinge in unserer Community und unserem Land passiert sind –eigentlich sogar weltweit, weißt du? Sehr viele Menschen haben einfach gezeigt, dass sie die Schnauze voll haben von unserem kapitalistischen System. Wir haben genug davon, wie unsere Regierung uns behandelt und vor allem auch, dass es kein vernünftiges System für uns während solcher verrückten Zeiten gibt. Warum müssen wir uns immer noch mit Rassismus auseinandersetzen, wenn es eine globale Pandemie gibt, die die gesamte Menschheit bedroht, weißt du was ich meine?
DD: (unterbricht) Wir haben einen gemeinsamen Feind und wir entscheiden uns trotzdem uns gegenseitig anzufeinden, das ist einfach nur lächerlich!
JV: Es ist verrückt! Der Song entstand genau nach den Morden an Ahmaud Arbery, Rayshard Brooks…
DD: ..George Floyd..
JV: George Floyd!
DD: Das alles passierte direkt hintereinander. Rayshard Brooks ist tatsächlich nur 10 Minuten von dem Ort umgebracht worden, wo wir den Song aufgenommen haben. 
JV: Die Tatsache, dass wir in einer Realität leben, wo das alles passiert – es gibt einfach Zeiten, wo Musik dein einziges Ventil ist. Daraus ist der Song geboren worden.

Besonders die eine Zeile, wo ihr darüber sprecht, den “generational curse” zu überwinden, ist etwas, das sich durch die Musik von vielen Schwarzen Künstlern zieht. Wir haben gerade erst ein Interview mit Kojey Radical, einem Künstler aus London, geführt, der genau das auch in seinem Song erwähnt. Obwohl es in den Nachrichten ja gerne mal so dargestellt wird, als ob Rassismus ein US-Problem ist. Könnt ihr sagen, was es für euch bedeutet den “generational curse” zu überwinden?
DD: Du musst dir das so vorstellen: Aus meiner Perspektive sind wir durch und durch Schwarze Amerikaner. Wir haben keine direkte Verbindung zu unseren Wurzeln. Unsere Eltern und Großeltern sind direkte Nachfahren der Sklaverei. Von daher ist da sehr sehr viel Trauma, das von Generation zu Generation weitergegeben wird und auch weiterhin weitergegeben wird. Aus diesem Trauma heraus entstehen furchtbare Entscheidungsfindungen und noch schlimmere Entscheidungen, die sehr kurzlebig sind. Für uns ist es wichtig, diesen Fluch zu brechen. Wir sind nicht nur frei, sondern auch genug Generationen entfernt, um die Wucht des Traumas zu verlangsamen. Es liegt an uns die Gewalt zu verlangsamen und das Verhältnis zu verändern. Es liegt an unseren Nachfahren, die nächste Generation weiter anzuregen. 
JV: Aber auch nicht mehr in diesem Überlebensmodus zu leben. Einfach jeder, der vor uns auf dieser Seite des Atlantischen Ozeans da war, hat immer in einer Form von Überlebensmodus gelebt und sich dabei abgekämpft. Wir befinden uns in einer Position, wo wir auf deren Arbeit aufbauen können. Es ist natürlich auch eine Herausforderung, wie sich die Dinge global formieren: Die Wohlstandsschere geht immer weiter auseinander, nicht nur in Amerika, sondern weltweit. Das sind viele Probleme, auf die wir gefasst sein müssen. Das ist genau der Kram, über den wir täglich reden, ehrlich. 

»Grandaddy’s grandaddy was poor /
first N*gga in my family with dough-oh-oh (Oh) /
I raise everybody up from the floor-oh-oh (Floor) /
flippin’ the generational curse, Coco«

EARTHGANG, »SMOKE SUM«

Was uns thematisch auch direkt zu eurem Song »POWER« führt. Es ist nicht nur ein großartiger Song – für uns eine der größten Überraschungen vom Album – ihr habt aber auch dieses krasse Cee-Lo Green Feature und Nick Cannon, der im Spoken Word-Stil zum Ende hin ein paar Weisheiten teilt. Wie kam das zustande? 
DD: »POWER« fing an mit unserem Produzenten Dish, der auch »STRONG FRIENDS« produziert hat. Wir haben Cee-Lo in einer Session eine Rohfassung von unserem Album vorgespielt, er tauchte einfach auf und meinte: “Das ist der Song, auf dem ich drauf sein möchte.” Wir dachten, er möchte bestimmt auf einen ruhigeren Song, etwas leichteres, aber er war einfach so: “Nah, I wanna do this!” Wir meinten dann Okay, aber dafür musst du uns auch einen richtigen Vers liefern, einen “real ass verse.” Wir konnten uns einfach gar nicht daran erinnern, wann Cee-Lo zuletzt wirklich ernst auf etwas gespittet hat. Aber er hat es getan und es ist richtig gut geworden. Nick Cannon hat seine Vocals abgegeben und wir wollten sie eigentlich für etwas anderes verwenden, aber irgendwie endeten sie so, dass es einfach perfekt für diesen Track war. Alles kam einfach wirklich gut zusammen. Der Song ist einfach sehr kraftvoll.
JV: Ja, und außerdem spricht es genau das an, worüber wir auch schon gesprochen haben: Aus unserer Perspektive, als Schwarze Männer – aber auch von Männern im Allgemeinen – wird erwartet, dass sie die Brotverdiener sind, die klassischen Versorger halt. Oftmals befinden wir uns in einer Position, in der es unsere Männlichkeit bedroht, wenn wir dazu nicht in der Lage sind. Für solche Dinge zu kämpfen, fordert auch unserer Männlichkeit heraus, da wir das Gefühl haben, dafür unsere Kunst beeinträchtigen zu müssen. Wir setzen unsere Integrität und das was uns ausmacht aufs Spiel.
DD: (unterbricht) Und das wiederum schwächt unsere gesamte Familie und unsere Community. Ich sag immer gerne, dass die erste Zeile vom Song: “N*gga be pressed to claim a street with a white man name” ein Zeugnis für den Wert ist, dem wir unser Leben in der Hood zuschreiben. Wir schreiben unseren Vierteln, wo wir leben, wie wir aufwachsen, so viel Wert zu, weil wir keine Verbindung zu unseren, wie schon gesagt, eigentlichen Wurzeln haben. Wir versuchen diese künstlichen Verbindungen zu Straßen aufzubauen, die die Kolonisten zusammengestellt haben. Wir versuchen daraus etwas eigenes zu machen. 

Ihr sprecht viel darüber, über den Druck der Versorger zu sein. Es geht also nicht nur darum berühmt zu sein, sondern vor allem, sich um die Menschen in eurem Umfeld zu kümmern? Wie geht ihr mit dem Druck um?
DD: Also für mich ist es so: Ich hab mich noch nie berühmt gefühlt und ich bezweifle, dass ich das jemals tun werden. Ich fokussiere mich einfach immer darauf, wie es den Menschen um mich rum geht, die echten Leute in meinem Leben, die nicht berühmt sind. Es gibt genug Menschen in meinem Leben, die nie berühmt sein werden. Ich kann mich selber einfach nicht berühmt fühlen, weil ich gar nicht weiß, wie das geht. Wenn wir über den Druck sprechen, sich um andere sorgen zu müssen, steht das an erster Stelle. Die Menschen, die mir nahe stehen, sind einfach vorrangig. Weißt du, wie ich das meine? Meine Musik und meine Liebe. Berühmt sein ist das Letzte über das ich nachdenke. Bekannt zu sein oder angeguckt zu werden ist einfach so weit entfernt von meinen Gedanken. Es ist einfach nur Teil des Jobs. 

Ein anderes Thema, das sich auf eurem Album wiederholt, ist Drogenkonsum als ein Art Bewältigungsmechanismus. Darum geht es auf »SMOKE SUM« aber auch in einer Zeile von »ALL EYEZ ON ME«: “My cousin poppin’ pills ’til the pain gone.” Drogen werden immer noch verteufelt und es geht weniger darum, dass sie auf der anderen Seite auch auch medizinisch und im richtigen Umgang gebraucht werden. Könnt ihr uns mehr dazu erzählen?
DD: Wie ist denn die Opioid-Situation in Deutschland? Gibt es viele Opioide oder ist das ein amerikanisches Problem?

Es ist hier auf jeden Fall auch ein Problem, das gleichermaßen auch hier einfach viel ignoriert wird. Es ist nicht die gleiche Situation wie jetzt in West Virginia oder ähnlichen Orten, wo es riesig ist, aber gewisse Parallelen lassen sich durchaus ziehen.
JV: Ja ich glaube ihr Leute habt eine andere Herangehensweise in dem Sinne, dass ihr versucht eine Lösung zu finden. Hier bei uns war das erste Mal, dass Amerika Drogensüchtige als Opfer gesehen hat, während der Opioid-Krise. Einfach, weil auch weiße Kinder betroffen waren.
DD: Davor war es ein Krieg: “The war on drugs”. 
JV: Ja es war ein Krieg, es gab keine Beratungsbüros oder den Versuch den Menschen, das zu geben was sie brauchen. Es gab keine Therapie, es war einfach ein Krieg. Ich denke, so behandelt Amerika Menschen, die nicht aussehen wie der typisch-weiße Mann oder die typisch-weiße Frau. Drogen werden immer existieren, die meisten dieser Drogen werden aus natürlichen Pflanzen und natürlichen Dingen hergestellt. Die tiefere Bedeutung, die dahinter steckt – herauszufinden, warum Menschen Drogen nehmen – ist der Schlüssel dazu, mit diesen Dingen zu leben. Wir sagen immer: Es gibt bestimmt irgendwo einen Elefanten, der genau weiß, welche Pflanze ihn high macht (zwar kein Elefant, aber dafür Delfine). Ich bin mir einfach sicher, dass es etwas ganz natürliches ist. Aber sobald es ums Geld geht und Rassismus involviert ist, verkompliziert sich alles. 

Ich denke in Deutschland sind wir auch erst auf halbem Wege da, vor allem weil es eben so viel mit Rassismus zu tun hat. Es gibt einen großen Unterschied, ob einer von uns beiden (beide weiß und blond, Anm. d. Red.) oder eine Person of Color mit Drogen erwischt wird. Wir beide hätten einfach nur Spaß, eine Person of Color wird mit großer Wahrscheinlichkeit beschuldigt die Drogen zu verkaufen oder schlimmeres. Wenn man es also so betrachtet, haben wir noch einen weiten Weg vor uns. Drogen wurden hier zum Beispiel noch nicht entkriminalisiert.
JV: So sagt ihr das zwar, aber es ist in Wirklichkeit einfach verrückt, dass all diese Marihuana Firmen so viel Geld damit machen und immer noch Menschen deshalb hinter Gitter sind. Ich hasse es das so zu sagen, aber es ist einfach so eine beschämende Zeit, in der wir leben. Wenn ich in Zukunft mit meinen Kindern oder Enkelkindern darüber reden werde, dann werden sie sagen: “Krass, das ist wirklich so passiert?” Und ich muss dann zugeben: Ja, es ist einfach eine Schande. Vor allem, weil du beim Rauchen von Gras nur versuchst, die Zeit ein bisschen zu verändern, ihr ein wenig zu entkommen. 

Das ist auch etwas, das ihr auf »SMOKE SUM« erwähnt: »My N*gga still in lock up / My Wiggas run the market / go figure, who’d have thought it?«
DD: Auf jeden Fall diese Zeile. Meine Brüder sind eingebuchtet und ich kenne einige weiße Leute, mit denen ich cool bin, mit denen ich befreundet bin, die eine Menge Geld durch Gras verdienen. Trotzdem denke ich mir dann: Dang! Ich fühle euch, aber zur gleichen Zeit ist es einfach zu viel. Über Jahre hinweg haben meine Homies wegen Gras eine Strafanzeige nach der anderen kassiert. Wenn du dann noch eine Waffe bei dir hast, hast du keine Chance mehr. Wir lassen die Waffen sogar weg und keiner von ihnen war Dealer! Trotzdem handeln sie sich eine Strafanzeige ein. Es ist also verrückt mit anzusehen. Es ist eine der beschämendsten Seiten des Lebens. Wir sprechen hier von Eltern, die bei sich zuhause sein sollten. Aber die Regierung wird das niemals zulassen und ich denke das hat zwei Gründe. Zum einen, wenn du Gras nicht strafbar machst, was ist dann der eigentliche Grund für die Razzia? Der Grund uns mit einer Schusswaffe zu bedrohen? Zweitens müssten sie dann ehrlich gesagt einen Weg finden, wie sie das meiste daraus ziehen können. Es geht einfach um Gier, sie müssen ihren Anteil bekommen und sicher stellen, dass sie schon vorher den größten Marktanteil besitzen. Von daher.. Ja.. (lange Pause)

Um das Interview auf einer fröhlicheren Note zu beenden. Ihr seid beide bekanntermaßen große Fans von Filmen, daher wollten wir fragen: Wenn ihr einen Song zu einen Spielfilm machen könntet, welcher Song wäre es und wer würde Regie führen?
DD: basierend auf diesem Album?
Von diesem Album oder einem anderen Projekt..
DD: Ich würde aus »Tequila« (aus EARTHGANG‘s Album »Mirrorland«, 2019, Anm. d. Red.) einen Film machen, bei dem Quentin Tarantino (Kill Bill, Inglorious Basterds) Regie führt. Es würde ein richtiger Tarantino Film sein, bei dem wir beide zusammen mit Salma Hayek mitspielen (lacht). “Tequila, der Film”. Der Film handelt dann davon, wie wir die ersten sind, die Bootleg Tequila in Mexico herstellen, oder so ähnlich.
JV: Ich würde wahrscheinlich selber Regie führen wollen.
DD: Aber bei welchem Song?
JV: Welcher Song? Welcher Song? (grübelt) Ich würde erstmal als Regisseur Ryan Coogler (Black Panther, Creed) ins Boot holen.
DD: War mir schon klar, dass du an Coogler denkst, aber für was? Coogler wäre perfekt für »ALL EYEZ ON ME«. All Eyez On Me von Ryan Coogler wäre richtig krank.
JV: (überlegt noch)
DD: Oder Martin Scorsese als Regisseur für »BILLI«, dass wäre auch verrückt (alle lachen)
Oder eine Rom Com aus »LIE TO ME« mit einem Hauch Drama, das wäre doch gut..
JV: von Judd Appatow (Trainwreck, Beim Ersten Mal) (alle lachen)
DD: (lacht laut) Judd Appatow! Mit fucking Seth Rogen oder so (lacht).

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Der Opener »Sela« zieht die Hörer*innen ohne Drums schlagartig mit seinen seichten melancholischen Sounds in den Bann und fordert sofort volle Aufmerksamkeit. Diese ist auch nötig, denn schon die drei vorab veröffentlichten Songs »Long Live John Africa«, der Titeltrack »Buffalo Soldier« und »Minneapolis« zusammen mit Mick Jenkins, zeigen worum es auf der EP geht: Allesamt sind hoch politisch, beschäftigen sich mit Rassismus, üben Gesellschaftskritik und arbeiten Ereignisse wie den Mord an George Floyd auf.

Der Song, der am meisten heraussticht ist mit »Samson« auch der kürzeste. Dieser geht von allen am meisten nach vorne und lockert die sonst sehr deep gehaltene EP etwas auf. Auf der sechsten und letzten Anspielstation »Royality« findet sich ein Feature von niemand geringerem als Grammy-Nominee Jesse Royal. Soundtechnisch lädt die Platte auf ihren 14 Minuten Spielzeit förmlich zum Abschalten und Entspannen ein, ohne jedoch auf Melancholie zu verzichten. Eben dieser Sound stammt aus den Federn von Produzenten wie HTN, DAO, Modha, Baby Drama, vor allem aber der des Berliners Dhanya Langer, der bereits Rogers Album »40 Acres N Sum Mula« produziert hat.

Abschließend lässt sich sagen, dass das »Buffalo Soldier Tape« ein durchaus gelungenes Werk mit unglaublicher Tiefe und ergreifendem Inhalt ist. Alleine dadurch grenzt sie sich schon von dem Release-Einheitsbrei ab und zeigt, dass es auch extrem guten englischsprachigen Rap aus Deutschland gibt.

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