JAY-Z, der mit seiner Firma Roc Nation für die künstlerische Leitung der Halftime-Shows verantwortlich ist, äußerte sich zu Kendricks Auftritt:

Kendrick ist wirklich ein Künstler und Performer, wie man ihn nur einmal in einer Generation erlebt. Er hat eine unvergleichliche Fähigkeit, die Kultur global zu prägen. Seine Arbeit geht weit über die Musik hinaus, und sein Einfluss wird noch lange zu spüren sein.

Laut Billboard laufen bereits Gespräche zwischen Lamar und seinem Team über die Gestaltung der Show. Fans spekulieren bereits, ob Kendrick einige seiner Klassiker performen wird oder vielleicht neue Musik vorstellt.

Welche Songs sollte er eurer Meinung nach in der Show performen? Lasst es uns in den Kommentaren wissen.

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

Ein Beitrag geteilt von Kendrick Lamar (@kendricklamar)

Der Beitrag Kendrick Lamar headlined die Super Bowl 2025 Halftime-Show erschien zuerst auf Mostdope.

Im Teaservideo ist auch ein Gastauftritt von 50 Cent zu sehen, der zusammen mit Eminem vor kurzem in der US Late Night Show Jimmy Kimmel Live auftrat. Dabei ließen sie bereits durchklingen, dass Eminem derzeit im Studio an seinem nächsten Album arbeitet. Die Ankündigung markiert das erste Mal seit 2017, dass Eminem ein Album vor der Veröffentlichung bewirbt, nachdem »Kamikaze« und »Music to Be Murdered By« Überraschungsveröffentlichungen waren.

Freut ihr euch auf ein neues Eminem Album oder bleiben die Erwartungen nach den letzten Releases erstmal zurück?

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

Ein Beitrag geteilt von Marshall Mathers (@eminem)

Der Beitrag Guess who’s Back: Eminem kündigt neues Album für Sommer an erschien zuerst auf Mostdope.

Was für ein Line-Up… Streetlife Entertainment und Mostdope präsentieren stolz die deutschlandweite Tournee der legendären Hip-Hop-Crew Hieroglyphics. Eine seltene Gelegenheit, die Pioniere des Hip-Hops live zu erleben, bestehend aus Del The Funky Homosapien, Souls Of Mischief, Casual, Pep Love, DJ Tourē und Produzent Domino.

Support von ganz oben

Von Q-Tip und A Tribe Called Quest bis zu The Roots, Andre 3000, Eminem, Kanye West, Wu-Tang, De La Soul und Mos Def definiert ihre Musik bis heute den Sound des Genres. Neben all diesen Hip-Hop Giganten bekennt sich auch der King of Rap als waschechter Fan und wird mit hoher Wahrscheinlichkeit bei einer der Shows in der Crowd zu finden sein. Kool Savas, hat nicht nur wiederholt in Interviews seine Bewunderung für die Crew zum Ausdruck gebracht, sondern zählt den Underground Klassiker »93 ’til Infinity«, zu seinen persönlichen Lieblingstracks

.

Die Crew wird im Juni erstmals in kompletter Besetzung live in Deutschland auftreten – ein historisches Ereignis für alle Hip-Hop-Fans.

Tickets für die Tour sind ab jetzt im Vorverkauf erhältlich!

Tourdaten:

04.06.2024: Köln, Essigfabrik
06.06.2024: Hamburg, Docks
07.06.2024: Berlin, Metropol
08.06.2024: München, Technikum
09.06.2024: Heidelberg, Halle02

Tickets gibt es unter diesem Link zu bestellen.

Der Beitrag Die legendäre Hip-Hop Crew Hieroglyphics kommt nach Deutschland und erhält Support von Kool Savas erschien zuerst auf Mostdope.

Von Cheriimoya’s und Sierra Kidd’s beunruhigenden Blick hinter die düsteren Vorhänge des Alltags, über OG Keemo’s durchdringende und ungeschminkte Botschaft, bis hin zu Lance Butters‘ introspektiver Auseinandersetzung mit den persönlichen Geister, die uns nachts heimsuchen – diese Tracks bieten eine Vielzahl von Sounds und Geschichten, die perfekt zur Halloween-Stimmung passen.

15. Eminem & Rihanna – The Monster

“Was macht dieser Song in der Liste? Euer Ernst?” fragt ihr euch zurecht, doch Rihannas Refrain auf ihrem gemeinsamen Song mit Eminem ist perfekt für Halloween, auch wenn er vielleicht nicht von typischen Halloween-Monstern handelt:

I’m friends with the monster that’s under my bed/ Get along with the voices inside of my head/ You’re tryin’ to save me, stop holding your breath/ And you think I’m crazy, yeah, you think I’m crazy.

Es geht weniger um gruselige Kreaturen und mehr um die inneren Dämonen, mit denen Eminem jahrelang gekämpft hat. Das Monster symbolisiert seine Sucht, ein persönlicher Kampf, den er zu meistern versucht. In Wirklichkeit sind diese realen Ängste in unseren Köpfen wahrscheinlich sogar eine Spur beängstigender als die, die wir aus Horrorfilmen kennen. Der Song offenbart, wie tief und persönlich solche Kämpfe sind und erinnert uns daran, dass die wahren Schrecken in den täglichen Herausforderungen liegen, denen wir uns stellen.

14. Cheriimoya & Sierra Kidd – Living Life, In The Night

Weiter geht es mit dem nächsten Duo: Sierra Kidd, Pain oder einfach nur Kidd (Moment, zählt jemand mit?) und vielleicht bald mit genauso vielen Namenswechseln wie P. Diddy, hat es geschafft, mit seinem Song »Living Life, In The Night« gemeinsam mit Cheriimoya einen internationalen Hit zu landen. Und obwohl sein Englisch sich anhört, als hätte er einen Crashkurs an der VHS absolviert, hat er mit dem Track einen absoluten Hit gelandet. Der Beweis? Beeindruckende 352 Millionen Streams auf Spotify und ein enormer Hype auf TikTok.

Doch was macht den Song so besonders für Halloween? Anstatt von Geistern, Hexen oder Monstern zu handeln, spricht er über die dunklen und beunruhigenden Aspekte des menschlichen Lebens. Die wiederholten Zeilen “I’ve been awake for days, so we out livin’ life in the night” und “Pray to God, man, I hope I don’t die in the night” vermitteln eine bedrückende und unheimliche Stimmung. Genau das, was Halloween ausmacht: Es geht nicht nur um Gruselgeschichten, sondern auch darum, sich seinen Ängsten und Herausforderungen zu stellen – und dieser Song trifft genau diesen Nerv.

13. DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince – A Nightmare On My Street

Now, this is a story all about how/
My life got flipped-turned upside down

The Fresh Prince of Bel-Air

Wir blicken einmal rüber über den Ozean und ja das Zitat stammt aus dem falschen Song, aber an der Stelle halt komplett passend, denn mit »A Nightmare On My Street« wurde Will Smiths und DJ Jazzy Jeffs Leben mehr als nur auf den Kopf gestellt wurde. Das Duo schrieb den unbestreitbar eingängigen Track für den vierten Freddy Kruger-Film, nur um dann festzustellen, dass die Produzenten sich weigerten, das komplett abgedrehte Musikvideo rauszubringen und in den Giftschrank verbannten. Daraufhin verklagte New Line Cinema das Duo. Dennoch, obwohl der Song nie denselben Erfolg wie »Summertime« oder »Parents Just Don’t Understand« hatte, erblickte das Video nach einigen Jahren das Licht der Welt. Es war nicht das Ende, das viele erwartet hatten, aber immerhin ein positives. Einen Halloween-Track von Will Smith hätte ja to be honest nun auch niemand erwartet.

12. MC Hammer – Addams Groove

Und wes wird noch eine Spur skurriler. Im Herbst 1991 war die Horror-Komödie Die Addams Family einer der größten Filme des Jahres, und ihr Titelsong»Addams Groove« sagt vielleicht den meisten vom Namen her nicht mehr sofort etwas. Und praktisch noch mehr in Vergessenheit geraten ist, dass der fast schon absurd eingängige Song von MC Hammer höchstpersönlich stammt – ganz genau, der “Hammer Time!” MC Hammer. Der Song erreichte in den USA die Top Ten und erschien auf Hammers Album »Too Legit To Quit«, dem Nachfolger von seinem 90s Classic Album »Please Hammer Don’t Hurt ‘Em«.

Als Bonus gab es on top das dazugehörige Musikvideo, das im Grunde genommen eher ein kompletter Kurzfilm ist und in dem der gesamte Cast vom Film kurze Gastparty hat, inkl. der Original Wednesday Darstellerin Christina Ricci. Netflix-Gucker wissen bescheid.

11. KitschKrieg, Trettmann & Alli Neumann – Keine Angst

Wie zuvor schon Rihanna besingen in »Keine Angst« Trettmann & Alli Neumann das Monster unter dem Bett. Gemeinsam mit KitschKrieg führen sie uns ins Schlafzimmer, wo anstelle von Geborgenheit die Angst vor dem Unbekannten lauert, die wir noch alle aus Kindheitstagen kennen.

Der knüpft Song musikalisch und inhaltlich an »Zeit steht« aus Trettmanns 2019er Album an und präsentiert das Monster nicht als Bedrohung, sondern als ständigen Begleiter durch die Höhen und Tiefen des Lebens.

 Zeilen wie “Ich hab keine Angst vor dem Monster unter meinem Bett, Denn in all den Jahr’n war es immer, immer da” verdeutlichen, dass die wahren Monster nicht immer so furchteinflößend sind, wie sie erscheinen, und in Wirklichkeit ein integraler Teil unseres Selbst sein können.

10. ROSALÍA & Rauw Alejandro – VAMPIROS

Einer der besten Halloween-Tracks auf Spanisch ist »Vampiros« von ROSALÍA und Rauw Alejandro. Nur ein Jahr nach der Veröffentlichung von Rosalías genialem Album »MOTOMAMI« gab es eine weitere gute Nachricht für Fans: Die Verlobung mit ihrem langjährigem Partner Rauw Alejandro, der selbst erfolgreich in der Musikbranche ist. Als Krönung dieser besonderen Phase in ihrem Leben brachten die beiden eine gemeinsame EP namens »RR« heraus, die drei Songs enthält. Das Highlight darunter ist »Vampiros«, ein Liebeslied gespickt mit mystischen Elementen und großartigem Musikvideo. »Only Lovers Left Alive« trifft auf Latin Trap und 2000er Style – einfach gruselig gut!

9. Haiyti – Ghostmane

»Ghostmane« von Haiyti ist ein dunkles Juwel aus ihrem fünften Soloalbum »Influencer«. Die self-proclaimed Gangsta-Rapperin aka. Robbery oder auch manchmal auf einfach ganz bescheiden nur Trap-Queen entführt uns in eine schattenhafte Welt voller Geister und urbanem Größenwahn.

Küstennebel in mei’m Red Cup/
Eine Geisterstadt mein Set-Up/
Und aus Kilos werden Zentner/
Ich seh’ überall Gespenster.

Gewohnt avantgardistisch schwebt Haiyti zwischen den dunklen Gassen des Undergrounds und dem grellen Scheinwerferlicht. Das Übernatürliche wird verwoben mit dem Realen, und das Protzige mit dem noch Protzigeren. Das Wort “Understatement” scheint ihr fremd zu sein.

8. Stockmann & Psassa – Dämonen

Die Szene ist ständig im Wandel und bringt immer wieder neue Genres und Subgenres hervor, aber wenige passen so gut in die düstere Jahreszeit wie Darkwave oder Synthwave. In diesem Zusammenhang sollte Stockmann nicht übersehen werden.

Kenner wissen natürlich bereits, dass sich hinter dem Namen das ODMGDIA Mitglied fka. Dollar John verbirgt. Mit dem Namenswechsel kam auch eine Neuausrichtung seines musikalischen Stils. Man könnte es sich als eine modernisierte Version von Falco vorstellen – bisschen mehr Rap und ohne Wiener Schmäh. 

Zusammen mit PSASSA nimmt er uns in »Dämonen« mit auf eine Reise durch finstere Gassen. Und obwohl der Song eigentlich um Weihnachten letzten Jahres herauskam, passt er vom Feeling her deutlich besser in die Halloween-Zeit.

7. Madvillain – Supervillain Theme

Von einem der ikonischsten Duos im Hip-Hop, MF DOOM und Madlib, stammt »Supervillain Theme«, ein Track, der sich perfekt in die dunkle und geheimnisvolle Halloween-Stimmung einfügt. Dieses rein instrumentale Stück klingt, als wäre es direkt aus einem alten Gruselfilm entnommen, in dem der Bösewicht im Schatten lauert, bereit zuzuschlagen. Madlib’s Produktionsgenie sorgt für eine treibende, fast hektische Stimmung, unterstützt von den Klavierklängen und dem bedrohlichen Bassriff. Es mag keinen Text geben, aber die Musik spricht für sich, sie weckt ein Gefühl von Unbehagen und Spannung. Mit seinem kriminell genialen Klang und Anspielungen auf klassische Schurken, ist »Supervillain Theme« ein Muss für jede Halloween-Playlist und zeigt einmal mehr, wie Madvillain’s »Madvillainy« das Hip-Hop-Genre neu definierte. Ein düsteres Meisterwerk, das sicherlich Gänsehaut verursacht.

Cold gettin’ dumb Yeah

der komplette Text von Supervillain Theme

6. OG Keemo – 216

Es wäre zu einfach, sich für Songs mit Namen wie »Geist« oder »Sandmann« für unseren Halloween Soundtrack zu entscheiden. Doch mit »216« haben OG Keemo und Funkvater Frank einen Track geschaffen, der – abgesehen vom Titel – in puncto Sound und Botschaft perfekt zur dunklen Jahreszeit passt.

»216« ist ein Aufruf gegen die Obrigkeit und eine Botschaft an jene, die die gleiche Hautfarbe wie Keemo teilen und sich dennoch anpassen und unterordnen und so zum Problem werden.

 OG Keemo bleibt stolz und standhaft, selbst wenn er im Musikvideo zu seinem eigenen Henker geführt wird. Eindringlich und direkt starrt er in die Kamera. Sein durchdringender Blick, begleitet von dem E-Piano, das auf einem Ton verharrt, bevor die Schlinge sich zuzieht, schafft eine erdrückende Atmosphäre. Funkvater Franks Beat erinnert an beklemmende Szenen aus einem Horrorfilm. Die klare und direkte Botschaft ist unverkennbar: OG Keemo lässt sich nicht fesseln, außer man legt ihm Ketten an.

Es ist ein Song, der nicht nur durch seine Botschaft, sondern auch durch seine musikalische Gestaltung heraussticht und sich hervorragend in die dunkle Stimmung von Halloween einfügt.

5. DISSY & Luvre47 – lauf!

Knapp 2,5 Jahre ist es her seit DISSY und Luvre47 mit »lauf!« die bockstarke Single aus »bugtape side b« gedroppt haben. Der Track thematisiert das Erkennen eigener Dämonen und innerer Kämpfe, während er Raum für die Selbstfindung in einer potenziell toxischen Umgebung schafft.

Die Hook “wenn du nicht hier sein willst, dann lauf” wird zu einem mächtigen Mantra, das den Wunsch nach Freiheit und Selbstbestimmung unterstreicht. Durch Zeilen wie “du wolltest dass ich bleib’ so wie du mich kennst” und “vergebe mir nur, dass ich leben will” vermittelt DISSY die Spannungen in Beziehungen, wenn die Partner immer weiter voneinander abdriften und neue Wege gehen.

Die düstere Atmosphäre des Songs wird durch den Beat und besonders durch das von DISSY selbst inszenierte Musikvideo verstärkt. Für die perfekte Halloween-Stimmung empfiehlt sich auch DISSYs kürzlich veröffentlichte Single »Schatten Oo«. Darüber hinaus können wir uns auf DISSYs kommendes Album »Schattentape« freuen, das am 9. Februar 2024 veröffentlicht wird.

4. Tyler, the Creator – Transylvania

Das Debütalbum »Goblin« von Tyler, the Creator, oft unterschätzt, ist mehr als ein billiges Horrorcore-Album mit Schockwert. Es gibt einen intensiven Einblick in jugendliche Depressionen, dargestellt von einem 19-jährigen aufstrebenden Künstler – rebellisch, kontrovers, aber unverkennbar talentiert. Aber wir sind nicht hier, um über das ganze Album zu sprechen, sondern um den nächsten Eintrag in unserer Liste »Transylvania«.

In diesem Track schlüpft Tyler in die Rolle von Dracula, mit kontroversen Lyrics, die entfernt an Favorite und Hollywood Hank anno 2005 erinnern. Nichts für schwache Gemüter.

G*ddamn I love women/
Daydream about penis being in ’em/
Meet them with a big grin with a Mac-10/
Rope, katana, and then I skin ’em

Unterlegt von einem von Left Brain produzierten Beat, dröhnenden Drums und bedrohlichen Synthie-Klängen, ist »Transylvania« perfekt für das gruseligste Fest des Jahres.

3. Little Simz – Venom

Ein Horror für das Patriarchat der Musikindustrie ist der Track »Venom« der UK Künstlerin Little Simz. Auf dem Song stellt Simz ihre Reimkunst unter Beweis und behandelt innere Dämonen, den Kampf als Frau in der Industrie zur Spitze und macht daraus mal eben eine extrem starke musikalische Kampfansage. Stellt euch Little Simz in den Weg und ihr werdet das Gift zu spüren bekommen. Diese Frau hat einen starken Biss und hat sich mit ihren letzten drei Alben zurecht zu einer der besten Artists in Great Britain etabliert.

Fuck those who don’t believe / They would never wanna admit I’m the best here / From the mere fact that I’ve got ovaries / It’s a woman’s world, so to speak / Pussy, you sour / Never given credit where it’s due / `Cause you don’t like pussy in power / Venom.

2. Lance Butter – Keller

Während »Keller« von Lance Butters vielleicht nicht von Geistern, Ghulen oder Monstern handelt, verkörpert es den Geist von Halloween: Eine introspektive Auseinandersetzung mit den eigenen Ängsten und dem Blick in die Tiefen der Seele. Mit dem Track entführt er uns in sein symbolisches Unterbewusstsein, das er als »Keller« bezeichnet. Dieser Ort ist für ihn kalt, leer und verlassen – eine Metapher für seine intensivsten und oft düsteren Emotionen. Obwohl der Song nicht die typischen Halloween-Themen behandelt, passt die Atmosphäre perfekt zu der gruseligen Jahreszeit.

An der Stelle soll erwähnt sein, dass bei der Suche nach weiteren Tracks, die diese düstere Stimmung einfangen, könnten »RIOT« (mehr lesen) von der »Loner« EP und »Knock Knock« von der »Sommer« EP von Lance Butters genauso gut ihren Platz in dieser Liste verdient hätten.

2. Gravediggaz – 2 Cups of Blood

Eine Gruppe die auf keiner Hip-Hop Halloween Playlist fehlen darf ist Gravediggaz. Die Horrorcore Gruppierung hat in den 90er Jahren die Szene schockiert und ganze Alben rund um das Thema Horror, Tod und andere morbide Themen geschaffen. Songs wie »1-1800 Suicide« oder »The Night The Earth Cried« zeigen das hinter Gravediggaz aber noch viel mehr steckt und der Hang zum gruseligen mehr ein Stilmittel ist um mit dem Horror des Alltags klar zu kommen. Zu den Gründungsmitgliedern gehörte unter andern Wu-Tang Clan member RZA. Der Beat von »2 Cups of Blood« sollte vor allem Tyler, the Creator Fans bekannt vorkommen, da dieser den Track für seinen Song »LUMBERJACK« gesampelt hat.

Sicherlich gibt es noch viele andere Tracks, die perfekt zur gruseligen Stimmung von Halloween passen. Wenn ihr eigene Vorschläge oder Geheimtipps habt, die in unserer Liste fehlen, dann teilt sie uns mit! Schreibt eure Song-Empfehlungen einfach unten in die Kommentare. Wir freuen uns darauf, eure persönlichen Halloween-Hits zu entdecken!

Der Beitrag Die 15 besten Tracks für Halloween erschien zuerst auf Mostdope.

Abonniere den Kanal, damit du kein Video verpasst.

Der Beitrag Antifuchs im Eminem Quiz: “Ich kenn dich, Junge, besser als du denkst!” erschien zuerst auf Mostdope.

Feiere das 30-jährige Jubiläum, von Dr. Dres Klassiker »The Chronic« mit einer Vinyl-Neuauflage, bereitgestellt von Universal Music.

Im Dezember letzten Jahres hat eins DER Alben der Hip-Hop Geschichte einen runden Geburtstag gefeiert: »The Chronic« von Producerlegende Dr. Dre ist 30 Jahre alt geworfen. Sein Solodebüt kam 1992 kurz nach der Auflösung von NWA. und hatte einen riesigen Impact auf die Entwicklung der gesamten West Coast und sorgte neben einer Zementierung seines eigenen Status’ auch dafür, dass Künstler wie Snoop Dogg oder Warren G ebenfalls mit dem entstandenen G-Funk Karriere machen konnten.

Sechs Grammy-Awards, Entdecker und Förderer von späteren Weltstars wie Eminem, 50 Cent, Kendrick Lamar oder Snoop Dogg – und mit seinen „Beats By Dre“-Kopfhörern hat er auch quasi im Handumdrehen noch ein kleines Tech-Imperium aus dem Boden gestampft.

Universal Music hat es möglich gemacht, dieses Stück Musikgeschichte in Form einer Vinyl-Neuauflage wiederzubeleben. Mit Songs wie »Nothing But A G Thang«, »Let Me Ride« oder »Fuck With Dre Day« kann sich jetzt auch der Rap-Nachwuchs eine Hiphop-Geschichtsstunde auf der Streamingplattform der Wahl anhören.

Passend zum Jubiläum wurde diesen Februar angekündigt, dass sein erster Solo-Langspieler, mit dem er dem Genre nachhaltig seinen Stempel aufdrückte, nun als eine Vinyl-Neuauflage rereleaset wird. Diese gibt es seit heute wieder und wir haben dank der großzügigen Unterstützung durch Universal Music habt ihr die Möglichkeit, einige Exemplare dieser besonderen Neuauflage zu gewinnen.

Gewinne 1×3 Vinyls von »The Chronic«

Ihr habt die Chance auf eine der drei Vinyls von Dr. Dres The Chronic. Alles, was ihr dafür tun müsst, ist @mostdope auf Instagram zu folgen und euren Lieblingssong von »The Chronic« zu kommentieren.

Teilnahmeschluss: 24.04.2023, 15 Uhr

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

Ein Beitrag geteilt von MOSTDOPE (@mostdope)

Der Beitrag Zum 30-jährigen Jubiläum: Der Klassiker »The Chronic« ist zurück! erschien zuerst auf Mostdope.

Danny Brown ist fast schon ein Veteran auf der internationalen Hip-Hop-Bühne, so war er bereits 2010 im Gespräch als neues G-Unit Signing und hat im Laufe seiner Karriere mit Größen wie Eminem, A$AP Rocky oder Kendrick Lamar zusammengearbeitet. Mit seinem einzigartigen Sound, der zwischen kreativem Chaos und genialem Wahnsinn changiert, hat er sich einen Namen gemacht und gehört längst zu den wichtigsten und innovativsten Köpfen des Genres. Zusammen mit JPEGMAFIA, einem weiteren Vorreiter der aktuellen Rap-Avantgarde, hat er nun das gemeinsame Album »Scaring the Hoes« veröffentlicht.

Schon seit über einem Jahr teasen Danny Brown und JPEGMAFIA ihre Zusammenarbeit an und wecken damit hohe Erwartungen bei Fans und Kritikern gleichermaßen. Doch an dieser Stelle sei vorgewarnt: Wer sich auf »Scaring the Hoes« einlässt, der bekommt eine Art von Rap zu hören, die vor allem eines ist: wild. Die beiden rappen sich über JPEGs Produktionen die Seele aus dem Leib und belegen ihre Stimmen dabei mal mehr, mal weniger mit Soundeffekten. Inhaltlich wird dabei viel Gesellschafts- und Szenekritik geübt, aber auch einfach in verschachtelten Reimen über Drogen und Sex gerappt. Beide Künstler liefern dabei präzise Flows und technisch unglaublich starke Parts.

How are we supposed to make money off this shit?

JPEGMAFIA auf dem Titeltrack – Scaring the Hoes

Wenn experimentelle Avantgarde auf durchgeknallten Rap trifft

Die erste Single »Lean Beef Patty«, inspiriert von einer Fitness-TikTokerin, ist das perfekte Beispiel für den Sound des Albums. Der Song klingt wie eine hektische Explosion aus Warpspeed-Samples und aufgeblasener Percussion. JPEGMAFIA und Danny Brown’s Schmelztiegel an Einflüssen kommt dabei nicht nur zum Überlaufen: er explodiert förmlich. Die Sped-Up-Samples, mit denen der Track beginnt, sind ein herzliches Willkommen im Vergleich zu dem Chaos, das einen im weiteren Verlauf des Tracks erwartet. JPEGMAFIAs Texte, die in Rekordzeit um Kultur, Gesellschaftskritik und innerste Gedanken kreisen, treffen auf Danny Browns typisch jaulenden Flow.

Genregrenzen adé

Auch der Rest des Albums bietet eine beeindruckende Dichte an Ideen und kreativen Spielereien. Jazz, Glitch, Breakbeats und gepitchte Samples sind nur einige der vielen Stilmittel, die hier zum Einsatz kommen. Von Soul über Drum’n’Bass bis Rock ist hier alles dabei. Die Produktionen, welche allesamt von JPEG stammen, sind beeindruckend und verleihen den 14 Tracks eine ganz eigene Atmosphäre, die perfekt zum energetischem Rapstil der beiden passt. Es ist über die 36 Minuten Spielzeit nie vorherzusehen was als nächstes passiert. Genregrenzen und Musiktheorie werden hierbei vollends über Bord geworfen und machen Platz für komplett neue Sounds. Wer sich in das Durcheinander aus Klängen und Einflüssen hineinwagt, der wird belohnt mit einem Album, das alle Erwartungen erfüllt und den unkonventionellen Anspruch von JPEGMAFIA und Danny Brown unterstreicht.

Innovativ und subversiv

In »Scaring The Hoes« prallen zwei Welten aufeinander: die experimentelle, avantgardistische Musik von JPEGMAFIA und die durchgeknallte, aber geniale Welt von Danny Brown. Die Kombination aus beiden Künstlern führt zu einem Album, das weder in eine Schublade gesteckt werden kann, noch massentauglich ist. Vielmehr ist es ein Kunstwerk, das die Grenzen dessen, was im Hip-Hop bisher möglich war, neu definiert.

Insgesamt ist »Scaring The Hoes« ein herausragendes Album, das die kreativen Grenzen des Hip-Hop erweitert. Die Kombination aus JPEGMAFIA’s produktionstechnischem Können und Danny Brown’s ganz eigenem Rap-Stil führt zu einem einzigartigen und subversiven Soundgeflecht, dass Beweis dafür ist dass sie zu den wichtigsten, aber vor allem innovativsten Köpfen der Rap-Szene gehören. Der Albumtitel mag provokativ sein, aber die beeindruckende Symbiose der beiden Gratwanderer verdient es, gehört zu werden. Es mag für die breite Hörerschaft zwar nur sehr schwer zugänglich sein, aber für diejenigen, die sich auf die Herausforderung einlassen, ist es extrem empfehlenswert.

Tracklist: Danny Brown und JPEGMAFIA – Scaring The Hoes

01. Lean Beef Patty
02. Steppa Pig
03. SCARING THE HOES
04. Garbage Pale Kids
05. Fentanyl Tester
06. Burfict!
07. Shut Yo Bitch Ass Up / Muddy Waters
08. Orange Juice Jones
09. Kingdom Hearts Key (feat. Redveil)
10. God Loves You
11. Run The Jewels
12. Jack Harlow Combo Meal
13. HOE (Heaven on Earth)
14. Where Ya Get Ya Coke From?

Der Beitrag Danny Brown und JPEGMAFIA reißen auf »Scaring The Hoes« Genregrenzen ein erschien zuerst auf Mostdope.

Neue Trends und Sub-Kulturen entstehen in der Musik quasi täglich. Die lange Dominanz von Trap-Beats und Triplet-Flows à la »Versace« im Rap ist vor dem Hintergrund einer sich ansonsten immer schneller verändernden Musiklandschaft eine absolute Anomalie. Kein Wunder, dass neue (und alte) Sounds früher oder später den Status Quo aufmischen. Und wo Artists wie Lil Peep in ihrer Musik Trap-Elemente noch recht deutlich zur Schau gestellt haben, schwindet genau dieser Sound immer mehr zugunsten von Gitarrenriffs und Vocals wie aus den 2000ern.

Der zeitweise totgeglaubte Rock mit all seinen Sub-Genres ist alive und well. Neben dem Comeback von Avril Lavigne, neueren Acts wie Mod Sun, KennyHoopla oder YUNGBLUD spielen aber auch Rapper*innen eine große Rolle darin, E-Gitarren und Moshpits auf die ganz großen Bühnen zu holen. Dabei bräuchte es gar kein großes Revival, denn Crossover zwischen Rap und Rock gab es schon immer mit Kollabos zwischen Run-D.M.C und Aerosmith oder dem legendären Soundtrack von »Judgment Night«, auf dem vor 30 Jahren Rapper wie House Of Pain, Cypress Hill oder Onyx mit Bands wie Pearl Jam, Biohazard und Teenage Fanclub eine Brücke zwischen den beiden Genres bauten. In einem anderen Listicle haben wir uns bereits mit Kollaborationen zwischen Deutschrappern und Rocklegenden beschäftigt.

In dieser Liste wenden wir uns aber keinen Kollabos zu, sondern Alben von Rappern, die gänzlich dem Rock zuzuschreiben sind. Denn obwohl 4 davon in Anthony Fantanos Liste der schlechtesten Alben der 2010er auftauchen, versuchen sich immer wieder Rapper*innen an dem Genrewechsel.

1. Lil Wayne: »Rebirth« (2010)

2010 war definitiv eine andere Zeit. Barack Obama war noch in seiner ersten Amtszeit, Facebook war der Place to Be und kaum jemand hat noch offen angezweifelt, dass Lil Wayne der beste Rapper derzeit war. Nach dem gigantischen Erfolg von »Tha Carter III« schien Weezy die Welt zu Füßen zu liegen. Er hatte seine eigene Formel gefunden und so perfektioniert, dass ein Stilwechsel noch nicht nötig, aber durchaus sinnvoll erschien.

Mit »Rebirth« machte der Young Money Chef genau das, und zwar kompromissloser als das viele Fans erwartet und sich vermutlich gewünscht hatten. Mit den obligatorischen schwarz-weißen Vans auf dem Cover und einer E-Gitarre, die quasi Teil jedes Outfits wurde, präsentierte Lil Wayne auf Albumlänge einen Sound, der nicht allen zusagte. 

Er versuchte sich sogar selbst daran, Gitarre zu spielen, kam aber nie über ganz grundlegende Soli hinaus. Dies sorgte dann auch dafür, dass die Leadmelodien auf Songs wie »Prom Queen« oder »Da Da Da« keineswegs originell daherkamen. Was die Songs wirklich schwer zu ertragen machte, waren aber die Vocals selbst, die Weezy in Autotune nahezu ertränkte und damit sicherstellte, dass auch mit etwas Distanz bis auf »Drop The World« das Album nahezu unhörbar ist. Irgendwo ist es aber auch bewundernswert, wie sich ein Rapper an seinem absoluten Zenit zu so einem drastischen Schritt durchringt und sich freiwillig wieder in die Highschool zurückschickt.

2. B-Tight: »Drinne« (2012)

An seinem Zenit stand B-Tight nicht wirklich, als er auf Albumlänge mit dem Rock liebäugelte. Nachdem Aggro Berlin endgültig seine Pforten geschlossen hatte und nach der mäßigen Resonanz auf sein letztes Album »Goldständer« sah B-Tight scheinbar Grund für einen Neubeginn. 

Durch einen Kontakt zu den Emil Bulls kam Bobby auf den Geschmack, auf rockigeren Instrumentals zu rappen. So entstand dann auch ein ganzes Album mit Instrumentierung der Band, die nur noch durch Scratches von Beathovenz aka DJ Perez abgerundet wurde. Und auch wenn B-Tight gleich zu Beginn klarmacht “Das ist für die Hip-Hopper, das ist für die Rocker”, markiert der neue Sound »Drinne« doch einen deutlichen Shift für den Berliner.

Aber auch textlich ändert sich etwas auf »Drinne«. Nach vergangenen Releases, die immer mindestens in Richtung Index schielten, wirkt das Album deutlich harmloser. Obwohl der Humor und einige Zeilen auf Songs wie »Wenn ich komme« und »Tittenmaus« nicht besonders gut gealtert sind, sind sie doch weit entfernt von der Obszönität von B-Tights ersten Alben. Seine neue Massentauglichkeit bewies er dann auch mit einem Auftritt beim Bundesvision Song Contest, wo er mit den Emil Bulls die Hauptstadt vertreten durfte. 

3. Yelawolf: »Love Story« (2015)

Während viele Rockalben von Rappern eher Ausreißer in der Diskographie sind, markierte »Love Story« die Neuerfindung von einem Sound, dem Yelawolf noch bis heute treu bleibt und auf seinem letzten Album »Sometimes Y« mit Country-Sänger Shooter Jennings sogar noch weiter entwickelte.

Das Shady-Signing, das damals in aller Munde war, konnte mit seinem Debüt »Radioactive« leider nicht das Versprechen von Eminems Co-Sign einlösen. Nach einer längeren Phase, in denen Yelawolf nur ein Mixtape und die eher wenig beachtete EP mit Travis Barker »Psycho White« releaste, folgte mit »Love Story« dann der Befreiungsschlag. Das Album wurde vor allem in Yelas Heimatstadt Nashville aufgenommen und kanalisiert seine Südstaatenwurzeln in einen Sound, den es in der Form im Rap noch nicht gab. 

Neben dem erstaunlich radiotauglichen, aber eben auch eingängigen »American You« finden sich mit »Tennessee Love« und »Devil In My Veins« richtige Balladen auf dem Album, das in seiner Gesamtheit ein mehr als würdiges Bild von Yelawolfs bewegtem Leben zeichnet. Wenn dieser auf Songs wie »Till It’s Gone« oder »Best Friend« mit Labelboss Eminemdie neugefundenen Klänge mit seinen Rapwurzeln verbindet, entsteht ohne Zweifel sein bis dato bestes Material, das auch heute noch eine einnehmende Wirkung entfaltet.

4. Kid Cudi: »Speedin’ Bullet 2 Heaven« (2015)

Auch für Kid Cudi war sein Rock-Album nicht der einzige Berührungspunkt mit dem Genre. Bereits 2012 tat sich Mr. Rager mit seinem Produzenten Dot Da Genius zusammen für das gemeinsame Projekt WZRD, das ein gleichnamiges Album und mit »Teleport 2 Me, Jamie« auch einen Fan-Favoriten hervorgebracht hat. Drei Jahre später ist die Situation jedoch eine andere. Anstelle des Releases des langerwarteten dritten Teils der »Man On The Moon« Reihe folgten auf »WZRD« drei Alben, die weder bei Kritiker*innen noch Fans übermäßig großen Anklang fanden und in »Speedin’ Bullet 2 Heaven« kulminierten.

Das komplett selbst geschriebene und produzierte Album war selbst für eingefleischte Fans vom Lonely Stoner eine Herausforderung. Über 90 Minuten gab es das mit Abstand dunkelste und verstörendste Material von Kid Cudi bis dato zu hören. Von den Störgeräuschen, die den ersten Track einleiten, bis zu dem verlorenen Gitarrensolo, das das Album auf »MELTING« beendet, lässt Kid Cudi seinen Zuhörer*innen kaum Raum zu verschnaufen. 

Kid Cudi war zwar immer offen für Experimente, aber »Speedin’ Bullet 2 Heaven« ist gänzlich frei von Songs, die herkömmlichen Mustern folgen oder auch einfach nur das Bedürfnis der Fans nach Harmonie bedienten. Cudi selbst bezeichnete das Album später als einen “Hilferuf”. In einer Phase, in der es Kid Cudi laut eigener Aussage mental so schlecht wie noch nie ging, schreibt er über Themen wie Sucht auf »The Nothing« oder verarbeitet seine Suizidgedanken auf der Single »CONFUSED!«. Die rohe Verzweiflung und ungefilterten Gedanken trösten daher trotz allem Verriss, den das Album damals abbekommen hat, viele Fans bis heute. So finden sich auch knapp 7 Jahre nach Release und in einer Zeit, in der es Cudi offensichtlich deutlich besser geht, immer noch Kommentare unter den Songs, die darauf hindeuten, dass auch dieser Oddball in Kid Cudis Diskographie vielen Menschen durch schlechte Zeiten geholfen hat.

5. Logic: »Supermarket« (2019)

Seit Beginn seiner Karriere hat Logic nie so ganz in das Bild des klassischen Rappers gepasst. Trotz technischen Talents und großem Erfolg seiner ersten Album wurde der aus Maryland stammende Rapper von großen Teilen der Rap-Community immer eher belächelt. Dies hielt ihn 2019 aber nicht davon ab, ganz neue Wege einzuschlagen mit einem Album, das zwar durchaus Neues gewagt hat, aber nach Einschätzung vieler an der Ausführung gescheitert ist.

»Supermarket« erschien als Soundtrack zu einem gleichnamigen Roman, der mal eben auf die Spitze der New York Times Bestseller Liste kletterte. Neben dem unüblichen Format wurden Fans aber vor allem von dem Sound überrascht, denn Logic rappt auf »Supermarket« kaum, sondern versucht sich auf leichten Instrumentals irgendwo zwischen Stoner Rock und Alternative am Gesang. Dazwischen gibt es immer wieder Ausflüge wie auf »Lemon Drop«, das wie ein halbgarer Red Hot Chili Peppers Abklatsch klingt.

Auch auf »Supermarket« scheint durch, das Logic, der immerhin mal den gesamten Wu-Tang Clan auf einem Track versammelt hat, seine Inspiration vor allem in Old School Tracks findet. Seine Cover von »Can I Kick It« oder Biz Markie’s »Just A Friend« auf »Baby« sind aber so glattgebügelt geraten, dass sie den Originalen kaum gerecht werden. »Supermarket« sollte aber nur ein kleiner Sonderfall in Logics Diskographie bleiben, was dieser auch gerade mal zwei Monate später mit dem Release von »Confessions of a Dangerous Mind« deutlich machte. Und auch nach einem selbst für Rapper wirklich kurzen “Karriereende” klingt Logics Musik mittlerweile wieder deutlich mehr nach dem, was ihn ursprünglich groß gemacht hat.

6. Machine Gun Kelly: »Tickets To My Downfall« (2020)

Ebenfalls auch nie gänzlich von der Hip-Hop-Community akzeptiert, hat wohl niemand so erfolgreich einen Genrewechsel zum Rock vollzogen wie Machine Gun Kelly. Nachdem er im 2018er Beef mit Eminem und seinem Disstrack »RAP DEVIL« für viel Furore sorgte, schien der Weg für eine Neuorientierung danach geebnet. Spätestens auf dem letzten Song von seinem Album »Hotel Diablo« ein Jahr später war klar, in welchem Sound MGK seine Zukunft sah. Zusammen mit Travis Barker und YUNGBLUD lieferte er mit »I Think I’m OKAY« nicht nur einen seiner erfolgreichsten Songs bis dato sondern auch den Bauplan für »Tickets To My Downfall«.

Ohne seine Themenpalette von Songs über Drogen, Schicksalsschläge oder Liebe aufzugeben, verpasst er seinen Geschichten einen neuen Anstrich, für den Travis Barker maßgeblich verantwortlich ist. Der Ex-Drummer von Blink-182 war Rap zwar nie ein Fremder, erlebte durch seine Zusammenarbeit mit MGK aber eine Renaissance als Tastemaker für eine neue Generation von Artists, die immer offener mit Pop-Punk liebäugeln. 

Kein Wunder, denn auch wenn Machine Gun Kelly und Barker das Rad nicht neu erfinden und so ziemlich jedes Klischee inklusive Teenage-Kurzfilm im obligatorischen Highschool-Setting erfüllen, ergibt die Kombi aus MGKs Vocals und Travis’ Instrumentierung einfach Sinn. Kelly klingt mehr in seinem Element denn je und erreicht mit »Tickets To My Downfall« zum ersten Mal die Spitze der Charts. Wenig überraschend bleibt er diesem Sound auch auf dem Nachfolger »mainstream sellout« (vielleicht etwas zu) treu. Immerhin gab er hier Lil Wayne die Chance, seine eigenen Rockertage gleich zwei Mal wieder aufleben zu lassen. Genau diese Kombos zeigen zudem, welche Türen »Rebirth« damals aufgestoßen hat.

7. Trippie Redd: »Pegasus: Neon Shark vs Pegasus« (2021)

Wie wichtig Travis Barker für die neue Generation geworden ist, zeigt auch die Deluxe-Version von Trippie Redds Album »Pegasus«. Ähnlich wie schon Nav und Lil Uzi Vert machte sich Trippie Redd 2021 den Trend der immer länger werdenden Deluxe-Versionen zu eigen und verpasste seinem dritten Studioalbum ganze 14 neue Songs, die genauso gut ein eigenes Album sein könnten. Während andere sich bis dato auf Deluxe-Versionen meist treu geblieben sind, klingt »Neon Shark« gänzlich anders als das nicht gerade wohlwollend aufgenommene »Pegasus«.

Auch auf »Neon Shark« hören wir auf jedem Song Travis Barker am Schlagzeug, der im direkten Vergleich zu »Tickets To My Downfall« nochmal einen Gang höher schaltet und Songs wie »SEA WORLD« in ein wahres Inferno verwandelt. Trippie, der selber mit seiner Stimme sowieso nie nur reinen Rap gemacht hat, fügt sich manchmal durchaus gut ein und schreit sich mit viel Ausdruck die Seele aus dem Leib. 

Trippies Affinität zum Rock zahlt sich dann auch auf »GERONIMO« aus, auf dem er Chino Moreno, den Frontmann von Deftones als Feature gewinnen konnte. Auf der Hook offenbart sich aber auch der größte Schwachpunkt des Albums. Denn stimmlich fehlt Trippie für so ein richtiges Rock-Album dann vielleicht doch die nötige Raffinesse. Das gemischte Feedback ist daher auch wenig überraschend. Viel interessanter ist eher, wie wenig Beachtung diesem Album ansonsten geschenkt wurde. Vielleicht ist das aber auch nur ein Symptom dafür, wie fest verankert Rockeinflüsse in manchen Sparten des Hip-Hop mittlerweile sind.

8. Lil Yachty: »Let’s Start Here.« (2023)

Lil Yachty brachte nicht nur das Wock nach Poland, sondern mit »Let’s Start Here.« auch eine der größten Überraschungen des bisherigen Jahres auf den Markt. Der 25-Jährige, der bisher vor allem für seinen exzentrischen Style und Lines wie “She blow that dick like a cello” bekannt war, hatte für sein fünftes Album offenbar ganz andere Ambitionen.

Schon der Teaser »Department of Mental Tranquility« deutete an, dass Yachty auf »Let’s Start Here.« eine größere Vision verfolgte. Mit dem Release überraschte er die gesamte Szene, egal wie gut man mit seinem bisherigen Schaffen vertraut war. Lediglich der Remix von Tame Impalas »Breathe Deeper« hätte ahnen lassen können, welchen Sound Lil Yachty einschlagen würde.

»Let’s Start Here.« macht dabei keinen Hehl aus seinen Einflüssen. Auf »the ride-« lässt sich die Zusammenarbeit mit Kevin Parker gut raushören und auch die Credits von MGMTs Benjamin Goldwasser auf »drive ME crazy!« oder Jake Portrait von Unknown Mortal Orchestra auf jedem zweiten Track hört man auf jeden Fall raus. Überhaupt hat Lil Yachty mit diesem Album etwas geschafft, was den wenigsten Rappern in dieser Liste gelungen ist: ein Album, das sowohl eingefleischte Fans als auch diejenigen gerne hören, die eher im Rock selbst verankert sind. 

Unsere Liste ließe sich ohne Probleme noch um weitere Alben erweitern. Jan Delays »Hammer und Michel« und G-Eazys »Everything’s Strange Here« sind nur zwei weitere Beispiele. Erst letzten Freitag erschien zudem mit »UGLY« das dritte Album von slowthai, für das er mit der Post-Punk-Band Fontaines D.C. zusammengearbeitet hat und selber zum ersten Mal zur Gitarre greift. Die Orientierung an Rock und Punk nicht nur in Ästhetik und Outfits sollte jedenfalls auch in Zukunft für viele weitere interessante Crossover zwischen den Genres sorgen. Wir bleiben gespannt.

Der Beitrag “We the new rockstars” – Rapper mit Rockalben erschien zuerst auf Mostdope.

Escape hat einiges zu erzählen und er tut das, wie kaum ein anderer in Deutschland. Mal attackiert er sperrige Trap-Beats mit passgenauen Flows, mal rappt er lässig über organische Instrumentals. Witzige Punshlines folgen auf todernste Parts, Flex auf Therapie, Verherrlichung auf Reflektion. Escape ist ein Meister des Drahtseilakts, er spielt mit den Schwankungen und behält dabei stets stabilen Kontakt zur Mitte, zum Beat, zu sich selbst. Escape ist authentisch, keine Kunstfigur, sondern Sprachrohr, Tagebuch, narrative Instanz einer echten Person mit echten Problemen.

Mostdope hat ihn im Friedrichshainer Burgeramt getroffen und ein paar Fragen loswerden dürfen. Welche Einflüsse die Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Produzenten wie DeLaurin und Ikarus auf seinen Stil hat, wie sich sein neuer Lebensalltag mit dem Dasein als Rapper verträgt und was man in Zukunft von ihm erwarten darf, erfahrt Ihr nun im folgenden Interview.

Du befindest dich ja gerade mitten in einem ordentlichen Release-Flow. Auf der einen Seite eine Konzeptreihe als Trilogie gemeinsam mit Ikarus, auf der anderen Seite quasi zwischendurch das »Die Or Die Tryin« Tape mit DeLaurin. Was genau ist das Konzpt hinter dieser Trilogie und wie fügt sich das aktuelle Tape da rein?
Die Trilogie besteht aus »Leben auf Minus«, »Leben auf Null« und »Leben auf Plus«. Die Idee kam mir, als wir »Leben auf Minus« gedroppt haben, dass wir auch eine Trilogie draus machen könnten und ich diese harte Zeit verarbeite. »Leben auf Minus« ist straight das „illegale Leben“, »Leben auf Null« soll nochmal die Zeit kurz vor der Therapie Revue passieren lassen und »Leben auf Plus« soll dann aus der Zeit entstehen, wo ich nicht mehr von meinem Dispo lebe. Geplant hatten wir eigentlich, dass es im Sommer kommt, aber ich denke, dass wir es erst 2024 liefern können, weil ich noch ein bisschen Zeit brauche, bis »Leben auf Plus«. Es hat sich zwar viel getan, aber noch ist es nicht so weit und deswegen habe ich das Album jetzt nachgeschoben. Ursprünglich wollte ich das erst danach veröffentlichen, aber jetzt ist es fertig und es ist geil und ich denke nicht, dass das irgendwie den Plan überwirft.

Aber was würdest du sagen, welchen Platz es in diesem Trilogie-Rhythmus für einnimmt? Also bist du da auch bei »Leben auf Null« oder nimmt das den ganzen Prozess mit?

Nee, also eigentlich ist es so ähnlich wie »Leben auf Null« weil weil es diesen Mix aus Verherrlichung und Consciousness hat. Es ist von der Message fast gleich, nur nicht so depressiv. Bei »Leben auf Null« ist alles ein bisschen langsamer und bei »Die Or Die Tryin’« gibt es halt einfach das ganze Album lang krass auf die Fresse. Wir haben auch zwei ruhige Songs dabei, die dann für das Reflektieren sprechen. Und der Abschluss vom Album ist auch so ein sehr ruhiger, langgezogener Track und deswegen passt das schon sehr gut rein, finde ich. Ich denke das sogar vor »Leben auf Plus« noch noch ein anderes Album kommen wird und das ich mir für die Arbeit mit Ikarus ein bisschen Zeit lasse, weil wir ja bei »Leben auf Minus« und »Leben auf Null« beattechnisch fast gleich sind. Es hat sich nur viel im Prozess an der Stimme geändert, aber diese Trap-Phonk Beats sind ja so ziemlich gleich geblieben und wir wollen das bei »Leben auf Plus« auf jeden Fall aufbrechen und etwas anderes machen. Vielleicht ein bisschen in die G-Funk/Trap-Schiene, so Shoreline-Mafia mäßig.

Würdest du sagen, dass du vielleicht auch durch die die Arbeit mit DeLaurin Blut geleckt hast, was neue Sounds angeht? Weil da höre ich auf jeden Fall vielfältigere Einflüsse heraus. Oder was macht für dich persönlich die Zusammenarbeit mit DeLaurin aus?
Bei DeLaurin habe ich den Spaß dran gefunden, dass ich im Entstehungsprozess der Beats komplett mit drin bin. Bei Ikarus ist es so, dass der weiß, was ich für Beats mag und dann schickt er mir auch die Richtigen. Aber das ist was komplett anderes, ob ich auf einen fertigen Beat schreibe oder von Beginn an mit im Studio sitze und sage: „Diese BPM-Zahl, diese Snare, diese Hi-Hat, da will ich den Rhythmuswechsel haben.“ Deswegen habe ich dahingehend bei DeLaurin mehr Blut geleckt. Wenn ich mich jetzt für einen Produzenten entscheiden müsste, mit dem ich zukünftig nur noch zusammenarbeite, dann wäre das auf jeden Fall er. Ohne jetzt was schlechtes gegen Ikarus zu sagen, aber das ist halt ein anderer Prozess. Jeder Beat von DeLaurin ist eigentlich zu 50% auch ich. Es war deshalb aber auch der längste Entstehungs-Prozess. Zwischen dem ältesten Track auf dem Album und dem letzten Song, der entstanden ist, liegen ungefähr zwei Jahre Arbeit an dem Album.

Am Ende von »Die or Die Tryin’« rappst du ja: „Ab heute lebe ich mit dem Schmerz.“ Das wirkt für mich schon wie ein versöhnlicher Ausblick, als hättest du da einen Frieden gefunden. Ist dann das Ziel oder die Zukunftsperspektive gar kein Schmerz mehr?
Ich würde sagen, die Perspektive ist es eher so, den Schmerz nicht mehr wegzumachen, sondern einfach damit klarzukommen. Es ist ja nicht jeden Tag Schmerz. Ich habe schlimme Tage zwischendurch, sag ich dir ganz ehrlich, wo die Depression, wenn man es so nennen möchte, ziemlich kickt, aber es ist nicht mehr so extrem. Vorher war das immer so ein Up and Down durch die Substanzen, die man sich gegeben hat, hoch und runter, hoch und runter. Und jetzt ist es eher so eine gleichbleibende Kälte, in der man die besseren Momente auf jeden Fall mehr zu schätzen weiß. Außerdem erlebt man einfach alles mehr und nimmt das alles auch klarer wahr. Und deswegen hat der Abschluss auf dem Album schon was versöhnliches. Es gibt viele Sachen, die noch auf mich zukommen werden und auch schon auf mich zugekommen sind. Aber es ergibt ja keinen Sinn, das alles immer nur zu verdrängen, sondern irgendwo muss man lernen, damit umzugehen. Spätestens wenn es an die eigene Gesundheit geht, so wie bei mir letztes Jahr, dann wird es unverweigerlich klar, dass sich was ändern muss. Und deswegen musste alles dazu kommen, wie es jetzt ist.

Also kann man schon sagen, dass du dich aktuell in einer besseren Phase deines Lebens befindest. Würdest du meinen, dass du in schlechten Zeiten kreativer bist?
Die letzten sechs, sieben Monate hatte ich gar nicht mehr die Möglichkeit, meiner Kreativität freien Lauf zu lassen, wie ich es früher gemacht habe, weil ich halt 40 Stunden arbeite. Dazu bin ich auch nicht unbedingt der liquideste Typ. Ich bin schon immer am Limit mit meiner Kohle. Dann ein Studio zu mieten, Produzenten zu bezahlen, das ganze Promo Material… – das kostet alles Geld und ich kann mir nicht immer nur Leute suchen, die mir aus Liebe alles geben. Ich will ihnen auch was zurückgeben. Die machen ja auch einen extrem wichtigen Job. Deswegen sind die Momente, wo ich gerade mal ins Studio kann, eher spontane Aktionen. Und dann bist du im Studio und bist dabei, wie der Beat gebaut wird und dann kommt halt alles, was sich so angestaut hat raus. Die letzten zwei Wochen, wo du keine Musik machen konntest oder auch gar keinen Kopf dafür hattest. Wenn ich nach Hause komme nach einer neun Stunden Schicht, dann gucke ich zwei Folgen Naruto und penne.

Das heißt, die Texte kommen dann auch im Studio auf den Beat oder schreibst du schon vorher so ein paar Lines zusammen?
Ne! Das ist alles on scratch. Ich wüsste nicht, wann ich das letzte Mal ins Studio gegangen bin und den Text schon hatte. Ich glaube, der Song »Marcel«, der ist so entstanden. Da hatte ich mit DeLaurin nochmal, kurz bevor das Förderungsgeld kam für das Album, auf Druck was machen müssen. Also wir hatten eine krasse Mixing Session, wo wir alles nochmal neu aufgenommen haben und neu gemixt haben und so, damit wir das dann ins Mastering geben können. Und da habe ich auf dem Hinweg ins Studio den Text geschrieben, ohne Beat. Aber lass mich lügen, vielleicht zwölf Zeilen oder so, keine Hook, gar nichts. Wir haben dann zusammen Song den gebaut und da hat es einfach gepasst. Das war aber wirklich das einzige Mal, wo ich mich jetzt bewusst dran erinnern kann, dass ich schon was vorgeschrieben habe. Ansonsten baue ich halt, während der Beat entsteht und bin meistens durch Zufall echt genau dann mit dem Text fertig, wenn der Beat im Arrangement so steht, dass man aufnehmen kann. Im Hintergrund passiert dann noch mal was. Vielleicht schreibt man am nächsten Tag nochmal eine Zeile um oder vielleicht auch ein, zwei Monate später. Aber im Großen und Ganzen ändert sich da nicht mehr viel.

Ja, ich finde, wie du das beschreibst, passt voll darauf, wie ich die Songs wahrnehme. Dass Song für Song jeweils für sich aus einer bestimmten Energie entsteht, kann ich mir gut vorstellen. Was ist dann dein Anspruch? Ab wann holt dich ein Song wirklich ab? Was erwartest du auch von dir selber?
Es gibt eigentlich bei jeder Session diese starken Momente. Beim Beatbauen ist es so, dass ich ab einem bestimmten Punkt richtig Bock habe auf den Beat draufzugehen, weil der bounced, in einer bestimmten BPM Zahl ist oder wie auch immer. Und beim Schreiben ist es dann manchmal so, dass ich über meine eigenen Punchlines lache. Mein einziger Anspruch ist dann wirklich, ich muss den Song gut finden. Ich mach mir keine Gedanken darüber, wie es jemand anderes findet, sondern produziere so, dass ich den geil finde und dass ich den auch immer noch geil finde, wenn ich ihn in vier Wochen noch mal höre. Nur so bleibt das auch irgendwie meine eigene Musik.

Hast du so eine favorite Punchline von dir selber?
„Ich gebe mein letztes Hemd. Sie fragen Was hast du noch?“ Das finde ich zum Beispiel immer noch ziemlich gut. Sowas lässt dann auch einen sehr oberflächlichen, restlichen Text sehr gut wirken.

Weil du vorhin meintest, dein Anspruch sei vor allem erstmal, dass du die Songs selber gut findest. Hörst du dann auch deine Tracks selber?
Ja, tatsächlich. Also letztes Jahr bei »Leben auf Null« habe ich diese ganzen Rohsachen gehört und ich habe das Album einfach gar nicht gefühlt. Dann haben wir im Mixing ganz viel anders gemacht und viel die Stimme verändert und irgendwann kam der Modus, dass ich das durchgehört habe und mir wirklich dachte: „Dicker, das ist ein geiles Album!” Und bei dem Album, was wir jetzt gemacht haben, ist es auch so. Ich höre es von Anfang bis Ende durch. Das ist genau die Strecke von mir zu Hause bis zur Arbeit, vom ersten bis zum letzten Song. Und ich finde es immer noch gut. Ich feiere meine eigene Musik jetzt nicht zu 100%, da bin ich schon auch sehr selbstkritisch, aber ich kann sie definitiv besser hören als als damals.

Und es ist auch so, wenn du alte Sachen hörst, dass du dir bei manchen Stellen unzufrieden bist und daran merkst, was du gern anders machen würdest?
Ja, safe. Ich mag es zum Beispiel gar nicht, wie ich manchmal an bestimmten Stellen so Hausmaus Reime gemacht habe.

…[Ich] bin keine Kunstfigur, sondern ich versuche so viel wie möglich ich selbst zu sein. Anders kann ich das auch gar nicht.

Escape über sein Authentizitätsempfinden

Du hattest ja vorhin schon von »Marcel« gesprochen. Die Kernaussage da ist ja: „Escape ist nur ein Name, der berichtet, was Marcel macht.” Wie viel Marcel lässt du denn in deine Musik rein?

Ich könnte jetzt sagen, 100%. Aber ich denke, durch die Erfahrungen sagt man einige Sachen natürlich nicht. Das ist auch ganz normal. Ich erzähle ja auch nicht jedem Kumpel alles was mich bedrückt oder was ich denke. Aber ich würde schon sagen, dass Marcel und Escape genau die gleichen Personen sind. Das ist, was ich damit auch ausdrücken wollte. Dass ich nicht über irgendwas rappe, was jeder andere auch durchgemacht hat. Na klar gibt es Parallelen und so, aber ich bin keine Kunstfigur, sondern ich versuche so viel wie möglich ich selbst zu sein. Anders kann ich das auch gar nicht. Eigentlich ist jeder Song nur wie eine Seite in einem Tagebuch, wo ich dann in zwei Jahren sagen kann: „Okay, da ging es mir so, jetzt geht es mir so…”

Du meintest im Vorgespräch, dass DeLaurin genau wie du auch aus der Musik herauskommt. Worauf beziehst du dich da?
Also ich habe mit zwölf eine Gitarre bekommen, weil ich einen extremen Flash auf Nirvana hatte. Das war so meine erste Berührung mit Musik. Dann hatte ich eine Schülerband und habe da auch mal Bass gespielt und wenn die Bandprobe vorbei war, auch ein bisschen Schlagzeug. So habe ich extrem Gefallen daran gefunden, nicht nur an bestimmten Musikrichtungen, sondern allgemein am Musikmachen. Genau das merkt man bei DeLaurin auch. Der produziert fast nie mit Samples, das ist alles selbst eingespielt. Es sind alles irgendwelche Synthies oder irgendwelche echten Instrumente, die wir oder die er benutzt. Das ist alles echt.

Dann dazu noch die Klischee-Frage schlechthin, aber wann bist du zum Rap direkt gekommen? Wenn du meinst, deine musikalische Sozialisierung lief vor allem über Nirvana.

Ich hatte eine lange Nirvana Phase. Aber nicht nur Nirvana, auch System of a Down, Limp Bizkit, Korn oder Slipknot. Da dann immer auch noch die Konstante zu diesem Kopfnicken. Also das war Bandmusik, aber irgendwie auch mit Hip-Hop-Einflüssen. Irgendwann ist das dann total umgeschwenkt in Black Metal. Dann hatte ich so eine ganz schlimme Black Metal Phase mit langen Haaren und Springerstiefeln und wirklich abgedrehten Sachen. Da hat man geträumt von Kirchen abfackeln und so einem Scheiß. Irgendwann habe ich aber gemerkt, dass diese Szene voll mit intoleranten und auch mit rechten Menschen ist. Und dann hatte ich keinen Bock mehr auf diesen ganzen Scheiß und habe wieder den Weg zurückgefunden zu Limp Bizkit und von da zu Lootpack, Madlib, Outkast, Eminem, so – dieser ganze amerikanische Rap-Film. Lass mich da 18 gewesen sein. Und dann habe ich, glaub ich, mit 20, 21 mal selber einen Rap-Text geschrieben, weil es in Neubrandenburg, da wo ich gewohnt habe, zu der Zeit zwei Rapper gab, mit denen ich befreundet war. Der eine hieß Don Noah, der andere hieß Lennox und die haben geilen Scheiß gemacht, dafür dass niemand die kannte und man war so ein bisschen angetörnt davon, weil die sich selber aufgenommen haben, selber gemixt haben und so. Und für die war es aber immer eine Lachnummer, weil ich immer nur der war, der deren Texte mit gerappt hat und deren Mucke angemacht. Dann meinen sie irgendwann zu mir, ich solle doch mal selber was machen. Daraufhin habe ich in ein oder zwei Wochen meinen ersten Text geschrieben, bin zu Lennox nach Hause gegangen und habe da aufgenommen. Als ich aufgenommen hatte, war noch ein Part frei auf dem Beat und meinte so zu mir: „Jo, ich rappe da auch noch einen Part ein.” Das war dieses stille Zeichen dafür, dass ich nicht so schlecht abgeliefert hatte. Nach dem Motto: Er würde sich nicht dafür schämen, auf dem Song auch vertreten zu sein. Und dadurch hab ich erst richtig Bock bekommen. Es muss 2009 oder 2010 gewesen sein, da habe ich meine ersten drei Songs gemacht. Dann hatte ich aber eine ganz schlimme Drogenphase und dadurch wurde das alles sehr vernachlässigt. Wenn dann habe ich nebenbei nur voll auf Drogen Musik gemacht. Irgendwann nach einem Auftritt in Greifswald, 2014, das muss mein vierter oder fünfter gewesen sein, habe ich gemerkt , dass ich jetzt ernst machen möchte. Ich hatte keinen Bock mehr, mich von irgendwem aufhalten zu lassen oder irgendwem hinterherzurennen wegen irgendwas. Ich dachte mir, ich mach das jetzt alles selber. Ich will jetzt Rap machen.

Also diese Rock- und Metal-Einflüsse, finde ich, hört man irgendwie so gar nicht raus aus dem, was du jetzt selber musikalisch machst. Würdest du sagen, dass du aus diesen Wurzeln noch was mitnimmst in deine Musik heute?

Das einzige, was mit rübergeschwappt ist von diesen Wurzeln, sind halt ein paar Melodien auf der Gitarre, die wir damals in unserer Black Metal Zeit hatten und so einige andere Melodien auch, die wir, ohne dass es ein Song geworden ist, hatten. Die habe ich hier und da mit einfließen lassen. Auf DeLaurins letztem Release ist ein Song drauf, der heißt “Ich lass mich fallen”, da ist die Gitarre von mir und das ist tatsächlich ein Gitarrenstück, das ich selbst gemacht habe mit 14.

Dann bleiben wir mal in diesem Rückblicksmodus. Du meinst, seit 2014 hast du wirklich voll das Rap-Ding im Kopf. Was sind Achievements, auf die du bisher schon stolz zurückblickst oder mit denen du sehr zufrieden bist?
Mandala. Das war mein erstes Solo Release, da fand eine größere Veränderung statt. Vorher war alles sehr Boom-Bap geprägt. Irgendwie hatte es mich aber gepackt und ich wollte was neues machen, wusste nur nicht, mit wem. Und dann habe ich Audi Bamer gefragt. Er hat mir so 20 Beats geschickt, von denen ich alle scheiße fand. Dann hat er mir nochmal 20 Beats geschickt, von denen ich alle scheiße fand. Und dann habe ich gesagt, hier sind 20 Alben, hör dir die an und dann baue noch mal Beats. Und das hat einfach funktioniert. Dann hat er mir auf einmal Beats geschickt, die geil waren und dann hat er »Mandala« produziert. Sechs Songs, ein Feature und ich wollte mit ihm zusammen das Album auf Platte rausbringen. Nur konnten wir das nicht finanzieren. Aus Verzweiflung habe ich einfach fucking Spenden gesammelt auf Instagram und meinte so: „Jo, wenn 100 Leute mir 17 € geben, lass ich auf jeden Fall 300 Platten machen.” Und innerhalb von ein oder zwei Monaten hatte ich tatsächlich so 1800 € auf PayPal. Und da kamen immer mehr Spenden, wo Leute auch gesagt haben, sie wollen gar keine Platte haben, sondern mich einfach nur unterstützen. Das war so der erste Moment, als ich richtig gemerkt habe, dass da eine Fanbase ist, die mich wirklich supported. Ich kann für die was machen, die machen was für mich. Und dann kam die Platte raus und war ziemlich schnell ausverkauft. Heute kriegst du die auch nicht mehr, außer für 70 € auf Discogs. Da waren wir schon stolz. Das war so diese Wende.

Dann zum Abschluss vielleicht ein kleiner Blick in die Zukunft: Wir wissen, es kommt jetzt noch »Leben auf Plus«. Was ist sonst geplant?
Ich werde auf jeden Fall ein Album machen, welches man gut platzieren und pitchen kann. Einfach als kleinen Try-Out für mich. Zu sehen, was passiert, wenn ich thematisch und beattechnisch versuche, eine bestimmte Gruppe anzusprechen. Das ist eher so ein Experiment. Dann wie gesagt, »Leben auf Null«. wir haben schon angefangen daran zu arbeiten. So, es gibt schon drei vier Songs, die da rumliegen und dann werde ich noch ein Release machen, was punkig wird. So in dem Style, wie Slowthai auf manchen Songs. Also ein verzerrter Bass und dann Musik darüber, wie man halt saufen geht oder so was. Weil ich habe auch auf »Die or Die Tryin’« einen einen Song, der so ähnlich ist (»Im Griff«), wo ich auch selbst den Bass eingespielt habe und sowas würde ich gern mehr auf Konzerten spielen.

Der Song hat für mich beim Hören auf jeden Fall auch rausgestochen.
Und ich hab ihn jetzt auch ein paarmal live gespielt und der hat schon am meisten reingehauen. Da haben auch die Leute sich bewegt, die an der Garderobe standen. Die sonst eher zu Metal oder Punkveranstaltungen gehen oder gar nicht interessiert sind an Hip Hop.

Willst du das dann aber auch mit Live-Band aufziehen?
Ja genau! Also DeLaurin wäre der Drummer. Ich würde dann glaub ich nur den Rap machen, aber trotzdem vorher für die Melodien sorgen. Und dann schauen wir, dass wir noch ein Gitarristen, Pianisten und einen Bassisten finden. Das wäre schon so ein Traum von mir.

Viel Dank geht an das Burgeramt und Maxime Schubert.

Der Beitrag Escape über »Die or Die Tryin’«, persönliche Ansprüche und rappen mit Vollzeitjob erschien zuerst auf Mostdope.

Eminem kann auf eine jahrzehntelange Erfolgsgeschichte zurückblicken, die aus vielen Classics, preisgekrönten Alben und Hits besteht. Jahr für Jahr, Hit für Hit, ist er zum Künstler mit den meisten verkauften Singles (über 160 Millionen) sowie zum einzigen Rapper in der Geschichte, der drei Alben als US-Diamant-Rekorde (über 10 Millionen) zertifiziert hat.

Derzeit ist es um Eminem wieder etwas ruhiger geworden. Zuletzt erzählte er in einem Interview mit dem XXL Magazine über seine Karriere, seinen Kampf mit Substanzen und warum er ein Karriereende noch nicht in Aussicht steht.

I don’t have to make albums. I don’t have to do anything at this point. It’s about wanting to, and that’s never changed for me no matter what level the fame’s gotten to. I still love to rap.

Eminem im Interview mit dem XXL Magazine (Ausgabe vom 14. September 2022)

Seine Erfolge und Jahre der musikalischen Entwicklung, während er seine Eigenart beibehielt, waren ein Vorbild im Leben vieler Künstler*innen und junger Menschen. Zweifellos ein sehr wichtiger Einfluss in der Hip-Hop-Welt

Der Beitrag Ein halbes Jahrhundert: Eminem wird 50 erschien zuerst auf Mostdope.