Während das Vorgängeralbum »Dark Times« fokussiert und düster den Blick nach innen richtet, dreht Vince Staples dieses Mal die Kamera um und schafft eine Momentaufnahme, bei der schnell realisiert wird, dass die gezeigten Verhältnisse eigentlich schon eine lange Zeit existieren. Dies wird damit gut auf den Punkt gebracht, dass im Track »The Big Bad Wolf« ein Slick Rick Sample aus dem Jahre 1989 die Rolle der Polizei als ausführendes Organ der Gewalt an der Schwarzen Bevölkerung immernoch aktuell beschreibt: “Once upon a time not long ago Cops shot the kid, cops shot the kid”

»Cry Baby« ist übersät von historischen Referenzen, die ein System beschreiben, dessen heutiges Gesicht zwar Donald Trump sein mag, das allerdings auch vorher existiert hat und auch danach existieren wird, wenn es keine Änderungen daran gibt. Der Präsident ist zwar das Gesicht. Dahinter stehen trotzdem auch eine Bevölkerung, das Kapital, das den Struggle finanziell ausschlachtet und in seine Abhängigkeit bringt, die Medien (»TV Guide«) und eben die Polizei, deren Rolle auf mehreren Tracks beschrieben wird.

Auf »Go!Go!Gorilla« berichtet Vince Staples von seinen eigenen gewaltvollen Erfahrungen mit einer Polizei, die von vornherein aus einer entmentschlichend rassistischen Sichtweise auf die Situation zugeht und in der Folge die Art der Konfrontation von der Hautfarbe abhängig macht. In der zweiten Strophe wird dies mit der historischen Einordnung in die Durchsetzung von Segregation und Verhinderung von Eintritten in Gewerkschaften ergänzt – also der legalen und sanktionierten Durchsetzung eines in sich rassistischen Systems.

Einstürzen, neubauen

Ein weiteres Thema, das sich durch das Album zieht, ist Aufbau und Abriss. Sowohl auf der individuellen, Staples als Musiker betreffenden Ebene, als auch im großen, historischen Beispiel am Track »Tulsa, OK«. Dieser Track ist nicht auf der regulären Version von »Cry Baby«, sondern stand jetzt nur auf der Vinyl erhältlich – es gibt allerdings auch eine Live-Version des Albums zum Release, auf der dieser Track, der wahrscheinlich punkigste des Albums, empfehlenswert anzuhören ist. »Tulsa, OK« handelt vom Massaker im Jahr 1921 in der gleichnamigen Stadt, in dem die sogenannte Black Wall Street niedergebrannt und verwüstet wurde, nachdem diese sich trotz segregationistischer Gesetzgebung zu einer wohlhabenden Gegend der Schwarzen Bevölkerung durch Handel untereinander aufgebaut hatte. Weiterhin werden in dem Track mehrere Personen genannt (u.a. Fred Hampton), die als Mitglieder der Black Panther Party nach dem Organisieren gegen das System von diesem ermordet wurden. 

Ein zweiter Weg, im Umgang mit denjenigen, die es entgegen des Systems zu Erfolg schaffen, ist in »Cry Baby« die Kommodifizierung durch das Kapital. Einmal die Kommodifizierung der Musik und des Tanzes (wie im Song »Cotton«: “I wanna see you dance for me”), die während der Sklaverei zum Durchhalten und über die Jahre zur Resistenz verholfen haben. Zum Anderen, dass diejenigen, die politischen Erfolg im System hatten, trotzdem vom System vereinnahmt werden und dennoch oftmals auf ihre Hautfarbe reduziert werden (Barack Obama und Kamala Harris im Track »Blackberry Marmalade«).

Crackers watched me work and break my back and said they gave me this (You know it)
Crackers tapped my pockets with a tax and said they made me rich (Yeah)
Cracker jacked the sound and soul, then boxed me in and shelved my shit like Black men (Uh, uh)

The revolution will not be televised

Für Vince Staples ist die Lösung für diesen Kreislauf Resistenz und Revolution gegenüber des über Laufzeit präzise sezierten Konglomerats deren, die die White Supremacy propagieren. Wenn man seine Interviews und vergangenen Alben anhört, dann ist das auch kein zu überraschender Take. Die monotone Delivery und Redensart gibt ihm dabei zwar oftmals plausible deniability; je mehr allerdings in »Cry Baby« hineingehört wird, umso ernster und dringlicher wird es ihm darum, dass sich (zur Not auch mit Gewalt) etwas um die Umstände ändert, die in den zehn Tracks dargestellt werden.

Musikalisch unterstützt Staples seine Texte dieses Mal mit organischen Instrumenten statt 808s. Angefangen mit dem fuzzy Bass in »Blackberry Marmalade« werden verschiedene Rock-Subgenres in den Instrumentals ausgepackt, über die Vince Staples wieder beweist, dass er als lyrisches Chamäleon über jegliche Genres rappen kann. Fast jeder Track hat eine auffallende Bassline im Zentrum und die Sounds gehen von punkig (»Blackberry Marmalade«) über elektronisch (»TV Guide«) bis funkig-tanzbar im Track »Cotton«, um den Punkt des Songs zu unterstreichen.

Dennoch ist die Auswahl der Instrumentals auch ein Spiel mit den Erwartungen. Für die plakative Leadsingle »Blackberry Marmalade« ist der Rest des Albums in der Erwartung eines vollständigen Punk-Albums etwas zahm, insbesondere im Vergleich zur Schwere der Inhalte. 

Das doppelt sich gleichzeitig auch inhaltlich, wo vom Albumcover auf 35 Minuten ausführliche Kritik in Richtung der jetztzeitigen Regierung der Vereinigten Staaten geschlossen werden könnte. In dieser Hinsicht is »Cry Baby« ein trojanisches Pferd, in dem in rockigen, leicht abgeschliffenen Beats mit monotoner Vince Staples-Delivery nicht nur die jetzige Administration abgestraft wird, sondern mit historischer Ausgestaltung der jetzigen Momentaufnahme der Wunsch nach Revolution mitverpackt wird. Und für die Punk-Fans gibt es weiterhin die Live Version von »Tulsa, OK«.

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Dabei setzt Kendrick weder auf große Featurenamen (mit Ausnahme von SZA und Roddy Ricch, der aber schon leicht in Vergessenheit geraten ist) oder durchdachte Konzepte, sondern auf eine Leichtigkeit und Diversität von Tracks, die teilweise in ihrer Anordnung einem Mixtape gleichkommen. »GNX«, nach dem Buick Grand National Express benannt, ist dabei eher verwaltend als revolutionär. Kein Wunder also, dass auf der Producerliste kein anderer als Jack Antonoff steht, der Verwalter unter den Produzenten. 

Ohne Konzept direkt ans Ziel

Das Album beinhaltet u.a. ideelle Fortsetzungen von anderen Tracks (»tv off« als Fortsetzung von »Not Like Us«), eine tatsächliche Fortsetzung (»heart pt. 6«), eine gelungene 2Pac -Hommage (»reincarnated«) sowie zwei SZA-Features durch das Duett »luther« und den Closing Track »gloria«.

Konzeptionell hat das Album vielleicht nicht den gleichen genreprägenden Impact wie ein »good kid m.A.A.d city« oder »to Pimp A Butterfly«, denn es sind dieses Mal weniger der Sound oder die Texte, die das Album prägen, sondern der Moment. Kendrick kapitalisiert seine Glanzleistung im Beef des Jahrzehnts und tanzt in der Folge auf der Bühne. Für sich und für eine vereinigte West Coast. 

„Who put the West back in front of shit?“

Repräsentativ für die Westküste ist auch direkt der zweite Track, »squabble up«, der sinnbildlich in seinem Bounce und Grit für eine LA-Block Party steht. Auch DJ Mustard, der mit zahlreichen Produktionen für YG und Tyga so wichtig für den Sound der 2010er war und gerade seinen zweiten Frühling erlebt, wird auf »tv off« entsprechend gewürdigt.

Doch neben Party und Ehrenrunde beinhaltet »GNX« auch tiefgründigere Tracks, die sich in der Flughöhe zwischen der vollen Introspektion und Blanklegung von »Mr. Morale« und dem gesamtgesellschaftlichen Bild von »To Pimp a Butterfly« einreiht. Besonders »man at the garden« und der Closer »gloria« zeigen eine Reflektion von Kendrick Lamar als Rapper und Mensch, der so weit in den Hip-Hop Kosmos eingedrungen ist, dass selbst seine Beziehung zum Schreiben von Songs als schwankende Liebesbeziehung personifiziert wird.

My woman and my right hand, my saint and my sin
Ain’t no bitch like my bitch ’cause that bitch been my pen

»gloria«

»GNX« mag sich insbesondere durch die komplett unangekündigte Veröffentlichung und vergleichsweise konzeptlose Art anfühlen wie aus dem Ärmel geschüttelt. Aber aus Kendricks Ärmel geschüttelt ist oftmals besser als komplett durchgeplante Werke anderer Rapper. Diese Planungslosigkeit verleiht »GNX« auch Vorteile, als ein seltenes Kendrick Album auch mal im Hintergrund – ohne konstante Interpretation und genius.com im Nebentab – laufen zu können. Dahingehend bietet »GNX« eine verspielte Leichtigkeit, wobei die Tracks dennoch genügend Tiefe innehaben, um nicht komplett an der Oberfläche stecken zu bleiben.

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Doch während der mysteriöse RnB/Indie Pop Crossover Artist weiterhin auf sich warten lässt, bleibt nur die Möglichkeit, das alte Material zu hören oder sich mit der Musik von ähnlichen Künstler*innen auseinanderzusetzen, die unter anderem in diesem Artikel aufgelistet werden. Es ist klar, dass ein Frank Ocean in allen Facetten nicht durch einen einzigen Künstler oder Künstlerin abgebildet werden kann, insofern werden diese Moneyball-esque in einzelne Elemente aufgeteilt, die Ähnlichkeiten zum Werk von Ocean vorweisen.

Jai Paul

Wenn man Frank Ocean mit einem weiteren Künstler ersetzen möchte, der selten bis gar nicht Musik herausbringt, so landet man schnell bei Jai Paul. Paul teilt sich nicht nur diese Eigenschaft oder einen Spot beim Coachella 2023 (mit besserem Ausgang) mit Frank, sondern auch experimentelle Produktionen und zum Teil ähnliche Stimmeinsätze.

Die Musik des mysteriösen UK-Künstlers ist dabei fast nur auf Demos und Leaks beschränkt, die mittlerweile allerdings auch den Weg zu Spotify gefunden haben und in einem kurz-vor-dysfunktionalen Mix aus RnB und groovy Tanzmusik eine klare eigene Handschrift tragen. Aktuell betreibt Jai mit seinem Bruder AK Paul das Projekt und Label Paul Institute, über das unter anderem Fabiana Palladino dieses Jahr ein Album veröffentlicht hat.

FKA twigs

Wenn es um experimentelle Artists in der Twilightzone verschiedener Genres mit Wirkung in den 2010ern geht, darf FKA twigs nicht fehlen. twigs ist das zerbrochene, glitchy Gegenstück zu Frank’s cleanem und elegantem Sound. Mitsamt ihrer zwei Alben »LP1« und »MAGDALENE«, von einigen unter den Alben des Jahres 2019 gehandelt, ist sie mindestens zum Kritikerliebling geworden. Spätestens die gefüllte Featureliste des 2022 veröffentlichten Mixtape »CAPRISONGS« um The Weeknd und Shygirl hat FKA twigs einen Platz im Mainstream beschert.

An Frank Ocean erinnert neben einer fünfjährigen Pause zwischen »LP1« und »MAGDALENE« auch die persönliche thematische Auseinandersetzung in den Texten (wenn auch auf anderer Ebene) und das Gefühl, in jedem Track nur 5 Schritte von Hip-Hop entfernt zu sein, während sich die Musik irgendwo um RnB, Soul, Pop, Dance und Indie dreht, ohne zu sehr festgelegt zu sein – nichtmal innerhalb derselben Songs. 

So geht es auch weiter mit dem gerade für Januar 2025 angekündigten Album »EUSEXUA«, bei dem die gleichnamige erste Single direkt den Hang zum Experimentieren auf tanzbarer Basis und über das Konstrukt Genre hinweg weiterhin festigt.

katlix

Verträumter Indie-Rap mit verrauchter Stimme auf abwechslungsreichen Beats, die von DnB bis hin zu klassischen Pop Gitarren reichen. So klingt die Musik von Lukas Wegertseder, besser bekannt als katlix. Nach seinem Einstieg in die Szene 2019 mit konventionellen Rap-Releases probierte sich der junge Künstler aus und erzielte Ende 2022 und Anfang 2023 mit seinen Singles »115 Tage« und »Missed Calls« erste Erfolge. Im Anschluss folgte Ende letzten Jahres die »U3« EP, ein durchdachtes Projekt, das die Stationen der Hamburger U-Bahn Linie U3 als Analogie für die verschiedenen Phasen einer Liebesbeziehung verwendet: ein Kreislauf, der sich genau wie der ringförmige Fahrplan der U3, stets aufs neue wiederholt.

katlix‘ Musik erinnert in vielerlei Hinsicht an frühe Frank Ocean Tracks. Sie ist geprägt von einer juvenilen Leichtigkeit, die kontrastierend melancholische Themen wie Herzschmerz und Fragen der Selbstfindung in einer überstimulierenden Welt besingt, ähnlich wie es Ocean 2012 auf »channel ORANGE« tat. Hinzu kommt die musikalische Vielseitigkeit auf diesem Projekt: Von klassischen Akustikballaden wie »Bad Religion« zu Elektro-House Synths auf »Pyramids« lässt er sich, genau wie katlix nicht von Genregrenzen beschränken. Insbesondere die Pop-Einflüsse auf katlix’ Song »nie wieder (mundsburg)« wecken Erinnerungen an an frühe Veröffentlichungen von Frank Ocean wie »Swim Good« oder »Novacane« aus 2011.

LAYLA

Beim Stichwort Vielseitigkeit darf man LAYLA nicht vergessen, deren Name gleich unter “facettenreich” im Duden steht. Während Frank Ocean sich irgendwo zwischen experimentellem R’n’B, Neo-Soul und Pop bewegt und auf Songs wie »DHL« oder seinem Feature-Part auf A$AP Rocky’s »Purity« sogar in ruhiger Manier rappt, geht die selbstbewusste Münsteranerin das Ganze ein wenig ungenierter an. 

Angefangen mit dem Trap-Brett »Choppa« und einer zugehörigen Youtube-Session beim Untergrund-Kanal ABOVEGROUND erlangte sie 2020 schnell einen festen Platz in der Szene und wechselte von dort an spielerisch zwischen entschleunigten Bedroom R’n’B (»24/7«), reduziertem UK Garage (»Waterloo«), Four-to-the-floor Rap mit Attitüde (»Fruchtsaft«) und wieder zurück zum kompromisslosen Trap (»Dichter«). Mit aktuellen Releases wie »Lügenbold« legt sie eine soulige Wärme an den Tag, die man in Deutschland selten sieht. Hierbei kommt auch die Inspiration internationaler Idole wie Erykah Badu, Lauryn Hill und Sade zum Vorschein.

Eine weitere Gemeinsamkeit zu Frank Ocean ist außerdem ihre enge Verflechtung mit der (deutschen) Hip-Hop Szene, die sie, wie Frank mit Tyler the Creator und JAY-Z, in gefeierten Features mit KALIM oder Souly unter Beweis stellt. 

Berq

Das Übereinanderlegen von Stimmen ist seit der Erfindung von Chören und spätestens Brian Wilson und den Beach Boys keine Neuheit mehr. Dennoch ist es immer wieder ein sehr zufriedenstellendes Gefühl, eine schön harmonisierte Passage aus mehreren Voicelines zu hören, so etwa zum Ende von »White Ferrari« oder aber auch in »Rote Flaggen« von Berq. Berq, 20 Jahre alt, ist mittlerweile längst kein Geheimtipp mehr für alle, die minimal unter der Oberfläche des deutschen Indie Ozeans stöbern. 

Auf »Rote Flaggen«, einem Track der mittlerweile über 29 Millionen Spotify Streams vorweisen kann, ist das abwechselnde Aufsplitten und Zusammenführung der eigenen Stimme das Markenzeichen und reizt so das »White Ferrari« Moment auf ein maximalistisches Level der Harmonisierung mit ihm selbst. Positiverweise ist auch zu erwähnen, dass Berq gerade erst vor zwei Jahren mit seinen Releases angefangen hat und insofern noch deutlich mehr Output in der Zukunft erwartbar ist und das ohne Spekulation wie bei Frank Ocean.

James Blake 

Jedem, der sich in den letzten 10-15 Jahren intensiver mit Hip-Hop auseinandergesetzt hat, sollte der Name James Blake ein Begriff sein. Die Beschreibung “your favourite artist’s favourite artist” trifft genau wie bei Frank Ocean auch auf ihn zu. Diesen Status hat er sich im Laufe der Jahre zum Einen durch diverse eigene maßgebende Projekte in Genres wie Post-Dubstep, RnB und Gospel verdient und zum Anderen aber auch durch die Zusammenarbeit mit einigen der größten Artists weltweit. Für Acts wie Travis Scott, Dave, Rosalía und Kendrick Lamar hat er nicht nur Featureparts, sondern auch Produktionen geliefert. 

Insbesondere mit Frank Ocean hat Blake in der Vergangenheit mehrfach kollaboriert. Auf Oceans epochalen Werk »Blonde« hat der Londoner Credits auf den Songs »Solo«, »Skyline To« und »Godspeed«. Von letzterem veröffentlichte er 2020 sogar eine atmosphärische Coverversion, die bloß aus einem Akustik-Piano und seinen einzigartigen Vocals besteht. 

Dieser kreative Austausch hat auch schon andersrum stattgefunden: Ocean hat ebenfalls Credits auf James Blakes 2016er Album »The Colour In Anything«. Vor allem auf dem Song »My Willing Heart« wird der Einfluss von »Blonde« ersichtlich.

Alex G

Was hat Frank Ocean mit Singer-Songwiter-Musik gemeinsam? Sehr viel. Alex G landet alleine schon wegen des Mitwirkens auf »Blonde« auf dieser Liste, wo er auf mehreren Songs die Gitarre spielte. Alex G, dessen letztes Projekt der Soundtrack für den Film »I Saw The TV Glow« war, ist ein Virtuose an der akustischen Gitarre. Quasi die Endstufe aller am Lagerfeuer »Wonderwall« Spielenden. 

Vor allem erzeugt Alex G sowohl auf eigenen Songs (»Sarah« & »Mary«) durch die alleinige Gitarre und Stimme eine ganz besondere Intimität, die sich auch z.B. auf »Self Control« wiederfindet, wo er ebenfalls die Gitarre eingespielt hat. Alex G hat vielleicht nicht die Stimme eines Frank Ocean, dennoch kann er auf eigenen Tracks ähnliche Gefühlslagen erzeugen.

Blood Orange

Außerhalb von Brent Faiyaz, Sonder und The Weeknd ist Blood Orange vielleicht im Sound am nächsten an Frank Ocean gelegen. Sowohl die Stimme, als auch das instrumentelle Crossover zwischen R&B, Indie und Neo-Soul sind schnell wiedererkennbar. Darüber hinaus schafft er Parallelen zu Ocean auch durch inhaltlichen Bezug auf Queerness, Identität und Geschlechterrollen, die sich durch die nichtlinearen Songstrukturen winden, während die Gefühle der Songs irgendwo zwischen experimenteller Machart und einem angenehmen Schwebegefühl angesiedelt sind.

Blood Orange ist auch nicht nur eindimensional unterwegs. Der multitalentierte Brite, welcher mittlerweile in New York lebt, brachte bereits unter seinem richtigen Namen Dev Hynes und den Pseudonymen Lightspeed Champion und Blood Orange Musik heraus, die nicht nur Tracks und Alben auf klassische Art umfasst, sondern auch Filmmusik und Musik für den Broadway. 

Schlussendlich ist es nicht einfach, Frank Ocean zu ersetzen und auch jede Fragmentation seiner Art, Stimme und Musik kann nicht 1-zu-1 abgedeckt werden. Aber das muss es ja auch nicht. Jede*r der hier genannten Künstler*innen bietet für sich etwas ganz besonderes und ist auch ohne den Vergleich wert, Aufmerksamkeit für die eigene Musik zu bekommen. Gleichzeitig ist durch die fehlende Ersetzbarkeit auch immer ein Hoffnungsschimmer zu spüren, dass Frank Ocean vielleicht doch irgendwann wieder über kryptische Instagram Stories hinaus Musik in die Öffentlichkeit gibt. 

Wir können gespannt sein!

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In der Umkehr ist es allerdings auch schwieriger, sich allein an Elementen festzuhalten, die außerhalb des Inhalts liegen. Im Fall vom Vorgänger »Ramona Park Broke My Heart« ist das beispielsweise der sommerliche Unterton, beim Self-Titled Album »Vince Staples« der Bounce von Kenny Beats oder bei »Big Fish Theory« die komplett experimentelle Soundlandschaft. Das kann sich »Dark Times« trotz ein paar Bangern (namentlich »Black&Blue«, »Étouffée«, »“Radio“« und »Little Homies«) nicht leisten. Insofern ist das Projekt gleichzeitig ohne Interesse am Inhalt weniger zugänglich als andere, andererseits legt genau deswegen die Produktion den dunkelroten Teppich für den Text und die ehrliche, teilweise fast zitternde Delivery aus.

Ein thematischer Alleingang

Umso vorteilhafter ist es, dass der Inhalt des Albums die wahrscheinlich gereifteste textliche Vorstellung in der Karriere von Vince Staples ist. Dabei sind zentrale Themen der Umgang mit der Gangvergangenheit und den Erwartungen, die daraus folgen –
für Vince Staples als Artist und für Vince Staples als Privatperson. Das ist zum Beispiel im Track »Children’s Song« zu erkennen, wo Staples seinen früheren Mitstreitern rät, ihn nicht auf sein „crippin‘“ anzusprechen und sich lieber um ihre Kinder zu kümmern, während auf »Étouffée« die Erwartungen von Label und Fans dargestellt werden, die ihm nahelegen, lieber wieder Musik wie der frühere Vince Staples zu machen.

Label tryna give me feedback, told me “Bring the streets back” / Fans said they want 2015 Vince

»Étouffée«

Und genau dieser Push & Pull funktioniert auch mit vielen weiteren Themen: der Lüge, Beziehungen, Geld, emotionaler Offenheit, verstorbenen Mitstreitern und dem Verlassen der gegebenen Verhältnisse. Das sind alles keine Themen, die das inhaltliche Rad des Raps neu erfinden. Größtenteils sind es sogar dieselben Inhalte seiner vergangenen Alben und dennoch ist die Ausarbeitung und persönliche Reflektion so stark, dass dieses Projekt wie eine Art Beipackzettel genutzt werden kann, um vorige Observationen mit seinen Gedanken zu ergänzen.

Licht am Ende des Tunnels?

Obwohl insbesondere der Anfang aus dem Intro »Close Your Eyes« und den vier nachfolgenden Tracks ein fast hoffnungsloses Setting darlegt, lockert sich die Stimmung über die Zeit hinweg punktweise auf, bis am Ende auf »Little Homies» und »Freeman« eine Akzeptanz für die Situation geschaffen wird: „Life hard but I go harder“ (»Little Homies«).

Und insofern hat die LP neben ihrer inhärenten Dunkelheit auch etwas Befreiendes in Form von Hoffnung auf bessere Zeiten. Diese Befreiung ist für Vince Staples personalisiert auf »Freeman« durch die Erfüllung des Plattenvertrags dargestellt, der ihn unter Druck der Performance und inhaltlicher Vorgaben gestellt hat. Gleichermaßen ist die Platte auch ein persönlicher Abschluss mit der Vergangenheit und den auf seiner Diskografie immer wiederkehrenden Themen.

Passenderweise wird das Album, das an sich auf Selbstreflektion aufgebaut ist, noch einmal im Outro »Why Won’t the Sun Come Out?« in Form eines Monologs von Santigold extern reflektiert, obwohl der Monolog über einen Aufatmungsmoment hinweg inhaltlich nicht viel zu dem hinzufügt, was auf dem Album schon thematisiert wurde, was auch für das Interlude »Liars« zur Halbzeit gilt.

Fazit

»Dark Times« ist ein unglaublich konsistentes und (trackweise) stimmiges Projekt, das allen externen Zusatz fallen lässt und auf 35 Minuten straight-to-the-point einen ausgefleischten Strang durchzieht – von der Depression bis zur Akzeptanz. Während die Produktion oftmals nicht flashy ist, ist sie keinesfalls generisch und gibt einem sonst oft emotionslosen Künstler die volle Möglichkeit, sich so emotional zu entfalten, dass man es nicht nur innerhalb des Albums spürt, sondern dieselben Ideen auf Inhalte der Vorgänger übertragen kann.

Das Projekt ist sicherlich nicht für alle Situationen geeignet (fürs Aux-Kabel z.B.), dennoch sind einzelne Tracks auch gut isoliert zu hören und verlieren außerhalb des Handlungsstrangs des Albums nicht ihre Wirksamkeit. Vince Staples verlässt Def Jam somit inhaltlich on-top-of-his-Game mitsamt Closure und es ist mit Spannung abzusehen, welche Wege er nun einschlagen wird – als Rapper, als Schauspieler/Regisseur und als Künstler im Allgemeinen.

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Mit dem Namen »Dark Times«, der Begleitsingle »Shame on the Devil« und dem Text der Ankündigung inklusive Tracklist ist in aller Wahrscheinlichkeit ein düsteres und introspektives Projekt zu erwarten. So heißt es auch in dem Announcement:

I was unsure of what to expect from the world of music but deeply aware of what I needed: a change in my surroundings and a clear understanding of self. Ten years and seven projects later, I’ve found that clarity. Now, I share with you my final Def Jam release, Dark Times.

via Instagram (@vincestaples)

Staples, der sonst eher ein Beobachter seiner Umgebung ist, richtet so die Kamera näher auf sich und geht ganz nah heran. Es ist nicht zwingend etwas Neues, dass Vince Staples auch von sich erzählt, etwa auf dem self-titled  Album. Dennoch ist die Diskrepanz vom Bouncy Sound auf »Vince Staples« und der melancholischeren, an Mac Millers »Swimming« erinnernden Leadsingle des kommenden Albums, deutlich in Ton und Stimmung zu spüren.

Nun ist die Frage, inwiefern das letzte Album bei Def Jam nur das Ende der Vince-Staples-bei-Def-Jam-Ära oder aber das vollständige Ende des rappenden Vince Staples bedeutet. Eines ist sicher: es ist ein Abschluss, doch mit einer kürzlich erschienenen Netflix-Serie und zahlreichen Online-Auftritten wird es nicht das Ende von Vince Staples als Künstler sein.

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Drake – 6 Man

Drake ist der Allrounder unter den Sportreferenzierern. Es gibt kaum ein Team, das er sportübergreifend noch nicht angefeuert hat – bis zum Punkt, dass das Meme „blud thinks he’s on the team“ von ihm handelt. Für seine heimischen Toronto Raptors sponsert er das Trainingscenter und textlich kommt Basketball auch nicht zu kurz in seinen Lyrics. So zieht Drizzy auf dem Track »6 Man« mit der Line „6 Man like Lou Will“ passend eine Verbindung zwischen seinem Status in Toronto („the Six“) und dem langjährig besten Bankspieler der NBA („Sixth Man of the Year“), Lou Williams.

Money Boy – Schalke

Money Boy ist als ehemaliger österreichischer Zweitligaspieler im Basketball dem Sport ebenfalls nicht fern. In der Folge sind neben einem Interview mit Kyrie Irving zu den NBA London Games 2018 auch viele Sportreferenzen in seinen Texten zu finden, darunter die titelgebende Block-Legende Dikembe »Mutombo« und der FC Schalke 04. Money Boy ist auf dem Track am Ballen so wie Schalke 04 und lässt sich seit der Promophase immer mal wieder im Schalker Dress ablichten oder gibt Tipps für die nächsten Partien ab. Scheinbar hat er auch außerhalb des Songs seinen Draht zum Traditionsverein gefunden. 

OG Keemo – 3 Ringe (Outro)

Weiter in der NBA geht es auch für OG Keemo, der in jeweils den Outrotracks von den Projekten »Geist«, »Mann Beißt Hund« und »Fieber« seine Karriere mit den drei aufeinanderfolgenden NBA Championships („Three Peat“ genannt) zwischen 2000-2002 von Kobe Bryant gleichstellt. So heißt es auf »Outro« (Geist) – „Ich fühl mich wie Kobe nach seinem ersten Ring“, auf »Ende« (MBH) – „ich bin so wie Kobe nach sei’m zweiten Ring“ und schlussendlich auf »3 Ringe (Outro)« (Fieber)  – „Das Tape ist so wie Kobes dritter Ring und das hier ist ein Three-Peat“. So wird projektübergreifend ein Vergleich hergestellt, der zum Ende vom Mixtape »Fieber« seine Krönung findet. Darüber hinaus schmücken auch regelmäßig weitere Sportvergleiche die Lines von OG Keemo („der Süden liebt mich wie Serge Gnabry“) und außerdem hat Kobe auch noch zwei weitere Ringe nach dem Three Peat gewinnen können, falls weitere Projekte folgen.

Dave & AJ Tracey – Thiago Silva

Fußballvergleiche sind auch das Brot und Butter der britischen Rapszene. Genreübergreifend in UK-Drill, Grime und South London Hip-Hop sind zahlreiche Anspielungen zu finden – bis zum Punkt, dass „on the wing like […]“-Lines ihren Weg in die Most-Overused-Bars in Drill gefunden haben. Beispielhaft für englische Sportreferenzierer sind ein damalig 17-jähriger Dave und AJ Tracey, die auf 144 BPM ein Feuerwerk aus Fußballervergleichen zaubern. Darunter Thiago Silva („Thiago Silva, man block, then skeet“), Sergio Aguero („Kun Agüero, man dropped the shoulder faint once“) und Kaká („leave you in states like Kaká“). Größere Bekanntheit konnte der Song durch die Glastonbury Version mit dem 15-jährigen Alex finden, der fehlerfrei auf der Hauptbühne den vollständigen AJ Tracey (und Dave) Part übernehmen konnte.

Meek Mill – Dreams and Nightmares (Intro)

Philly Sports sind ihre eigene Welt im US-Sportkosmos. Die Eagles, 76ers, Flyers und eine Obsession mit Rocky Balboa bieten Nährboden für allerlei ikonische bis merkwürdige Momente vom Philly Special bis Laternenkletterei. Wenn es eine Person gibt, die Philly Sports repräsentiert, dann kommt Meek Mill direkt nach den offensichtlichen Joel Embiid, Jalen Hurts und Rocky. So war »Dreams and Nightmares« der Titelsong für die 2017er Philadelphia Eagles, die in der Saison den Superbowl gegen Tom Brady gewinnen konnten, während Meek Mill selber im Gefängnis war. Über den Track heraus findet sich Sport auch in vielen anderen seiner Tracks wieder, darunter »SHAQ & KOBE« mit Rick Ross.

Pimf – Heatcheck

Wer in seinen Tracks Walter Frosch referenziert, hat automatisch einen Spot in dieser Liste verdient. Doch auch über den Namedrop eines der ikonischsten Sport-Interviews aller Zeiten hinweg, finden sich gewandte Sportvergleiche auch in anderen Tracks von Pimfs Diskografie wieder:​ Beispielsweise »Heatcheck«, wo sich Fußball und Basketball zwischen dem 2008er Vfl Wolfsburg Sturm-Duo („Diggi wir sind Džeko und Grafite“) und NBA Format Shaqtin‘-a-fool die Hand geben („Das hier is’ ein Heatcheck, Deutschrap is’ Shaqtin’ a Fool“).

Action Bronson – Latin Grammys

In der Welt der Rap-Sportreferenzen ist Action Bronson der undisputed Champion. Kaum ein erfundenes College-Footballgame wurde nicht von ihm manipuliert: „I fixed the game between Georgia Southern and Grambling“ (»1Train«) oder eben doch zwischen „Kentucky and Miami of Ohio“ (»Red Dot Music«). Außerdem wurde schon so ziemlich jeder obskure Athlet genamedroppt. Dabei kommt ihm klar der wirre Aufbau seiner Lines zu Gute, die oftmals länger sind, als der Beat eigentlich zulassen sollte und untereinander kaum Zusammenhang finden. Doch auch so ist Action Bronson der Meister der Namedrops, schon alleine durch die pure Anzahl unterschiedlich bedienter Sportarten. Um Rodger Sherman von SB Nation zu zitieren: „He’ll string four references to four Chicago athletes in three different sports in two bars“. Ein weiteres Beispiel dafür: »Latin Grammys«, in dessen Video Bronson direkt mal in die Rolle eines Strongman schlüpft.

Honorable Mentions:

Schlussendlich gibt es noch eine Menge weiterer Sportanspielungen und anspielender Artists aus dem Hip-Hop, die jedoch nicht alle in diese Liste passen. Dementsprechend folgen hier die honorable Mentions, die dennoch aufgrund ihrer Leistungen erwähnenswert sind:

Allen voran Haiyti, die mit der Line: „Halte deine Bälle, so wie Heinevette“ auf dem Track »Freitag« die wahrscheinlich erste Anspielung auf einen Handballtorwart gedroppt hat. Ähnlich nischig ist auch Harry Quintana unterwegs, der auf »Nostalgie Inc.«, im komplett nostalgischen Aufzählungsmodus unter anderen den Tennisspieler Goran Ivanisevic und Skater Chad Muska in namentliche Erwähnung bringt. Auch außerhalb der deutsch- und englischsprachigen rapverbundenen Landschaft werden regelmäßig Sportarten in die Texte gebracht, weswegen die letzte honorable Mention an Bad Bunny geht, der nicht nur selbst in der WWE als Wrestler aktiv war, sondern auch eine Vielzahl an Anspielungen zu Sportlern und Sportarten nutzt, die besonders im spanischsprachigen Raum von Bekanntheit sind: „Maradona y Messi en el futbol, Pero soy la nueva estrella, los contrato’ a los Sugar y Lindor“ (»ACHO PR«): „Maradona und Messi sind’s im Fußball. Aber ich bin der neue Stern, die Verträge wie Sugar und Lindor (Baseballspieler).“ 

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Vereinend über die verschiedenen Sounds und Artists hinweg, ist der Drive, zusammen aus Dortmund heraus Welle zu machen – egal, ob auf der kleinen Bühne oder auf Festivalstages. Das Vertrauen, dass alle einen starken Part liefern können sowie die perfekt zu den Stärken abgestimmte Soundwelt von Producerteam Clockwork, macht Patina Records als Kollektiv stark und oft auch ein bisschen unberechenbar.

Vielseitig, hungrig, vereint

Yako OK könnte schon einigen ein Begriff sein, doch auch Calli, Isi I, Kareem (»High Off Love«), Katanna (»Capri Sonne Gin«) und Tarri.Ferrari (»Toxischer«) bringen ihren eigenen Stil ein und heben sich gegenseitig auf ein höheres Level.

“Boah, nicht schon wieder Clockwork”, kündigt als Producertag üblicherweise eine vielschichtige Produktion an. Das Duo Clockwork vereint Genres, Jahrzehnte und Einflüsse, um damit das Herzstück des Patina Sounds zu liefern.

Anspieltipp: »Ready to Die« & »Halt mich fest«

Einen Song repräsentativ für den Sound von Patina Records zu wählen, funktioniert nicht: »Ready to die« (Straßenrap über Ursprünge und Träume) und »Halt mich fest« (Introspektiver Track mit Ohrwurmhook und Techno-Outro) zeigen die gesamte Breite und machen Vorfreude auf die Zukunft der Gruppe.

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Ein gezeichnetes Leben

Tyron Frampton aka Slow Ty und später slowthai wird 1994 in Northampton geboren. Er erfährt beim Aufwachsen immer wieder herbe Rückschläge und gerät in eine Perspektivlosigkeit, die ihn thematisch auf allen seinen Alben begleitet. In seinem Debütalbum »Nothing Great About Britain« (2019) manifestiert sich diese Perspektivlosigkeit vor allem durch einen Blick nach außen. Der bevorstehende Brexit, ein zerfallendes Gesundheitssystem, Drogenprobleme und umliegende Armut geben ein Bild von seinem Umfeld, das nicht immer angenehm zu hören ist. Verzerrte Synths und irreguläre Drumbeats schaffen ein unruhiges und teilweise unangenehm rohes Soundbild, das in Symbiose mit einer erratischen Delivery steht.

Zwei Jahre später erscheint 2021 »TYRON«; ein thematischer Übergang zwischen Blick nach außen und Introspektive, der vor allem zugänglicher im Sound als der Vorgänger ist. Auf einer Hälfte Trap-Banger und einer Hälfte gefühlvoller Songs versammeln sich hochkarätige Features wie u.a. A$AP Rocky, Dominic Fike und James Blake.

(Hier geht’s zur Album Review von »TYRON«)

Keiner hätte es slowthai übel genommen, an diesem Erfolgsrezept weiter aufzubauen und das Folgealbum ähnlich zu gestalten. Jedoch zeigt »UGLY« (2023), dass er auch dahingehend nicht gebunden ist. Die Kollaborierenden heißen auf diesem Projekt nicht A$AP Rocky oder Skepta, sondern Fontaines D.C., Beabadoobee und Jockstrap. Inmitten einer Renaissance von Prog-Rock und Post-Punk auf den britischen Inseln werden Synths durch verzerrte Gitarren ersetzt und die Trap-Drums weichen für punkiges Schlagzeug. »UGLY« ist dabei das Ziel einer Reise von der Außen- in die Innenwelt, bei der die Texte ähnlich roh wie auf »Nothing Great About Britain« sind, nur eben selbstbezogen in die Abgründe seiner Psyche.

Es ist schwierig zu sagen, was für den mittlerweile 28-Jährigen als nächstes kommt, aber eins ist sicher: es wird authentisch, selbst wenn es unangenehm ist.

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Innerhalb dieser 5 Jahre seit der »SATURATION«-Trilogie ist die ursprüngliche Leichtigkeit auf dem Weg verloren gegangen. Probleme untereinander, herausgeworfene Rapper und vieles mehr trugen zu einem langsamen Zerfall des Kollektivs bei, der nun besonders auf ersterem der beiden erschienenen Alben, »The Family«, beschrieben wird.

Auch wenn es unter dem Brockhampton Namen erschienen ist, enthält »The Family« ausschließlich Tracks mit Vocals des kreativen Kopfes der Gruppe, Kevin Abstract. Über 35 Minuten Produktion von Bearface und Boylife werden ebenjene Situationen reflektiert, die aus Kevins Sicht zum Zerfall der Gruppe beigetragen haben. Das übliche Produktionsteam um Romil Hemnani, Kiko Merley und Jabari Manwa hat auf den Instrumentals keinen Einfluss und somit gibt es dort kaum harte, Brockhampton-typische Synths als Grundlage der Beats. Viel mehr wird das Album auf frühe Kanye West-esque high-pitched Soul-Samples aufgebaut. Kevin ist klar zu verstehen und seine Stimme kaum verzerrt. Auch sein Flow erinnert an den »College Dropout«/»Late Registration«-Kanye, dennoch wird dieser Vergleich auch schnell durch Lines wie: „[…] after sucking good d*ck on a Sunday morning“ unterbunden, denn Kevin thematisiert auch weiterhin offen auf diesem Album seine Homosexualität.

Inhaltlich wird allerdings größtenteils reflektiert – dieses Mal weniger individuell und mehr die Beziehungen untereinander. Einfluss von Geld und Plattenverträgen auf die Freundschaft, Kommerzialisierung von privatem Leid, der Umgang mit dem Rausschmiss von Mitglied Ameer Vann und weitere Konflikte werden gegenüber von Reminiszenz der vergangenen und leichteren Zeiten in Kontrast gesetzt. Die Reflektion reicht dabei von einsichtig und entschuldigend bis frustriert und unverständnisvoll. Allgemein ist dieses Album durch die einseitige Natur der Erzählung (durch nur einen Teil der Gruppe von 13) dadurch auch in ihrer Aussagefähigkeit über die Vorgänge in der Gruppe leicht eingeschränkt.

Die stärksten Bereiche des Albums sind die sorgfältig ausgesuchten Soulsamples, allen voran Willie Hutch mit »Let Me Be The One« auf »The Ending«, die inhaltliche Stärke der Introspektive in die Gruppe durch Kevin, sowie der finale Track: »Brockhampton«. Dieser Track vereint die inhaltliche Stärke der Lyrics und Reflektion des Albums und bringt dies auf einem dramatischen Beat mit zerebraler String Section über vier Minuten zum Höhepunkt. Dabei werden auch alle Mitglieder der Gruppe einzelnd mit ihren persönlichen Stärken und Beiträgen zur Formation vorgestellt, was für einen versöhnenden und kathartischen Abschluss sorgt.

Kritikpunkt des Albums ist die kurze Länge. 17 Tracks über 35 Minuten sorgen für teilweise viel zu kurze Songs, bei denen im Inhalt nicht weit genug ausgeholt werden kann, auch wenn er über das Album hinweg kohärent ist. Das sorgt auch dafür, dass »The Family« genau das verlangt, was ein finales Album nicht ausstrahlen sollte – es ist nicht genug und man möchte mehr hören. Aber es ist eben nicht nur bei diesem Album geblieben. Völlig überraschend wurde mit Release von »The Family« ein weiteres Werk für den Abend darauf angekündigt: »TM«.

»TM« bietet das, was »The Family« nicht hat – deutlich längere und musikalisch abgeschlossene Tracks, sowie die volle Besetzung in Vocals und Produktion. Dafür ist kaum ein übergreifendes Thema erkennbar. Als Sammlung aus unveröffentlichten Werken werden hier verschiedene Zeitpunkte in der Historie von Brockhampton auf einem Projekt zusammengewürfelt. Damit sind die Tracks auch deutlich verstreuter zwischen anfänglicher Leichtigkeit und der angespannten, in der Auflösung endenden Stimmung. Bei einigen Tracks ist man sich auch nach mehrmaligem Anhören nicht über den Inhalt bewusst.

Musikalisch weichen hier Samples den athmosphärischen Synths. Die klare Stimme von Kevin aus dem ersten Release wird durch mehr kollektivtypischen Autotune und hochgepitchte Vocals ersetzt. Inhalt weicht Ästhetik und zum Wohle des Werkes wird diese Soundästhetik dennoch sehr stimmig umgesetzt. Neu auf dem Album sind insbesondere auf dem Track »Man On The Moon« zu findende Dancevibes in der Produktion. Eine four-on-the-floor Kick unterstützt dabei die Highlight-Hook des Albums und gibt dem Track eine gewisse positive Dringlichkeit.

Durch die verschiedenen Konzeptionszeitpunkte der unterschiedlichen Songs wird das Zerbrechen des Kollektivs auf »TM« kaum thematisiert – ein bisschen allerdings auf dem Closer »Goodbye«. „It’s over, I’m out” wird hier von Joba gesungen, während es zum Ende des Tracks “This ought to be the best time of our lives“ heißt. Das beschreibt wiederum gut, wie sehr sich Brockhampton als Kollektiv nicht vom Verlust der Leichtigkeit erholen konnte und den unerreichbaren alten, besten Zeiten ihres Lebens hinterherläuft. Highlights von »TM« beinhalten die zuvor angesprochenen, dezenten Dance Einflüsse in der Produktion und die Gesangseinlagen von Producer-turned-Singer, Jabari Manwa.

Im Allgemeinen bieten »The Family« und »TM« komplett unterschiedliche Einblicke in die Gruppendynamik von Brockhampton. Und es passt schon, dass »The Family« als das finale Album betitelt wird, denn schlussendlich ist es das Werk, das die Auflösung der Gruppe am ehesten thematisiert. »TM« ist hingegen eher ein Addendum; das Wegbier auf dem Heimweg nach der Tragödie im Kino, die von Kevin Abstract als Soloalbum vorgetragen wurde. Die beiden Alben ergänzen ihre Schwächen gut und doch wünscht man sich von »The Family« noch mehr Länge innerhalb der Tracks und von »TM« mehr Kohärenz. Doch wo beide Alben treffen, da treffen sie hart; zwei komplett verschiedene Ansätze zur Produktion werden jeweils geschmackvoll umgesetzt und obwohl die Alben auch zur Erfüllung des Vertrags gelten sollen, so sind es keinesfalls Wegwerfwerke, die in der Diskografie komplett untergehen.

Schlussendlich kann das Ende von Brockhampton allerdings auch neue Anfänge für die einzelnen Mitglieder schaffen, denn jede einzelne Person in der Gruppe hat das Talent dafür. Allen voran Kevin Abstract, der sich mittlerweile bereits auf drei Soloalben beweisen konnte, aber auch jeder der weiteren Rapper (Matt Champion, Merlyn Wood, Dom McLennon), Sänger (Bearface, Joba, Jabari Manwa) oder Produzent (Romil Hemnani, Kiko Merley und wieder Jabari Manwa) des Kollektivs kann problemlos in der Szene einen Namen für sich selbst machen. Und vielleicht kommt mit einem Neuanfang auch wieder eine neue Leichtigkeit für die einzelnen Mitglieder.

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Bereits Anfang des Jahres gab die Gruppierung überraschend eine Schaffenspause auf unbestimmte Zeit sowie die Absage der meisten Tourstopps bekannt (News: Brockhampton kündigen eine Pause auf unbestimmte Zeit an und sagen Tour ab). Differenzen innerhalb der Gruppe sollen der Hauptgrund für das Ende von Brockhampton gewesen sein – nähere Infos bringt der neue Track »Brockhampton«, auf dem Kevin über die Hintergründe rappt.

Generell birgt »The Family« einiges an Aufklärung für die Fragen der Fans. Unter anderem bringt Kevin Abstract vertragliche Differenzen als Grund an. Aber ganz abseits vom Erklärungen liefern, gibt es auch einfach einiges an neuer guter Musik. Die 17 Tracks über 35 Minuten, darunter die zwei Leadsingles »Big Pussy« und »The Ending« sowie das Album Artwork, sorgen für einen kurzweiligen, chaotischen und experimentellen Abschluss, der den vergangenen Projekten nachgehend auch durchaus einige Emotionen mit sich bringt.

Nun fehlt nur noch »TM«, das gemeinsame letzte Album des Künstlerkollektivs Brockhampton, die in der Vergangenheit durch einen progressiven und unvermittelten Umgang mit Musik für so viel frischen Wind in der Hip-Hop Szene gesorgt haben. Wir können gespannt sein, wie eine derart exzentrische Gruppe ihr bevorstehendes Ende findet – hoffentlich mit einem weinenden und einem lachenden Auge.

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